La nueva versión de Superman de James Gunn ha creado un nuevo interés en los cómics DC, y nos recuerda que El Hombre de Acero ha sido una figura icónica en el cine durante más de 80 años, pero aunque hemos visto también sus mejores series de acción real, su legado en la animación es también impresionante y en esta etapa de resurrección del personaje es interesante darle un buen repaso. 

Desde los revolucionarios cortos de los estudios Fleischer en los años 40 hasta las producciones modernas que reimaginan al héroe de Metrópolis y sus aliados, las series animadas de Superman han definido la visión del último hijo de Krypton en movimiento. Esta lista de JustWatch te ayudará a encontrar las mejores y dónde puedes verlas en streaming.

1. Superman (1941-1943) - Fleischer Studios

Los cortos animados de Superman (Hermanos Fleischer) marcan el debut del personaje en la animación, 17 piezas que salieron tres años después de la primera aparición del superhéroe en los cómics. Son considerados obras maestras de la animación clásica, capturando el espíritu del cómic mejor que cualquier película de acción real, aunque si te gustó la Superman de Richard Donner, entenderás de dónde viene su encanto.

Su estilo Art Deco temprano afín a la era original de Superman Action Comics y vibras de cine negro llena de fondos detallados que los diferencia de interpretaciones más modernas como Mis Aventuras con Superman, que suelen tener un aspecto más limpio y brillante. Aquí se prioriza la majestuosidad y el poder sobre la introspección personal del héroe. La famosa frase "más rápido que una bala, más poderoso que una locomotora" se originó en estas producciones, y el diseño visual estableció una plantilla de oro que seguiría en las décadas de adaptaciones posteriores.

2. Las Nuevas Aventuras de Superman (1966-1969)

En los años 1960, la nueva compañía de animación Filmation Associates persuadió a DC Comics para permitirles hacer unos dibujos animados de su héroe estrella, así que produjo la serie Las Nuevas Aventuras de Superman para la CBS que, en su segunda temporada, fue renombrada "La Hora de Aventura de Superman/Aquaman", y en 1968, se convirtió en "La Hora de Batman/Superman". Con un estilo más económico y una animación limitada, típica de los 60, tiene ese aspecto naif del Batman de Adam West en su simplicidad y encantadora.

Sirve de puente entre el Superman de los cómics de la Silver Age y las series de Hanna-Barbera, especialmente por el hecho de que fue cancelada en parte por las protestas por su contenido violento de Action for Children's Television, algo que tendría un impacto directo en Los Super Amigos, mucho más masticable por edades inferiores. 

3. Los Super Amigos (1973-1986)

Las propuestas por la violencia hicieron que en los años 1970 Hanna-Barbera produjera una nueva serie más amable, basada en el crossover de DC Comics de La Liga de la Justicia de América, a la que titularon Los Super Amigos. Se estrenó en la cadena ABC en el 1973, pasando por varias encarnaciones durante 13 años, un éxito tan grande que derivó en una vuelta a los cómics, creándose una nueva colección bajo su título que funcionó de 1976 a 1981. 

Cada semana, Superman vivía aventuras con Batman, Wonder Woman, Aquaman y otros héroes icónicos con un tono considerablemente más ligero que series más oscuras y complejas como  Liga de la Justicia Ilimitada, ya que funciona casi como una versión infantil de dicha serie, pero mantuvo vivo el interés por el personaje durante una etapa en la que sus tebeos ya no atraían igual. Es perfecta para niños y quienes quieran ver a un Superman menos conflictivo y más centrado en la amistad y la moralidad simple, sin las tramas profundas o los dilemas morales de un superman con tendencia a lo oscuro de películas como Batman V Superman: El amanecer de la justicia.

4. Superman: La Serie Animada (1996-2000)

Parada obligada aquí para los que crecieron con Batman: La Serie Animada, ya que, tras el éxito rotundo de esta, sus creadores, Bruce Timm y Paul Dini se embarcaron en la ambiciosa tarea de reinventar también a Superman, captando la grandeza mítica del personaje y su humanidad, con el estilo elegante de su otro hit. 

Así, Superman: La serie animada también logró versiones aclamadas de villanos clásicos como Lex Luthor, Metallo o Darkseid, nada menos que con Clancy Brown, Malcolm McDowell y Michael Ironside en las voces, y exploró la mitología kryptoniana en historias maduras que no subestimaban la inteligencia de los chavales. Crea una brecha con los cortos de los Fleischer, porque aquí se explora por primera vez la humanidad de Clark Kent con una narración sofisticada, bien escrita, e inconfundible su estilo visual de líneas limpias y color explosivo, lo que la convirtió en la serie más elegante del héroe durante tres temporadas.

5. Liga de la Justicia y Liga de la Justicia Ilimitada (2001-2006)

La transición natural de la anterior fue Liga de la Justicia, donde Superman encontró su lugar como el corazón moral del equipo de superhéroes más poderoso de la Tierra, es un líder y, similar a cómo se lo presenta en la película animada Superman:Sin límites, pero en un contexto de equipo. Su nuevo rol a veces generaba conflictos con sus compañeros, especialmente con Batman, creando dinámicas inesperadas de forma paralela a las amenazas cósmicas a las que se enfrentaban, por lo que los que hayan conocido al personaje en películas pirotécnicas como Liga de la Justicia: Mundo bélico, entenderán que aquí está la base de todo.

A partir de 2004, la serie pasó a ser Liga de la Justicia Ilimitada, y ofrecía un contexto mucho más amplio con docenas de superhéroes de DC Comics incluyendo a Batman, Wonder Woman, Green Lantern, The Flash, Hawkgirl y Martian Manhunter entre otros. En esta serie se incluyó la memorable saga "Un Mundo Mejor", que cuestionaba qué pasaría si Superman decidiera tomar un rol más activo en la política mundial, tramas sorprendentemente adultas que superan en profundidad incluso a producciones posteriores como La Liga de la Justicia: Acción.

6. Krypto, el Superperro (2005-2006)

En la nueva película de Superman aparece por primera vez su perro en acción real, pero este ya había tenido su propia serie animada en Krypto, el Superperro. Indicada para los más pequeños, pero sin sacrificar la calidad narrativa, los dibujos seguían las aventuras del can kryptoniano, enviado por Jor-El como pasajero de un cohete de prueba antes que a su hijo. Sin embargo, un accidente manda al perro a una órbita suspendida hasta que su cohete llega a la Tierra años después de la llegada de Kal-El. 

Como en Los Super Amigos, aquí el objetivo es el entretenimiento puro para los niños, introduciendo el mundo de DC de una forma amable y divertida. Seguro que los más pequeños de la casa disfrutarán con su equipo, estilo La patrulla canina, junto a otras supermascotas, encarnando las mejores cualidades de sus amos, aunque en esta ficción es adoptado por un niño humano llamado Kevin Whitney. Los villanos eran los animales de tipos como Lex Luthor y Catwoman, como en la película DC Liga de supermascotas, que funciona como complemento perfecto. 

7. La legión de Superhéroes (2006)

Estrenada en Cartoon Network en Estados Unidos en septiembre de 2006, La legión de Superhéroes tuvo dos temporadas con 13 episodios cada una, en las que, el legendario Hombre de Acero inspira a un grupo de jóvenes héroes emergentes del siglo 31 a unirse y defender los planetas unidos recién formados, si es que no se matan entre ellos primero. Para los que quieran ver a un Superman en un rol diferente y explorar una parte menos conocida de él, con una premisa que encajaría a quienes les apetezca ver algo como Batman del futuro: El regreso del Joker, donde un héroe mayor inspira a una nueva generación con el otro grande del universo de DC

En la primera temporada, los legionarios Bouncing Boy, Brainiac 5, Saturn Girl y Lightning Lad viajan atrás en el tiempo para convencer a un adolescente torpe llamado… Clark Kent, ojo, para unirse a su grupo de superhéroes del futuro y luchar contra sus archienemigos, los Fatal Five. En la segunda temporada Superman y la legión se enfrentaban a un desafío aún mayor: Kell-El, el Superman del siglo 41. Casi nada, un proyecto que resulta casi cine experimental frente al clasicismo ordenado de Las Nuevas Aventuras de Superman.

8. La Joven Liga de la Justicia (2010-2013)

La nueva generación de héroes incluye a Robin, Aqualad, Kid Flash, Superboy, Miss Martian y Artemis y, bajo el nombre de La Joven Liga de la Justicia llegaron a tener hasta cuatro temporadas, por lo que, a pesar de su inexperiencia lograron ser tan longevos en pantalla como sus versiones mayores de Liga de la Justicia y Liga de la Justicia Ilimitada.

Sin embargo, estos héroes juveniles realizan misiones encubiertas que la Liga de la Justicia no puede afrontar debido a su estatus icónico y poder estelar, además, estos chicos están en entrenamiento constante para tomar la alternativa de los grandes héroes. Si la propuesta de Teen Titans Go es tu visión ideal de DC, esta no va desencaminada, pese a estar más centrada en problemillas adolescentes y tener un estilo de dibujo más estilizado y estiradito.

9. La Liga de la Justicia: Acción (2016-2018)

Una versión cortita y llena de movimiento de la Liga de la Justicia, incluyendo a Superman, Batman y Wonder Woman, a quienes se unen una variedad de aliados y enemigos mientras defienden la Tierra de supervillanos y diversas amenazas. La Liga de la Justicia: Acción es casi una versión "fast food" de la Liga de la Justicia Ilimitada, pero sin su diseño de línea pulcra, resultando más breve, más caricaturesca y con dinamismo constante. 

Un mojito fresco de Cartoon Network con ritmo rápido, acción implacable y diversión constante mientras rotan aliados y enemigos como John Constantine, Zatanna, Booster Gold, Plastic Man, Lobo, Mr. Freeze, Black Adam y La cosa del pantano, juntos contra invasores espaciales y fuerzas bizarras de la magia negra. Una buena opción para los que quieran ver a Superman y sus amigos sin la necesidad de seguir una trama compleja a largo plazo, comparable a DC Super Hero Girls en concepción efímera, de episodios auto-conclusivos.

10. Mis Aventuras con Superman (2023-)

Mis Aventuras con Superman representa la reinvención más fresca y emocionante del personaje en mucho tiempo, quizá porque está detrás el canal Adult Swim, que propone un regreso a los orígenes del personaje, presentando a un Clark Kent joven descubriendo sus poderes con un estilo de animación inspirado en el anime que no resultará extraño a quienes siguieran Batman del futuro o Blade, de la antología Marvel anime.

Tiene lo mejor de Superman: la serie animada, pero su enfoque en la humanidad de Clark muestra a un héroe no tan seguro de sí mismo que hemos visto en otras adaptaciones, un Superman vulnerable e inseguro, un concepto que no se había visto desde Smallville, y cuya relación con Lois Lane se desarrolla poco a poco, mientras se enfatiza su amistad con Jimmy Olsen, al estilo de una comedia romántica juvenil, que encaja para los que encuentren demasiado boomer al Clark enamorado de Superman y Lois.

El concepto de intercambio de cuerpos entre madre e hija ha fascinado a Hollywood desde hace décadas, y ninguna franquicia lo ha explorado con tanta persistencia como Ponte en mi lugar (Freaky Friday), cuya versión más popular estrenó una secuela en 2025 bajo el título Otro viernes de locos, por lo que la ocasión es estupenda para repasar toda esta saga, o más bien universo.

No mucha gente sabe que, en realidad, no comenzó con la película con Jamie Lee Curtis y Lyndsay Lohan, sino que fue en 1976, con la adaptación de la novela de Mary Rodgers. Luego se ha reinventado la misma premisa en múltiples ocasiones, adaptándose a las sensibilidades de cada época, aunque las comedias familiares de Disney (podéis ver las mejores en nuestra lista de sus mejores películas) se han llevado el premio acumulando más versiones. En nuestra guía de JustWatch te mostramos todas en orden y te decimos dónde puedes verlas.

1. Viernes loco (1976)

Barbara Harris y Jodie Foster fueron la primera madre e hija adolescente que intercambian cuerpos tras pedir un deseo mágico en un restaurante chino. Era 1976 y el tono más serio que sus sucesoras, especialmente que Ponte en mi lugar (2003), con tensiones generacionales de la época e incluso cierto realismo psicológico en el cambio de personalidades. 

Viernes Loco es sin duda una parada obligatoria para los fans de Foster, puesto que, como en la terrorífica, y también recomendable, The Little Girl Who Lives Down the Lane, del mismo año, se pueden ir viendo los destellos del talento que la convertiría en una de las actrices más respetadas de Hollywood, y aquí logra emanar frustración adolescente muy auténtica que equilibra la premisa fantástica con comedia y reflexión sobre las diferentes perspectivas de la edad, así que no te disgustará si te sorprendió Lady Bird.

2. Summer Switch (1984)

Summer Switch representa la primera y última vez que la franquicia experimenta con el intercambio de cuerpos entre padre e hijo, en lugar de madre e hija. Un ejecutivo y su hijo adolescente intercambian cuerpos durante las vacaciones de verano, y esta variación en la fórmula le permite explorar dinámicas familiares diferentes, como las expectativas paternas y las presiones de la adolescencia, en una versión que puede ser un buen complemento para los que quieran completar una trilogía “masculina” con otros films apócrifos como De tal palo, tal astilla o Viceversa. El contexto veraniego ofrece situaciones cómicas en un campamento y deja clara la versatilidad del concepto, abriendo paso para otras más ligeras como Qué desmadre de hija, pero no es una de las mejores entregas.

3. Un billón para Boris (1984)

La única conexión de esta “secuela” con la original es que adapta otra novela de Mary Rodgers, pero sin seguir exactamente la fórmula del intercambio de cuerpos, aunque se considera parte del “universo temático Freaky Friday”. En Un billón para Boris, Annabel Andrews (Alex Rocco), descubre que su tele puede sintonizar la programación del día siguiente, lo que le permite predecir el futuro y ayudar a su vecino Boris a ganar dinero.

El ADN de Viernes loco se mantiene al colocar a adolescentes frente a situaciones extraordinarias causadas por una “magia” destinada a enseñarles lecciones importantes sobre la responsabilidad y aquí, concretamente, el destino, las consecuencias de nuestras acciones, y la importancia de vivir el presente, ideas que regresarán en futuras entregas. Para completistas que busquen más adaptaciones moralista de la autora como El diablo y Max.

4. Qué desmadre de hija (1995)

Otra nueva versión para los años 90, aunque esta vez directamente para televisión. Qué desmadre de hija, que estaba protagonizada por Shelley Long y Gaby Hoffmann, mantiene la premisa básica de siempre del cambio de cuerpos entre madre e hija, pero incorpora elementos culturales y tecnológicos de su época, con un mayor énfasis en la rebeldía y las diferencias generacionales de música, moda y actitudes sociales, reflejando los cambios de la década de “lo cool”. Los que vivieran la proyección televisiva colorida de la adolescencia de Sabrina, la bruja adolescente y Blossom se encontrarán en terreno familiar.

Long, que se curtió en la comedia gracias a Cheers, aporta mucho más humor que las anteriores, con una gran química con Hoffmann, lo que sirve de puente entre la seriedad de la original y el enfoque ligero de las posteriores adaptaciones, abriendo media puerta para la Ponte en mi lugar de Disney.

5. Ponte en mi lugar (2003)

La versión más conocida de la franquicia llegó en 2003, con Jamie Lee Curtis y Lindsay Lohan como protagonistas. Ponte en mi lugar es la adaptación de Disney que modernizó completamente la historia, incorporando elementos de rock, romance adolescente y humor tipo slapstick, con Curtis desatada como una rebelde en plena pubertad atrapada en el cuerpo de su madre conservadora, nada que ver con la contención casi ingenua y educativa de Viernes loco.

Mark Waters logró equilibrar la comedia con el gancho emocional de la saga, incorporando nuevos conceptos como el nuevo trabajo femenino o las familias reconstruidas que ayudaron a que arrasara en taquilla. Mientras tanto, Lohan hacía un poco lo contrario que en la vida real, ser una adulta responsable en el cuerpo de una chavala de pelo alborotado y medias de color. Es una parada obligatoria para sus fans, completando la evolución de niña Disney de Tú a Londres y yo a California a la adolescente de Chicas Malas.

6. Ponte en mi lugar (2018)

Hace unos años, Disney empezó a olfatear que una generación empezaba a tener nostalgia de los años 2000 y, en consecuencia, de su “nuevo clásico”, así que produjo esta Ponte en mi lugar musical para su canal de televisión, protagonizada por Cozi Zuehlsdorff y Heidi Blickenstaff. Un reflejo del éxito de la idea principal, que triunfaba en Broadway a partir de la película de 2003, y por tanto se enfoca sobre todo en los aspectos musicales de aquella, que no están en Qué desmadre de hija.

Tiene canciones nuevas e ideas que reformulan la plantilla del original hasta tal punto que sus temas de presión académica, redes sociales y expectativas familiares en la era digital, la convierten en un objeto extraterrestre frente a Summer Switch o Un billón para Boris. Además, sirve como una exploración más espontánea de los sentimientos de los personajes gracias a letras con una honestidad cristalina.Especialmente recomendada para los que amen su concepto de intercambio en versiones de diferentes géneros, como el terror de Este cuerpo me sienta de muerte, o, ahí viene el trabalenguas, las películas musicales basadas en musicales basados en películas como Hairspray.

7. Otro viernes de locos (Freakier Friday, 2025)

Era inevitable. Si el musical ya indicaba un redescubrimiento inesperado por nuevas generaciones, el Óscar de Jamie Lee Curtis y la “recuperación” a la vida pública de Lindsay Lohan hacía lógico que ambas volvieran a sus papeles originales en Otro viernes de locos, que nos muestra qué sucede años después del primer intercambio de cuerpos, cuando Lohan es ahora madre y debe lidiar con su propia hija adolescente.

Una secuela que, si ya es más loca que Ponte en mi lugar, convierte a Viernes loco en una anécdota, puesto que se atreve con un intercambio cuádruple, incluyendo abuelastra y nieta, y en la que Mark Waters vuelve tras la cámara, planteando cómo lecciones aprendidas en la primera peli han cambiado la relación madre e hija. Especialmente indicada para la generación de Tuenti que ya son padres que busquen una dosis de nostalgia de “su época” al estilo Mamma Mia: Una y otra vez o American Pie: el reencuentro.

Conocemos a muchos personajes del universo DC que han mantenido una presencia constante durante los años, pero pocos resultan tan entrañables como el fiel compañero canino de Superman, que ha aparecido por primera vez en acción real en el cine en la película de James Gunn, una gran ocasión para fijarnos en su trayectoria en la ficción. 

Durante casi seis décadas, Krypto ha saltado del cómic a la pantalla, adaptándose a diferentes épocas, estilos y públicos, por ello vamos a repasar en esta lista retrospectiva cuáles han sido sus principales apariciones en la televisión, principalmente, y dónde puedes verlas en streaming.

Primera época: apareciendo (1966-1996)

1. The Adventures of Superboy (1966)

The Adventures of Superboy es el debut histórico de Krypto en pantalla, estableciendo las bases de lo que se convertiría en un icono del universo DC. Similar a Las nuevas aventuras de Superman, el estilo visual es similar al que definía las producciones de Filmation de esa década. Krypto demuestra su lealtad inquebrantable como fiel compañero canino de Superman, ayudando a encontrar objetos perdidos y rescatando personas en situaciones peligrosas, incluso cuando hay bombas a punto de explotar. Aunque funciona principalmente como elemento de apoyo, similar a como Robin aparecía en Las aventuras de Batman de la misma época, su personalidad simple pero efectiva estableció el ADN del personaje que perduraría décadas. 

Con un diseño fiel a los cómics de la Edad de Plata, esta es versión más pura del concepto original, perfecta para quienes buscan los orígenes del superperro y quieren entender cómo nació dentro del contexto de la explosión animada de DC de los años 60 y la evolución del personaje desde sus humildes comienzos hasta las interpretaciones modernas como DC Liga de supermascotas.

2. Batman: la serie animada (1994)

Durante estas primeras décadas, Krypto se mantuvo relativamente ausente de las adaptaciones principales, apareciendo principalmente en material animado dirigido a audiencias más jóvenes. En Batman: la serie animada, Krypto hace una aparición que, aunque menor, representa un momento significativo en su transición hacia las adaptaciones más sofisticadas de los años 90, un puente entre las primeras versiones simplistas de los años 60 y las interpretaciones más complejas que vendrían. 

La serie, que revolucionó el género superheroico animado junto con X-Men: The Animated Series, estableció nuevos estándares visuales y narrativos que reconocerán los fans de las producciones posteriores del DCAU como Batman: El cruzado enmascarado. Ideal para completistas que quieran rastrear cómo diferentes estudios de animación interpretaron al personaje.

3. Superman: la serie animada (1996)

Superman: la serie animada ofrece una de las interpretaciones más emotivas de Krypto, centrándose en sus orígenes kryptonianos como parte de la familia de Jor-El. Principalmente aparece en el episodio "El último hijo de Krypton", donde funciona como la mascota del hombre de acero en su infancia, pero nunca llega a la Tierra. Esta decisión narrativa, crea una melancolía única y emotiva, que puede encajar a quienes disfruten de flashbacks familiares al estilo Steven Universe. 

Su tratamiento aquí contrasta dramáticamente con la versión más aventurera de Krypto: El superperro , ofreciendo un precedente importante sobre los vínculos familiares del supercan, esencial para quienes buscan una interpretación más emocional de la relación con su amo, no tanto del enfoque puramente heroico.

La nueva era de las Series Animadas (2004-2012)

4. Liga de la Justicia Ilimitada (2004)

En Liga de la Justicia Ilimitada, Krypto gozaba de una representación más humanizada, mostrando ya de forma sólida la dinámica familiar desarrollada entre el perro y su dueño a través de situaciones cotidianas. Aunque sigue el patrón de ser una mascota sin capa ni heroísmo activo, como parte del DCAU iniciado con Batman: The Animated Series, es una serie continuista, ideal para los que disfruten de ese enfoque visual nacido de las producciones de Bruce Timm. 

Si los momentos íntimos entre superhéroes, al estilo La joven Liga de la Justicia, son lo tuyo, esta serie toca esos mismos puntos, además de ser la preparación para la explosión de personalidad que harán creíble su posterior protagonismo en Krypto: El superperro, y su enfoque en la vida cotidiana contrasta con la épica que veremos en DC Liga de supermascotas.

5. Smallville (2004)

Smallville presentó a Krypto en su cuarta temporada, aunque sus poderes eran temporales limitados a la súper fuerza, ya que habían sido desarrollados como resultado de experimentos con kryptonita en LutherCorp. Esta versión es más un experimento narrativo que una historia de origen canónica y contrasta con la versión más mística de Superman: la serie animada, ofreciendo una alternativa más “científica”. 

La temporalidad de sus poderes tampoco se encuentra en otras versiones, pero aún así establece un precedente importante para futuras adaptaciones live-action como el Superman de Gunn. La serie de CW creó también una forma de entender DC que tendría calado en el Arrowverso, así que cualquiera que disfrute de Supergirl, Arrow y Flash le debe un visionado.

6. Krypto: El superperro (2005)

Krypto: El superperro es la obra cumbre del personaje, con 39 episodios como protagonista absoluto en una serie que cambió para siempre la percepción del superperro, ya que vemos por fin sus habilidades desarrolladas al máximo: saltos a grandes alturas, súper velocidad y aliento congelante. Contemporánea a la Teen Titans de 2003, esta producción de Cartoon Network encajará con los que disfrutaron con el enfoque educativo y aventurero de Legión de Superhéroes.. A. La serie introdujo conceptos fundamentales como su relación con otros animales superhéroes lo que convierte a ésta en una hermana de DC Liga de supermascotas.

Como aquella, es perfecta para audiencias infantiles o jóvenes que necesitan entretenimientos luminosos y edificantes, no disgustará a los niños que quieran ir una patita más allá de La patrulla canina pero con superpoderes, y por supuesto es imprescindible para cualquier fan del personaje, así como un punto de entrada ideal para los más pequeños que se quieran iniciar en el universo DC.

7. Batman: The Brave and the Bold (2008)

En Batman: The Brave and the Bold, Krypto aparece en un par de episodios en los que aparecía interactuando con otros héroes del universo DC de manera más integrada. La serie está especialmente indicada para los que conectan con el tono alegre de Los Súper amigos pero buscan una mayor sofisticación narrativa, en general para espectadores que disfrutan de las aventuras clásicas de superhéroes con un toque retro.

La inclusión de Krypto es menos prominente aquí que en La Liga de la Justicia en acción, donde se convertiría en un miembro más del equipo, pero sí que anticipa su rol.y sirve de introducción para nuevos fans que quieran ver al superperro en acción sin el compromiso de una serie completa dedicada a él.

8. Superman/Batman: Apocalipsis (2010)

Superman/Batman: Apocalipsis, presenta una faceta más compleja de Krypto, mostrando su naturaleza protectora y su inicial desconfianza hacia los extraños, especialmente hacia Supergirl. Es quizá la primera de esta lista que puede estar dirigida a audiencias maduras que buscan ver su lado más “realista”, quizá para los que vieron cómo Batman del Futuro reimaginó personajes clásicos en contextos más adultos. 

Su tratamiento aquí contrasta significativamente con la versión más juguetona de Teen Titans Go , demostrando la flexibilidad del personaje para adaptarse a diferentes tonos narrativos, un puente entre las interpretaciones más infantiles y las versiones más sofisticadas de acción real, estableciendo un precedente que series como La joven Liga de la Justicia, seguirían con sus propios personajes animales.

9. DC Nation Shorts (2012)

Los DC Nation Shorts eran tan cortitos que ofrecieron una visión experimental de Krypto y le permitieron interacciones innovadoras con otros personajes del universo DC, incluyendo su memorable encuentro con Green Lantern donde demuestra su personalidad juguetona. Aquí vuelve al cameo puntual como en Batman: The Brave and the Bold, por lo que los espectadores con poco tiempo tienen aquí dosis concentradas de entretenimiento superheroico, una alternativa refrescante a las narrativas más extensas de Krypto: El superperro. Aunque este formato le daría más espacio en una sección de la misma serie llamada DC Super Pets en 2013.

La experimentación visual y narrativa de estos cortos influenció directamente el tono más dinámico que adoptaría en La Liga de la Justicia en acción, anticipando el formato de antología que series indicadas para los que disfrutan de formatos innovadores fuera de las estructuras narrativas tradicionales del universo animado de DC, que otras como Vixen utilizarían años después.

La Era Moderna (2016-2025)

10. La Liga de la Justicia en acción (2016)

La Liga de la Justicia en acción marca el inicio de la era moderna de Krypto con una reinterpretación más dinámica y orientada a la acción. Aquí el supercan es un miembro más del equipo de superhéroes, participando directamente en las misiones y demostrando una iniciativa propia solo comparable a la de Krypto: El superperro, y su papel más protagónico prepara el terreno para su estrellato absoluto en DC Liga de supermascotas.

Es perfecta para quien busque acción constante y un ritmo acelerado, comparable a Cuidado con Batman en términos de densidad narrativa, permite que cada aparición de Krypto sea memorable y significativa. Aquí es un héroe competente e independiente, contrastando con el rol más doméstico que tendría en Superman y Lois. 

11. Teen Titans Go (2017)

Teen Titans Go presentaba una versión más cómica de Krypto, que convierte su comportamiento canino típico en una fuente constante de humor, incluyendo una memorable escena donde bebe agua del inodoro. Seguramente es la visión favorita de James Gunn y que Krypto sea tan poderoso como ridículamente animal, le abrió los ojos para usarlo como comodín de su comedia irreverente en Superman.

El tono y su humor absurdo contrasta dramáticamente con su predecesora Teen Titans, o las interpretaciones más serias de Superman/Batman: Apocalipsis y Titanes, así que es ideal para espectadores que buscan entretenimiento ligero y que disfrutan del humor que no toma en serio las convenciones superheroicas, similar al enfoque que Harley Quinn adoptaría años después. 

12. Lego DC Comics Superheroes: Flash (2018)

Lego DC Comics Super heroes: Flash  marca el debut de Krypto en el universo LEGO, adaptando su personalidad al estilo que caracteriza a estas producciones. Aunque su papel es secundario,la mascota se integra perfectamente en el tono auto-referencial y divertido que apreciarán los que disfrutaron de La LEGO película. Esta aparición funciona como un experimento que validaría futuras inclusiones del personaje en otros formatos no tradicionales.

Perfecta para públicos familiares, tiene capas de humor que van desde lo físico hasta lo meta-textual, y contrasta con la versión más realista de Titanes aparecida el mismo año, y en general con las interpretaciones más intensas del personaje.

13. Titanes (2018)

Titanes ofrece la primera visión en acción real de Krypto, presentando una versión realista alejada dramáticamente del estilo animado naif de The Adventures of Superboy. Este enfoque permite explorar los problemas prácticos de tener un superperro, especialmente para mantener en secreto su identidad y poderes, aunque su tono maduro es más adecuado para quienes disfruten con Gotham o Doom Patrol. 

Esto propone un nuevo paradigma para adaptaciones en vivo del personaje, ideal para audiencias serias, y todavía aún más realista que el enfoque colorido que adoptaría James Gunn en su Superman.

14. DC Super Hero Girls (2019)

DC Super Hero Girls presenta a Krypto como "el perro más grandioso del universo", una descripción que encapsula su estatus en ese momento dentro del universo DC. Esta serie, dirigida a audiencias jóvenes, especialmente niñas, reinterpreta al superperro dentro de un contexto educativo y empoderador que lo convierte en un modelo positivo e inspiracional, interactuando con versiones más jóvenes de heroínas icónicas.

Alejándose del enfoque más “oscuro” de series como Gotham Girls, esta serie es más optimista, colorida e ideal para quienes busquen contenido educativo con valores positivos para introducir a sus hijas al universo DC, sobre todo si han visto o les han gustado las películas de Wonder Woman.

15. DC Liga de supermascotas (2022)

El 2022 fue especialmente significativo para el personaje con donde Krypto fue el protagonista principal por primera vez en una película estrenada en cines: DC Liga de supermascotas el pináculo absoluto del personaje, un upgrade natural de Krypto: El superperro, manteniendo su liderazgo frente a otros animales superhéroes y su capacidad para trabajar independientemente de Superman, pero con un presupuesto y ambición mucho mayores.

Comparable en calidad y humor a Zootrópolis, su éxito comercial y de crítica validó a Krypto como estrella por derecho propio, y demostró su potencial comercial a gran escala, influyendo directamente en su inclusión en la versión de James Gunn de Superman. 

16. Batman y Superman: La batalla de los Super hijos (2022)

Batman y Superman: La batalla de los Super hijos, presenta la versión más feroz de Krypto hasta el momento, pese a un papel más secundario que el de DC Liga de supermascotas. Un enfoque impactante que contrasta con interpretaciones idílicas y dóciles como en Superman: la serie animada. Esta película explora sus facetas más salvajes, alejándose de las versiones domésticas, pero conservando su lealtad entrañable. Perfecta para quienes buscan ver el lado más orientado a la acción del animal, dentro de la dinámica entre los hijos de Batman y Superman como mediador, y disfruten de las películas animadas más pirotécnicas de la factoría, al estilo de La liga de la justicia contra los cinco fatales.

17. Scooby-Doo and Krypto, Too! (2023)

Scooby-Doo and Krypto, Too! es un crossover histórico donde el lacayo de Superman actúa como guardaespaldas del perro detective, mezclando elementos de misterio con acción. Para los fans de crossovers imposibles, sí Freddy vs Jason, hablo de tí, o de los múltiples escarceos de Scooby en otras franquicias, como Sobrenatural. 

El tono de intriga es muy distinto al que vemos en Krypto: El superperro y DC Liga de supermascotas, pero establece un precedente para colaboraciones del personaje fuera del universo DC. Una joya para coleccionistas de curiosidades animadas que esconde una conexión oculta que nos indica que el destino existe, ya que las adaptaciones de Scooby Doo a acción real fueron escritas por… James Gun, el responsable de darle a Krypto una nueva vida en el cine.

18. Superman y Lois (2021)

Superman y Lois ofrece una perspectiva radicalmente diferente de Krypto, presentándolo como un Golden Retriever adoptado que simplemente es la mascota familiar en la madurez del Hombre de Acero. Esta interpretación minimalista no tiene nada que ver con las versiones de Superman de Gunn, DC Liga de supermascotas o La Liga de la Justicia en acción, siendo la visión más doméstica y domesticada del personaje, aunque el Krypto más parecido es el de Titanes.

 Una serie, que por otra parte, tiene un tono maduro y enfocado al drama familiar que un seguidor de Friday Night Lights no encontrará extraño, ideal para gente que busca contenido más realista dentro de los elementos superheróicos tradicionales del canal CW.

19. Superman (2025)

La Superman dirigida por James Gunn tiene a un Krypto con naturaleza rebelde y energía incontrolable comparable a la interpretación de Batman y Superman: La batalla de los Super hijos, pero con la independencia de DC Liga de supermascotas, el realismo de Titanes, y el humor irreverente de Teen Titans Go. Su inclusión en el nuevo DCU de Gunn sugiere que el personaje tendrá un rol significativo en el futuro cinematográfico del universo DC. 

La película es idónea para cualquier fan de Gunn, así que si conoces cómo maneja los personajes animales en Guardianes de la Galaxia (Rocket) o El escuadrón suicida (King Shark, ratitas, comadreja), ya sabes por dónde va el balance de humor, corazón y acción del autor, con un respeto por los cuadrúpedos que lleva a convertirlos en héroes 

Antes de dirigir la vida de Jesús y otros clásicos modernos, Mel Gibson fue una de las grandes estrellas del cine de acción de los años 80 y 90. En Arma Letal volvió a hacer de policía algo mal de la cabeza tras bordarlo en Mad Max.

La química entre Gibson y Danny Glover como improbable pareja de policías de Los Ángeles definió todo el género de la buddy movie posterior y dio lugar a una de las franquicias de cine policiaco más exitosas de Hollywood. La saga llegó hasta las cuatro películas y una serie de televisión pero aún a día de hoy sigue habiendo rumores de una quinta entrega que parece estar ya escrita. 

Mientras esperamos por ella, o simplemente si quieres completar nuestra lista de mejores películas de acción con una de las franquicias esenciales para entender el cambio en el género, en esta guía te mostramos cómo ver todas las entregas de Arma Letal en orden y en qué plataformas de streaming están disponibles.

1. Arma Letal (1987)

El gran bombazo que inició las andanzas de Martin Riggs (Mel Gibson), un desequilibrado detective veterano de Vietnam que es emparejado con Roger Murtaugh (Danny Glover), un policía veterano de 50 años que quiere jubilarse tranquilo. El director Richard Donner, famoso por Superman o Los Goonies, volvió a dar con la clave del éxito mezclando acción explosiva y comedia, gracias a un guion de oro de Shane Black que la convierte, sin duda, en la mejor del lote, puesto que los diálogos son memorables, y es que, me puede ser devoto del cineasta, pero la combinación del director de La profecía con el creador de Kiss Kiss, Bang Bang me parece un cóctel insuperable.

Aunque el corazón de Arma Letal es la amistad entre dos hombres muy diferentes, lo que logró una dinámica imitada hasta la saciedad en el blockbuster posterior, alternando el espectáculo, los tiroteos y una entrañable relación casi paternal. Un clásico que establece las bases para toda la franquicia y que, como La jungla de cristal, es secretamente una película navideña. Los fans de John McTiernan, o películas como Límite: 48 horas tienen aquí esperando un tesoro.

2. Arma Letal 2 (1989)

Dos años después de la anterior, seguimos las desventuras de Riggs y Murtaugh contra una red de contrabando de drogas dirigida por diplomáticos sudafricanos. Aunque se echa de menos al autor del guión original, esta segunda entrega fue como encontrarse con dos viejos amigos, pero además lograba ir más allá, profundizando en el pasado militar del personaje de Riggs con un equilibrio perfecto entre acción y comedia, con más presupuesto y grandes efectos especiales.

Aunque no tenga el guión firmado por Black, lo cierto es que todo lo bueno de la primera se amplifica con éxito, quizá porque Donner ya conocía el terreno y se permitió más escenas de persecuciones espectaculares como otras llenas de tensión y comedia absurda, como la icónica escena de la bomba en el váter. Hay días que no tengo claro cuál es mejor de las dos. Lo cierto es que Arma Letal 2 también lograba dar algo de profundidad política a la saga, con la introducción del apartheid sudafricano, logrando superar en taquilla a la anterior, y presentando al querido Leo Getz (Joe Pesci). Aunque se eche en falta a Shane Black, su ADN sigue en cada fotograma, haciendo una buena sesión doble con El último Boyscout.

3. Arma Letal 3 (1992)

Ya con el querido—y también odiado—personaje de Joe Pesci integrado en la panda, la tercera entrega tenía como villano a un ex-policía corrupto convertido en traficante de armas y presentaba a Lorna Cole (Rene Russo), una sargento de asuntos internos que se une a la pareja de policías y le roba el corazón a Riggs. Está un escalón por debajo de las dos anteriores, pero hay que darle el crédito a la evolución psicológica del personaje apuntada en Arma Letal 2 continúe, mostrando su gradual recuperación emocional hacia una comedia más amable.

Esto no significa que Arma Letal 3 no tenga grandes secuencias de acción marca de la casa, como la vibrante persecución por autopista que acaba con Gibson colgando y motos explotando que gustarán a los fans de Dos Buenos tipos. Quizá sea más adecuada para adolescentes que quieran entrar en este mundo, por algo fue su secuela más célebre entre el gran público, ya que, con casi 320 millones de dólares en taquilla mundial, sigue teniendo el récord de recaudación de la franquicia.

4. Arma Letal 4 (1998)

A pesar del bombazo de la anterior, pasaron seis años —el máximo entre entregas para cine—, hasta que llegó la cuarta, que reúne nuevamente a Gibson, Glover, Pesci y Russo, incorporando ahora al cómico Chris Rock como el Detective Lee Butters, lo que definitivamente la convierte en la entrega más adecuada para fans del lado cómico desarrollado en Arma Letal 3. En esta ocasión, el enemigo era una triada china que trafica con inmigrantes ilegales, llevando a los personajes desde Los Ángeles hasta aguas internacionales y dando su primer papel a Jet Li en Hollywood, haciendo que los amantes de las artes marciales la encuentren como guarnición en la receta clásica.

Aunque sea claramente la más floja del conjunto, si hay que ver una de la saga con tus hijos, esa es Arma Letal 4, la más “apta para toda la familia” de todas las secuelas, confirmando, con Riggs completamente integrado en la familia Murtaugh, explorando la paternidad con un tono mucho más amable, quizá más similar a comedias de Gibson como Dos pájaros a tiro o En qué piensan las mujeres, así que los incondicionales de la primera: cuidado, esta va con el piloto automático. Pese a su larga duración, fue otro éxito comercial, aunque sea, por el momento, la última película estrenada en salas, a menos que Gibson cumpla su promesa a Richard Donner antes de morir de dirigir él mismo una quinta parte.

5. Arma Letal: La Serie (2016-2019)

Ya dos décadas después, la franquicia regresó al formato televisivo, manteniendo los nombres y actitud de los personajes originales para una nueva era. Roger Murtaugh fue encarnado por Damon Wayans, mientras que Clayne Crawford fue el elegido para meterse en la piel de Martin Riggs en una versión más oscura de ambos personajes, o al menos menos ligera que Arma Letal 3 y 4, pese a que se mantiene la dinámica de detective suicida frente a un veterano familiar. No es lo mismo que ver a Gibson y Glover, pero, sinceramente, el corazón de las dos primeras late aquí con más intensidad.

Arma Letal: La Serie se actualizaba abordando temas como el trastorno de estrés postraumático, la corrupción policial, o la violencia doméstica. Durante tres temporadas, había más tiempo para explorar arcos narrativos más largos, con más personajes secundarios. Hubo una controversia con Crawford y fue sustituido en la temporada 3 por otro personaje similar, interpretado por Seann William Scott, que habría sido una elección inicial perfecta para Riggs, pero en general, es una buena opción para los que además de adorar las originales, disfrutan de series como Banshee, Reacher, y, por qué no, Corrupción en Miami.

Marvel ha presentado por fin a sus héroes más consentidos, Los Cuatro Fantásticos: primeros pasos, justo cuando el universo cinematográfico ha crecido hasta convertirse en algo tan grande que puede que sufra un reseteo tras Los Vengadores: Doomsday. Los héroes solitarios siempre han tenido su gracia, pero cuando se juntan en equipos es cuando realmente el MCU demuestra su superioridad frente a otros estudios. 

Puedes ir mirando qué películas del MCU son las mejores en nuestras listas de la Fase uno, Fase dos, o Fase tres de peor a mejor, pero sí quieres saber qué supergrupos debes conocer, Desde Los Vengadores originales hasta Los Eternos, a los que nadie les dio mucho amor, nuestra Guía JustWatch te puede servir para saber cuáles son los más potentes, cuál es la mejor película de cada uno y dónde puedes encontrar el resto de sus apariciones si te apetece un maratón.

1. Los Vengadores - Los Vengadores (2012)

Los Vengadores son el grupo que lo cambió todo. Cuando Nick Fury juntó a Iron Man, Capitán América, Thor, Hulk, Viuda Negra y Ojo de Halcón para frenar la invasión de Loki, nació algo insólito en el cine. Egos gigantes que aprendieron a trabajar junto a lo largo de cuatro películas, de la primera formación en 2012 hasta que Tony Stark se sacrificó en Vengadores: Endgame, demostraron que juntos podían enfrentarse a cualquier cosa. Puede que no sean dioses como Los Eternos, pero si aquellos fracasaron por traiciones, la unión es lo que hace a estos más fuertes que los demás.

Los nuevos fichajes como La bruja escarlata, Spider-Man, Falcon y Ant-Man mantuvieron fresco al equipo, que se encamina a dos nuevas aventuras, pero, aunque la mayoría de fans adoran el combo final de películas contra Thanos, yo me decanto por la primera, la misión imposible de Joss Whedon de mostrar a la banda unida por primera vez con una batalla final de casi una hora que aún no ha sido igualada en la pantalla. Si te gusta el cine de superhéroes no creo que haya mejor introducción y, por supuesto, no encontrarás una película mejor en esta lista.

2. Los Guardianes de la Galaxia - Guardianes de la Galaxia (2014)

Los Guardianes se ganaron al público desde el minuto cero. Un mapache parlante, un árbol que solo dice tres palabras (y son todas Groot), un tipo obsesionado con los walkman de los 80, Gamora, que busca redimirse de su pasado asesino, y el grandullón de Drax, que dice las verdades a la cara aunque duelan, pueden salvar la galaxia arreglando sus diferencias. En la primera y mejor película de la trilogía, James Gunn convirtió a los Guardianes de la Galaxia, una pandilla de criminales, en una banda tan disfuncional como entrañable, 

Sigue siendo una de las mejores películas de Marvel, mezclando el humor más gamberro con momentos durillos, como los recuerdos de tortura de Rocket, que esconde su dolor detrás del sarcasmo, todo el humor negro del director mezclado con un lado tierno que ha convertido en su marca de autor, como la idea de que la familia que eliges a veces es más fuerte que la que te toca, una lección que puede mover planetas y que les pone por delante de una famila sólida y tradicional como Los 4 fantásticos. Ideal si te gusta la serie Firefly o las viejas copias canallas de Star Wars como Guerreros del espacio.

3. Los Eternos - Los Eternos (2021)

Los Eternos fueron la apuesta más arriesgada del MCU y, vamos a ver, no todo el mundo se subió al carro, y no les culpo, personalmente creo que es la peor película del lote, un tanto aburrida a pesar de su buena fotografía y de que Chloé Zhao intentó hacer algo distinto con un grupo de seres inmortales que habían protegido en secreto a la humanidad durante milenios. Eso sí, poderosos son, cada uno tiene dones únicos que van desde manipular la materia hasta controlar mentes, pero su verdadera fuerza radica en su diversidad cultural, algo en lo que le sacan ventaja a, por ejemplo a Thunderbolts, que no tienen mucha gama entre ellos, que digamos.

A diferencia de otros comandos mejor avenidos, cuando descubren que su misión real implica sacrificar a toda la humanidad, el grupo se rompe sin solución por un dilema moral que no tiene respuesta fácil. No hay que ser injustos, puesto que la película tiene sus fans, quizá más adecuada para los que disfruten de las aventuras de Thor y otros héroes más parecidos a dioses de DC, como Wonder Woman o la Liga de la Justicia de Zack Snyder.

4. Los X-Men - X-Men: Primera generación (2011)

Los X-Men todavía no están presentados en sociedad como dios manda en el MCU, desde que Disney compró Fox han ido haciendo apariciones puntuales en distintas películas. Hemos visto a Bestia, a Lobezno, Mercurio, a Gámbito y a Patrick Stewart como Professor X en Doctor Strange en el multiverso de la locura, pero la promesa de ver a los mutantes interactuar con los héroes de siempre se acerca, aunque ya nos han dado un pequeño aperitivo en X-Men 97, que, técnicamente, sí pertenece al MCU, así que hay bastante por donde ir picoteando hasta que llega la gran película del grupo.

Mientras tanto, podéis disfrutar de la mejor entrega que se ha hecho del grupo, curiosamente una en la que Lobezno solo sale como cameo. X-Men: Primera generación tiene la energía de las mejores historias de orígenes, capta como ninguna el espíritu de los tebeos originales y mantiene un equilibrio entre gran espectáculo y thriller político de los 70. Aunque no estuviera en el canon conocido del MCU, no tiene nada que envidiar a sus mejores ejemplos, incluidas Los Vengadores o Guardianes de la Galaxia, demostrando también que son uno de los grupos más poderosos, aunando poderes a la altura de los primeros y la unión de familia de marginados de los segundos.

5. Los Cuatro Fantásticos - Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos (2025)

Todos saben quiénes forman parte de la Primera Familia de Marvel: Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm, la representación científica de la plantilla del MCU, cuyos lazos de sangre les hacen más que meros compañeros de equipo. Reed es el científico más listo del planeta, y por ello podrían competir con los illuminati, a los que pertenece en algún universo, Sue es el corazón emocional del grupo, Johnny calienta la sala con sus llamas y su energía juvenil y Ben proporciona músculo y lealtad a prueba de bombas.

Solo son cuatro, pero ojo, su capacidad para explorar dimensiones alternativas y enfrentarse a amenazas cósmicas les hace un valor en alza en los próximos desafíos de este Universo, sobre todo después de la excelente Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos, una de esas raras entregas que mantienen la energía inocente de las primeras entregas de Marvel, desde luego, digna del top cinco de esta lista. Si te fascinó el retrofuturismo pop y los universos cuqui-sesenteros pulp de La Bruja Escarlata y Visión, o te gustan más los viejos dibujos animados de superhéroes más que las propias películas de acción real, esta es para tí.

6. Los Illuminati - Doctor Strange en el multiverso de la locura (2022)

Los Illuminati son un conjunto de las mentes más brillantes del multiverso, un consejo secreto, con versiones alternativas de Reed Richards, Profesor Xavier, Capitana Carter, Capitán Marvel, Black Bolt y el Doctor Strange, una corte que se cree con derecho a tomar las decisiones por todos los demás. Un grupo al que le sobra ingenio y arrogancia, pero que carece de la unión emocional de los X-Men, a pesar de tener a Xavier, quedan a un nivel de poder sin lazos, como los guardianes del Multiverso.

Aunque no sea su película propia, su aparición en Doctor Strange en el multiverso de la locura revela una gestión terrible para proteger su realidad, incluyendo ejecutar a su propio Doctor Strange, hay buenas intenciones, pero sus métodos dan un poquillo de miedo. John Krasinski como Reed Richards disparó las especulaciones sobre proyectos futuros, pero no contaba con el superpoder de Pedro Pascal de estar en todas partes a la vez. A pesar de todo todos recordamos esa parte de la película, sin duda la mejor de la fase 4 y dedicada a esos fans de Sam Raimi que echan en falta su vis de Darkman y Arrástrame al infierno.

7. Thunderbolts - Thunderbolts (2025)

Los Thunderbolts* ya no se llaman así, sino Los Nuevos Vengadores, pero igualmente han redefinido lo que significa ser un antihéroe en el MCU, formando un equipo de antiguos villanos y personajes con moral dudosa, que han estado en el lado oscuro pero conservan algo de humanidad. Yelena Belova aporta las habilidades letales de la Viuda Negra. Bucky Barnes carga con décadas como soldado y asesino, buscando desesperadamente redimirse. John Walker/U.S. Agent representa un patriotismo retorcido, y Red Guardian vive añorando los viejos tiempos soviéticos. Tienen una energía común de gente rechazada similar a La resistencia, pero puede que sus lazos se estrechen en próximas películas, pero además tienen el arma secreta de El vacío que, cuando aparece, tiene un poder devastador, cuidado con estos. 

Quizá su aventura en pantalla no esté a la altura (ni tenga tanta violencia) como El Escuadrón Suicida de James Gunn, pero mejora a otras de esos grupos como Los Eternos, o algunas de las que siguen, y recoge algo de los viajes oníricos olvidados de dos de los títulos más infravalorados y “weird” del Marvel reciente, Los Nuevos mutantes y Legion.

8. The Marvels - The Marvels (2023)

The Marvels son la evolución del poder cósmico en clave femenina dentro del MCU. Son solo un trío, pero con un potencial de ventaja sobre los demás que habría que calibrar. Carol Danvers/Captain Marvel es dinamita estelar, pero acompañada de Kamala Khan/Ms. Marvel y Monica Rambeau/Photon alternan veteranía, energía adolescente y la posibilidad de que sus poderes se entrelacen, intercambiando posiciones cada vez que los usan al mismo tiempo. Su unión cósmica y reducido número les emparenta con Los 4 fantásticos, pero hacen un buen equipo que podría desafiar a Los Eternos gracias a Danvers. 

Su película no es uno de los puntos álgidos del Marvel reciente y supera a Los Eternos por los pelos, pero hay algo contagioso en la adolescente de Ms Marvel que la mantiene como una aventura galáctica desprejuiciada y tontorrona. Definitivamente, no es lo más adecuado si vas buscando que hizo Nia DaCosta tras Candyman, porque se ve muy poco de esa directora aquí, pero si te gustan los gatos (espera por ello) o las aventuras espaciales juveniles como Exploradores, Los siete magníficos del espacio o Starfighter: la aventura comienza no vas a desperdiciar la tarde.

9. Los Guardianes del Multiverso

Los Guardianes del Multiverso aparecen solo en la especulación animada de ¿Qué pasaría si...? pero representan un concepto de trabajo en equipo muy ambicioso: héroes de realidades alternativas uniendo fuerzas para proteger a toda la existencia. Bajo la supervisión del Observador, personajes como Capitana Carter, T'Challa, Star-Lord, Doctor Strange Supremo y Party aportan una perspectiva basada en las decisiones que definieron sus universos para detener a Ultron Infinito, una amenaza que demuestra que este grupo igual podría con los más altos del ranking, aunque su pareja más similar son los Vengadores, ya que cada miembro es casi un reflejo de los otros.

Es una forma divertida de imaginar qué nos depararía Marvel en manos de los fans con imaginación para plantear estas ramificaciones, o conocer más profundamente las consecuencias del multiverso. Sin embargo, como episodio televisivo tiene poco que hacer contra Guardianes de la Galaxia, Los Vengadores o incluso Thunderbolts, solo recomendado si tienes un gran síndrome de abstinencia de superhéroes y no puedes esperar a Doomsday, o te gusta mucho la animación. 

10. La Resistencia

Los héroes descartados de las películas de superhéroes de Fox de los 2000 se reúnen para frenar a la mutante Cassandra Nova en Deadpool y Lobezno. Una mezcla de luchadores callejeros, mutantes como Gambito, que convierte en explosivo cualquier cosa que toque, proporcionando al grupo versatilidad de proyectiles. X-23, Deadpool y Lobezno sirven como anclas del grupo gracias a sus habilidades regenerativas increíbles y las garras de adamantium de Logan, pero también tenemos a Blade y Elektra, que aportan experiencia y bazookas. Se las verían en problemas con los X-Men oficiales, ya que son descartes desterrados, pero su poder callejero les equilibra con los Thunderbolts.

No les esperes en más películas del MCU, pero esta aparición merece mucho la pena. Es sin duda la entrega más sangrienta y gamberra de toda la lista y demuestra lo que podría haber sido Thunderbolts si se hubieran atrevido a hacerla para adultos, por lo que si te gustan tanto Deadpool como Lobezno inmortal o Logan, es posible que te dé un nerdgasmo.

Danny Boyle ha vuelto al terror para recordarnos por qué el revival zombie le debe mucho, y su 28 años después confirma que la saga sigue siendo la referencia inteligente del género, una mezcla explosiva de vísceras y filosofía que nos habla del Brexit, la muerte digna y los roles educativos.

Si ya la has visto y quieres completar la experiencia, además de consultar cuáles son las mejores películas de zombies, hemos recogido diez títulos que tienen algo que ver con la película, ya sea una referencia directa, una influencia o películas hermanadas, desde la épica bélica, las distopías futuristas al anime salvaje. En esta guía de JustWatch te mostramos dónde están disponibles en streaming estas 10 películas y series para ver si te gustó '28 años después'.

1. Enrique V (1944)

Laurence Olivier dirigió y protagonizó esta adaptación de Shakespeare en plena Segunda Guerra Mundial, y el timing no fue casualidad. Enrique V sigue al joven monarca inglés en su campaña francesa, con la batalla de Agincourt, lo que la conecta con 28 años después ya que el discurso de San Crispín es pura épica, pero luego está el barro, la sangre y los rostros de chavales que no deberían estar ahí, como el niño protagonista que debe salir de la isla.

Hay un montaje de arqueros con clips de esta película intercalados en momentos clave, como cuando se muestran las armas que utilizan contra los infectados este reducto de nostálgicos. No es casualidad que se estrenara cuando caían bombas nazis sobre Londres, el espíritu patriótico como bálsamo une la ficción y la realidad. Pero además, es un clásico visualmente bellísimo que merece ser visto por sus propios méritos. Ya no se hacen de estas. 

2. Apocalypse Now (1979)

Coppola cogió El corazón de las tinieblas de Conrad y lo plantó en Vietnam, pero lo importante era la misión de encontrar a Kurtz. Boyle hace algo parecido, pero aquí nuestro Kurtz no es un loco, es un doctor que descubre que el mundo post-infección no es peor que el anterior, solo más honesto. Una versión blanca del personaje de Brando de Apocalypse Now al que, de todas maneras, se llega a través de un viaje peligroso, lírico y salvaje. 

Es una de las muchas interpretaciones de género de aquella novela, un especialista en esa mirada es James Gray, como demuestran tanto Z, la ciudad perdida y Ad Astra, pero la de Coppola sigue siendo la mejor, así que si no la has visto estás de enhorabuena y si lo has hecho, nunca vas a lamentar darle otro visionado. 

3. La tierra de los muertos vivientes (2005)

George A.Romero volvió al ruedo después de veinte años para demostrar que seguía siendo el maestro. En La tierra de los muertos vivientes, los zombies han evolucionado y los humanos viven en una ciudad fortificada donde las diferencias de clase importan más que los muertos andantes que rondan fuera. No hay que sumar dos más dos. Isla aislada por puentes, misiones para conseguir víveres e infectados con poder de liderazgo que algunos personajes humanos empiezan a respetar. 

La evolución lógica de 28 días después, que ya era en sí misma un resumen de la primera trilogía del genio de Pittsburgh, es seguir los pasos del creador del cotarro, en su película más parecida a John Carpenter e imprescindible para los que disfruten de una sátira política con vísceras.

4. La naranja mecánica (1971)

Kubrick adaptó a Burgess y dio vida a Alex DeLarge y su pandilla de drugos, quienes campan a sus anchas por una Inglaterra que parece diseñada por un arquitecto de tripi. La conexión con Boyle podría encajar con la idea de la agresividad y lo que nos hace humanos, la música pop del director en sus secuencias más salvajes. 

Sin embargo, la idea común con La naranja mecánica se desvela al final de la película, con Jack O’Connell en modo Malcolm McDowell con un grupo de supervivientes que parecen los profetas del nadsat, en una influencia reconocida por Alex Garland que siempre está lista para volver a fascinar a quien la vuelve a ver, y sirve como la perfecta introducción a uno de los grandes maestro del cine.

5. Nosferatu: el vampiro de la noche (1979)

Herzog decidió que el vampiro de Murnau necesitaba un remake, y Klaus Kinski era la elección obvia para interpretar a la criatura. La idea no es que ambos monstruos dieran pesadillas solo con mirarlos o el contagio como metáfora, con la peste en Alemania y la rabia en la sociedad británica, o cualquier otra película de zombies como la que aparecen en la lista.

La conexión con Nosferatu: el vampiro de la noche es un detalle cinéfilo que ya había usado Ari Aster, parte de la pieza “El oro del Rin” de Wagner de su anillo de los Nibelungos, en una escena de persecución que parece unir la película con la fantasía épica tradicional, pero si te quedaste con ganas después del remake de Robert Eggers esta versión es una superior versión experimental con ribetes góticos sobrios, imprescindible para cualquier amante del terror.

6. Doomsday: el día del juicio (2008)

Aunque Neil Marshall cogió elementos de Mad Max y 1997: rescate en Nueva York su película funciona como el eslabón perdido de la saga de Boyle y la nueva película, quizá una “28 meses después” que nadie quiso hacer. Cuando un virus devasta Escocia, construyen un muro para contener la infección. Décadas después, alguien tiene la brillante idea de mandar un equipo de reconocimiento en un territorio abandonado.

La premisa de Doomsday es casi a la inversa que esta última secuela, pero la idea de fondo es la misma, aunque aquí lo importante no son los infectados sino las sociedades tribales que emergen del caos, exactamente lo que propone 28 años después. Solo que aquí adoran de igual forma el punk rock y el feudalismo medieval que también podría tener nostalgia de Enrique V (si no fueran escoceses, je). Tanto como si te apetece más regresión social británica apocalíptica, como si necesitas una especie de sesión triple grindhouse en una sola película, esta es tu elección para una noche con cerveza.

7. Ataque a los titanes (2013-2023)

Hajime Isayama creó lo que probablemente sea el anime más brutal y filosóficamente complejo de la última década. En el mundo de Ataque a los titanes la humanidad se esconde tras murallas gigantes para protegerse de titanes caníbales, y solo eso ya se parece bastante a la premisa de nuestra peli, pero es que además estos infectados se comportan exactamente igual que los monstruos de este anime.

 Ya lo había reconocido Garland cuando habló de la influencia de estos en su señor en pelotas terrorífico de Men, que al final parece un primo de los Alfas que presenta en su último guión. Tanto si es en su versión anime como sus dos live action, la ficción de Ataque a los Titanes va más allá de un producto para aficionados a la animación japonesa, sino para todo el que busque un enfoque distinto tanto del cine apocalíptico, los kaiju o la ciencia ficción/terror.

8. Ejército de los muertos (2021)

Zack Snyder decidió que los zombies necesitaban más testosterona y menos sutileza, pero la idea común de que los infectados pueden evolucionar y desarrollar jerarquías sociales hace a ambas películas herederas de La tierra de los muertos vivientes, por lo que es sencillo saber por qué la producción de Netflix conjuga con la de Boyle.

La diferencia de ambas con el planteamiento de Romero es que sus infectados pueden incluso reproducirse, con el Alfa actuando como una figura patriarcal tan peligrosa como lo sería siendo humano, el mismo planteamiento del jefe de Ejército de los muertos del autor de Amanecer de los muertos, que también tenía bebé zombie. A veces, el género también necesita muestras de evasión violenta y encefalograma plano, y el festival de tiros de Snyder permite desconectar neuronas, si no vas buscando alegorías sociales intensas.

9. Teletubbies (1997-2001)

Vale, esto requiere explicación. La serie infantil británica de Anne Wood tenía cuatro criaturas de colores viviendo en un paisaje artificial bajo la supervisión constante de una tecnología omnipresente. Diseñada para niños pequeños, pero con implicaciones más siniestras de lo que parece, Teletubbies fue el último programa que ve el niño que conoceremos luego como jefe de los Jimmies, con lo que tendrá importancia en su desarrollo durante los 28 años que tienen lugar desde la infección apocalíptica, con sus amigos en chándales de colores que replican la idea sectaria de culto a sol de los bebés gigantes. Ponérsela ahora es una experiencia psicotrópica y extraña, pero no creo que dures más de tres capítulos, a menos que la veas con tus hijos.

10. Power Rangers (1993-1996)

Poco más o menos que la serie anterior. El Super Sentai adaptado para audiencias occidentales fue un fenómeno que marcó a toda una generación y la forma de Boyle y Garland de explicar por qué es tan importante para los protagonistas de 28 años después es su alocada escena final. Los Jimmies, esa pandilla en chándal, no solo adoran a los Teletubbies, sino que por su forma de luchar (y cómo nos lo presenta el montaje), entendemos que han sido muy fans de Power Rangers.

A pesar de ser mayores, guardan en la memoria esa forma de entender la vida, hay que tener en cuenta que probablemente fuera lo último que vieron cuando el mundo se vino abajo. Volver a verla de mayor es toda una experiencia, pero solo para los muy nostálgicos o amantes del subgénero, aunque probablemente con repasar la película sea suficiente.

Dieciséis novelas ha publicado Cressida Cowell, la autora de la saga homónima en la que se basa la franquicia Cómo entrenar a tu dragón, hasta la fecha. Un universo que DreamWorks ha aprovechado para lanzar varios largometrajes, cortos y series sobre estos seres fantásticos.

En Justwatch queremos rendir culto a una de las franquicias más exitosas de la animación en el siglo XXI con motivo de su reboot estrenado en 2025. A continuación encontrarás todos los films de la saga, incluso los títulos que no se estrenaron en el cine, con una descripción de la trama y nuestra opinión de si debes verlas o pasar de largo.  

Cómo entrenar a tu dragón  (2010)

Es la película con la que empezó la franquicia en el cine. En este trabajo de DreamWorks conocemos a Hipo, un joven vikingo que vive en una isla donde combatir contra dragones es tradición... hasta que él se hace amigo de uno. 

En Cómo entrenar a tu dragón, el vínculo de Hipo y Desdentao, transforma su vida y la relación entre humanos y dragones. El film mezcla muy bien acción, humor y ternura en un cóctel poco común en el mundo de la animación. Si tienes una mascota, además, te va a tocar el corazón.

Se trata de una película perfecta para espectadores de cualquier edad que amen las aventuras con alma, las criaturas fascinantes y las moralejas sobre la empatía entre personas y animales.

Una historia iniciática comparable a Buscando a Nemo, que también arranca con un vínculo entre un hijo y un padre en un mundo hostil, y que logra emocionar tanto a niños como a adultos.

Cómo entrenar a tu dragón: La leyenda del Robahuesos (2010)

En este caso pasamos a un cortometraje cuya trama transcurre justo después del final de la película original. En Cómo entrenar a tu dragón: La leyenda del Robahuesos, se amplía el universo vikingo con la presentación de otra criatura legendaria: el Robahuesos (otro dragón, ¿qué iba a ser si no?). 

Hipo y sus amigos deciden comprobar por sí mismos si este dragón gigantesco es real o tan solo un mito... y, por supuesto, en la aventura las cosas se complican. A pesar de su corta duración, mantiene el espíritu aventurero y el humor del primer film. De hecho, sirve como entretenimiento leve de sobremesa.

Es una historia ideal para aquellos que busquen seguir explorando este mundo mágico de dragones entre un largometraje y otro.

Su función dentro de la saga recuerda a los cortos de Pixar que expanden el trasfondo de películas como Toy Story o Frozen, ofreciendo pequeñas dosis de magia que no alteran la trama principal, pero enriquecen la experiencia de cada fan.

Cómo entrenar a tu dragón: El libro de los dragones (2011)

Al contrario de los dos primeros trabajos, en Cómo entrenar a tu dragón: El libro de los dragones, el perfil de este cortometraje es más informativo, ya que se centra en las enseñanzas de Hipo y sus amigos sobre todo su conocimiento acerca de los dragones (no esperes una película al uso o te decepcionará).

Su enfoque es más ligero y educativo, lo que lo hace perfecto para niños que deseen entender los entresijos del universo creado por Cowell, sin perder el estilo visual ni el humor de la película original. 

En este sentido recuerda a los spin-offs de Harry Potter como Animales fantásticos y dónde encontrarlos, que funcionan como una especie de manual del universo mágico para quienes quieren profundizar en las criaturas más allá de la saga central.

Y si te invade la nostalgia y quieres volver a ver alguno de los clásicos más sonados, te recomendamos leer nuestra guía Las mejores películas infantiles de los años 80 y 90.

Dragones: El regalo de Furia Nocturna (2011)

Ahora nos detenemos en Dragones: El regalo de Furia Nocturna, un cortometraje especial navideño donde Hipo quiere celebrar su primera Navidad con los dragones como parte de su comunidad. Sin embargo, un malentendido con Desdentao provoca un conflicto que pone a prueba la amistad entre ambos. 

Si bien es una historia corta, termina resultando muy tierna porque rescata lo mejor del vínculo entre ambos personajes. Y se desarrolla en Navidad, así que te puede servir para salvar una tarde aburrida durante las fiestas con los más pequeños.

Al igual que Frozen: Una aventura de Olaf, este especial navideño busca conectar con las emociones familiares y ofrecer un relato entrañable que se disfruta especialmente en época de fiestas.

Cómo entrenar a tu dragón 2 (2014)

Se nota que Dreamworks buscó calmar las ansias de los fans hasta la salida de la segunda parte del film original con tanto cortometraje entre medias. Por suerte en 2014 lanzó Cómo entrenar a tu dragón 2, que puede presumir de ser una de las pocas segundas partes que no solo no arruina una saga, sino que la mejora.

La historia se ambienta cinco años después de los sucesos de Cómo entrenar a tu dragón, mostrando a un Hipo más maduro, que debe enfrentarse a desafíos más grandes, incluido el reencuentro con su madre y la aparición de un nuevo villanos. 

Además de continuar con un gran despliegue visual y sonoro, Cómo entrenar a tu dragón 2 es una evolución lógica de la franquicia, con un tono más adulto y que busca hacer partícipe a un espectador mayor. 

Una progresión que recuerda a lo que consiguió Toy Story 2: dar un salto de madurez y complejidad a una historia que ya había conquistado al público, llevándola a otro nivel sin perder su esencia.

Dragones: El origen de las carreras de dragones (2014)

¿Qué crees que hizo Dreamworks entre la segunda y tercera parte de la saga? Exacto, más cortometrajes, como Dragones: El origen de las carreras de dragones, un especial que muestra cómo los habitantes de Berk llevan su relación con los dragones en un espectáculo competitivo: las carreras. 

Aunque tiene un tono más ligero, su relevancia dentro de la franquicia es casi nula, si bien presenta un deporte que se verá en el resto de la saga. Si te flipan los dragones, mírala, pero si solo tienes espacio para los títulos relevantes de Cómo entrenar a tu dragón, pasa de largo.

En esencia, cumple la misma función que los cortos de Cars, donde Pixar se centraba en las carreras como excusa para mantener vivo el universo, pero sin que estas aportasen demasiado a la trama central.

Y si te gustan los trabajos de esta empresa de animación, te recomiendo leer nuestra guía con todas las películas de Pixar y dónde verlas online.

Cómo entrenar a tu dragón 3 (2019)

Con esta entrega se cierra la historia principal y lo hace por todo lo alto (pocas trilogías pueden presumir de tener tres películas del mismo nivel). En Cómo entrenar a tu dragón 3, Hipo debe decidir entre proteger a su gente o liberar a los dragones cuando aparece un nuevo enemigo que amenaza la paz. 

El director Dean DeBlois no se arriesga y vuelve a repetir la fórmula de las anteriores dos películas. Y esa es la mejor decisión posible. El final duele pero cierra con elegancia la historia. 

Si has visto las dos primeras, esta es obligatoria. Un desenlace que puede ponerse al nivel de El retorno del rey en El Señor de los Anillos: un cierre épico, emotivo y con un adiós doloroso, pero inevitable, a personajes que acompañaron a toda una generación.

Cómo entrenar a tu dragón: Vuelta a casa (2019)

Con el cierre de la trilogía, muchos quedaron huérfanos de dragones, batallas y aventuras, por lo que Dreamworks lanzó Cómo entrenar a tu dragón: Vuelta a casa como epílogo y carta de amor a los fans. 

Aunque es difícil continuar una historia en la que parece todo dicho, en este cortometraje Hipo y Astrid enseñan a sus hijos el legado de los dragones, lo que le da un aliciente para verla. Breve, nostálgica y olvidable, para qué engañarnos.

Su espíritu recuerda a la novela de Harry Potter y el legado maldito: un epílogo que busca extender la magia para los fans más fieles, aunque el resultado no esté al nivel de la obra original.

Dragones al rescate: Las fiestas en Huttsgalor (2020)

Si los cortometrajes de la franquicia se te quedan cortos, con Dragones al rescate: Las fiestas en Huttsgalor vas a saciar tus ansias porque su duración ronda los 45 minutos. Se trata de otro especial navideño derivado de la serie infantil homónima. 

Es una historia dirigida 100% al público infantil en la que los protagonistas intentan salvar las fiestas de invierno mientras ayudan a un dragón en apuros. Para los adultos puede resultar muy aburrida y previsible, pero para los pequeños es oro puro. 

Tampoco aporta nada en relación a la historia general, así que si no te convencieron las películas satélites anteriores, ya sabes…

Su tono navideño lo acerca a películas como los especiales de Madagascar, pensados exclusivamente para entretener a los más pequeños en fiestas.

Dragones al rescate: A la caza del Dragón Dorado (2020)

La serie de Dragones al rescate ha servido para revitalizar la franquicia y aproximarse a un público de menor edad que las películas. Además, de ella se desprende este segundo mediometraje Dragones al rescate: A la caza del Dragón Dorado, que al igual que Dragones al rescate: Las fiestas en Huttsgalor, no aporta mucho a la historia pero sirve de entretenimiento para los más pequeños.

La amistad, la curiosidad y la colaboración son los ejes sobre los que gira la película. Si tienes peques por casa los va a tener pegados a la televisión.

Funciona de manera similar a lo que hizo Kung Fu Panda: Los secretos de los cinco furiosos, que expande un universo con relatos diseñados más para iniciar a los niños que para satisfacer al público adulto.

Cómo entrenar a tu dragón (2025)

Lejos del miedo que todos los fans tenían con el reboot de acción real de Cómo entrenar a tu dragón, la realidad es que Dreamworks hizo un trabajo excelente y mantuvo la historia y la calidad que ha caracterizado a las películas de la saga.

Ver a los personajes de carne y hueso y a los dragones generados por ordenador era un plus necesario para la franquicia, y la verdad es que el resultado está a la altura de las expectativas. 

Buenos efectos especiales y una gran interpretación de Gerard Butler (quién prestó su voz para las películas de animación).

Un movimiento que sigue la línea de otros reboots de acción real como El Rey León o La Bella y la Bestia, donde la nostalgia y el despliegue técnico se combinan para atraer tanto a los fans de siempre como a nuevas generaciones.

Por cierto, si eres fan de los dragones, no puedes perderte nuestra guía con Los 15 mejores dragones del cine y la TV.

The Walking Dead es una franquicia mastodóntica que ha marcado una época. Lo que empezó como una historia de zombis basada en los cómics de Robert Kirkman, pronto se transformó en un fenómeno global con spin-offs, precuelas y secuelas que siguen creciendo año tras año. 

Si te has preguntado alguna vez por dónde empezar (ya que es una de las sagas más caóticas de seguir) hemos preparado esta guía que no solo te dice el orden correcto para verla, sino que también te contamos qué aporta cada serie del universo zombi.

¿Cuál es el orden correcto para ver las series de ‘The Walking Dead’? Ver las series de The Walking Dead en orden de estreno es muy fácil, tan solo tienes que ver la serie temporada por temporada, y luego hacer lo mismo con las historias alternativas poniendo atención a su fecha de lanzamiento. 

Sin embargo, si lo que quieres es ver toda la saga de forma cronológica en relación a su historia (que es siempre lo más recomendable para que no te pierdas entre los distintos sucesos y personajes), el orden que debes seguir es el siguiente:

1. Fear The Walking Dead: temporada 1
2. Fear The Walking Dead: temporada 2
3. Fear The Walking Dead: temporada 3
4. The Walking Dead: temporada 1
5. The Walking Dead: temporada 2 
6. The Walking Dead: temporada 3 
7. The Walking Dead: temporada 4 
8. The Walking Dead: temporada 5 
9. The Walking Dead: temporada 6 
10. The Walking Dead: temporada 7 
11. The Walking Dead: temporada 8 
12. Fear The Walking Dead: temporada 4 
13. Tales of the Walking Dead: temporada 1 
14. The Walking Dead: temporada 9 
15. Fear The Walking Dead: temporada 5 
16. The Walking Dead: temporada 10
17. The Walking Dead: World Beyond temporada 1 
18. The Walking Dead: World Beyond temporada 2 
19. The Walking Dead: temporada 11 
20. Fear The Walking Dead: temporada 6
21. Fear The Walking Dead: temporada 7 
22. Fear The Walking Dead: temporada 8 
23. The Walking Dead: Daryl Dixon temporada 1
24. The Walking Dead: Daryl Dixon temporada 2
25. The Walking Dead: Daryl Dixon temporada 3
26. The Walking Dead: Dead City temporada 1
27. The Walking Dead: Dead City temporada 2
28. The Walking Dead: The Ones Who Live

The Walking Dead (2010)

La serie que lo cambió todo. The Walking Dead arranca con Rick Grimes despertando en un hospital y descubriendo que el mundo ha sido invadido por los zombis. Sin embargo, lo que de verdad atrapa es cómo el horror externo se convierte en una excusa perfecta para explorar el horror interno entre las personas vivas: traiciones, alianzas frágiles y dilemas morales. 

A lo largo de sus 11 temporadas, la serie se convierte más en un drama humano que en una historia de muertos vivientes al uso, y eso es parte de su encanto… y también de su desgaste.  Es el punto de partida obligado para entender el resto de la franquicia y es perfecta para quienes disfrutaron de Station Eleven, ya que ambas series convierten el apocalipsis en un teatro emocional. Ideal para los que aman las tramas densas, los personajes complejos y los conflictos éticos en mundos rotos.

Para mí, por muchos spin-off que haya, esta es la serie que no te puedes perder de toda la franquicia.

Fear The Walking Dead (2015)

Fear The Walking Dead te transporta al momento exacto en el que todo comienza a irse al garete. Se trata de una serie mucho más íntima en sus primeras temporadas, ya que se centra en una familia que intenta sobrevivir al inicio del colapso. A diferencia de The Walking Dead, esta precuela no empieza con héroes armados ni campamentos organizados, sino con la confusión total. Con el tiempo, se vuelve más épica, incluso excesiva. Pero ojo, hay momentos de brillantez que no encontrarás en ninguna otra serie de la franquicia. 

Es ideal para quienes buscan realismo y adrenalina, muy en la línea de Black Summer, donde la amenaza zombi es constante, inmediata y caótica. Perfecta para los que aman el survival horror en estado puro y quieren ver cómo reaccionan las personas comunes ante lo extraordinario.

The Walking Dead: World Beyond (2020)

Hablamos de la versión young adult del universo de Kirkman. The Walking Dead: World Beyond nos presenta a un grupo de jóvenes que salen de su comunidad protegida y se enfrentan al mundo exterior por primera vez. Con dilemas morales, crecimiento adolescente y mucha exploración del mundo, la serie se siente muy cercana a The Rain o The 100. No es la historia mejor escrita de la franquicia, pero sí ofrece respuestas sobre la misteriosa CRM: la organización que ha sido clave en todo el apocalipsis.  Ideal para quienes buscan tramas juveniles, nuevas perspectivas y una ampliación del origen de la saga.

Tales of the Walking Dead (2022)

En Tales of the Walking Dead asistimos a varias historias de supervivientes más allá del grupo de Rick. La serie amplía el universo con nuevas voces, nuevas tragedias y nuevas historias. En cada capítulo se muestra una pequeña cápsula que mezcla el tono post apocalíptico típico de la serie madre con otros géneros como el thriller psicológico o el drama. 

Esta antología es un experimento valiente que recuerda por momentos a Love, Death + Robots o incluso a Into the Night. Es ideal para fans de la franquicia que buscan completar el puzzle desde otros ángulos, pero también para quienes disfrutan de la variedad de estilos y tonos. Una opción perfecta para los que no se casan con una sola narrativa y quieren una experiencia más fresca y diversa. Aunque, bajo mi punto de vista, es una de las más flojas de la saga.

The Walking Dead: Daryl Dixon (2023)

Si te gusta el cine europeo y los personajes que hablan poco pero lo dicen todo con la mirada, The Walking Dead: Daryl Dixon es tu serie. Aquí el tono es más contemplativo, más elegante incluso. Daryl aterriza en Francia y, sin saber cómo, debe cruzar un país devastado con reglas propias. 

La fotografía es exquisita, el ritmo pausado, y hay una carga emocional que no habíamos visto antes en este personaje durante su etapa en la serie original. Se parece a The Road en su esencia: una historia de supervivencia con corazón, silencio y peso emocional. Ideal para fans del apocalipsis melancólico, la narrativa visual y los antihéroes que se enfrentan con estoicismo a un mundo deshecho.

The Walking Dead: Dead City (2023)

“Tensión” es la palabra que define a The Walking Dead: Dead City. Maggie y Negan, dos personajes que representan extremos opuestos de la moralidad, se ven obligados a colaborar en un Manhattan postapocalíptico que da más miedo que los propios zombis. 

La ciudad es un personaje más: oscura, hostil y llena de trampas. Aquí se juega mucho con los silencios, con las miradas y con la violencia contenida.  Se siente como una mezcla entre 28 Semanas después y The Divide, donde el entorno urbano multiplica la sensación de peligro y encierro. Una serie muy emocional y perfecta para los que disfrutan de relaciones tensas, dilemas morales y escenarios claustrofóbicos con mucha tirantez.

The Walking Dead: The Ones Who Live (2025)

Y cerramos con la que, en muchos sentidos, es la serie más necesaria dentro de la franquicia. The Walking Dead: The Ones Who Live es una carta de amor para los que llevamos más de una década acompañando a Rick y Michonne.  Aquí la cosa no va de zombis, sino que trata de reencontrarse, de cerrar heridas y de ponerle punto final a una historia que ya pedía descanso. Es una serie emocional, íntima, que no busca reinventar nada, sino cerrar el círculo con dignidad.  A nivel narrativo se asemeja a Children of Men o incluso a momentos de Station Eleven, donde el apocalipsis sirve como telón de fondo para hablar del amor, la pérdida y la esperanza. Perfecta para los fans veteranos de la saga, los nostálgicos y quienes aprecian los finales bien escritos.

Ah, y si te gustan las historias sobre zombies y The Walking Dead se te queda corta, te recomendamos leer nuestra guía con Las mejores películas de zombies y dónde verlas en streaming.

Estrenada en cines a principios del verano de 2025, Jurassic World: el renacer ya es la séptima entrega de la saga creada por Steven Spielberg hace más de tres décadas. Es muy probable que relance la franquicia, pero, mientras tanto, aprovechamos la ocasión para echar la vista atrás, revisar y valorar todas las películas de la saga, en orden, así como las plataformas donde encontrarlas, todo para poder disfrutar de ese universo paralelo en el que los dinosaurios han vuelto a la vida en la actualidad con monstruosas consecuencias. Con sus más y sus menos, estas siete películas conforman una gran aventura, con protagonistas cambiantes, a la que regresar llamados por la nostalgia o por el placer de descubrirlas con los más pequeños, hasta día de hoy. Es un viaje maravilloso para rehacerlo en familia. 

Mi Top 5 de esta saga es:

1. Jurassic Park
2. Jurassic World: El renacer
3. Jurassic World: El reino caído
4. El mundo perdido: Jurassic Park
5. Jurassic Park III

Jurassic Park (Parque Jurásico) (1993)

Michael Chrichton, autor de bestsellers de ciencia-ficción y director de la aterradora Almas de metal (1973), que ya transcurría en un parque temático –en aquella ocasión, protagonizado por androides a los que se les cruzaban los cables–, fue quien tuvo la genial idea de Jurassic Park, otro parque temático esta vez creado alrededor de toda clase de animales prehistóricos revividos para la ocasión. El concepto en sí mismo ya era imbatible. Sólo había que hacerlo bien, y en manos de un maestro como Spielberg, que ese mismo año estrenó la oscarizada La lista de Schindler, eso no fue un problema.  El rey Midas de Hollywood, que ya había dirigido las tres primeras entregas de Indiana Jones, supo imprimir a la película el ritmo y el sabor de una aventura clásica, acción trepidante en un paisaje maravilloso con dinosaurios gigantes, una impresión reforzada por la magnífica banda sonora de John Williams, que es otra de las claves del éxito mundial del filme, una mezcla perfecta de aventura safari y monstruos a gran escala, como un King Kong puesto al día con los efectos especiales más punteros, logrando además que los dinosaurios no eclipsaron a los humanos reducidos a simples víctimas. 

Esto se consigue recurriendo a un reparto atípico para una superproducción, con pasado cinéfilo: Laura Dern se identificaba con el universo de David Lynch (que se despidió interpretando a John Ford en Los Fabelman); Sam Neill con el marido de Adjani en La posesión, y Jeff Goldblum con La mosca, de Cronenberg. La elección de ese cast alejado del cánon hollywoodiense acabó de redondear una película que funciona como introducción a ese mundo maravilloso. No se puede comparar con ninguna de las que siguieron ya que constituye un clásico fundacional donde lo que manda es el efecto de maravillamiento en el espectador, un poco como la primera de El Señor de los Anillos. Pasados más de treinta años, no ha perdido ni un ápice de su frescura. 

El mundo perdido: Jurassic Park (1997)

El título de la secuela El mundo perdido: Jurassic Park parafrasea la novela de Sir Arthur Conan Doyle que sin duda iluminó a Michael Crichton, y ya tuvo algunas adaptaciones memorables, como el clásico silente –El mundo perdido (1925)– o la versión del ‘catastrofista’ Irwin Allen –El mundo perdido (1960), esas películas de aventuras con monstruos prehistóricos old school cuyo sabor vuelve a dejarse sentir en esta segunda entrega, de nuevo con Spielberg a los mandos, demostrando su maestría en las escenas más espectaculares, y haciendo gala de sofisticados efectos especiales alejados de los rudimentos más artesanales de aquellas. 

Naturalmente, ya se ha perdido el factor sorpresa. Pero Spielberg lo compensa metiendo más humor y endureciendo el terror con abundantes escenas nocturnas y lluviosas surcadas por el halo de las linternas –una de sus marcas personales–, aunque siempre dentro de los límites del cine familiar. Es una secuela que consigue ampliar el campo de batalla de la primera entrega, y te da ganas de continuar con la saga, sin dejar demasiado espacio para la decepción, más allá de certificar que estamos en una superproducción donde lo más importante son los set-pieces de acción espectacular y el lucimiento de los efectos especiales, dejando claro que la saga va a seguir por esa senda, aunque compramos la idea: ¿qué importa el drama humano si lo que queremos es una de dinosaurios con la música a todo volumen?. Hemos venido a disfrutar. 

Jurassic Park III (Parque Jurásico III) (2001)

Steven Spielberg delegó la dirección de Jurassic Park III en Joe Johnston, el realizador de Jumanji, otro éxito del cine de aventuras familiar de los 90. La vacilación entre diferentes guiones para relanzar la saga también hizo que la tercera entrega –masacrada por la crítica y con mucha menor recaudación que las dos primeras– convenciera a Amblin Entertainment –la productora de Spielberg– de que el entretenimiento mesozoico había tocado a su fin. Pasado el efecto maravilla de la primera entrega, y el notable intento de mantener la atención del público de la segunda, Jurassic Park III queda como un frankenstein de ideas inconexas que tampoco funciona tan mal como se suele decir. Como veremos más adelante, Jurassic Park: Dominion le quitó el dudoso honor de constituir el suelo de la franquicia. 

En una maratón de dinosaurios con toda la familia no deja de ser un agradable relleno, con ese encantador aroma a serie b, recordándonos, una vez más, que quizás no haya que tomarse todo esto tan en serio: venimos a ver cómo los dinosaurios se meriendan a los humanos, no para reflexionar sobre los límites morales de la ciencia. Al igual que las anteriores, la prioridad es dar espectáculo, y aunque no sea tan brillante, tampoco consigue aburrirnos. Eso sí, puso a los dinosaurios en la estantería por tres lustros.   

Jurassic World (2015)

Si en este retorno a la saga la tecnología ha evolucionado para que se pueda gestionar adecuadamente Jurassic World, un nuevo parque temático construido sobre las ruinas del anterior, también los efectos especiales han evolucionado mucho en la era digital aunque el esquema argumental es muy similar al de la primera entrega. Spielberg sigue como productor ejecutivo, pero delegando la dirección en Colin Trevorow, que venía de un sci-fi indie muy low cost como Seguridad no garantizada. Contra todo pronóstico ese salto de Trevorow al cine espectacular salió bastante bien. Su buen hacer en las escenas de acción, donde todo lo que ocurre se desarrolla de manera limpia y clara, hizo que que las malas lenguas llegaran a insinuar si el tal Trevorow no era en realidad un avatar de Spielberg. Hay una escena con ataque de Pájaros, que casi mejora al Hitchcock. 

Fue una feliz reinvención, apelaba a la nostalgia operando al mismo tiempo un eficiente lavado de cara que ponía al día la franquicia. Ante las cámaras, tenemos una nueva generación corriendo delante de las bestias animadas, con Chris Pratt, que acababa de lanzarse con Los guardianes de la galaxia, y Bryce Dallas Howard en cabeza, que supieron ganarse la simpatía del público. Una pareja muy de su tiempo: una eficaz mezcla de músculo e inteligencia. 

Jurassic World: El reino caído (2018)

Quién le iba a decir a J.A. Bayona, admirador de toda la vida de Spielberg, que acabaría tomando el relevo de su saga prehistórica con la secuela Jurassic World: El reino caído en la que Chris Pratt y Bryce Dallas Howard regresan a la isla Nublar. El fan acabó prácticamente a la altura del maestro, por lo menos en cuanto a cine de dinosaurios, pues es la mejor película de la saga desde que Spielberg cedió los mandos. Claro está que el director de un fenómeno como Lo imposible, que se caracteriza por esos efectos artesanales a escala XXL, tenía muchas más tablas para enfocar el proyecto que los anteriores relevos.

Bayona acertó al devolver todo el protagonismo a los dinosaurios, construyendo la película alrededor de las complejas escenas que protagonizan, e incluso llevando la historia hacia una oscuridad casi gótica en la que se reconocen las inquietudes del director de El Orfanato. Respecto a Jurassic World, el catalán sabe dosificar las escenas espectaculares, generando más suspense y un efecto más sorpresivo cuando llegan, alejándose del encadenamiento de escenas de acción porque sí. Hasta esquivó el sentimentalismo spielbergiano: quizás porque está pensada como una película de transición, antes de que los dinosaurios empiecen a trotar alegremente por el mundo, carece de esas melodramáticas catarsis emocionales que han sido su talón de Aquiles. 

Jurassic World: Dominion (2022)

Colin Trevorow retomó sin embargo las riendas de la saga con Jurassic World: Dominion, en la que las especies prehistóricas ya se pasean libremente por todo el planeta, apareciendo en decorados hasta la fecha impensables como las grandes ciudades. Un desastre ecológico sin precedentes que podría significar el fin de la especie humana, si no hacen algo para impedirlo las grandes estrellas de la saga al fin reunidas: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Laura Dern, Sam Neill y Jeff Goldblum, hacen causa común para tratar de convencer al mundo de que todavía necesitamos más películas de dinosaurios. 

Pero, como ya les avanzamos, Jurassic Park: Dominion le acabó arrebatando el título de peor película de la saga a Jurassic Park III. Si Trevorow demostró cierta maestría al imitar a Spielberg en Jurassic World, aquí se limita a acumular escenas espectaculares sin ton ni son, perdiéndose en meandros narrativos que no llevan a ninguna parte, más que a un despliegue de guiños nostálgicos para recordarnos que seguimos estando en esa misma saga que arrancó hace casi tres décadas. No es de extrañar que se le diera carpetazo. 

Jurassic World: El renacer (2026)

Un reboot en toda regla: Jurassic Word: El renacer arranca de nuevo en un mundo en el que los dinosaurios ya están enfermos y condenados a desaparecer, sólo pueden sobrevivir algunos en remotas islas ecuatorianas donde el clima les es propicio. Una manera más o menos apañada de devolver la saga a sus orígenes, la de aventuras en una isla perdida, como todos los grandes de la literatura juvenil. 

En el aspecto más monstruoso de la cuestión, podría decirse que esta es la mejor de toda la saga, ya que no ha podido caer en mejores manos: Gareth Edwards se reveló como un maestro del fuera de campo en Monsters y elevó a poesía las películas de monstruos gigantes con su deslumbrante versión de Godzilla (2014). Así se han conseguido los dinosaurios más convincentes y aterradores de la saga, hasta el punto de llegar a taparle los ojos a los más pequeños… Dan miedo de verdad, más miedo que nunca.  

Si la película es un diez en cuanto a monstruos, y está bien construída y equilibrada, su punto más flojo vuelve a ser el factor humano, a pesar de la siempre gratificante presencia de Scarlett Johansson. Por mucho que se esboce una crítica al poder corporativo y se ensalce la generosidad por encima de los intereses pecuniarios, con inquietantes, aunque discretos, tintes religiosos, los diálogos entre personas acaban siendo una tortura que se siente demasiado protocolaria. Pero, al final, confirma lo que, en el fondo, siempre supimos: no estamos aquí para diálogos shakesperianos, sino para esperar cómo los dinosaurios se los meriendan antes de que puedan seguir hablando. Lo malo es que siempre hay demasiados supervivientes.  

Y además

Paralelamente al lanzamiento de Jurassic World en 2015, Lego lanzó el juego Lego Jurassic World, que contaba con las voces de Chris Pratt y Bryce Dallas Howard, al que siguieron toda clase de productos, como el corto animado LEGO Jurassic World: Indominus escape (2016) y el mediometraje LEGO Jurassic World: La exhibición secreta (2018), ambos dirigidos por Michael D. Black, o las series Lego Jurassic World: Legend of Isla Nublar (2019) o Lego Jurassic World: Problema al doble (2020), ambas creadas por Ken Cunningham. Después de la mayúscula sorpresa que supuso La LEGO película (2014), la obra maestra de Phil Lord y Christopher Miller, cualquiera puede verse tentado de buscar perlas en todas estas ramificaciones en forma de piezas de plástico, aunque lo más probable es que esa búsqueda se deje a medio construir. 

En 2020, arrancó la serie animada Jurassic World: Campamento Cretácico, que tuvo su origen en la producción interactiva Jurassic World: Campamento Cretácico - Aventura secreta. La serie creada por Scott Kreamer y Lane Lueras llegó a sumar 37 episodios de 24 minutos en torno a un grupo de adolescentes que son invitados a acampar en la isla Nublar. Más que familiar, está más orientada a un público ya directamente infantil y preadolescente

¿Eres fan del true crime? Netflix lo tiene todo. Desde asesinatos que te helarán la sangre hasta estafas que querrás replicar. Estas series te harán cuestionar todo lo que creías saber sobre la justicia. No importa si te interesan los juicios, las desapariciones o sueñan con ser el detective que averigüe quién es el culpable, encontrarás algo para engancharte desde el primer episodio. 

Y siempre estamos interesados en descubrir nuevas joyas escondidas. Así que aquí están las 10 mejores series de true crime que puedes ver en Netflix. Eso sí, una vez empieces a ver, no podrás parar. No digas que no te advertimos. ¿Listo para darle al play?

Making a Murderer (2015-2018)

Esta serie marcó el inicio de la era del true crime en Netflix y nos obsesionó como nunca. Making a Murderer (2015-2018) nos engancha porque parece sacada de una serie: un acusado que es liberado y luego vuelto a acusar en un caso lleno de inconsistencias y dudas. Si te gustó Rey Tigre (2020), con este show sientes esa misma mezcla de indignación y adicción. A diferencia de otras, este show te enseña más que el crimen, ya que te muestra los entresijos del sistema y te hace darte cuenta de que no es tan perfecto como nos gusta pensar. Además, te deja con ganas de hacer algo, cualquier cosa, para que algo así no vuelva a suceder. Esa sensación de indignación fue frustrante pero, a la misma vez, tal y como me sucedió con The Confession Tapes (2017-2019), me removió por dentro cuando no lo esperaba y fue cuando me di cuenta de que este documental me había encantado. 

Eso sí, no esperes obtener todas las respuestas, ya que te deja con muchas dudas sobre lo que realmente pasó. 

The Staircase (2018)

Cuando Kathleen Peterson aparece muerta al pie de la escalera, su esposo Michael asegura que fue un accidente. La policía sospecha lo contrario. The Staircase (2018) es densa y algo lenta, pero eso es parte de lo que la hace tan realista. Es ideal si te gustó The Jinx: The Life and Deaths of Robert Durst (2015) porque te deja la misma sensación de que nunca terminas de saber toda la verdad. La diferencia es que, al contrario de lo que sucede en Killer Sally: la fisioculturista asesina (2022) que casi tiene tintes de reality, en esta serie lo importante no es el crimen, sino cómo se construye el caso para el juicio y la forma en que los abogados pueden moldear los hechos. Bebe de la serie que la precede en esta lista porque ésta también hace que te cuestiones el sistema. Así que, si te fascinan los casos legales complejos, este es tu próximo enganche. Te dejará con más preguntas que respuestas.

Acosador nocturno: a la caza de un asesino en serie (2021)

Acosador Nocturno: a la caza de un asesino en serie (2021) nos cuenta cómo fue la cacería de Richard Ramirez. Ambientada en el Los Ángeles de los años 80, los dos detectives decididos a atraparlo son el eje central del show mientras que la ciudad vive paralizada por el miedo. Es muy del estilo de Chicas desaparecidas: el asesino en serie de Long Island (2025), aunque ésta pone más el foco en cómo las víctimas fueron ignoradas. Imagínate una serie como Mindhunter (2017-2019) pero en versión real. Pero si hay algo que te mantiene pegado a la pantalla es el ritmo del documental, más propio de un procedimental que de un true crime. Y eso fue lo que me encantó. No puedes dejar de mirar. Eso sí, no escatima en detalles, por lo que no es para los sensibles. Pero si buscas un true crime crudo e intenso, esta serie te pondrá los pelos de punta. Inolvidable.

The Keepers (2017)

The Keepers (2017) trata sobre el asesinato sin resolver de Cathy Cesnik, una monja desaparecida en Baltimore en el año 1969. En esta serie el crimen es tan complejo que no hay un único culpable, sino un sistema entero diseñado para ocultar la verdad. En ese sentido se parece a Wild Wild Country (2018), porque explora cómo el poder puede manipularlo todo. Eso sí, el ritmo no es tan adictivo como su predecesora en esta lista pero consigue conmoverte dándole una voz principal a las víctimas de una forma parecida a como lo hace Proyecto Inocencia (2020), aunque ese show es más esperanzador que este. Si buscas una historia impactante, esta es imprescindible.

A los gatos ni tocarlos: un asesino en internet (2019)

Todo comienza con un video perturbador: un hombre maltrata gatos. Un grupo de detectives aficionados que se reúnen en internet deciden encontrarlo y todo lo que sucede a continuación es cada vez más surrealista. A los gatos ni tocarlos: un asesino en internet (2019) es tan extraña que cuesta creer que sucediera en la realidad, como sucede con Pesadilla de un secuestro en California (2024), aunque esta última, la realidad superó a la ficción. Y, desde luego, su reflejo en versión ficción sería Black Mirror (2011). Los detectives analizan imágenes, redes sociales y pistas con precisión obsesiva. Es fascinante y aterradora a partes iguales. A mi me encantó porque te hace sentir que tú mismo podrías resolver un crimen complejo. Pero es cierto que no puedes evitar preguntarte dónde está esa línea que nunca se debe cruzar.

Chicas desaparecidas: el asesino en serie de Long Island (2025)

Esta serie de tres episodios investiga los asesinatos en Gilgo Beach, a lo largo de más de una década (1996‑2010). La serie pone a las víctimas—varias trabajadoras sexuales—en el centro, lo que marca la diferencia. Pero lo que hace que Chicas desaparecidas: el asesino en serie de Long Island (2025) sea adictiva es que es muy parecida a The Keepers (2017) porque no presenta un criminal, sino un misterio sin resolver. Como un puzzle que tienes que ir armando pieza a pieza. Y eso fue lo que me fascinó. No pude dejar de pensar en ese puzzle hasta que estaba resuelto. Además, el crimen es sólo una parte de la historia, pero el show en realidad trata de cómo la sociedad invisibiliza a ciertas víctimas. Es triste y frustrante a partes iguales.

Pesadilla de un secuestro en California (2024)

¿Te imaginas que las personas que deban protegerte te trataran como si fueras un criminal? Eso le sucedió a Denise Huskins. Ella fue secuestrada mientras dormía junto a su novio. Él hizo lo que haríamos todos y llamó a la policía, pero en lugar de ayudar, los acusaron de inventarlo todo. Pesadilla de un secuestro en California (2024) cuenta un caso tan extraño que cuesta creerlo. Pero, quizá, lo más inquietante es la forma en que los detectives ignoraron las pruebas y culparon a la víctima. Tal y como sucedió con Killer Sally: la fisioculturista asesina (2022), este show muestra cómo los medios pueden destruir a una persona. Si te impactó Abducted in Plain Sight (2018), aquí vas a tener la misma sensación de rabia e incredulidad. Así que si quieres un show que te mantenga enganchado y que cuando termine sientas la necesidad de golpear algo, esta es tu serie ideal. 

Killer Sally: la fisioculturista asesina (2022)

El día de San Valentín, Sally McNeil dispara a su esposo. ¿Fue defensa propia o asesinato? Killer Sally: la fisicoculturista asesina (2022) tiene todo para enganchar: culturismo, violencia, esteroides y un crimen brutal. Pero se queda contigo porque muestra cómo el físico de Sally y el hecho de que fuera una mujer influyeron en la opinión pública y la prensa la convirtió en una caricatura. Simplemente porque no encajaba en el molde. Al igual que su predecesora en esta lista, los medios se encargaron de revictimizar a la víctima. Tiene la intensidad de El Timador de Tinder (2022), pero con un trasfondo mucho más oscuro. Personalmente, lo que más me gustó es que te hace cuestionar si todo se trató de hacer justicia o de simples y llanos prejuicios. No esperes respuestas fáciles, pero sí muchas preguntas incómodas. 

The Confession Tapes (2017-2019)

¿Y si confesaste algo que no hiciste? The Confession Tapes (2017-2019) te lleva hasta el límite y te deja la sangre hirviendo. Es la serie ideal para comenzar a preguntarte cuál es el límite que tiene la policía en un interrogatorio. Si te encantó Making a Murderer (2015-2018) esta serie es para ti. Pero lo que la hace especial es ver cómo personas inocentes terminan en prisión simplemente porque confesaron bajo presión, algo que recuerda a Así Nos Ven (2019). Es indignante pero adictivo a la vez. Te dejará con el corazón encogido y la mente inquieta.

Proyecto inocencia (2020)

Esta docuserie sigue al Proyecto Inocencia, organización que busca liberar a personas condenadas injustamente. Es algo más lenta que el resto de shows de esta lista y se aleja un poco de un true crime al uso porque no se trata en sí de mostrar un crimen, sino de evidenciar los fallos del sistema y salvar a personas inocentes. Y eso es lo que hace único a Proyecto inocencia (2020): su enfoque humano. Es una denuncia al sistema, pero también una celebración del esfuerzo por cambiarlo. Al contrario que en The Confession Tapes (2017-2019), la esperanza marca la diferencia en este show. Por eso me encanta. Esta serie te tocará el alma. Y, como a mí, te dejará con muchas ganas de poder colaborar con el Proyecto, como sea. 

Ojalá pudieras viajar atrás en el tiempo y volver a enamorarte de Outlander (2014), pero la vida es más dura que la tableta de Jamie (Sam Heughan) y las réplicas gélidas de Claire (Caitriona Balfe), así que buscas otras series que puedan paliar el vacío que ha dejado en ti la gran historia de Diana Gabaldon. Porque su adaptación acierta en una receta triunfadora en la era de la romantasy: amores y viajes en el tiempo.

Ahora, ¿qué series de viajes en el tiempo puedes ver si vas con el gusanillo romántico de Outlander? El cruce es híper específico, pero en JustWatch conocemos la parrilla al dedillo. Que toquen las cornamusas, que aquí va una guía con ocho recomendaciones.

Perdidos (2004)

Así que empiezas a buscar entre el catálogo de viajes en el tiempo, cual agencia de turismo-TARDIS. Recuerdas qué tanto te encantó Perdidos (2004), una imprescindible en la ciencia-ficción de largo recorrido en la que los supervivientes de un accidente aéreo se veían obligados a trabajar juntos para sobrevivir en una isla tropical aparentemente desierta. Pero claro: empieza como una historia de supervivencia y misterio, y para cuando te enganches de sus personajes y líos quizás hayas olvidado ya el sabor de Outlander. Como quien abre la nevera en medio de la noche.

Paper Girls (2022)

Si no, puedes dirigirte a Paper Girls (2022), más reciente, más juvenil y con más corazón que erótica. Mientras reparten periódicos la mañana después de Halloween de 1988, cuatro chicas jóvenes quedan atrapadas sin comerlo ni beberlo en un conflicto entre facciones en guerra de viajeros del tiempo. Suena a grandísima idea para una novela de verano, perfecta si lo tuyo es la narrativa de instituto (mumblecore). Pero, ¿de verdad querrías quedarte entre taquillas rechinantes? ¿No viniste por el suntuoso aroma de las velas y esa pelambrera escocesa? Vuélvete de los ochenta antes de que te pille la ola Stranger Things (2016).

12 monos (2015)

Quizás 12 Monos (2015) te transporte al universo oscuro, trágico, que asociamos a la fantasía adulta que en 1995 protagonizaron Bruce Willis, Madeleine Stowe y Brad Pitt, Twelve Monkeys (1995). Y sí, encontrarás en ella una historia de amor. La relación entre James Cole y Cassandra Railly es una de las mejores de la tele, de un anhelo desvergonzado e incomparable. Pero si el exceso de fantástico te preocupa, yo la dejaría. Si no, sumérgete primero en la versión dirigida por Terry Gilliam, e inspirada en La Jetée (1962), de Chris Marker. Eso es romance del duro, y nos encanta.

Outlander: Sangre de mi sangre (2025)

La siguiente opción ya resulta bastante evidente. Outlander: Sangre de mi sangre (2025) parte del mismo universo de historia-ficción que Outlander. Spin-off barra precuela, sigue las historias de amor de los padres de Jamie y Claire (por separado, claro). En parte ambientada en Escocia durante la Primera Guerra Mundial, en parte muchos años antes de la Batalla de Culloden, la serie hereda de forma fiel el espíritu de las siete temporadas de su predecesora. La guapura y talento del reparto (con Jeremy Irvine, Harriet Slater, Jamie Roy y Hermione Corfield), la ambientación bellísima y el portento escocés: asegurados.

La mujer del viajero en el tiempo (2022)

Preparen el pañuelito de papel. La mujer del viajero en el tiempo (2022), a no ser confundida con su versión cinematográfica anterior, Más allá del tiempo (2009), explora la compleja relación entre Clare (Rose Leslie) y Henry (Theo James), quien sufre un trastorno genético que lo hace viajar en el tiempo sin control. A medida que Henry aparece y desaparece, la serie muestra cómo el amor persiste, incluso cuando los protagonistas se encuentran en etapas distintas de sus vidas. Más oscura y cruda que la película, ofrece una experiencia tan intensa como el estómago de esta llamarada romántica que se niega a desaparecer. ¿Y no es eso, Outlander?

Timeless (2016)

De todas las series que se centran en los viajes en el tiempo, Timeless (2016) es la que más se acerca a capturar la magia de Outlander (que no sea su precuela, claro). Una historiadora (la fantástica Abigail Spencer) descubre que un grupo llamado Rittenhouse intenta reescribir la historia, por lo que ella y su equipo, algo reticente, viajan a través del tiempo para asegurarse de que todo se desarrolle como debe. Desde el viejo Hollywood hasta la época de Bonnie y Clyde, Timeless nos va llevando a través de episodios históricos pintorescos, con un vestuario deslumbrante y un entramado de romances cautivadores.

Steins;Gate (2011)

Sí, vale, es un anime adaptando una novela visual. Pero comparte con Outlander la creencia absoluta en una premisa poderosa: el amor desafía el tiempo. Punto. Steins;Gate (2011) sigue a un grupo de jóvenes que accidentalmente descubren cómo enviar mensajes al pasado, con lo que desencadenan una compleja trama de viajes temporales, sacrificios y consecuencias devastadoras… Entre las que se incluyen el futuro del interés romántico del protagonista. La tragedia aquí es máxima. Dilemas morales, paradojas temporales y un romance que ni con Outlander te lo acabas. De hecho, en su segunda vuelta, Steins;Gate 0 (2018), las pulsaciones por minuto aumentan hasta el drama imborrable. Del todo formativa y recomendable, para todo el mundo. 

Doctor Who (2005)

La serie de Doctor Who es una parada obligatoria para cualquier fan de la ciencia-ficción. Y sí, quizás desde su re-estreno en 2005 ha crecido en popularidad en manos de actores tan carismáticos como Christopher Eccleston, David Tennant o Ncuti Gatwa, que ahora da vida al Doctor. Pero más de sesenta años después del inicio de la Doctor Who original (1963) los finales de temporada de la serie, no precisamente felices, han acumulado unas cotas de drama y desgarro francamente dolorosas. Si te va la mezcla de pasión y tragedia que mueve a Outlander, en Doctor Who la intensidad está asegurada.

¿Dónde puedo ver más series románticas de viajes en el tiempo como ‘Outlander’?

Para descubrir otras series románticas de viajes en el tiempo parecidas a Outlander, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Porque eres como yo y quieres quitarte esta talasofobia con terapia de shock, o porque te bañas y ya no sientes nada, o porque lo único que te llega en la playa es el olor a crema solar vieja, la arena en los ojos y la experiencia 360 de las manchas de suciedad flotando en el agua.

Quedan aún semanas para el estreno de Tiburón blanco: La bestia del mar (2025), la enésima película del “cuidado que te pilla”, pero los horrores marinos ya te rodean de formas impensables… Por lo que a veces es mejor ir tú misme a buscarlos.

Por ello, en esta guía de JustWatch te proponemos algunas de las mejores películas de terror marino para no volver a la playa este verano. Aquí no hay ríos, como en Piraña (1978), ni cloacas, como En las profundidades del Sena (2024). Sólo un mar abierto, abierto como un bufet de carnes poco hechas, de las que aún mugen.

Tiburón (1975)

Cincuenta años del estreno de Tiburón (1975) y yo aún no he visto una película más terrorífica de tiburones. ¡Funciona! En grandes y pequeños, porque incluso ese primito insoportable al que nada asusta (mentira) acaba con el culo torcido tras verla. El verdadero secreto del éxito tras la inventora de la “taquilla de verano” (tales fueron sus números) descansa sobre la virtud del Spielberg director: un guion bien equilibrado entre sátira, drama y puro horror, química entre Roy Scheider, Robert Shaw y Richard Dreyfuss, y personajes icónicos, de Quint al propio tiburón. Y la banda sonora de John Williams, cómo no. Necesitaremos una lista más grande para quitarle nunca el trono a esta reina de los mares.

Leviathan (El Demonio Del Abismo) (1989)

¿Qué tan felices estaban los fans del terror acuático en 1989? Bastante felices. Enero vio el estreno de Profundidad Seis (1989), un sucedáneo submarino de Alien, el octavo pasajero (1979) con Miguel Ferrer y Greg Evigan y dirigida por Sean S. Cunningham, cuyo Viernes 13 (1980) también podría describirse, por lo menos técnicamente, como una película de terror bajo el agua). Solo un par de meses después, llegaba Leviathan (El Demonio Del Abismo) (1989). Un reparto de ases, encabezado por Peter Weller, Richard Crenna y Ernie Hudson, lucha contra una criatura parecida a la Cosa –de La cosa (El enigma de otro mundo) (1982)– en el fondo del océano. Y no lo creeréis pero también es de 1989 Los señores del abismo (1989), con la estrella de Piranha Bradford Dillman.

Abyss (1989)

Y Abyss de James Cameron también se estrenó en 1989. Qué gran año para el H(de horror) 2O, ¿verdad? No es la más conocida de Cameron, el mayor amante del agua, porque de hecho es el único fracaso comercial relativo a su carrera. Y ya por ello resulta interesante verla. Eso, sin contar el choque temporal de ver a Ed Harris de joven en una narrativa que, después del hundimiento del sumergible Titan, nos resulta más actual que nunca. En fin, un equipo de científicos de una instalación petrolífera es contratado por la marina norteamericana para llevar a cabo la operación de rescate de un submarino nuclear atrapado al borde de una grieta abisal de varios kilómetros de profundidad. Todo bien.

Alerta en lo profundo (1999)

En alta mar y con tiburones, todo va mal, pero ¿sabes cómo iría peor? ¡Si los tiburones fueran más inteligentes! Esa es una lección que la doctora de Saffron Burrows aprendió demasiado tarde en esta película de condrictios (sí, la familia de los tiburones) dirigida por Renny Harlin, también responsable de Máximo riesgo (1993) con Sylvester Stallone. La búsqueda de una cura para el Alzheimer resulta desastrosa para los habitantes de un centro de investigación submarino. Después de Tiburón, Alerta en lo profundo (1999) hizo la mejor muerte en el género de terror acuático. Una espifiada que incluso dos décadas después, no tenemos ninguna intención de revelar.

Open Water (2003)

Open Water (2003) es lo opuesto a Megalodón (2018), es decir, una película de tiburones tan realista que no querrás volver a verla. Basada en una historia real que adaptó Chris Kentis, Open Water sigue a un matrimonio de buceadores que se quedan a la deriva cuando su barco turístico regresa a la costa sin ellos. En cifras: la película se rodó con un presupuesto de tan solo 500.000 dólares y recaudó 55 millones. No tranquiliza su estética sucia y cercana al documental, eso lo decimos ya. Como una Bruja de Blair con agua salada. Si ya la controláis, probad con la moralmente más cuestionable El arrecife (2010).

Bait (Carnada) (2012)

¡Y que viva Australia! Muy inspirado estaba el país más acostumbrado a las rayas, los tiburones, cocodrilos, arañas, turistas y demás plagas mortales en aquellos dos mil dieces. Bait (Carnada) (2012) reúne a un joven reparto en un colmado junto a la playa, que se inunda catastróficamente por un tsunami inesperado, y que, vaya, empieza a ser atacado por dos grandes tiburones blancos. Como La niebla (2007), en modo playero. Pero atended: es el tipo de película en la que un colega de fraternidad lanza el pomerania de su novia a un tiburón para salvarse. Por si te apetece un rollo Sharknado (2013) sin la caspa.

Infierno azul (2016)

Blake Lively protagonizaba este fascinante thriller de supervivencia con una premisa sencilla: una surfista queda atrapada encima de una roca, asediada por un tiburón blanco con intenciones menos que deseables (para ella). Infierno azul (2016) es, en efecto, un one woman show (con extra de tiburón), que consigue mantenerte en vilo gracias a lo extremadamente físico de la interpretación de Lively, en una brava coreografía con la dirección de Jaume Collet-Serra (de cuando aún no dirigía en piloto automático). Y el mix funciona: con un presupuesto de 13 millones, acabó amasando 119. Nada para la taquilla como una buena dentellada.

A 47 metros (2017)

Sumerjámonos en la élite de las películas de tiburones y quizás A 47 metros (2017) se nos queda algo superficial. Pero la película de Johannes Roberts sirve para lo que sirve (meternos el miedo al no tocar fondo en la playa). A 47 metros (2017) se pregunta: “¿Y si la escena de la jaula de Tiburón durara toda una película?”, y luego se responde. Claire Hold y Mandy Moore hacen las de dos hermanas de vacaciones, quienes se apuntan a una aventura en una jaula con tiburones, ¡solo para quedar atrapadas a una cantidad incalculable de metros bajo la superficie y rodeadas de tiburones! Nadie lo vio a venir. Roberts mantiene la tensión (y añade un giro argumental genial) en este thriller económico de 89 minutos repleto de sobresaltos.

Megalodón (2018)

Si quieres leerla en clave de comedia, allá tú. A mí Megalodón (2018) me da pavor. Un Jason Statham dispuesto a todo lucha contra un megalodón prehistórico, es decir, un tiburón muy grande, muy viejo y muy hambriento. Como tú, un domingo de resaca. Si bien la película recibió críticas mixtas, Megalodón acabó zampándose más de 500 millones de dólares en taquilla, lo que la convierte en la película más exitosa de esta lista en recaudación (sin contar inflaciones)... Y su segunda parte, Megalodón 2: La fosa (2023), demuestra que Ben Wheatley (s, el de High-Rise) tiene ideas para rato.

Amenaza en lo profundo (2020)

Una tripulación de seis integrantes quedan atrapados en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un sismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Y no. No estarán solos. A Amenaza en lo profundo (2020) podéis llegar por la premisa (de final con voladura desaforada, no digo más), o por el combo con Vincent Cassel, T.J. Miller o por Jessica Henwick, pero os quedaréis por el porte de Kristen Stewart, una actriz de primera en el registro que sea.

¿Dónde puedo ver más películas de terror en el mar?

Consulta la guía de JustWatch para descubrir más películas que te mantendrán en casita, lejos de la arena y que están disponibles en España. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Los festivales de Venecia y de Toronto marcan la línea de arranque de una temporada repleta de películas que son auténticos pesos pesados. No es gratuito que los consideremos la antesala de los premios: este otoño nos hartaremos de discutir los nombres que estos días van a desfilar por la alfombra roja.

Cada año hay un caso paradigmático de película que descubrimos en Venecia o en Toronto, que luego arrasa en los Oscar y en los Globos de Oro. En 2024, Aún Estoy Aquí (2024) de Walter Salles ganaba a Mejor Guion en Venecia, y procedía a llevarse el trofeo de Mejor Actriz para Fernanda Torres en los Globos de Oro antes de jugar muy de cerca con Emilia Pérez (2024) en los Oscars.

La primera a considerar, por abrir Venecia el día 26 de agosto, va a ser La grazia: la nueva historia de amor de Paolo Sorrentino, reunión del cineasta oscarizado con el actor de La gran belleza, Toni Servillo. Luego Toronto tendrá su gran fiesta de 50 cumpleaños, cargada de estrenos mundiales, incluida la premiere de la comedia Good Fortune, con Keanu Reeves y Seth Rogen. Muchos de los títulos en Venecia se repiten en Toronto, como es el caso de Couture, la primera película de Angelina Jolie desde que fuera Maria Callas (ahora, ambientada en la Semana de la Moda).

¿Quieres estar al día, antes que la mayoría de mortales, de las películas que dominarán la conversación este final de 2025? Sigue leyendo esta guía de JustWatch.

Puñales por la espalda 3 (2025)

Wake Up Dead Man es la tercera película de Puñales por la espalda, y se estrena mundialmente en Toronto. En Puñales por la espalda 3, con Daniel Craig otra vez como el famoso detective privado Benoit Blanc (tras Queer), deberemos resolver su caso más peligroso hasta la fecha, una resurrección milagrosa de características aparentemente sobrenaturales. El reparto incluye a Josh O'Connor (que este año lleva un bolsón de películas encima, desde The Mastermind a The History of Sound), Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis, Jeremy Renner, Kerry Washington, Andrew Scott, Cailee Spaeny, Daryl McCormack y Thomas Haden Church. Y la película se estrena en Netflix el 12 de diciembre.

Frankenstein (2025)

Frankenstein de Guillermo del Toro va a estrenarse en Netflix en noviembre de 2025, pero antes la veremos en el Festival de Venecia. Un proyecto personalísimo de del Toro (que lleva trabajando en él desde hace veinte años), la película adapta poética y emotivamente la novela de Mary Shelley, y no es una película de terror convencional. Oscar Isaac interpreta a Victor Frankenstein, con Jacob Elordi como la Criatura (sustituye a Andrew Garfield) y Mia Goth será la novia del doctor, Elizabeth. El reparto también incluye a Christoph Waltz y Charles Dance. Se prevé una exhibición limitada en cines para acompañar el estreno mundial en la plataforma, y Pinocho de Guillermo del Toro (2022) debería haberos convencido ya de verla en la pantalla más grande posible.

La Máquina: The Smashing Machine (2025)

En la nueva película de Benny Safdie con A24, Dwayne Johnson da vida al legendario luchador de MMA (Artes marciales mixtas), Mark Kerr. Coprotagonizada por la nominada al Oscar Emily Blunt, quien ya trabajó con Johnson en Jungle Cruise (2021), este biopic de lucha libre se centra en un ícono de la era sin restricciones de la UFC mientras lucha con la adicción, la victoria, el amor y la amistad en la cima de su carrera, allá por el año 2000. La Máquina: The Smashing Machine (2025) se estrenará en cines el 3 de octubre, y es uno de los platos fuertes de la productora para final de 2025.

Hamnet (2025)

Protagonizada por Paul Mescal, Jessie Buckley y Emily Watson, Hamnet (2025) sigue a Agnes, la esposa de William Shakespeare, mientras trata de superar la pérdida de su único hijo, Hamnet. La película, basada en una novela de Maggie O’Farrell, se ha vendido como el trasfondo conmovedor para la creación de la obra magna de Shakespeare, Hamlet. Producen, entre otros, Sam Mendes y Steven Spielberg y el ruido mediático de este estreno, sin fecha de salida aún, va mucho más allá del Oscar a Mejor Película de la anterior de Chloé Zhao (Nomadland, 2020): la novela original vendió millones de ejemplares y se ha traducido a cuarenta idiomas.

Bugonia Bugonia (2025)

Tras La favorita (2018) o Pobres criaturas (2023), Emma Stone vuelve a ponerse en manos de Yorgos Lanthimos con Bugonia Bugonia (2025). En ella, dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía (Stone), convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra. Jesse Plemons, quien también estaba en Kinds of Kindness (2024), da vida a uno de los dos jóvenes, un apicultor emparanoiado, y Alicia Silverstone o Stavros Halkias completan el reparto. Producen Yorgos Lanthimos, Emma Stone y, ojo, el cineasta Ari Aster (Eddington). El film llegará a los cines el 7 de noviembre.

Caza de brujas (2025)

Esta promete polémica. En Caza de brujas (2025), dirigida por Luca Guadagnino, Julia Roberts hace las de una profesora universitaria cuya carrera se tambalea cuando su alumna estrella (Ayo Edebiri) acusa de agresión a un colega cercano, interpretado por Andrew Garfield. A medida que el escándalo sacude al campus, un oscuro secreto del pasado de la profesora amenaza con salir a la luz y el calcetín de lo nunca confesado empieza a girarse. Este dramón tensísimo cuenta con música de Trent Reznor y Atticus Ross (Rivales, 2024). Su estreno mundial será en el Festival de Venecia, antes de llegar a cines el 17 de octubre.

Laberinto en llamas (2025)

Bastaría decir que es el regreso de Paul Greengrass (Jason Bourne) de la mano de Matthew McConaughey y America Ferrera. Y ya, comprad vuestras entradas. Pero Laberinto en llamas (2025) va más allá: basada en un incendio forestal real en California, vibra en sincronía con el duelo climático que nos atenaza. McConaughey interpreta a Kevin McKay, un conductor de autobús escolar, y Ferrera es Mary Ludwig, una maestra decidida. Juntos lo arriesgan todo para rescatar a 22 niños atrapados por un incendio que destruyó el pueblo de Paradise en 2018. La película irá directa a Apple TV+, aunque podremos verla en algunas salas en vistas a sus posibles nominaciones en los premios de invierno.

A House of Dynamite (2025)

Todo está mal, pero podría ir a peor. Esta es la idea detrás de A House of Dynamite (2025), la nueva película de Kathryn Bigelow (En tierra hostil, La noche más oscura). El título llegará a Netflix en octubre y aunque aún hay pocos detalles al respecto, la breve sinopsis que ha publicado la plataforma de streaming hace que el proyecto suene como un thriller político polémico y en línea con las ansiedades del momento (un poco como Guerra civil, de Alex Garland). La sinopsis canta: “Cuando se lanza un solo misil sin remitente contra los Estados Unidos, comienza una carrera para determinar quién es responsable y cómo responder”. (Más) fuego en la Casa Blanca.

Jay Kelly (2025)

Jay Kelly (2025) promete enzarzarnos en debate tanto como lo hizo Historia de un matrimonio, también dirigida por Noah Baumbach. Todo el mundo conoce a Jay Kelly, pero Jay Kelly no se conoce a sí mismo, es todo lo que sabemos de este proyecto con guion del propio cineasta junto a la también actriz Emily Mortimer. Son George Clooney y Adam Sandler los que copan los papeles protagonistas de este largometraje. Junto a ellos, algunos habituales de las películas de Baumbach, como son Billy Cudrup o Laura Dern, y completan el elenco un repartado de estrellas como Grace Edwards, Riley Keough, Patrick Wilson, Alba Rohrwacher o la propia Emily Mortimer. En Netflix, a partir del 5 de diciembre.

No Other Choice (2025)

El director de La doncella (2016) y Oldboy (2003) está de regreso con una historia que es mitad comedia negra y mitad thriller criminal, en la línea de Parásitos (2019) o de La decisión de partir (2022). La película de Park Chan-wook sigue a un tipo al que despiden de una empresa papelera y sus intentonas para encontrar otro trabajo. El hombrecillo (Lee Byung-hun) encuentra a los siete hombres que podrían ocupar el puesto que por derecho le corresponde y los mata sistemáticamente. Transformándose, de un gerente medio afable en un asesino despiadado, descubre habilidades que nunca supo que tenía, y que le llegan con demasiada facilidad. En fin, nos queda No Other Choice (2025) que verla.

¿Qué otras películas se estrenan en Venecia y Toronto este otoño?

Tantísimas más. Nos hemos dejado en el tintero los nuevos proyectos de Edward Berger (Ballad of a Small Player), Amanda Seyfried (Christy) y Mona Fastvold (The Testament of Ann Lee), así que os animamos a esperarlas con deleite. Para descubrir todos los grandes estrenos de este otoño, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Además, puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Pocas combinaciones resultan más exitosas que la que forman el deporte y el humor. Es por ello que el cine ha sabido sacar la parte cómica de prácticas como el golf, el hockey, la lucha libre o, incluso, el balón prisionero, con las que han logrado hacernos reír hasta la extenuación. 

A sabiendas de que Happy Gilmore es una de las comedias deportivas predilectas por el público, en Justwatch hemos querido crear una guía en la que unimos el film protagonizado por Adam Sandler junto a las que consideramos las otras 10 comedias deportivas más divertidas de la historia.

1. El castañazo (1977)

Para abrir la lista debemos irnos bien atrás en la historia, concretamente al año 1977 cuando se estrenó una joya del humor negro deportivo, El castañazo, que cuenta la historia de un equipo de hockey venido a menos que decide volverse brutal para ganar partidos y llenar estadios. 

La comedia, que está protagonizada por Paul Newman, destaca por tener un tono irreverente, además de jugadas antideportivas y una gran sátira social. El paso del tiempo le ha sentado bien y le ha permitido convertirse en una película de culto.

2. El club de los chalados (1980)

Unos años más tarde, en 1980, se estrena El club de los chalados (título original Caddyshack), una de las comedias más icónicas de todos los tiempos. La trama gira alrededor de un club de golf elitista que se ve sacudido por un grupo de personajes un poco alocados. 

El reparto de la película lo encabezan Bill Murray, Chevy Chase y Rodney Dangerfield, quienes forman un trío cómico de auténtico lujo. Incluso aunque no te guste el golf, te vas a reír con la anarquía que se vive durante la historia del film.

3. Los búfalos de Durham (1988)

El béisbol también ha sido un escenario recurrente para el mundo del cine, y Los búfalos de Durham es el primer fruto reseñable de ese idilio que llega hasta nuestros días. En el film, el deporte se erige en el centro de una historia de amor, aprendizaje y humor inteligente. 

El largometraje está protagonizado por Kevin Costner, un veterano que debe capacitar a un joven lanzador mientras se enreda de forma sentimental con Susan Sarandon, quien es algo así como la mentora romántica del equipo. Deporte, humor, amor y a estos dos colosos de la actuación son motivos suficientes para verla.

Los búfalos de Durham es una de las mejores películas de Susan Sarandon.

4. Una mujer en la liga (1989)

No te mentíamos cuando decíamos que el béisbol es uno de los deportes más retratados en el cine. En Una mujer en la liga, un grupo de inadaptados forman el equipo más desastroso de las grandes ligas. La nueva dueña del club desea que sigan perdiendo para poder trasladarse a Miami… hasta que poco a poco empiezan a ganar. 

Su reparto coral funciona como un reloj, y cada personaje tiene su momento para brillar durante la trama. Una opción ideal para reírte sin complicaciones mientras ves a un equipo de perdedores hacer historia.

5. Happy Gilmore (1996)

No podía faltar en la lista, como era de esperar, la primera entrega de Happy Gilmore, donde Adam Sandler brilla interpretando a un jugador de hockey fracasado que encuentra su vocación en el golf, con el firme objetivo de salvar la casa de su abuela. 

Lo más cómico del film es observar el contraste entre su estilo agresivo y la calma del golf profesional, al dar lugar a algunas escenas absurdas y divertidas. Recientemente se ha estrenado la segunda parte, Happy Gilmore 2, donde Sandler necesita conseguir dinero para financiar la escuela de danza de su hija.

Es una de las películas más destacadas de Adam Sandler.

6. Vaya par de idiotas (1996)

Peter y Bobby Farrelly nos regalaron esta comedia sobre un ex jugador de bolos que pierde la mano en un accidente surrealista y, años más tarde, entrena a un joven amish que posee un talento natural para el deporte. Vaya par de idiotas es una coctelera repleta de chistes escatológicos, personajes grotescos y un humor negro que hará las delicias de aquellos políticamente incorrectos.

Woody Harrelson y Bill Murray están muy bien en sus respectivos papeles, y los bolos se convierten en una fuente inagotable de situaciones cómicas.

7. BASEketball - muchas pelotas en juego (1998)

Try Parker y Matt Stone, dos de los responsables detrás de South Park, protagonizan la comedia deportiva BASEketball - muchas pelotas en juego un film que inventa un nuevo deporte que mezcla béisbol con baloncesto. 

La historia nos cuenta una sátira delirante sobre el deporte profesional, los medios y la fama. Tiene un gran humor que siempre va al límite, cuenta con cameos inesperados y rebosa diálogos absurdos por doquier. Perfecta para reír sin tener que pensar mucho.

8. El aguador (1998)

Adam Sandler vuelve a aparecer en la lista con la comedia El aguador, donde encarna a un joven que cuenta con habilidades sociales limitadas, pero que posee una fuerza descomunal que lo convierte en la estrella de un equipo universitario de fútbol americano.

La película está repleta de exageraciones, personajes muy raros y un humor algo infantil pero muy efectivo. La historia de superación funciona bastante bien, y Sandler se encuentra en su salsa. 

9. Cuestión de pelotas (2004)

En Cuestión de pelotas se da cita un elenco con una gran experiencia en la comedia de Hollywood: Ben Stiller, Vince Vaughn, Jason Bateman… que son parte de una de las comedias deportivas más destacadas del siglo XXI. 

La historia nos sitúa en un contexto en el que hay un gimnasio en bancarrota, un torneo de balón prisionero y un villano con bigote retorcido. Sobresale el humor físico y el ritmo no decae en ningún momento. Muy recomendable para ver en grupo.

10. Super Nacho (2006)

Continuamos con Jack Black y su papel en Super Nacho, donde se mete en la piel de un monje mexicano que decide convertirse en luchador para ayudar a un orfanato. El film merece estar en la lista por su nivel de rareza (tiene una estética muy particular) y ternura.

A diferencia de otras opciones en la lista, su humor ingenuo es más ingenuo, y Black se entrega por completo a su papel. 

11. Pasado de vueltas (2006)

Concluimos este listado con la película Pasado de vueltas, protagonizada por Will Ferrell que interpreta a un piloto de NASCAR con más ego que ideas. 

El film funciona como una sátira de la cultura americana, la fama y el machismo en el deporte, todo aderezado por escenas explosivas y diálogos bastante ridículos. El film, que se burla de todo sin perder el ritmo de la historia, cuenta con otros intérpretes como John C. Reilly y Sacha Baron Cohen. 

¿Dónde puedo ver online ‘Happy Gilmore’ y el resto de estas comedias deportivas?

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Cada fase del Universo Cinematográfico de Marvel contiene ingredientes que la hacen diferente frente al resto, y la número 3 cuenta con algunos diferenciales notorios: introdujo superhéroes como Doctor Strange, Black Panther o Capitana Marvel, e incluyó la épica resolución de los Vengadores. 

Por ello, en esta guía hemos elaborado nuestro ranking de la fase 3 del MCU, en el que analizamos cada una de las 11 películas que la componen, de la que consideramos mejor a la que menos impacto tuvo.

11. Capitana Marvel (2019)

Comenzamos la fase 3 del MCU con Capitana Marvel, una película pionera por ser la primera con héroe femenina al frente. Sin embargo, a diferencia del resto de películas en la lista, la crítica la recibió con división de opiniones.

De todas formas, su importancia en Endgame fue crucial, y elevó a Carol Danvers como uno personajes principales del MCU. Además, cuenta con una secuela muy reciente: The Marvels, donde aparecen tres superheroínas.

10. Ant‑Man y la Avispa (2018)

Esta secuela de Ant-Man es ligera y divertida, y explora la relación entre Scott Lang y Hope van Dyne, añadiendo una buena dosis de humor familiar y acción trepidante. Ant-Man y la Avispa no se aventura en riesgos narrativos, cumple su cometido y contó con una buena recepción por parte de crítica y público.

Su mayor aportación fue ampliar el tratamiento lúdico del MCU, además de introducir el concepto de “mundo cuántico” para futuras tramas.

9. Spider-Man: Lejos de casa (2019)

En este caso, Spider-Man: Lejos de casa es una continuación directa de Vengadores: Endgame, donde Peter Parker se enfrenta a la presión de ser un héroe sin el cuidado de Stark, mientras lidia con la magia y la traición en Europa. 

Al igual que Homecoming, mantiene el tono adolescente que la hace tan irresistible y prepara el camino para la evolución del personaje en otros universos (¿recuerdas el multiverso de Strange?).

8. Capitán América: Civil War (2016)

Continuamos subiendo esta escalinata de la fase 3 del MCU para llegar a Capitán América: Civil War, donde asistimos a la fractura moral entre Steve Rogers y Tony Stark, y donde se introduce de manera oficial a Spider‑Man y Black Panther. 

El impacto de esta película fue tal que cambió dinámicas dentro del universo de la franquicia, abrió nuevas líneas narrativas y continúa siendo una referencia en cuanto a conflicto ideológico entre superhéroes se refiere.

Se trata de una de las películas del Capitán América más destacadas.

7. Guardianes de la Galaxia Vol. 2 (2017)

La secuela de Guardianes de la Galaxia mantuvo el tipo y continuó con el buen trabajo desplegado en la película original. Guardianes de la Galaxia Vol.2 es un film emocional y épico, que cuenta con la misma mezcla de humor, banda sonora ochentera y exploración familiar que hizo grande a su antecesora. 

Además, el conflicto sobre el padre de Peter Quill, Ego, añadió una mayor profundidad dramática, algo de lo que adoleció la primera parte.

6. Doctor Strange (2016)

De la mano del actor Benedict Cumberbatch, Doctor Strange introdujo el misticismo al MCU con magia a través de efectos visuales alucinantes. El viaje vital de Stephen Strange, desde ser un cirujano lleno de arrogancia a convertirse en el hechicero protector de la realidad, fascinó tanto a fans como a la crítica.

En esta película se presentó el concepto de multiverso, el cual es muy clave en otros films de la saga, así como en otras fases del MCU.

5. Spider-Man: Homecoming (2017)

Gracias a la interpretación de Tom Holland, el trepamuros más famoso del cine tuvo un regreso triunfal al MCU con Spider-Man: Homecoming. En el film vemos a un Peter Parker adolescente balancear la vida escolar con su rol de superhéroe bajo la supervisión de Tony Stark. 

Su frescura, humor juvenil y el enfoque en la escuela lo hacen uno de los mejores Spider‑Man recientes.

Resulta muy interesante comparar al personaje de Holland con el de las series de Spider-Man, para observar la impronta que le da el actor al superhéroe.

4. Thor: Ragnarok (2017)

Thor es uno de los superhéroes fetiche de Marvel, y tiene tanto tirón como Capitán América, Spiderman o Iron Man, por citar algunos de los más famosos. Con Thor: Ragnarok, la franquicia renovó la saga gracias al estilo cómico de su director, Taika Waititi. 

El Ragnarok, la desaparición del martillo y su alianza con Hulk en un combate épico reescribieron las reglas del personaje dentro del MCU. Por supuesto, tiene una secuela: Thor: Love and Thunder.

3. Black Panther (2018)

Muchos sitúan a Black Panther como la mejor película de un superhéroe lanzada en mucho tiempo. Fue considerada un fenómeno cultural, en el que se combina con maestría la representación, su banda sonora y su impacto social. 

La trama de T’Challa resonó de manera mundial, y se convirtió en el primer largometraje de superhéroes nominado al Oscar a Mejor Película. Cuenta con una secuela llamada Black Panther: Wakanda Forever, con similar éxito que su antecesora.

2. Vengadores: Endgame (2019)

Se trata de la segunda parte de la épica iniciada en Infinity War. Con el lanzamiento de Vengadores: Endgame se cerró un ciclo de 22 películas y una década de storytelling que giró en torno a los personajes centrales como Tony Stark, Steve Rogers y compañía. 

Su éxito en taquilla fue acompañado por una aprobación unánime por parte de la crítica, lo que da muestras de la calidad del film. Si quieres saber en qué orden debes verla, en Justwatch tenemos una guía llamada películas de Marvel en orden, que te puede aclarar cómo visionarlas.

1. Vengadores: Infinity War (2018)

Comenzamos por la que muchos consideran el clímax de la fase 3: Vengadores: Infinity War, donde se reúne un elenco espectacular para hacer frente a un villano de órdago como Thanos. 

El film culmina con un final abierto en el que muchos protagonistas desaparecen, instante que marcó un antes y un después en los films de superhéroes. Fue grabada simultáneamente con Vengadores: Endgame, y contó con un presupuesto por encima de los 300 millones de dólares. 

Por cierto, si te gustan este tipo de películas, échale un ojo a nuestra guía con películas similares a Avengers.

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A veces, lo que llega al cine no es solo una película, sino un misterio de traducción. En España, los títulos de películas a menudo se cambian para atraer al público local. Pero, en el intento, algunos nombres se vuelven absurdos, excesivamente explicativos o directamente ridículos. Ya sea por decisiones de marketing o malas interpretaciones, estas traducciones han pasado a la historia por lo poco que respetan el título original. Estas desafortunadas traducciones nos hacen reír, sorprendernos y preguntarnos: ¿en serio alguien pensó que era una buena idea? Nuestra guía presenta las 10 películas con el título traducido al español de forma mas rara y dónde verlas. 

Soñando, soñando… triunfé patinando (2005)

Esta comedia familiar de Disney, protagonizada por Michelle Trachtenberg, cuenta la historia de una adolescente que sueña con convertirse en patinadora artística. El título original, Ice Princess, es simple, directo y va perfectamente con el tono juvenil de la cinta. Sin embargo, en España decidieron tomarse demasiadas libertades y la titularon Soñando, soñando… triunfé patinando (2005). Con su rima forzada y estilo cursi y demasiado infantil, parece más el nombre de un telefilme de sobremesa que de una película teen de Disney. Aunque algunos la recuerdan con cariño precisamente por ese título ridículo, lo cierto es que cambia por completo la percepción de la película. Una traducción tan innecesariamente larga como memorable… por las razones equivocadas.

Un canguro superduro (2005)

En The Pacifier, Vin Diesel interpreta a un agente de élite obligado a cuidar a un grupo de niños. El título original es un juego de palabras: “pacifier” significa “chupete”, reflejando tanto su rol de protector como la comedia familiar que se avecina. Pero en España se optó por la opción más literal y exagerada: Un canguro superduro (2005). El problema no es solo lo absurdo del título, sino que transforma el tono. Pasa de comedia entrañable a parecer una parodia de acción. Aunque logra captar la atención, lo hace con un aire caricaturesco que no representa la película real. Otra víctima del marketing que confunde lo llamativo con lo adecuado.

Aterriza como puedas (1980)

Este clásico del cine paródico toma el nombre simple de Airplane! para avisar al espectador que está ante una sátira de las películas de catástrofes aéreas. Pero en España, el título se transformó en Aterriza como puedas (1980) que parece más el remate de una broma que una presentación. Aunque hoy en día es un título icónico, lo cierto es que altera el enfoque de la película, centrándolo en una situación puntual en lugar del tono general. Además, abrió la puerta a una serie de traducciones similares, convirtiéndose en un meme. No es la peor traducción, pero sí una de las más desconcertantes de la historia del cine.

¡Olvídate de mí! (2004)

Michel Gondry y Charlie Kaufman crearon una de las películas más poéticas y originales del siglo XXI con Eternal Sunshine of the Spotless Mind. El título proviene de un verso de Alexander Pope y captura la pureza emocional del olvido. Pero en español, decidieron reducir todo ese lirismo a ¡Olvídate de mí! (2004), un grito desesperado que cambia por completo el tono. Aunque es comprensible buscar una traducción accesible, esta opción suena como el título de una telenovela o de una comedia ligera, en lugar de una obra filosófica sobre el amor y la memoria. Un ejemplo de cómo una traducción pobre puede vaciar de contenido una película compleja y profundamente emotiva.

Jungla de cristal (1988)

Pocas traducciones españolas son tan icónicas… y tan desconcertantes como Jungla de cristal (1988). El título original, Die Hard, transmite supervivencia y resistencia, cualidades que definen al personaje de John McClane. Pero en España se decidió optar por una algo totalmente distinto, haciendo alusión al edificio en el que transcurre gran parte de la acción. Aunque el título suena llamativo, cambia completamente el significado del original, ya que no hay ninguna “jungla” más allá del entorno urbano. Con el paso del tiempo, esta traducción se convirtió en un icono. Lo cierto es que es tan única que hoy en día es difícil imaginar la saga con otro nombre.

Sonrisas y lágrimas (1965)

Uno de los musicales más icónicos del cine fue víctima de una traducción que parece querer resumir la película en dos emociones básicas. The Sound of Music hace referencia directa a la música, elemento central de la película, y a su capacidad para unir a una familia en tiempos de guerra. Pero en España se cambió por Sonrisas y lágrimas (1965), una frase tan genérica que podría aplicarse a cualquier drama. Aunque el título se ha vuelto familiar con los años, sigue siendo un ejemplo de cómo una mala traducción puede borrar lo distintivo de una obra. Si no conoces el original, jamás pensarías que se trata de una historia sobre monjas, música y nazis.

Tú a Londres y yo a California (1998)

La historia de dos hermanas gemelas separadas al nacer que se reencuentran en un campamento de verano tiene un título perfecto en inglés: The Parent Trap, que resume su plan para reunir a sus padres. En España, en cambio, recibimos Tú a Londres y yo a California (1998), un título largo, descriptivo y bastante cursi. Aunque indica la distancia entre las protagonistas, pierde el ingenio del título original. Suena más a una comedia romántica de viajes que a una película infantil sobre familia y reencuentros. Es un caso claro de cómo intentar explicar la trama en el título puede perjudicar la identidad de una historia. Una traducción que separa más que une.

Sin malos rollos (2023)

La comedia protagonizada por Jennifer Lawrence se titula originalmente No Hard Feelings, una expresión que sugiere “sin resentimientos” tras una situación incómoda. En España, sin embargo, fue traducida como Sin malos rollos (2023), una frase que, aunque informal, suena desfasada y poco natural. El problema principal es que transmite algo diferente: en lugar de reflejar el sarcasmo del argumento, la traducción suena como el título de una comedia adolescente de principios de los 2000. Además, no ayuda a vender la verdadera premisa de la película, en la que una mujer es contratada para “salir” con un joven introvertido. La traducción del título está hecha para intentar sonar “joven”, pero acaba pareciendo todo lo contrario: forzada y pasada de moda.

Agárralo como puedas (1988)

La saga cómica protagonizada por Leslie Nielsen se tituló en inglés The Naked Gun: From the Files of Police Squad, una referencia al estilo exagerado de las películas policiacas que parodia. Pero en España decidieron transformarla en Agárralo como puedas (1988), un título que no tiene mucho sentido y que roza el sinsentido total. Esta decisión inauguró una serie de traducciones similares que copiaban la fórmula. Aunque pegadizo, este título pierde completamente la ironía del original. Es gracioso, sí, pero, ¿a qué precio? Porque, sinceramente, también es un ejemplo de cómo la comedia puede desvirtuarse con solo unas pocas palabras mal elegidas.

Tiburón (1975)

A primera vista, Tiburón (1975) parece una traducción razonable. Pero lo cierto es que el título original, Jaws, es mucho más inquietante y simbólico. En inglés, no se menciona directamente al animal, sino que se hace referencia a sus mandíbulas, evocando la amenaza constante e invisible. “Jaws” sugiere tensión, peligro y una fuerza destructiva que acecha bajo la superficie. Al traducirlo simplemente como “Tiburón” se pierde ese matiz y se convierte en algo menos intimidante. Aunque el título es efectivo y reconocido, también es una muestra de que traducir demasiado literalmente puede eliminar parte del simbolismo del título original. Una decisión que funciona… pero a medias.

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La gran familia de superhéroes de Marvel ha tenido un recorrido bastante caótico en el cine durante más de tres décadas. Desde experimentos con presupuestos de chichinabo hasta reboots millonarios que acabaron siendo un fiasco, estos superhéroes son conocidos por haber tenido una suerte fatídica en Hollywood. Pero todo ha cambiado con Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos, un nuevo triunfo del MCU que sirve para hacer repaso de toda la filmografía del Sr. Fantástico, la Mujer Invisible, la Antorcha Humana y la Cosa. En esta guía JustWatch puedes localizar estas películas en las plataformas de streaming más a mano, y preparar su llegada (por fin) al universo Marvel como Dios manda.

5. Cuatro Fantásticos (2015)

Josh Trank llegaba con fuerza tras Chronicle y decidió darle un enfoque más oscuro y "realista" a la primera familia de Marvel. La larga sombra de la seriedad de Nolan pasaba factura, y un mal planteamiento desde el minuto uno arrebataba el lado familiar del supergrupo, aquí más parecidos a unos X-Men un poco… aburridos. Hay que reconocer que su primera parte era prometedora, centrada en el body horror de las transformaciones, pero el tercer acto es como un pegote surgido de una lluvia de ideas como pollo sin cabeza. Seguramente todo tenga que ver con la guerra entre director y estudio, porque el trabajo decente de Miles Teller, Kate Mara, Michael B. Jordan y Jamie Bell en Cuatro Fantásticos no pudo salvar una sensación de quiero y no puedo que se cargó la carrera de Trank.

4. Los 4 Fantásticos y Silver Surfer (2007)

El director Tim Story no se rindió tras su primer intento, y trató de arreglar su anterior adaptación—que veremos más adelante—con la misión imposible de meter a Galactus y Estela Plateada, de los agentes cósmicos más ambiciosos de Marvel, en la ecuación. Pero claro, Hollywood todavía no dominaba los efectos especiales como hoy, y la chufa se dejó notar. Hay que dispensar a Doug Jones por su encarnación de Estela Plateada, con Laurence Fishburne poniéndole la voz, consiguiendo una presencia que no alcanza la última versión. Pero el Galactus-nube de Los 4 Fantásticos y Silver Surfer es, diciéndolo de una forma educada, una de las razones por las que hacía mucha falta que llegara Marvel Studios a la industria, y solo un año después Iron Man lo cambió todo.

3. Los Cuatro Fantásticos (1994)

Cuenta la leyenda que esta película jamás debería haber visto la luz, pero por alguna razón se ha ganado su estatus de culto. Y es que el sello Roger Corman tiene un encanto especial. El genio de Hollywood la produjo con apenas un millón de dólares, para que Constantin Film mantuviera los derechos del grupo, y la cosa (broma sin intención) parece un capítulo extendido de los Power Rangers con efectos especiales caseros, decorados de desfile de carrozas y un festival de ideas delirantes que la convierten en un festival del bochorno al que merece la pena apreciar como artefacto pulp disfrutable sin ninguna mala intención, es decir, logrando transmitir el sentimiento atolondrado de los cómics infantiles de la primera época.

2. Los 4 Fantásticos (2005)

Lo bueno de esta iteración es que supo abrazar su naturaleza familiar y cierto puntito camp de los cómics originales. Pero estábamos en plenos 2000, los años de los trajes negros, y la obra de Stan Lee y Jack Kirby quedaba modernizaba de forma regular. No es que Ioan Gruffudd no fuera un Reed Richards creíble, o Jessica Alba no fuera una Sue Storm encantadora, pero el único realmente bien elegido fue Chris Evans, que ya apuntaba maneras para acabar siendo el Capitán América perfecto. Michael Chiklis conseguía incorporar parte de la tragedia y el humor del personaje pero el diseño no respetaba los cómics. Lo que sí que tiene que tener en cuenta Robert Downey Jr. es cómo superar al Doctor Doom de Julian McMahon como gran villano de Los 4 Fantásticos, que no estaba nada mal.

1. Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos (2025)

Esta sí, Primeros pasos es la versión definitiva para el MCU. Ambientada en un mundo retrofuturista que bebe de los sesenta, por fin se hace justicia con el legado de Stan Lee y Jack Kirby con un espectáculo visual impecable y la dinámica familiar de los tebeos. A pesar de su omnipresencia en el cine, Pedro Pascal es un gran Reed Richards, Vanessa Kirby sorprende dando más autonomía a Sue Storm, y Joseph Quinn mantiene una química con Ebon Moss-Bachrach que parece salida de las viñetas, y sus clásicas discusiones entre la antorcha humana y la cosa.  Por fin tenemos un Galactus a la altura—ja, ja— y la dimensión cósmica del conflicto es lo que no han acabado de clavar en otras pelis. Nadie como la propia Marvel para retratar a sus personajes con caligrafía pulcra y atención a cada detalle friki.

¿Dónde ver más películas de Marvel?

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Desde su debut, bastante accidentado, en 1982, Blade Runner ha marcado la ciencia ficción moderna en el cine con una visión decadente del futuro, donde androides y humanos coexisten en una Los Ángeles hecha una pena que después han copiado bastante en películas como Ghost in the Shell. La obra maestra de Ridley Scott, basada en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick, no solo revolucionó el género—aunque al principio a la gente le dio bastante igual—, sino que tiene una estética visual que sigue influyendo en el cine actual, convirtiendo a Harrison Ford en el arquetipo del dilema de identidad de la IA. Un referente cultural con algunas secuelas bastante decentes que te ayudamos a localizar en streaming en esta guía de JustWatch.

1.Blade Runner (1982)

El éxito de E.T. El extraterrestre en el mismo fin de semana de estreno la hundió en taquilla, pero aquí tenemos la película que cambió la ciencia ficción en el cine para siempre. En ella conocimos a Rick Deckard, un blade runner con cara de Indiana Jones encargado de "retirar" a cuatro replicantes que se habían escapado de colonias espaciales.

Dirigida por Ridley Scott después del exitazo de Alien, su apuesta era un órdago de diseño de producción que resultó ser revolucionario, una Los Ángeles de 2019 que mezclaba elementos orientales con arquitectura modernista y gases y niebla por todas partes. La atmósfera lluviosa, la banda sonora de Vangelis y un reparto completado por Rutger Hauer, Sean Young o Daryl Hannah, hacen de Blade Runner un film de culto, que se la pegó en su momento pero ha ido convirtiéndose en la Piedra Rosetta de cualquier proyecto que trate de meterse en el género.

2. Soldier (1998)

Esta fijo que no te la esperabas. Aunque nunca se menciona como parte del universo de Blade Runner, Soldier, protagonizada por Kurt Russell, comparte un vínculo temático y conceptual bastante fuerte y se considera una "secuela espiritual" o un spin-off no oficial, principalmente porque David Webb Peoples, coguionista de Blade Runner así lo considera.

Además de paisajes desolados y tecnología militar avanzada común, hay evidencia de un spinner, uno de los coches voladores del clásico, que aparece en un depósito de chatarra del planeta Arcadia 234, la Puerta de Tannhäuser y Orión aparecen en la hoja de servicios de Russell, además de tratar temas de humanidad, identidad y artificialidad comunes, sobre todo en el contexto de los soldados modificados genéticamente. Algunas teorías van más allá y explican que estos son en realidad replicantes.

3. Blade Runner: The Final Cut (2007)

Esta repetición del mismo título tiene una justificación convincente. Veinticinco años después de su estreno original, Ridley Scott presentó en ediciones domésticas su versión definitiva, Blade Runner: The Final Cut, corrigiendo imperfecciones técnicas y ofreciendo su verdadera visión original que ya había perfilado en su Director's Cut de los 90.

Esta es la edición que hay que ver sí o sí, con una escena onírica clave, sin la controvertida narración en off, ni el final "feliz" impuesto por el estudio; una experiencia más ambigua que mejora la calidad visual mientras intensifica los temas existenciales sobre la naturaleza de Deckard, dejando libres las interpretaciones que han alimentado décadas de debate entre fans.

4. Blade Runner: Apagón 2022 (2017)

Un cortometraje animado que sirve como puente narrativo entre la peli original y su secuela, explorando los eventos que llevaron a la prohibición de la fabricación de replicantes. Dirigido por Shinichiro Watanabe, conocido por Cowboy Bebop, la pieza combina animación 2D tradicional con elementos 3D, en una estética acorde al universo visual establecido en los 80, pero obviamente sin limitaciones espaciales.

La trama de Apagón 2022 se centra, claro, en un apagón extendido que deja sin energía a toda la costa oeste de los Estados Unidos, un evento crucial para entender el mundo de 2049, que en apenas 15 minutos, nos da pistas sobre la evolución política y social entre ambas películas.

5. Blade Runner 2049 (2017)

Antes de meterse a adaptar las dos partes de Dune, Denis Villeneuve se enfrentó al dilema de crear una secuela con su propia identidad artística, pero que sirviera como relevo digno del legado original. Ambientada 30 años después de los eventos de 2019, ahora tenemos a un nuevo blade runner que descubre un secreto que podría cambiar el destino de la humanidad.

De ahí surge el contacto inevitable con el incomparable Rick Deckard, exiliado durante décadas. Si hay algo reseñable, además del puñetazo accidental que Ford le dio a Ryan Gosling en el rodaje, es la apabullante fotografía de Roger Deakins, con una ecléctica banda sonora de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch que rinde homenaje a la de Vangelis. Blade Runner 2049 es una continuación narrativa que también juega a ser una meditación filosófica independiente, aunque quizá su único punto débil es su necesidad de incorporar más subtramas de las que son necesarias.

6. Blade Runner: Black Lotus (2021)

La serie de animación ambientada en 2032 también sirve de puente entre Blade Runner (1982) y  (2017), funcionando a su vez como adaptación parcial y alternativa de la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick. Aquí tenemos a Elle, una joven replicante que despierta sin memoria en una Los Ángeles distópica y debe reconstruir su pasado mientras huye de los blade runners y descubre una conspiración que amenaza tanto a humanos como a replicantes. Black Lotus está dirigida por Shinji Aramaki y Kenji Kamiyama, es una expansión del universo que mantiene los detalles de cine negro y ciberpunk de la franquicia, incluso evocando la atmósfera melancólica que define a la saga.

7. Blade Runner 2099 (2025)

Ahora mismo en plena producción, la franquicia regresará a la acción real en un formato televisivo ambicioso que se desarrolla cincuenta años después de los eventos de Blade Runner 2049. Producida por Amazon Prime Video, con Ridley Scott como productor ejecutivo, la serie podría ser uno los grandes estrenos de 2025 en la plataforma. Michelle Yeoh encabeza el reparto de Blade Runner 2099 junto a Tom Burke, Lewis Gribben y Dimitri Abold, y será el punto de partida para examinar cómo ha evolucionado la sociedad y la tecnología en el universo replicante, sin abandonar los temas clásicos de complejidad moral y las preguntas existenciales de la franquicia para una nueva generación.

Dónde ver las películas y series de Blade Runner online

Estas son las películas y series de la saga Blade Runner disponibles en diversas plataformas de streaming. JustWatch te ayuda a encontrarlas en Apple TV, Prime Video, Netflix y otras plataformas. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

¡Es complicado! Céline Song bien sabe que en esta economía nadie puede permitirse soñar con el amor verdadero y que los caminos del deseo son inescrutables. Por eso escribe películas románticas, entre la comedia y el drama. Si Vidas pasadas (2023) acababa con un enorme interrogante acerca del destino y las puertas que le cerramos, Materialistas (2025) se formula como un cuento de hadas en el que equivocarse no está tan mal. Y así abraza el espíritu de la rom-com clásica, la que también se sabe un poco producto de su juego.

Si el género no te convence, lo hará un triángulo amoroso de primera entre dos etéreos Dakota Johnson y Pedro Pascal y un Chris Evans digno de rollo de perrito de papel higiénico y película de tarde. Y si ya has visto Materialistas y quieres descubrir más películas similares (eso sí, de todos los tiempos), esta guía de Justwatch te echa una mano.

Historias de Filadelfia (1940)

Si lo que amas de Materialistas es la aureola de carisma y gracia de su tripleto principal, el clásico de George Cukor Historias de Filadelfia (1940) es para ti. En él, encontramos a la aristócrata Tracy Lord (Katharine Hepburn) a punto de subir al altar con otro miembro de la alta sociedad, George Kittredge (John Howard). Su boda, transaccional, es también el evento del momento, lo que lleva a su exesposo, el diseñador de yates convertido en periodista C.K. Dexter Haven (Cary Grant), y al fotógrafo Mike Connor (James Stewart) a presentarse en su casa para cubrir la glamorosa celebración. En los días previos al “sí, quiero”, Tracy comienza a cuestionar las decisiones que ha tomado porque era lo correcto. Y ya la hemos liado.

Sabrina (1954)

Sabrina (1954) es una joya del clasicismo que ver con el filtro del tiempo bien puesto. Protagonizada por Audrey Hepburn, construye un triángulo amoroso de glamur y brilli-brilli entre Sabrina Fairchild, hija del chofer de una familia adinerada, y los hermanos Linus (Humphrey Bogart) y David (William Holden). Aunque en un principio Sabrina se siente atraída por el encantador y despreocupado David, su corazón termina inclinándose hacia Linus, un hombre serio, racional y dedicado a los negocios. Y de ahí el filtro del tiempo, porque Bogart era mucho, mucho mayor que Hepburn. Pero eh, no se critica sin antes verla. En clave contemporánea y como Materialistas, Sabrina puede leerse como una crítica al materialismo.

El graduado (1967)

Quizás ahora veamos con mejores ojos la seducción de Benjamin (Dustin Hoffman), un recién graduado universitario, por parte de la señora Robinson (Anne Bancroft), esposa del socio legal de su padre y al menos veinte años mayor que él (en la vida real, Bancroft tenía 35 años, solo seis más que Hoffman, porque el cine siempre ha tenido tirria a las “mujeres mayores”). En fin. Esta comedia de Mike Nichols arranca con la dicharachería de quien sabe que el romance es artificio, hasta que Benjamin comienza a enamorarse de veras de Elaine (Katharine Ross), la hija de la señora Robinson. Y aquí arrancan los embrollos, aliñados por la fantástica banda sonora de Simon & Garfunkel. El icónico plano final de El graduado (1967) deja la duda: ¿fue todo amor o venganza? Vedla.

La edad de la inocencia (1993)

Saquen los clínecs: Martin Scorsese adaptó la novela homónima de Edith Wharton publicada, en 1920, para hacer de ella un drama conmovedor y, como Materialistas, algo tocado de sátira. Ambientada en la Nueva York de la década de 1870, la historia sigue a Newland Archer (Daniel Day-Lewis), un abogado caballeroso que está comprometido con la dulce y virtuosa May Weiland (Winona Ryder). Sin embargo, pronto se enamora de la condesa Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), la prima de May, marginada por la alta sociedad tras separarse de su esposo. La edad de la inocencia (1993) es una trágica reflexión sobre el dilema entre seguir los dictados del corazón o someterse a las rígidas normas sociales. Los acabados son de oro, pero quizás el gorgojo de los posibles se nos haya comido enteros.

Tienes un e-mail (1998)

Bajo ningún concepto puedes perderte Tienes un e-mail (1998), el culmen de la comedia romántica de Nora Ephron, con Meg Ryan y Tom Hanks. Al igual que Materialistas, explora el contraste entre el amor idealizado y un mundo profesional donde el romance no tiene cabida. Uy, y donde toda crueldad es posible si no la tienes muy presente. Kathleen y Joe, rivales en el negocio de las librerías, se enamoran sin saber que ya están conectados por correo electrónico. La película combina romance empedernido, ironía finísima y una crítica sin tapujos al allanamiento consumista y de masas, todo envuelto en un Nueva York otoñal irresistible.

Sweet Home Alabama (2002)

Si te criaste en los años 90 y te gustó Materialistas, por lo menos tendrás que reconocernos algo: en argumento y tono, es bastante paralela a Sweet Home Alabama (2002), una comedia romántica que también contaba con un reparto de lujo. Reese Witherspoon, Patrick Dempsey y Josh Lucas, la nata de la época. Sobre el papel, la vida de Melanie (Witherspoon) parece perfecta. Es una exitosa diseñadora de moda radicada en Nueva York y está comprometida con el soltero más codiciado de la ciudad. Sin embargo, también tiene un pequeño inconveniente… Un esposo en Alabama que se niega a firmar el divorcio. Ideal para un domingo de cansancio vital.

27 vestidos (2008)

Es el “cásate, lorito” de la comedia romántica. 27 vestidos (2008) sigue a Jane (Katherine Heigl), una mujer que ha equivado el matrimonio como la peste. Pero ella es una dama de honor excepcional, por eso le han pedido que lo sea… 27 veces. Durante una noche en la que debe asistir a dos bodas a la vez, Jane conoce a Kevin (James Marsden), un cínico periodista que es, en realidad, el autor de unos escritos de bodas que ella adora. Y aquí pónganse otro filtro rom-com: ahora, Jane debe organizar la boda de sus sueños… pero para su carismática hermana Tess (Malin Akerman) y el hombre que ama, que también es su jefe (Ed Burns).

Locamente Millonarios (2018)

La clase social es, sin duda, un factor en las comedias románticas estadounidenses como Materialistas, pero la diferencia de estatus en esa película parece microscópica si la comparamos con la riqueza estratosférica que mueve Locamente Millonarios (2018). En una comedia que se zafó de todas nuestras expectativas, Rachel Chu (Constance Wu) da vida a una profesora de economía chino-estadounidense atónita al descubrir que su encantador novio Nick (Henry Golding) es heredero de una de las familias más ricas de Singapur. La madre de Nick, Eleanor (Michelle Yeoh), está decidida a separar a la pareja cueste lo que cueste, y depende de Rachel plantarse y luchar por su relación. Ya lo dice su mejor amiga (Awkwafina): “Cuando juegas al gallina, tienes que decir ‘¡Cocó, p***!’”.

Cómo deshacerte de tu jefe (2018)

Toma dos tazas de drama moderno: en Cómo deshacerte de tu jefe (2018) Harper (Zoey Deutch) y Charlie (Glen Powell) son dos asistentes cuyos trabajos se han convertido en el centro absoluto de sus vidas. Una noche, elaboran un plan para hacerse las cosas más fáciles: hacer que sus jefes (Lucy Liu y Taye Diggs) se enamoren entre sí. Que podrían dejar su empleo, pero entonces no tendríamos película. Al igual que Lucy en Materialistas, Charlie y Harper trabajan para que los romances de otros funcionen, matemática, racionalmente. Porque si el amor romántico es una fórmula, por lo menos debe ser capitalizable.

La peor persona del mundo (2021)

La peor persona del mundo (2021) de Joachim Trier ya se ha convertido en un clásico de la dramedia a pesar de tener solo cuatro años. Aquí conocemos a Julie (Renate Reinsve), una joven que lucha por equilibrar su vida personal y profesional, saltando de corazón roto a corazón roto en un mundo que no parece nunca funcionar como debería. El concepto no es nuevo, pero fue su guion el que dio fama a una película europea sin famoseos excesivos. En fin, un comentario perspicaz sobre el amor, el duelo, el trauma y la independencia. Podría ser una hermana espiritual de Materialistas, y es muy probable que Song la tenga bien presente.

¿Dónde puedo ver más películas parecidas a ‘Materialistas’?

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¡Es oficial! Scrubs prepara su regreso con el trío principal confirmado: Zach Braff, Donald Faison y Sarah Chalke volverán a ponerse la bata blanca y a recorrer los pasillos del Sacred Heart. Lo harán de la mano de Bill Lawrence, creador de la serie original y responsable de éxitos recientes como Ted Lasso o Terapia sin filtro. Con el revival en marcha, muchos se preguntan qué ha sido del resto del reparto. ¿Dónde están hoy el desquiciado Dr. Cox, Carla, el conserje o el Dr. Kelso? En este repaso te contamos en qué andan los protagonistas de Scrubs en pleno 2025 y dónde puedes ver sus trabajos más recientes en streaming desde España.

Zach Braff (John "J.D." Dorian)

Tras el final de Scrubs, Zach Braff se mantuvo en el mundo del cine y la televisión. No solo como actor, sino también como director y guionista. Debido a su éxito en la serie, logró mantener una carrera activa, participando en películas como Una Buena Personajunto a Florence Pugh. También ha dirigido episodios de series como Ted Lasso y Terapia sin filtro. Una de sus últimas apariciones en TV fue en la serie Bad Monkey: negocios turbios y en 2025, además de prepararse para interpretar a J.D una vez más, sigue con su popular podcast Fake Doctors, Real Friends en el que revive anécdotas del rodaje junto a Donald Faison.

Donald Faison (Chris Turk)

Después de Scrubs, Donald Faison continuó su carrera en televisión, cine y también doblaje. Protagonizó la serie The Exes, participó en comedias como Emergencey puso voz a personajes animados en proyectos como Solar Opposites. En 2025, sigue igual de activo: además de unirse al esperado regreso de Scrubs, colabora con Zach Braff en el podcast Fake Doctors, Real Friends. Su talento y versatilidad le ha permitido no solo protagonizar películas sino también aportar su voz a series infantiles populares.

Sarah Chalke (Elliot Reid)

Sarah Chalke pudo aprovechar su éxito en la serie para incursionar en diversos proyectos, desde comedias hasta dramas. La actriz que supo interpretar a Becky en Roseannede 1988, lideró el reboot Los Conners. También ganó protagonismo con papeles en series como How I Met Your Mothery, más recientemente, El baile de las luciérnagas, donde compartió pantalla con Katherine Heigl. Además, desde 2013 presta su voz a Beth en la aclamada serie animada Rick and Morty. En 2025, se prepara para retomar su papel de Elliot en el regreso de Scrubs, mientras sigue activa en proyectos de televisión como Animal Controljunto a Joel Mchale.

John C. McGinley (Dr. Cox)

John C. McGinley se convirtió en un personaje inolvidable con su interpretación del sarcástico y brillante Dr. Cox. Gracias a su reputación ha podido mantener una carrera sólida más allá de Scrubs, especialmente en el género dramático. Uno de sus proyectos más destacados trás la serie, fue Stan Against Evil. A pesar de su talento y su reconocimiento en la industria, gran parte de su filmografía se compone de apariciones especiales pequeñas en series como Brooklyn Nine-Nine y Chicago P.D. En 2025, McGinley sigue trabajando en proyectos de televisión y cine independiente que aún no han visto la luz.

Judy Reyes (Carla Espinosa)

Desde su papel como la enfermera Carla en Scrubs, Judy Reyes es una de las integrantes del reparto que más activa se mantuvo, construyendo una carrera diversa y respetada, especialmente en el terreno del drama. Algunos de los proyectos más importantes en los que ha participado incluyen Criadas y malvadas, Claws y, más recientemente hizo apariciones en éxitos como Succession. También ha incursionado en el cine independiente y más recientemente en series populares como Dr. Death y High Potentialjunto a Kaitlin Olson.

Neil Flynn (El conserje)

Neil Flynn, inolvidable como el errático conserje de Scrubs, transformó lo que iba a ser un personaje menor en uno de los más icónicos de la televisión de los 2000. Su timing cómico y su estilo seco lo convirtieron en figura de culto, y tras el cierre de la serie, encontró un nuevo lugar en la comedia familiar The Middle, donde brilló durante nueve temporadas como el estoico Mike Heck. Desde entonces, ha alternado papeles secundarios en cine, como en Chicas Malas, con trabajos de doblaje y apariciones en series como Terapia sin filtro, sin perder nunca ese sello inconfundible.

Ken Jenkins (Dr. Kelso)

Cuando Ken Jenkins llegó a Scrubs, ya contaba con una sólida carrera en teatro, cine y televisión. Sin embargo, su interpretación del Dr. Bob Kelso le dio un lugar permanente en la cultura televisiva. El actor logró que un personaje inicialmente odiado, con el tiempo, se convirtiera en uno de los más queridos de la serie. Tras el final de Scrubs, Jenkins mantuvo un perfil más discreto, con apariciones esporádicas en televisión, como en Cougar Town (también creada por Bill Lawrence). En 2025, a sus más de 80 años, se encuentra semi-retirado, aunque los fans aún esperan verlo ponerse la bata una vez más en el revival.

Dónde ver las películas y series del reparto de Scrubs en streaming

Con esta guía de streaming puedes descubrir dónde ver desde España las películas y series más recientes en las que han participado los actores de Scrubs. Desde comedias actuales hasta dramas y producciones animadas, repasamos dónde seguirles la pista en plataformas como Netflix, HBO Max, Prime Video o Disney+.

Las historias de fantasmas han sido desde los inicios del cine un campo muy prolífico para las buenas películas. Primero, porque el concepto fantasma mira directamente al alma del cine, ese invento que es capaz, con trucos de cámara y en la mesa de montaje, de hacer aparecer y desaparecer los cuerpos en pantalla. Un arte que en sí apela a un punto de vista, y que puede explotarlo de forma narrativa, significante.

Eso ocurre en Presencia de Steven Soderbergh (2025), un experimento en el subgénero de la casa encantada donde el relato lo sostiene el fantasma que habita en el casoplón. Sólo a través de sus ojos etéreos asistiremos a la mudanza y progresiva desintegración de la familia que ha decidido habitar una casa enorme y sí, extrañamente barata.

El cine de fantasmas ha sido un humus fértil para las películas memorables por una segunda razón, no menos importante: por la mezcla entre terror y tristura que lleva implícita. Mientras que el cine de zombies apela a la urgencia (para que no se te coman las entrañas, entiéndeme), a la ansiedad, el cine de fantasmas es, por definición, de una tristura hondísima. Desde clásicos como Los intrusos de Lewis Allen (1944) a relecturas del subgénero muy lejos del susto, como El arca rusa de Aleksandr Sokurov (2002), hablar de fantasmas es hablar de lo que ya no tiene salida, de lo que (se) fue y no volverá. Pura tragedia.

Así que en JustWatch hemos recogido lo que ha hecho de la película de Steven Soderbergh una genial incorporación al canon espiritista y te proponemos cinco películas más que se le acercan: por un lado, por la experimentación con el punto de vista y, por otro, por la tristura implícita en Presencia. ¿Nos acompañas?

Los otros (2001)

Para quienes siguen creyendo en el cine de Alejandro Amenábar, Los otros (2001) es una iglesia irrefutable. Su proximidad con El sexto sentido, estrenada en 1999, hizo que fuera duramente comparada con la anterior, pero aun así su giro final ha resistido a la prueba del tiempo sin despeinarse siquiera. La gran razón para verla, si Presencia te ha encantado, es de pura ambientación: enmarcada en la Nueva Jersey de 1945, la película sigue a una madre (Nicole Kidman) y a sus dos hijos mientras experimentan inquietantes desajustes paranormales en su enorme finca de aires embrujados. Pero lo que pone la piel de gallina, antes que los sustos, es la bruma que rodea la casa, los crujidos inexplicables, la madera oscura.

A Ghost Story (2017)

Con un par de secuencias lo tienes claro: esta no es una película (de fantasmas) cualquiera. Una de ellas involucra a Rooney Mara comiéndose una tarta entera, ansiosa, desesperada, hasta vomitar. A Ghost Story (2017) parte del fantasmico icónico, con su sábana y todo, para explorar todas las dimensiones del duelo, también las que cruzan los tiempos y se expanden por entre nosotres, pegajosas, sin que apenas las comprendamos. David Lowery explica cómo C, tras un repentino accidente automovilístico, regresa bajo una sábana para observar a su afligida esposa, M (Mara). Esto lo atrapa en un espacio liminal, obligado a presenciar el implacable paso del tiempo que erosiona la vida que conoció. Por si hiciera falta recordarlo: no es muy apta para corazones frágiles.

De naturaleza violenta (2024)

Vale: no es una película de fantasmas, pero sí de regresados. En fin: cómo no citarla, si cuando le preguntaron por la relación entre las formas del cine indie y el terror, Steven Soderbergh la mencionó sin pestañear. De naturaleza violenta (2024) es un slasher canadiense de bajo presupuesto que, al igual que Presencia, replantea los lugares comunes de su género simplemente adoptando otro punto de vista. En este caso, acompañamos a un asesino a lo Jason (un tipo enorme y no-muerto interpretado por Ry Barrett) mientras va acabando con universitarias chillonas en un bosque. Así, lo que podría ser una carnicería acaba pareciendo más un paseo tranquilo y muy solitario por la naturaleza. Y como no hay gritos constantes, sustos cada dos minutos ni música estridente, la película lanza una pregunta a su propio contingente: ¿qué sentido tiene un slasher?

El espinazo del diablo (2001)

Los fantasmas del cine de Guillermo del Toro son seres complejos y ambivalentes. En El laberinto del fauno (2006), te marca tanto el fauno en sí mismo como la Guardia Civil. Algo parecido sucede en La cumbre escarlata (2015): el miedo viene más de los vivos que de los muertos. Igual que en Presencia, los fantasmas sólo buscan cerrar lo que dejaron pendiente. En El espinazo del diablo (2001), por ejemplo, seguimos a Carlos (Fernando Tielve), un niño huérfano que empieza a ver al fantasma de Santi (Junio Valverde) en un orfanato. Pero el verdadero monstruo no es el espíritu, sino Jacinto (Eduardo Noriega), un tipo vivo y codicioso. Los espíritus nada tienen que perder: ojo con los vivos.

La Hija Eterna (2022)

Si te gustó la ambientación de Presencia, o de Los otros de Amenábar, La Hija Eterna (2022) es una película que no deberías dejar pasar. Ambas exploran el duelo, la memoria y las emociones no resueltas a través de una historia de fantasmas, pero lo hacen con sutileza y atmósfera góticas en vena, muy lejos del susto. Dirigida por Joanna Hogg y protagonizada por Tilda Swinton en un doble papel como madre y como hija, La Hija Eterna sigue a estas dos mujeres que se alojan en un hotel casi vacío (el antiguo casoplón familiar, vendido como hotel pero aún lleno de memoria). Aquí los verdaderos fantasmas son los recuerdos compartidos. En las entrañas de esta perla, encontraréis silencios, habitaciones cerradas y tensión ahogante.

¿Dónde puedo ver más películas parecidas a ‘Presencia?

Para descubrir más películas disponibles en España con una vibra similar a la de Presencia, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Hay muchas ganas de lo que nos depara la nueva película de Marvel, Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos, y después de repasar la fase uno del Universo Cinematográfico de Marvel toca adentrarnos en lo que aconteció entre 2013 y 2015, cuando Marvel Studios fue presentando a nuevos héroes como Ant-Man, y probó suerte con su secuela de Los Vengadores. En este ranking clasificamos las seis películas principales de la Fase dos del MCU, empezando por la más floja y terminando con la joya de la corona, dejando, como siempre, una indicación para saber dónde puedes ver cada una de ellas en streaming.

6. Thor: El mundo oscuro (2013)

Si bien Thor no era muy allá, Thor: El mundo oscuro es una entrega que alberga un conjunto de momentos contradictorios; los hay destacables, como la compleja relación entre Thor y Loki, con las dinámicas familiares en Asgard plagadas de humor, y otros se quedan a las puertas, como la falta de chispa visual de otras del MCU. Su aporte más valioso a la mitología fue introducir la Gema de la Realidad, pieza fundamental para toda la revoltina del Infinito que vendría después. Cabe destacar que fue aquí cuando Tom Hiddleston pasó de ser el gran villano a ese pícaro que cae bien, aunque todavía faltaran muchas películas para su redención completa en la serie Loki.

5. Vengadores: La era de Ultrón (2015)

Vengadores: La era de Ultrón tenía una papeleta complicada: tratar de equiparar el éxito de la primera película de los Vengadores, presentar a Wanda y Pietro Maximoff y mezclar a todos los nuevos personajes aparecidos hasta el momento. Joss Whedon, que siempre será una opción más creativa que los Russo, hizo malabares para equilibrar tramas y elementos de la nueva mitología con secuencias de acción espectaculares, al mismo tiempo que le dio más protagonismo a miembros como Ojo de Halcón. La aparición de Vision y todo lo que ocurre en Sokovia traerá cola en el universo, por lo que no es la mala entrega que muchos quisieron ver, más si la comparas a fases posteriores.

4. Ant-Man (2015)

Ant-Man cerró la Fase dos con un soplo de aire fresco tras el estruendo cósmico, a pesar de que Edgar Wright abandonó el proyecto antes de tiempo. Pero Peyton Reed logró mantener una escala pequeña que se apoyaba en el carisma brutal de Paul Rudd, un caradura genial que hace que una pequeña escena de efectos especiales sea siempre mucho más divertida que un torrente de CGI. La acción jugaba con la escala, con algunas de las peleas más ingeniosas del MCU y una trama general de película de robos y picaresca de barrio que hacen que el universo plante los pies sobre el hormigón y siga funcionando en su nivel clave: la conexión del público con sus personajes.

3. Iron Man 3 (2013)

No hay película con Tony Stark mala, y Iron Man 3 es otra entrega sensacional, con el magnate enfrentándose al enigmático Mandarín mientras batalla contra ataques de ansiedad y una verdadera crisis de identidad. Robert Downey Jr. devolvió a Shane Black la oportunidad que le brindó en la maravillosa Kiss Kiss, Bang Bang, y le brindó un lienzo en blanco para su particular mezcla de acción explosiva y humor negro en una batalla final que convierte la saga en su Arma Letal particular, con Rhodes completando la buddy movie entre armaduras volantes. Muchos desconfiaron de Ben Kingsley como villano de pega, pero Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos demostró que fue todo un acierto introducirlo en este mundo.

2. Guardianes de la Galaxia (2014)

Poco más se puede decir ya de Guardianes de la Galaxia, la arriesgada apuesta de esta fase que se convirtió en una de las mayores sorpresas del MCU gracias a James Gunn, que pasó de su formación de serie B a crear un cine de superhéroes irreverente que ha creado una marca personal intransferible. Aquí se salía de los poderes típicos para entrar en la acción espacial, introduciendo elementos cósmicos que definirían el arco de las gemas del infinito. El reparto, liderado por Chris Pratt, se convirtió en una familia dentro de la pantalla y para los espectadores y la banda sonora de los años 70 y 80 era más que una colección de canciones, sino que conforma casi una space ópera rock.

1. Capitán América: El Soldado de Invierno (2014)

Capitán América: El Soldado de Invierno es la cumbre artística y narrativa de la era dorada del MCU. Steve Rogers descubre una conspiración que amenaza los mismísimos cimientos de S.H.I.E.L.D. y se enfrenta a un enemigo de su pasado: el Soldado de Invierno. Los thrillers de los 70, el cine policíaco de Sidney Lumet o Pakula son la base de la obra en la que Chris Evans ofreció su mejor actuación como Capitán América, y Johansson como Viuda Negra. Las secuencias de acción marcaron el equilibrio perfecto de stunts e integración de CGI que nunca ha vuelto a alcanzar el estudio.

¿Dónde ver más películas de Marvel?

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Puede que su temática sea parecida, pero Mobland no es Gangs of London. Tiene personalidad propia y a eso ayuda la presencia de su showrunner, el cineasta Guy Ritchie. La serie comienza con un suceso que puede desencadenar la guerra entre las dos familias más poderosas del crimen londinense: los Harrigans y los Stevensons. Como mediador se encuentra Harry Da Souza, un zorro callejero que es prácticamente un miembro más de la familia Harrigan y el encargado de solucionar casi todos sus problemas. Sabe muy bién a quien quiere ser leal, pero, para su desgracia, la inmensa mayoría de los miembros de su propio clan son impredecibles. Su vida profesional puede afectar a su verdadera familia, su mujer y su hija.

Otro de los grandes atractivos de la serie es su reparto. Aquí te contamos en qué otras series y películas puedes ver a sus actores principales.

Tom Hardy

El popular actor interpreta al carismático y al mismo tiempo muy peligroso Harry Da Souza. No es solo un tipo con puños de acero. Su inteligencia y mano izquierda son claves para salir airoso de situaciones muy peliagudas. Tom Hardy ha sonado durante años como uno de los favoritos a heredar el papel de James Bond [en este enlace puedes encontrar qué actores están mejor posicionados para interpretar al agente 007].

Uno de sus mayores éxitos comerciales ha sido el interpretar a Venom en varias películas del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). También protagonizó el relanzamiento de la saga Mad Max y es habitual del cine de Christopher Nolan (Origen, Dunkerque).

Pierce Brosnan

Precisamente uno de los James Bond más famosos desde que protagonizó Goldeneye en 1995, Pierce Brosnan, interpreta al patriarca del clan Harrigan. El actor cuenta con una carrera en cine bastante versátil, que va de la saga Mamma Mia!, inspirada en las canciones y el musical de la banda sueca Abba y que protagoniza junto a Meryl Streep, a una película de espías clásica, basada en una novela de Jon LeCarré, como es El sastre de Panamá. De hecho, el británico podría haber sido James Bond mucho antes, pero su contrato con la serie de detectives Remington Steele se lo impidió.

Helen Mirren

En Mobland, quien realmente es la cabeza del clan Harrigan es Maeve, la matriarca de la familia y el personaje que interpreta Helen Mirren. La icónica actriz siempre se ha dejado ver en televisión. En los últimos años en 1923, como miembro de otro relevante clan, el de los Dutton, en el celebrado universo televisivo de Taylor Sheridan ambientado en el Oeste estadounidense, aunque con dinámicas no tan distintas a las de Mobland. En los noventa, fue protagonista de la serie británica policiaca Prime Suspect. Y en cine ganó el premio Oscar por interpretar a la reina Isabel II en el biopic de Stephen Frears, La reina.

Paddy Considine

Quizá muchos espectadores no se han dado cuenta de que Paddy Considine, que interpreta al heredero del imperio de los Harrington en esta serie, es el mismo que hace del rey Viserys en La casa del dragón, la exitosa precuela de Juego de tronos. Es el padre y marido del dúofemenino protagonistas, pero su personaje está mucho más avejentado gracias al maquillaje.

El actor británico es habitual de las películas del cineasta Edward Wright y del actor Simon Pegg, como Bienvenidos al fin del mundo y Hot Fuzz: Superpolicías, y ha participado en una comedia del prestigioso Armando Iannucci, la divertida y ácida La muerte de Stalin.

Joanne Froggatt

Joanne Froggatt es la sufrida esposa de Harry Da Souza, el hombre que resuelve todos los problemas a los Harrigan y que intenta evitar una guerra entre mafias en Londres. La actriz se hizo icónica siendo uno de los personajes más queridos de Downton Abbey, la dulce criada Anna, casada con Bates. Desde entonces, y convertida en actriz de primera fila, ha protagonizado la serie Angela Black, un thriller sobre una mujer asediada por su marido. También ha aparecido en algunos capítulos de otra serie de crímenes muy popular en la televisión británica en los últimos tiempos, Sherwood.

Toby Jones

Nadie contrata a un gran actor como Toby Jones para darle un papel sin sustancia. Aunque su personaje en MobLand es secundario y no aparece hasta varios capítulos después de que la serie comience, su presencia lo cambia todo. Obtuvo una nominación a los premios Emmy al interpretar al cineasta Alfred Hitchcock en un biopic titulado The Girl, centrado en la turbulenta relación que mantenía con su actriz fetiche, Tippi Hedren (Sienna Miller en la ficción). Toby Jones ha destacado como protagonista de la miniserie Mr. Bates contra Correos y quizá lo recuerdes en blockbusters como Jurassic World o Los juegos del hambre.

Jordi Mollà

El papel de Jordi Mollá en Mobland es breve, al menos en su primera temporada. Es uno de esos líderes de la mafia que puede hacer que todo estalle por los aires. Pero el actor español se deja ver cada vez más en ficción anglosajonas. Triunfó junto a Javier Bardem y Penélope Cruz siendo muy joven en Jamón, Jamón, de Bigas Luna. Y, como ellos, ha hecho carrera en Hollywood. Antes, destacó en otro clásico del cine español, La buena estrella, formando un trágico y bello triángulo amoroso junto a Maribel Verdú y Antonio Resines. En inglés ha rodado películas como Ant-Man y Dos policías rebeldes 2.

Janet McTier

Otra temida figura en el crimen organizado de Londres es Kat McAllister, personaje al que da vida Janet McTeer. La actriz, que aparece caracterizada y casi irreconocible, es precisamente una de las actrices de Gangs of London, la serie con la que se suele comparar a Mobland. También forma parte del reparto de Misión Imposible: Sentencia final, la última entrega de la saga de espías impulsada por Tom Cruise. Janet McTeer ha coincidido con Glenn Close en varias ocasiones, como en la película Albert Nobbs y en otra serie mítica como es Damages.

Dónde ver las series y películas del reparto de Mobland

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La Superman de James Gunn presenta un giro bastante potente y sus implicaciones para el Universo DC se extienden mucho más allá de Metrópolis. La amenaza que enfrenta el Hombre de Acero establece algunas ideas que pueden tener que ver con los eventos posiblemente multidimensionales que se desarrollarán en la segunda temporada de El pacificador. A través de JustWatch, exploramos cómo estas revelaciones conectan ambas producciones y qué significa para el futuro del DCU, con algunas indicaciones de dónde encontrar las películas y series comentadas. Ojo, que este viene llenito de spoilers.

La revelación de Ultraman: más que un simple villano

Cuando Superman derrota a la Ingeniera, descubre que Ultraman es un clon de sí mismo, una revelación que cambia por completo la percepción del villano, o al menos a diferencia de las versiones tradicionales de los cómics, en los que Ultraman proviene de Tierra-3. Sin embargo, la visión de Gunn es una creación artificial generada a partir del propio ADN kryptoniano de Clark Kent. Cuando descubre que es un clon, tiene sentido que fuera invencible para él, porque sus poderes son similares, aunque esta situación no es nueva en la saga.

Superman ya se había enfrentado a una versión corrupta de sí mismo en Superman III, también en Superman: La serie animada, aunque en aquella todo ocurría de forma más “mágica”, mientras aquí, la tecnología de clonación introducida en Superman es más compleja; Lex Luthor utiliza métodos avanzados de ingeniería genética con un estudio minucioso de la biología kryptoniana y esto… podría tener o no que ver con el Clon de El pacificador que vemos en las imágenes del final en el tráiler de la segunda temporada.

El pacificador: ¿Clones? y la conexión multidimensional

Hay pequeñas revelaciones en ese tráiler que nos dejan percibir dos dimensiones, según declaraciones de James Gunn, con lo que queda abierta la inclusión de versiones alternativas de personajes conocidos. Pero antes vayamos a la breve escena donde John Cena aparece en Superman, estableciendo una continuidad narrativa entre ambas producciones. El programa donde le entrevistan se llama Cleavis Thornwaite, un talk show dentro del universo DC que podría volver a tener importancia más en la temporada 2 de El Pacificador.

Esto no significa que la clonación y la manipulación genética sean tan relevantes. En declaraciones a Entertainment Weekly, Gunn abordó lo que pasó con Ultraman y apuntó a la Zona Fantasma, una dimensión paralela que sirve de cárcel, aunque dejó claro que es un tema más para la secuela. Sin embargo, la idea de un universo de bolsillo, una versión casera de la Zona, donde las reglas de la física se retuercen,  podría ser clave para todo lo que viene, aunque la versión que usó Luthor era bastante pobre comparada con la que veremos en El pacificador. Las "dos dimensiones" mencionadas por Gunn podrían referirse no sólo a realidades alternativas, sino a la coexistencia de versiones originales de personajes dentro del mismo universo.

El legado tecnológico: de LexCorp a las dimensiones paralelas

Pero esa idea se confronta—o no—con la tecnología de clonación desarrollada por Lex Luthor en Superman, precedentes científicos que no tienen por qué tener que ver con las supuestas “anomalías dimensionales” en El pacificador. Al fin y al cabo, LexCorp ha desarrollado la capacidad de entrar en otros universos, algo relacionado con el ‘Quantum Unfolding Chamber’, un armario extradimensional que usaba el padre de el pacificador en la primera temporada, con lo que, este tipo de portales llevan dando vueltas por DC desde el minuto uno.

El director compara esos intercambios entre realidades más con La contravida, de Philip Roth, que con Spider-Man: No Way Home, pero al final, la manipulación del espacio-tiempo o la creación de realidades alternativas crean tramas de dimensiones paralelas y, según el tráiler, parece que tengan versiones duplicadas de algún personaje. La aparición de Rick Flag Sr., (Frank Grillo), también presente en Superman, en la serie del villano de El escuadrón suicida, hace que su conocimiento de las operaciones gubernamentales indique cómo la tecnología de Luthor se ha expandido más allá de Metrópolis.

Precedentes e Implicaciones narrativas para el universo DC

Superman presenta similitudes temáticas con producciones anteriores como Superman Returns (2006), donde se exploraron las implicaciones de la herencia kryptoniana, que Luthor también lograba robar y sabotear, y el concepto de clonación no es nuevo en el universo DC, pero la aproximación de James Gunn afronta precedentes vistos en Crisis en Tierras Infinitas de la Liga de la Justicia, Liga de la Justicia ilimitada o Flash, que exploraron consecuencias de realidades alternativa donde se dejaban caer réplicas de los mismos personajes.

Batman v Superman: El amanecer de la justicia introdujo conceptos de ingeniería genética con la creación de Doomsday por parte de Luthor, la diferencia es que Gunn cohesiona estos avances científicos de laboratorio con aperturas dimensionales. Por una parte, la tecnología de clonación perfeccionada permitiría que otros villanos usen métodos similares para crear ejércitos de duplicados corruptas de héroes poderosos, por otra, los universos de bolsillo son variaciones de espacios liminales críticos en manos equivocadas.

La temporada 2 de El pacificador muestra a Christopher Smith enfrentándose a versiones duplicadas de sí mismo, pero esto no tiene necesariamente continuidad narrativa con la pelea entre los dos Hombres de acero, sino que la puerta que atraviesa sea incluso un viaje a otro momento (futuro o pasado) que teóricamente tendría a otra versión de sí mismo, como sucedió en Flash. La idea es que haya conceptos de multiversos, pero la reticencia del director también podría indicar las posibilidades menos esperables.

No es descabellada la influencia de las maquinaciones de Luthor en todo el nuevo Universo DC, al fin y al cabo en El Pacificador vemos de nuevo a Frank Grillo—aunque no su versión de voz a otro personaje en Creature Commandos—, Sean Gunn y a los miembros de Justice Gang de Superman, por lo que la idea de que hay más clones no es descabellada. Habrá que esperar al estreno de la serie para descubrirlo, pero por lo pronto, las posibilidades quedan abiertas y las teorías siguen echando humo.

Dónde ver todas las producciones DC mencionadas

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Jar Jar Binks no fue globalmente demasiado bien recibido por los fans. Quizás por ello, empezaron a surgir teorías fan que lo señalaban como una tapadera: en realidad no era un Goofy animado –con la voz de Ahmed Best– y extraviado en una Galaxia que no le tocaba, sino un Lord Sith que movía los hilos entre bambalinas. Lo que parecía un delirio paranoico se ha ido afianzando en el universo Star Wars hasta casi, casi, acabar formando parte del canon. En esta lista, encontrarás las referencias necesarias para decidir por ti mismo si Jar Jar es un Sith. 

Jar Jar parece patoso, pero sale airoso de los combates

Jar Jar Binks fue presentado en sociedad con Star Wars: La amenaza fantasma (Episodio I) (1999). Su capacidad para meterse en problemas y su maneras slapstik quizás sedujeron a los espectadores más jóvenes, pero los que llevaban esperando desde la trilogía original no lo veían con tan buenos ojos. Para los conspiranoicos de la teoría Darth Jar Jar, su capacidad para salir airoso de los combates, en contraste con su aparente patanismo, resulta sospechosa. Sus movimientos también recuerdan a los de un usuario de la fuerza. ¿Quizás la amenaza fantasma del título era él? 

Su rápida promoción en el senado resulta sospechosa

Los conspiranoicos pro Darth Jar Jar se sorprenden de que, al inicio de Star Wars: El ataque de los clones (Episodio II) (2002), Jar Jar Binks haya pasado de ser un Don Nadie a representante de Naboo en el senado, y además es quien se encarga de convencer al resto de senadores para que Palpatine reciba poderes extraordinarios. Todo esto da fe de un nivel de poder de persuasión difícil de alcanzar sin tirar de La Fuerza… Hay quien se pregunta si es Palpatine quien manipula a Jar Jar Binks, o si no sería más bien al revés. En cualquier caso, es probable que su amistad venga de largo, ya que ambos son originarios de Naboo. 

Palpatine le está agradecido y Doku es un sustituto

Aunque en Star Wars: La venganza de los Sith (Episodio III) (2005), la aparición de Jar Jar Binks se reduce muchísimo, aparece al lado de Palpatine, lo cual indica que debe de serle útil. Ahmed Best asegura que hay una escena eliminada en la que Palpatine le agradece haberle convertido en emperador. Al principio del lanzamiento de la trilogía George Lucas llegó a afirmar que Jar Jar era su “personaje favorito”, y que tenía grandes planes para él. Dado que su presencia fue menguando debido a la mala aceptación del personaje, el Conde Doku (Christopher Lee) pudo aparecer en el Episodio II para colmar ese vacío dramático. Cambio de planes en la galaxia. 

Podría haberse metamorfoseado en Snoke

Fue precisamente poco antes del estreno de Star Wars: El despertar de la fuerza (2015) cuando empezó a expandirse la teoría Darth Jar Jar a partir de la cuenta de un usuario cuyo “nom de guerre” es Lumpawarroo. Después del estreno, la teoría se relanzó con un giro todavía más loco: Jar Jar Binks podría haberse transformado en el líder supremo Snoke, cuyo pasado es un misterio. La base para este nuevo alimento de la teoría estaría en unos bocetos preliminares para el personaje, en los que algunos fans han detectado un parecido razonable con el sospechoso.  

Ahmed Best corrobora la teoría, al menos en parte

El regreso de Ahmed Best al primer plano de la galaxia en el cuarto episodio de la tercera temporada de The Mandalorian (2019-2025) volvió a hacer saltar las alarmas, y eso que interpreta a un personaje totalmente diferente, nada menos que un caballero jedi, llamado Kelleran Beq, que a lo largo de un dinámico flashback rescata al pequeño Grogu del templo Jedi. Best es el primer fan de la teoría Darth Jar Jar y ha declarado que “parte de ella es cierta”. Esta aparición puede ser menos casual de lo que aparenta, ya que Grogu debe de tener algún parentesco con Yoda, que también era muy chistosa. En un mundo poético tan lleno de rimas como la imaginación de George Lucas, Jar Jar podría ser el reflejo de Yoda en el Lado Oscuro. 

Darth Jar Jar era la pieza que faltaba

En la galaxia paralela de LEGO Star Wars, formada por la línea de juegos de construcción, videojuegos, cortos, series y películas, que celebraba 25 años de existencia con el especial LEGO Star Wars: Reconstruye la galaxia (2024/25), Darth Jar Jar tuvo su primera aparición en escena, más allá de las fantasías de los fans, presentándose tal y como es, vestido de negro y con un sable laser rojo. Los fans se quedaron de una pieza, nunca mejor dicho. Aunque LEGO no es el canon, la idea está cada vez más cerca del canon, y podría acabar insertándose en él. 

El cráneo que indica que hay un lado oscuro gungan

En el décimo episodio de la segunda temporada de Andor (2022-2025) aparece un cráneo gungan –la raza de Jar Jar– en la tienda de reliquias y antigüedades de Luthen Rael, lo cual no sería especialmente revelador, si no fuera por un pequeño detalle que no ha escapado a los estudiosos del tema: el símbolo Sith que señalan como el de Darth Revan, el más poderoso, según el videojuego Star Wars: Caballeros de la antigua República (2003). Es decir, no estaríamos hablando de Darth Jar Jar, pero andaríamos muy cerca, con el primer guiño explícito, dentro del canon –al menos del canon Disney–, a la teoría, admitiendo la posibilidad de un gungan en el Lado Oscuro de La Fuerza. 

La normalización de Darth Jar Jar en Fortnite

Otra materialización reciente de la leyenda galáctica de Darth Jar Jar es su aparición desdoblada en el juego de Fortnite Batalla Galáctica dedicada al universo de Star Wars. Por si tenían algún Jar Jar favorito, Fortnite ofreció las dos versiones por separado, como si fuesen dos personajes distintos… En cualquier caso, se le podía ver vestido de negro, equipado con su Electropalo de Sith y su mochila Booma carmesí. En el universo gamer, alejado del canon, ya nadie pone en duda la existencia de este malvado Sith que, entre chiste y chiste, había sabido disimular su sed de conquistar todas las galaxias del universo Lucas. 

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Dos décadas más tarde de su estreno, El diablo viste de Prada sigue siendo un ícono de la comedia. El film, que se basa en el bestseller homónimo de Lauren Weisberger, fue una catapulta increíble para la carrera de varios de los intérpretes y sentó un fenómeno cultural que sigue vigente. Pero, ¿qué ha sido de los actores tras la película?

En esta guía te mostramos el camino que han recorrido los principales nombres del reparto de El diablo viste de Prada desde entonces hasta ahora: proyectos, premios y mucho más. Así podrás comprobar cómo han evolucionado profesionalmente y si está confirmada su participación en la esperada secuela El diablo viste de Prada 2.

Anne Hathaway (Andy Sachs)

Desde que protagonizara El diablo viste de Prada dando vida a Andy Sachs, la actriz Anne Hathaway ha seguido escalando posiciones de reconocimiento en Hollywood. 

En 2012 fue la encargada de interpretar a Catwoman en El caballero oscuro: La leyenda renace y se alzó con el Oscar a Mejor actriz de reparto interpretando a Fantine en Los Miserables. 

Más tarde protagonizó otros éxitos como El becario (2015), Ocean's 8 (2018) y Timadoras compulsivas (2019). Por otro lado, en 2024 protagonizó la comedia romántica La idea de tenerte, en la que encarna a una madre que se enamora del líder de una banda. Como no podía ser de otra forma, su aparición está asegurada para la secuela de El diablo viste de Prada, que pasará a formar parte de su extensa filmografía.

Meryl Streep (Miranda Priestly)

Aunque Meryl Streep ya era considerada como una de las reinas del Oscar (solo cinco actores más lo han ganado en 3 ocasiones como ella), su papel como Miranda Priestly en El diablo viste de Prada le valió una nueva nominación como Mejor actriz, aunque en esta ocasión no levantó la estatuilla (en ese año fue Helen Mirren la ganadora por su papel como Isabel II en The Queen). 

Desde el estreno de la película, Streep ha seguido apareciendo en films de éxito, como La dama de hierro en 2012 (donde volvió a ganar el Óscar), Mujercitas (2019) o No mires arriba (2021), entre otras. Recientemente ha protagonizado la serie Solo asesinatos en el edificio junto a Selena Gomez y Steve Martin. También volverá a aparecer en la segunda parte de El diablo viste de Prada.

Stanley Tucci (Nigel Kipling)

El entrañable Nigel de El diablo viste de Prada corrió a cargo de Stanley Tucci, un papel que le dio un buen empujón a su carrera. 

Desde entonces ha encarnado papeles muy variados, pasando por películas como La bella y la bestia (2017), El silencio (2019) y Cónclave (2024). Al igual que Streep y Hathaway, su presencia está confirmada en El diablo viste de Prada 2, así que hay diversión asegurada.

Simon Baker (Christian Thompson)

Tras dar vida al seductor Christian Thompson en la película original, el actor Simon Baker alcanzó la cúspide de su carrera como Patrick Jane en la serie El mentalista (2008). Al margen de este éxito, Baker también ha protagonizado varias películas como El huésped (2009) y Margin Call (2011), además de llevar su experiencia también tras las cámaras, dirigiendo varios episodios de El mentalista. 

A diferencia de sus compañeros, no aparecerá en la secuela de El diablo viste de Prada.

Emily Blunt (Emily Charlton)

Llegamos a Emily Blunt, la responsable de interpretar a la mandona Emily Charlton en El diablo viste de Prada, que ha evolucionado hasta convertirse en una estrella internacional con papeles en películas como Oppenheimer (2023), El negocio del poder (2023) y El especialista (2024) entre otras. 

Blunt regresará a El diablo viste de Prada 2 interpretando una vez más su personaje como Emily Charlton, de la que esperamos que su papel crezca en importancia dentro de la secuela. 

Adrien Grenier (Nate Cooper)

En El diablo viste de Prada, Adrien Grenier interpretó al novio de Andy, Nate Cooper, quien no llevaba muy bien la adicción al trabajo de su pareja. 

Si bien su filmografía no es tan extensa como la de sus compañeros en la lista, es muy destacable su papel en la serie El séquito, donde interpreta a Vincent Chase, una estrella de cine que cuenta sus andanzas en Hollywood rodeado de sus amigos. 

Al igual que Baker, no estará en la segunda parte de El diablo viste de Prada.

Alexie Gilmore (Jocelyn)

La actriz Alexie Gilmore, que encarnó al personaje de Jocelyn, la ayudante de Emily, prosiguió su carrera con apariciones recurrentes en series como United States of Tara (2009) y Fringe (2008). 

En cine ha trabajado metida en proyectos independientes, algo más alejada de las películas más comerciales. La mala noticia para los fans es que su personaje no aparecerá en la segunda parte de El diablo viste de Prada. Una lástima.

Tracie Thoms (Lily)

Lily, la fiel amiga de Andy En el diablo viste de Prada, fue interpretada por Tracie Thoms, quien ha continuado activa en la pequeña y gran pantalla. 

La actriz de Baltimore ha aparecido en series como Being Mary Jane (2013) y Cold Case (2007), así como en películas como Looper (2012). Thoms confirmó su regreso en El diablo viste de Prada 2, por lo que Andy volverá a contar con su amiga del alma. 

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Ya han pasado más años de los que resulta saludable recordar desde que empezó la aventura del Universo Cinematográfico de Marvel, pero el estreno de la nueva versión de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos no recuerda que el MCU cambió para siempre la industria del cine entre 2008 y 2012, cuando construyó los cimientos de lo que se convertiría en la franquicia cinematográfica más exitosa de la historia. Desde el nacimiento de Iron Man hasta la épica reunión de Los Vengadores, la Fase uno establece las bases narrativas y estéticas que definirían el MCU y aquí repasamos sus seis películas ordenadas de peor a mejor y te indicamos dónde puedes encontrarlas en las plataformas de streaming.

6. Thor (2011)

La primera aventura en solitario del Dios del Trueno es el patito feo de este inicio. La presentación de Chris Hemsworth como Thor no sacaba todo el jugo cómico al actor que veríamos más adelante, y eso que está dirigida por Kenneth Branagh. Thor sufre de un problema fundamental de identidad tonal entre el drama shakespeariano de Asgard con la comedia romántica terrestre que se desarrolla en un pequeño pueblo de Nuevo México que resulta visualmente monótono comparado con la suntuosidad de Asgard. Pero a pesar de esto, el casting fue fino: Hemsworth demostraba ser la elección correcta con su carisma natural y Tom Hiddleston acabaría enamorando al mundo como Loki.

5. Iron Man 2 (2010)

Con una injusta mala fama en el fandom, esta secuela muestra a un Tony Stark en decadencia, y presenta a un magnífico villano en Mickey Rourke, un vengativo ingeniero ruso que busca destruir el legado de los Stark. Sam Rockwell también clavaba el rival empresarial que parece la versión Elon Musk del creador de la armadura. Iron Man 2 es una segunda parte modélica, sin miedo a satisfacer las expectativas de espectáculo de una secuela, pero sin descuidar la genial química entre Robert Downey Jr. y Gwyneth Paltrow. Y perdonen, pero la introducción de Scarlett Johansson como Viuda Negra es uno de los momentos más icónicos de la franquicia. Ya quisiera la fase 4 o 5 una sola película así.

4. El increíble Hulk (2008)

La más olvidada del lote—al menos hasta la llegada de Capitán América: Brave New World—, quizá porque Bruce Banner estaba interpretado por Edward Norton en vez de Mark Ruffalo. Curiosamente, servía casi de secuela a la Hulk de Ang Lee, aunque tratara de reiniciar el personaje tras su fracaso comercial. Lo bueno es que en El Increíble Hulk, Louis Leterrier opta por un enfoque orientado a la acción, haciendo de Banner nuestro querido hombre atormentado mientras ofrece secuencias de guantazos impresionantes, y también de persecución, como la cacería en Brasil. La batalla de monstruos final es casi un preludio de los Kaijus del Mosterverse, con trompazos de alucine y “La masa” agarrando puertas de coches como arma. Cómo no amarla.

3. Capitán América: El primer vengador (2011)

Hay que echar un ojo a la reivindicable Rocketeer de Joe Johnston para entender su Capitán América: El primer vengador, ya que funciona como una película de aventuras viejuna con elementos de ciencia ficción casi Steampunk. La atmósfera evoca los seriales de aventuras de los años 40, abrazando completamente su naturaleza de cómic, pero el mayor descubrimiento fue Chris Evans, otrora Antorcha Humana en Los 4 Fantásticos, quien demuestra un entendimiento total del personaje, un Steve Rogers con una fuerza moral tan grande como su poder físico. Lo mejor es que el romance con Peggy Carter nos dejó la maravillosa serie Agent Carter con Hayley Atwell, con el mismo enfoque nostálgico. El convincente primer paso de una trilogía de oro.

2. Iron Man (2008)

Y aquí empezó todo. Iron Man es la película de origen perfecta, equilibrando desarrollo de personaje, espectáculo visual y construcción de mundo. Jon Favreau convirtió a Robert Downey Jr. en Tony Stark y viceversa, moldeando el alma del MCU que todavía muchos añoran. No hay recambio para el actor, porque su carisma desborda, su improvisación da matices a un millonario arrogante y todos sus chistes funcionan. Además, la peli se adelantaba millas al desarrollo de los efectos visuales digitales, y la secuencia de escape de la cueva sigue siendo una de las mejores de esta saga. Un hito que nadie vio venir y formó un estudio, un imperio y una época irrepetible.

1. Los Vengadores (2012)

La obra magna de Joss Whedon, habitual artificiero mayor de lo geek antes de su caída en desgracia, que logró que la culminación de cuatro años de construcción narrativa fuera una fiesta absoluta del primer al último minuto. Los Vengadores logró lo imposible equilibrando la importancia de seis protagonistas en una estructura de tres actos ejemplar que culmina en una las secuencias de acción más satisfactorias del cine de superhéroes. Todavía las películas y series de Marvel siguen recurriendo a la batalla de Nueva York, un modelo de cómo orquestar acción a gran escala con claridad narrativa, en una experiencia cinematográfica que era capaz de mezclar la experiencia pasada sin sentirse forzada. Irrepetible, incluso para otras secuelas adoradas como Vengadores: Endgame.

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Cuando pensamos en una superproducción animada, enseguida se nos vienen a la cabeza los logos de los grandes estudios en Hollywood. Que si Walt Disney Animation Studios, fundada por Walt Disney y Roy O en 1923, y con Blancanieves y los siete enanitos (1938) o Frozen: El reino del hielo (2013) detrás. Que si Pixar Animation Studios, fundada en 1986 y con el tremendo legado de películas en 3D CGI, de Toy Story (1995) a Buscando a Nemo (2003). El público gourmet incluso recordará el cañonazo que fue El viaje de Chihiro (2001) para levantar al Studio Ghibli.

Sin embargo, la película animada más taquillera de todos los tiempos no es ninguna de esas. Ni siquiera es Del revés 2 (2024), que hasta febrero ostentaba el honor. Ese mismo mes, la superproducción china Ne Zha 2 (2025) acababa superando la película de Disney-Pixar, convirtiéndose en la película de animación más taquillera de todos los tiempos, gracias sobre todo a los más de 1.890 millones de dólares, atención, recaudados sólo en China.

Según Deadline, se espera que la cinta cierre su impresionante recorrido este año por encima de los 2.200 millones, lo que la colocaría como la quinta película más taquillera de la historia a nivel mundial… De frente con los dos hijitos gigantescos de James Cameron, Titanic (1997) y Avatar: El sentido del agua (2022).

‘Ne Zha 2’, la película animada más taquillera de la historia, es un gigante audiovisual

Pero qué es Ne Zha 2, se preguntará más de un adulto despistado. Ne Zha 2 es la secuela directa de la película de animación china Nezha - El renacer de un dios (2019), otra rebienta-carteleras. Esta segunda parte sigue al joven héroe Ne Zha, quien, tras vencer su destino demoníaco en la primera entrega, se enfrenta ahora a una amenaza aún mayor: el retorno del Dios Demonio, una antigua entidad que amenaza con destruir el mundo. Para detenerlo, Ne Zha deberá formar una tensa alianza con Ao Bing, su antiguo rival e hijo del Rey Dragón: convirtiéndose de enemigos a aliados, con una búsqueda trepidante de por medio.

Nada nuevo bajo el sol, especialmente si tenemos presente la mitología bajo el personaje de Goku niño en Dragon Ball (1986). La irreverencia, el arco argumental y el juego entre acción, lacrimal y humor son también reconocibles: lo que nos sorprenderá como público occidental desacostumbrado es la espectacularidad visual de su propuesta. Y no sólo por el colorido del mundo de fantasía chino, sin miedo al dorado, al rojo y a un uso inmersivo de la cámara (ojalá Occidente animara así).

La película llevó casi cinco años de producción, involucró a más de 4.000 profesionales y 138 estudios de animación. Eso se traduce en 2.400 tomas con efectos especiales, más del doble que su predecesora, y en un un presupuesto alrededor de 600 millones de yuanes, unos 80 millones de dólares. No, no es tanto si pensamos en los presupuestos de las películas más caras de la historia: Star Wars: El despertar de la fuerza (2015) y Jurassic World: El reino caído (2018) ostentan el récord, con 447 millones y 432 millones respectivamente, ajustados a la inflación (todos estos rankings lo están).

‘Del revés 2’ pasa a ser la segunda película más taquillera de la historia

Del revés 2 consiguió la mayor recaudación mundial en taquilla de 2024 y ostentaba el título con la seguridad añadida que le confería el reconocimiento crítico de su antecesora, Del revés (Inside Out) (2015). Junto con Moana 2, fue el tercer título del año 2024 en superar este hito. Y la película de Disney-Pixar puede estar orgullosa, pues desde su estreno el 14 de junio, Del revés 2 ha acumulado la asombrosa cifra de 1.690 millones de dólares en todo el mundo. Ambas películas se han unido al club exclusivísimo de las películas de animación por encima de los mil millones de dólares, en el que ya figuran 55 títulos más.

Fijémonos en los grandes nombres que lideran esta lista. En total, once películas de animación han logrado superar la barrera de los mil millones en ingresos. Del revés 2 desbancaba a Frozen 2 (2019), que antes de la pandemia recaudó 1.462 millones, y a esta le sigue Super Mario Bros: La película (2023), con 1.300 millones. Contando el éxito arrollador de Del revés 2, Disney mantiene 4 de los 5 y 9 de los 12 primeros puestos del ranking de películas de animación más taquilleras de todos los tiempos. Entonces, ¿qué hace este título chino (además, ¡una secuela!) entre las huevos de oro del ratón Mouse?

El éxito del cine chino (de animación) en Occidente

Las películas chinas, en general, tienen un impacto bastante limitado en la taquilla de los países occidentales, dominada por Hollywood. Aunque el mercado chino ya es el más grande del mundo en ventas anuales de entradas, sus producciones rara vez consiguen destacar en Occidente y el Norte global, bastante más abiertos a los códigos y las caras habituales por diferencias culturales, la barrera del idioma y la falta de una promoción adecuada.

Por ejemplo, Wolf Warrior 2 (2017) fue una de las películas más taquilleras de la historia en China, con más de 870 millones de dólares recaudados, pero apenas logró 3 millones en Estados Unidos. La batalla del lago Changjin (2021), con más de 900 millones a sus espaldas en China, pasó prácticamente desapercibida en Occidente. Una discreción, la del gigante chino, que también atañe a las películas animadas.

El fenómeno de Ne Zha, de hecho, obtuvo en China más de 700 millones de dólares, si bien apenas llegó al millón y medio en Estados Unidos, a pesar de las buenas críticas. Si la animación china nos llega, es a través de plataformas y de festivales. La única excepción reciente, claro, es cuando las producciones chinas cuentan con estudios occidentales.

Por ejemplo, Un amigo abominable (2019) fue un mano a mano entre Pearl Studio (China) y DreamWorks que recaudó 189 millones en todo el mundo, de los cuales 60 fueron en EE.UU. ¿Cambiarán los 300 millones de dólares recaudados en Occidente por Ne Zha 2 el poco crédito que tiene el cine chino fuera de Asia?

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La familia más famosa del mundo de los tebeos está lista para unirse al Universo Cinematográfico de Marvel con el estreno de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos. Tras décadas de adaptaciones de esas de las que ningún fan quiere tener muñequitos, Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm llegan en un momento crucial donde el multiverso y las amenazas cósmicas definen el futuro de la franquicia. Para comprender el contexto en el que se desarrollará esta nueva versión no viene nada mal repasar ciertos títulos que establecen elementos que conectan con su historia. En JustWatch te ayudamos a encontrar todos estos títulos en streaming para preparar el regreso de estos icónicos superhéroes.

1. Cuatro Fantásticos (2015)

Quizá más que para los usuarios, este título es un buen recordatorio para saber qué no hay que hacer con una película de Cuatro Fantásticos. El proyecto de Josh Trank fue duramente criticado, pero además de tener una primera mitad que no merecía ese trato, ofrece ideas que pueden servir como contraste para la nueva versión del MCU. La exploración de la Zona Negativa y las consecuencias de experimentar con dimensiones alternativas establecen precedentes temáticos comunes en Marvel Studios, pero lo más morboso es comparar al Dr Muerte de esta y el que se avecina en Los Vengadores: Doomsday. También se puede consultar Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer, para ponerse al día de quién es el guardián estelar que también aparece aquí.

2. X-Men: Días del futuro pasado (2014)

La película de Bryan Singer no tenía multiversos, sino viajes en el tiempo que, sí, entablaban contacto con realidades alternativas que ahora son fundamentales en el MCU. La premisa de enviar a Lobezno al pasado para cambiar el futuro no es tan distinta a la de Endgame, pero en X-Men: Días del futuro pasado lo importante es cómo conviven dos X-Men diferentes en la misma película, algo que tendrá importancia en Doomsday, si atendemos a que medio reparto estará formado por los actores originales de las películas de Bryan Singer.

3. Doctor Strange en el multiverso de la locura (2022)

La secuela de Doctor Strange es un episodio esencial para comprender el estado actual del multiverso en el MCU, pero lo que nos importa aquí es la primera aparición de Reed Richards en el mundo de Marvel Studios, que además estaba interpretado por John Krasinski como una variante—o la versión verdadera—que hacía un guiño a los fans que le pedían como actor definitivo del personaje, pero tocaba Pedro Pascal porque está siempre a la vez en todas partes. El personaje salía en El Multiverso de la locura como miembro de los Illuminati, un grupo que puede que sea importante en la siguiente fase del universo.

4. Spider-Man: No Way Home (2021)

Ver a las tres generaciones de Spider-Man en el cine en una sola película estableció precedentes cruciales sobre cómo el MCU va a integrar las versiones alternativas de personajes conocidos. La mecánica de traer héroes y villanos de otras dimensiones es el marco teórico que permite esta nueva visión de los Cuatro Fantásticos, pero en Spider-Man: No Way Home también hay pistas sobre cómo funciona el posible mecanismo que facilite que veamos a los X-Men de los años 2000 en Doomsday, las apuestas están dos a uno a que salen en la secuencia post-créditos.

5. The Eternals (2021)

La película de Chloé Zhao introduce conceptos cósmicos y civilizaciones antiguas que son fundamentales para entender el universo expandido de Marvel, como el hecho de que la Tierra ha sido observada y protegida por seres ulteriores durante milenios, un contexto importante en Los Cuatro Fantásticos, pues la escala épica de las amenazas incluye a Galactus, el principal enemigo de la película, que ya había sido adelantado en Eternals a través del concepto de los Celestiales, que destruyen los planetas en los que se plantan, con lo que Galactus es muy parecido, un coloso que drena la fuerza vital de los planetas y ahora pone sus miras en la Tierra.

6. Deadpool y Lobezno (2024)

La llegada de Deadpool al MCU es un precedente importante en Marvel Studios ya que trajo a dos personajes de otro estudio manteniendo la esencia, con una dinámica entre Wade Wilson y Logan con el humor, acción y violencia esperable, pero integrando en la mitología de los multiversos con un equilibrio tonal que Primeros pasos podría adoptar para diferenciar a sus Cuatro Fantásticos de otras versiones. Además, Deadpool y Lobezno abre camino gracias a las muchas apariciones de mutantes y de la antorcha humana de Chris Evans, lo que es una divertida paradoja cuando su papel estrella en el universo que más conocemos fue el del Capitán América.

7. Loki (2021-2023)

La serie de Disney+ es un título fundamental para entender la teoría bajo la actual estructura del multiverso en el MCU. La introducción de la Autoridad de Variación Temporal y el concepto de variantes establece las bases sobre cómo pueden existir múltiples versiones de los mismos personajes en diferentes realidades, explicando de paso lo que es la Línea Temporal Sagrada y su destrucción, una riqueza conceptual que hace de Loki un pequeño libro de texto al que volver asiduamente cuando los arcos entrecruzados se pongan espesos.

8. Thunderbolts (2025)

Antes de ver cualquier película de Marvel es conveniente repasar la última estrenada, y esta es una pieza clave por su escena postcréditos, en la que una enorme nave espacial con un 4 gigante aparece aparentemente de la nada en el espacio, cerca de la Tierra, lo que nos da una idea de dónde acabará Los Cuatro Fantásticos: primeros pasos y quizá dónde empieza Los Vengadores: Doomsday. Con los propios Thunderbolts actuando como los Nuevos Vengadores, la película con Pedro Pascal seguramente detallará cómo y por qué el grupo de superhéroes viaja desde su mundo ambientado en los años 60 al del MCU que conocemos.

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Si te digo: “Imagina un nuevo Universo Cinematográfico”. Cierras los ojos y lo que se te ocurre es una historia bombástica, a lo grande y con fuegos artificiales. Esa es la razón por la que quizás habrás presupuesto que Superman (2025) podría ser la primera película perfecta para una nueva era en el Universo DC, ahora regido bajo la dirección de James Gunn.

¿Qué pasa? Que eso no es del todo correcto. Aunque Superman será el primer taquillazo del nuevo DCU, y aunque nazca con las expectativas de superar la recaudación de la última gran adaptación del hijo de Krypton en el cine, El hombre de acero (que ya fue el epítome del DCU anterior, por allá 2013), el universo DC de James Gunn como tal ya ha empezado. De hecho, la primera obra oficial dentro de esta nueva era es la serie animada Creature Commandos, de 2024.

Creature Commandos fue creada por el propio James Gunn, en torno a un grupo de presos no humanos que siguen haciendo el trabajo sucio de Amanda Waller (Viola Davis) bajo el nombre de Task Force M. Esta serie de animación marcaba en 2024 el inicio del nuevo DCU bajo el liderazgo de Gunn, como una secuela directa del desgraciado El escuadrón suicida (2021) y de El Pacificador (2022). Violenta, divertida e incluso emotiva, ya ha sido aprobada para una temporada 2.

El equipo de Creature Commandos incluye a Rick Flag Sr., Nina Mazursky, el Doctor Fósforo, Frankenstein, la Novia de Frankenstein, G.I. Robot y Mostela. Ni Batman ni Superman: esos son los primeros héroes del nuevo DCU. ¿Cómo te quedas?

Antes de ‘Superman’ vinieron ‘Creature Commandos’ y ‘El Pacificador’

Pero James Gunn llevaba un tiempo probando los efectos de su nueva fórmula superheroica. Nadie puede negar que su versión de El escuadrón suicida, un borrón y cuenta nueva bienintencionado sobre el Escuadrón suicida (2016) de David Ayer, ya sentaba el tono para un cambio de párrafo.

De hecho, también marcaba la diferencia para con la seriedad y la oscuridad excesivas de la anterior época de DC El Pacificador, un bobalicón John Cena que aparece brevemente en la nueva Superman. Aquella serie tenía un tono propio y muy característico de Gunn: gamberro, entrañable y sin ninguna vergüenza de venir de los cómics. Ambas eran como una especie de experimento piloto, dos títulos que nos dejaban ver por dónde irían los tiros en el futuro.

Además, personajes como la agente Emilia Harcourt (Jennifer Holland) o John Economos (Steve Agee), que ya conocimos en El Pacificador, han ido apareciendo en otras producciones recientes de DC, en una especie de transición suave entre el viejo universo DCEU (DC Extended Universe) y el nuevo DCU de James Gunn. Lo de probar a cortar por lo sano, a los grandes estudios, les ha salido mal en más de una ocasión: ¿alguien recuerda el fiasco de la Universal con el Dark Universe y La momia (2017)?

De hecho, será interesante contemplar cómo se adaptan los personajes que siguen en el DCU, como Viola Davis en el papel de Amanda Waller. Por otra parte, su protagonismo en Superman ya confirmaba la silla que el DCU tiene reservada a personajes como Guy Gardner (Green Lantern, interpretado por Nathan Fillion), la Chica Halcón (Isabella Merced), Metamorfo (Anthony Carrigan) o Mr. Terrific (Edi Gathegi). Seguramente volvamos a verles pronto…

‘The Authority’, ‘Supergirl’ y ‘La cosa del pantano’, tres películas clave del nuevo DCU

Superman tiene un lugar destacado en el primer capítulo del nuevo DCU, titulado Dioses y Monstruos (Gods and Monsters). Y lo dicho: si miramos atrás, comprobamos fácilmente que no es la primera piedra de nada, por mucho que nos abra un giro bastante obtuso en los eventos que anticipa. Ahora, ¿miramos adelante? Dentro de esta fase, ya se han anunciado otras películas clave.

Empezamos con The Authority, basada en el cómic de WildStorm, que presenta a un grupo de superhumanos con métodos algo más cuestionables que el héroe de Metrópolis y, en realidad, que la media superheroica. El reverso cínico del heroísmo, para contraponerse directamente con los ideales de Kal-El.

También está en desarrollo Supergirl: Woman of Tomorrow, prevista para 2026 y basada en el cómic de Tom King. Kara Zor-El (Milly Alcock) ya hizo su aparición en los últimos minutos de la nueva historia de su tío kryptoniano (¿la recordáis?) y, por lo desvelado por el propio Gunn, veremos al personaje en una versión algo más sombría: no por nada la película de Supergirl está dirigida por Craig Gillespie (Yo, Tonya).

Y por último, esperamos Swamp Thing. En palabras de Gunn, esta nueva adaptación de La Cosa del Pantano es “un film de terror gótico” capitaneado por el cineasta James Mangold (Un completo desconocido, 2024). Y Mangold viene asegurando que, a pesar de pertenecer DCU, su película no tiene nada que ver con los superhéroes. ¡Hay ganas!

Las series del nuevo DCU: ‘Waller’, ‘Linternas’ y ‘El Pacificador’

En paralelo a estas películas, está en marcha Waller, un spin-off centrado en Amanda Waller (Viola Davis), que servirá de puente entre El Pacificador y el resto de DCU. Se espera también una serie centrada en los Green Lanterns, titulada Linternas (2026), con Hal Jordan y John Stewart investigando una amenaza terrestre de alcance universal, pero siempre en clave noir.

Según Gunn, esta serie será fundamental para el desarrollo general de la trama del universo, por lo que la suponemos paralela (con sus diferencias) al rinconcillo que Daredevil (2015) y sus allegadas se reservaron dentro del Universo Cinematográfico Marvel.

Es decir, estemos pendientes de las series… Porque, de momento, seguimos sin noticias de la probable secuela de Superman y de la nueva versión de Wonder Woman, aunque podemos presuponer su existencia futura. Lo suponemos porque el adinerado Maxwell Lord, mecenas de la Banda de la Justicia, hacía su primera aparición en en Mujer Maravilla 1984 (2020), en las botas de Pedro Pascal, y reaparecía interpretado por Sean Gunn en la película de Superman. Y podría aparecer en la segunda temporada de El Pacificador. Más pistas, allí.

Dos Batman en el DCU, Pattinson y ‘The Brave and the Bold’

En cuanto al nuevo Batman, ya se ha confirmado una película titulada The Brave and the Bold, que presentará a Bruce Wayne junto a su hijo Damian Wayne como Robin (no, aún no hay un reparto sobre la mesa). Lo que sí sabemos es que esta versión del Caballero Oscuro será independiente del Batman de Robert Pattinson (que seguirá en su propia línea, Elseworlds), y formará un eje principal del DCU, con un Bruce entrado en años y más centrado en la dinámica familiar y en la Batfamilia.

Esta versión madura de Batman sigue la lógica de las últimas declaraciones de James Gunn, que explicó a The Times: “Hay tres cosas que no necesito volver a ver en una película de superhéroes. No necesito ver perlas en un callejón cuando matan a los padres de Batman. No necesito ver a la araña radiactiva mordiendo a Spider-Man. Y no necesito ver al bebé Kal saliendo de Kriptón en un pequeño cohete”.

El ejecutivo añadía, poniendo por ejemplo la muy reputada Buenas noches, y buena suerte (2005), “no necesitamos conocer los primeros años de vida de Edward R. Murrow para entender cómo se convirtió en periodista. ¿A quién le importa?”. Recogemos sus palabras para mirar adelante, en esta nueva etapa del Universo Cinematográfico de DC. Sin padres muertos, sin historias de origen y en general con tontos, pero sin tonterías.

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La lista es larga pero sencilla. Desde que en 1969 Doraemon tuviera su lanzamiento y su primer boom, pues el manga de Fujiko F. Fujio se publicaba simultáneamente en seis revistas diferentes, la serie no ha dejado de crecer y encontrar nuevos públicos. Así que resulta fácil perderse.

Pero si tenemos en cuenta que todo esto son “sólo” las aventuras de un niño muy inepto y del gato venido del futuro que le proporciona gadgets para tratar de solucionarle la existencia y, en fin, sabiendo que nada es sino autoconclusivo, podemos concluir que todo va a salir bien. El objetivo de esta lista de JustWatch es, por lo tanto, tratar de visibilizar la cantidad de Doraemon-tecnia disponible en nuestro país, antes que ordenar nada.

Doraemon (1979)

Doraemon tiene un anime anterior al de 1979, uno de 26 episodios que debe de correr por algún rincón oscuro de la red pero que, en realidad, no era más que una prueba para ver qué tan rentable era una adaptación ambiciosa de la franquicia a la pequeña pantalla. El resultado es Doraemon (1979), que se alargaría 26 años y acabaría teniendo 1787 episodios. En aquella época empezaron también las películas (la primera, Doraemon: Nobita’s Dinosaur, es de 1980), pero ninguna de aquellas está disponible para ver en plataformas. La estructura de la primera serie del Gato Cósmico es idéntica a la del reinicio (la fórmula funciona): Nobita tiene problemas, Doraemon trata de ayudarlo, algo sale mal. Sus colegas son muy dudosos. Al final, se resuelve. Hora de la merienda. Y así durante 27 temporadas.

Doraemon, el gato cósmico (2005)

La tecera y más reciente adaptación de la serie, Doraemon, el gato cósmico (2005), lleva casi 900 episodios a las espaldas, cuando se escribe este artículo. Han sido veinte años de reinado azul, que se han complementado, ahora sí, con cantidad de películas y especiales. Los presentamos abajo, sabiendo que dejamos huecos por toda la filmografía que no ha llegado a España. Al mismo tiempo, tened en cuenta que las películas dentro del canon de la nueva serie, no tienen ninguna pretensión canónica (tampoco las anteriores), por lo que podéis verlas cómo y cuándo más os apetezca. Al final, no son las tramas sino el carácter de esta criatura de cabeza melón bicolor –por cierto, el personaje más popular de Japón, superando a Godzilla– la que nos guía.

Doraemon y las mil y una aventuras (1991)

Las primeras películas de Doraemon las dirigió todas Tsutomu Shibayama, reconocido como gran padre del gato cósmico animado en las postrimerías de siglo (aunque también dirigió el anime de Ranma ½, en 1989). En Doraemon y las mil y una aventuras (1991), Nobita quiere escapar de su aburrida realidad, así que usa con Doraemon un libro mágico que los transporta a mundos basados en cuentos clásicos como Aladín y Simbad. Aunque, cómo no, las cosas se complican cuando unos ladrones reales se cuelan en la historia. Bien, Nobita, claro que sí. Hay genios, espadas, magia y muchas situaciones absurdas que solo podían salir de la imaginación de un niño pequeño con un gato del futuro. Una mezcla entrañablísima entre aventura clásica y caos total.

Doraemon y los piratas de los mares del sur (1998)

En Doraemon y los piratas de los mares del sur (1998), Nobita sueña con ser un pirata, y con la ayuda de Doraemon y sus inventos, él y sus amigos viajan al pasado para vivir una aventura en alta mar. Pero lo que empieza como un juego se complica cuando se topan con piratas de verdad tras un suculento tesoro escondido e incluso un científico medio chalado. Suneo, Gigante y Shizuka acaban navegando en galeones, sobreviviendo a tormentas y huyendo de enemigos con parches y loros. Nobita como capitán no da mucha confianza, pero entre todos se apañan. Shizuka sigue siendo la única que piensa con la cabeza, y Doraemon va salvando el día como un Ahab con cabeza azul.

Doraemon: Odisea en el espacio (Star Crush) (1999)

En inglés, no sé. Pero quien titulara esta película al castellano, triunfó. Esta vez, Nobita y compañía se lanzan al espacio con una nave que parece sacada de una peli retro de ciencia ficción. Conocen a criaturas espaciales, se meten en medio de una guerra interplanetaria y, por supuesto, todo se les va de las manos. Doraemon tiene que usar hasta el último gadget para que no terminen flotando eternamente en el vacío. En Doraemon: Odisea en el espacio (Star Crush) (1999) encontraremos acción, alta tecnología extraterrestre y se nos caerá alguna lagrimilla de gravedad cero. Eso sí, a Nobita se le nota que, al contrario de lo que proclama, no nació para ser astronauta.

Doraemon y el Imperio Maya (2000)

Esta es mi película favorita de niñe. Recuerdo sacrificar la edición ultra-deluxe de El rey león a un compañero de clase para, a cambio, conseguir su copia barata de Doraemon y el Imperio Maya (2000). ¿Tan buena es? Lo dudo. Nobita encuentra un misterioso anillo que transporta a todos sus amigos, a una civilización perdida, libremente inspirada en los mayas. Para cuando descubren que están en medio de una profecía, Gigante terminará empleándose como guerrero, Suneo creyéndose un nuevo rey y Nobita, como siempre, llornado. Ruinas, robots y mi copia barata de Doraemon y el Imperio Maya aún en la estantería.

Doraemon y el pequeño dinosaurio (2006)

Mientras Tsutomu Shibayama se tomaba un respiro (a la japonesa, porque siguió trabajando en Ninja Boy Rantaro, proyecto que había arrancado en 1993), Ayumu Watanabe lo sustituyó dirigiendo Doraemon y el pequeño dinosaurio (2006). En ella, Nobita encuentra un huevo de dinosaurio y lo cuida hasta que nace un pequeño futabasaurio (sí, no preguntéis) al que llaman Pisuke. ¿Podemos quedárnoslo? Evidentemente no. Pero como Nobita es así, el cariño termina con un lío jurásico. Para devolverlo, y con ayuda de Doraemon, el grupo viaja al Cretácico y para agravar el asunto, Nobita se pone en plan papá dinosaurio. Esta versión es un remake de la primera película de Doraemon, de 1980, no disponible en plataformas españolas.

Doraemon y los siete magos (2007)

Tsutomu Shibayama vuelve al patio para Doraemon y los siete magos (2007). A Nobita se le mete entre ceja y ceja que vivir en un mundo mágico sería mucho más divertido que el real (no nos extraña, un día hablamos de sus relaciones sociales). Doraemon, como siempre, le sigue el juego y todos acaban en una especie de universo paralelo lleno de brujería. Al principio se lo pasan como niños con zapatos nuevos, pero una organización siniestra (con, adivinad, siete magos) quiere invocar a un demonio ancestral y, claro, adivina quién termina en medio del lío. Con conjuros fallidos y monstruos por todas partes, el caos está asegurado.

Doraemon y el reino de Kibo (2008)

Sucedió a Tsutomu Shibayama, tras su retirada definitiva de la serie, el director Shigeo Koshi. Se le encargó Doraemon y el reino de Kibo (2008), un Avatar protagonizado por el gato azul y blanco. La cosa empieza cual extraescolar de primaria: con Nobita plantando una semilla que le da Doraemon. Pero esta no es una planta cualquiera, porque el tallo crece hasta vegetar todo un planeta. Todo verde, con criaturas curiosas y sin contaminación, la calma dura poco. Unos tipos con ganas de destruirlo todo llegan con maquinaria bestial. Y como siempre, todo pende de un hilo en manos de Nobita.

Doraemon The Hero: Pioneros del espacio (2009)

Yukiyo Teramoto se pone al mando en esta película donde Nobita, harto de que lo llamen inútil, quiere demostrar que puede ser un héroe. De ahí que el título, Doraemon The Hero: Pioneros del espacio (2009), sea más épico que nunca. La idea es rodar una película de ciencia ficción usando un estudio portátil de Doraemon, pero el set se convierte en realidad y acaban en otro planeta, en plena guerra intergaláctica. Mientras Gigante y Suneo se pelean por el protagonismo, Doraemon y compañía acaban satirizando alrededor de todos los lugares comunes de la alta ciencia-ficción. Para fans de Terry Pratchett.

Doraemon: La leyenda de las sirenas (2010)

Si las ideas para las películas de Doraemon parecen sacadas del índice de una biblioteca de géneros, es porque se hacían como churros. Ahora, por culpa de un invento acuático que se les va de las manos, los chicos acaban en el mundo secreto de las sirenas. Allí descubren que un conflicto con los tritones está a punto de estallar de nuevo. Entre batallas en el fondo del mar y criaturas de lo más extrañas, en Doraemon: La leyenda de las sirenas (2010), al sireno Nobita le toca correr (o nadar) por su vida. Kôzô Kusuba dirige esta aventura submarina.

Doraemon en busca del escarabajo dorado (2012)

En Doraemon en busca del escarabajo dorado (2012), la susodicha búsqueda empieza como una simple excursión para buscar insectos, pero claro, tratándose del cazabichos Nobita, la tranquilidad del campo no dura mucho. Al encontrar un escarabajo legendario en una isla misteriosa, él y sus amigos se ven envueltos en una antigua disputa entre tribus y guardianes mágicos. La isla en la que terminan parece sacada de un videojuego, con trampas, templos ocultos y criaturas enormes que no están para bromas. Dirigida por Kozo Kusuba, es una remezcla improbable entre las aventuras y la enciclopedia coleccionable que encantará, como dicen, a toda la familia. Poned mosquitera.

Doraemon: Nobita’s Secret Gadget Museum (2013)

¿Pero quién le ha robado el cascabel a Doraemon? Whodunnit!! Tenemos ya una historia de detectives, con Kazuaki Imai al frente. Nobita, que no quiere verle deprimido, decide investigar con sus amigos. Una tropa de Holmes algo disfuncional, que termina en un museo donde se guardan todos los inventos del futuro, por donde anda un ladrón suelto. Entre pasadizos, gadgets olvidados y pistas por resolver, en esta película hay tantísimas referencias a inventos clásicos de la serie de 1979 que Doraemon: Nobita’s Secret Gadget Museum (2013) se convierte en un imprescindible para emitir nuevos carnets de fan.

Doraemon y el reino perruno (2014)

¡Guau! Kazuaki Imai repetía como director (por cierto, de él buscad el mediometraje de Anime Mirai: Paroru no Miraijima (Paroru's Future Island), que es oro). En guion, los coletazos habituales: Nobita adopta a un perrito callejero sin que su madre se entere y lo cuida en secreto hasta que Doraemon propone llevarlo a un planeta donde los perros tienen su propia civilización (¿recordáis cuando trató de secuestrar a un dinosaurio?). El problema es que llegan justo cuando se está cocinando una rebelión contra los humanos. Nobita intenta ayudar, pero su diplomacia perruna hace aguas. En fin, Doraemon y el reino perruno (2014). Lo mejor del film es cuando Gigante se pelea con un perro gigante.

Quédate Conmigo, Doraemon (2014)

Ojo con la nostalgia. Ryūichi Yagi y Takashi Yamazaki dirigieron Quédate Conmigo, Doraemon (2014), la segunda película más taquillera de Japón en 2014. Y Takashi Yamazaki quizás os suene por Godzilla Minus One (2023). Quédate Conmigo, Doraemon es distinta a las demás: incorpora la animación 3D y una origin story que va directa al lacrimal. Aquí vemos cómo Doraemon llega por primera vez a la vida de Nobita, enviado desde el futuro para ayudarle a cambiar su destino. Poco a poco se van haciendo inseparables, y cuando parece que Nobita por fin puede valerse por sí mismo, Doraemon debe marcharse. Menos gadgets, más corazón.

Doraemon y el nacimiento de Japón (2016)

Volvemos a la fórmula género clásico con intervención gatuna: tras una enésima bronca, Nobita quiere huir de casa (no nos extraña), así que propone escapar al pasado. Pero claro, no se conforma con “un poco al pasado”... Tiene que ir unos 70.000 años atrás. Doraemon acepta, como el adulto irresponsable que es, y junto con Shizuka, Gigante y Suneo montan su propia civilización prehistórica. Si os gustó Ice Age: La edad de hielo (2002), en Doraemon y el nacimiento de Japón (2016) encontraréis peleas tribales semejantes, algunos animales descomunales y todo mezclado con un montón de inventos del siglo XXII.

Doraemon y la gran aventura en la Antártida (2017)

Ideal para ver bajo una ola de calor. Atsushi Takahashi dirigía Doraemon y la gran aventura en la Antártida (2017), otro viaje: Nobita no aguanta más el calor del verano, así que Doraemon lo lleva directo a la Antártida. Allí encuentran un anillo misterioso enterrado en el hielo, que arranca una historia que va saltando entre épocas y glaciares. Aparecen ruinas congeladas, artefactos de otro mundo y un antiguo secreto que podría destruir la Tierra. A pesar de los pingüinos y los portales temporales, mejor andar con ojo con el tono, porque acaba siendo bastante más serio de lo esperable.

Doraemon y La Misteriosa Isla Del Tesoro (2018)

Es la tercera película de Doraemon por Kazuaki Imai, también al cargo de la serie. Esta vez Nobita se obsesiona con encontrar un tesoro real, así que embarca a todo el grupo en un crucero… Que, cómo no, acaba muy lejos de ser un viaje tranquilo. Doraemon y La Misteriosa Isla Del Tesoro (2018), ahijada veinte años posterior de Doraemon y los piratas de los mares del sur (1998), depara mapas secretos y piratas con intenciones dudosas. Otra perla para gourmets del anime: la fuente inagotable de memes que es Suneo, que en esta ocasión pasa medio viaje a punto de vomitar.

Doraemon y el viaje a la luna (2019)

Faltaba viajar a la Luna, pero esto se soluciona rápido. Primero. Nobita afirma que hay vida en la Luna y todo el mundo se ríe de él. Bueno. Luego, para que el niño no quede mal, Doraemon decide crear una civilización lunar ficticia, que termina no siendo tan ficticia. Digo… Hay conejos lunares, naves espaciales, Nobita llorando a gravedad cero y una mezcla algo curiosona de ciencia ficción y fantasía. En fin, ahora que no nos digan que el aterrizaje a la Luna fue el invento de un felino intergaláctico. Doraemon y el viaje a la luna (2019) fue dirigida por Shinnosuke Yakuwa, al que después hemos aplaudido por Totto-chan, aventuras desde la ventana (2023).

STAND BY ME Doraemon 2 (2020)

Quédate Conmigo, Doraemon (2014) debía ser un one-shot, pero sus resultados en taquilla hicieron que la gallina de los huevos de oro saliera del corral una segunda vez. STAND BY ME Doraemon 2 (2020). Esta secuela vuelve a la fórmula de los viajes en el tiempo para hacernos una limpieza de cutis emocional. Aquí Nobita regresa al pasado para volver a ver a su abuela, quien siempre soñó con asistir a su boda. A partir de ahí, se enredará con su “yo” adulto y con el miedo de no estar a la altura de su futuro, mientras Doraemon intenta que la línea temporal no se desmonte del todo.

Doraemon: Nobita’s New Dinosaur (2020)

Kazuaki Imai volvía por cuarta vez en la segunda película pandémica del gato japonés, la primera después de la llorera (la nuestra) de STAND BY ME Doraemon 2. En Doraemon: Nobita’s New Dinosaur (2020), Nobita acaba incubando dos pequeños dinosaurios gemelos, Kyu y Myu (recordemos la existencia de Pisuke, pobre Pisuke). A escondidas los cría como puede, pero cuando se hacen demasiado grandes, toca devolverlos a su época. El problema es que otros humanos del futuro también están viajando al Cretácico, y no precisamente con buenas intenciones. Doraemon acaba haciendo de niñera jurásica, porque Nobita sigue con su síndrome de papá por deconstruir.

Doraemon: Nobita’s Sky Utopia (2023)

En Doraemon: Nobita’s Sky Utopia (2023), nuestro querido Nobita, esbroncado, reza con encontrar lugar perfecto, una utopía sin problemas, exámenes ni bullying. Y como siempre, Doraemon saca un invento que lo lleva, junto a los demás, a Paradapia: una ciudad flotante en el cielo donde todo parece ideal. Pero claro, algo tan perfecto huele raro. Naturalmente detrás de esa armonía se esconden dinámicas sociales bastante inquietantes (un ensayo sobre la libertad en Matrix en una película de Doraemon, sí). Nobita se ve atrapado entre la tentación de quedarse y la necesidad de luchar por lo que es real, por mucho que duela. Auch.

Doraemon the Movie: Nobita's Art World Tales (2025)

La película 44 de Doraemon se estrenó en marzo de este año, de la mano –ojo– de Ryūtarō Nakamura (el responsable de Serial Experiments: Lain). Nobita suspende otra vez Dibujo (nadie como él) y acaba quejándose de que el arte no sirve para nada. Para abrirle la mente, Doraemon lo lleva a un mundo donde las obras de arte cobran vida. Literalmente. Glups. En Doraemon the Movie: Nobita's Art World Tales (2025) paseamos por lienzos clásicos y nos colaremos en castillos impresionistas, mientras el pobre chaval (Nobita) trata de parar a un villano que quiere re-escribir la Historia del arte.

¿Dónde puedo ver todas las temporadas y películas de ‘Doraemon’?

Cógete algo para picar porque, si te pones en serio, el viaje es largo. Para descubrir todas las temporadas y películas de Doraemon disponibles en plataformas en España, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch, aunque aquí hemos pasado por alto bastantes de las primeras películas de la saga. No son canónicas y no están disponibles en plataformas, por lo que resultan de visionado opcional y para muy cafeteros.

Por lo demás, puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Aparte de su archiconocido humor ácido, la profunda crítica social o sus cientos de capítulos, Los Simpson destaca por su capacidad para empujarnos a tener sentimientos por sus personajes. Si bien sus capítulos suelen hacernos reír, a veces el bueno de Matt Groening nos cuela alguna que otra tragedia que nos ha dejado tocados.

Por eso, y a modo de repaso, a continuación te contamos cuáles han sido los personajes que han pasado a mejor vida en la serie. Muertes que, aunque sean de dibujos animados, nos han dolido en el alma. Ojito porque si no has visto todas las temporadas, las siguientes líneas contienen spoilers.

Bleeding Gums Murphy (Temporada 6)

Se trata del mentor musical de Lisa Simpson, que muere en el episodio titulado "Round Springfield", donde se tocan temas como la pérdida, el legado y la conexión emocional y espiritual. La muerte de Bleeding Gums Murphy permite a Lisa homenajearlo con una actuación en la radio. Este personaje es el ejemplo de cómo los sueños pueden estar vivos aunque los cuerpos no estén presentes, y su adiós en la serie dejó una enseñanza emocionante a través del jazz.

Frank Grimes (Temporada 8)

Aunque Frank Grimes solo aparece en un capítulo de la octava temporada de Los Simpson, su muerte resultó ser una de las más icónicas de la serie. El episodio, titulado Homer's Enemy, presenta a Grimes como el hombre común que se esfuerza, y que contrasta con la mediocridad y suerte de Homer. Sin embargo, termina electrocutado al intentar demostrar lo absurdo del mundo de Springfield. 

Su muerte representa cómo la lógica no tiene huevo en el universo de la serie y dejó una huella duradera en muchos fans de Los Simpson.

Maude Flanders (Temporada 11)

Llegamos a una de las muertes más inesperadas y comentadas de Los Simpson: la de Maude Flanders (la esposa de Ned Flanders). Su presencia, junto a la de su marido, aportaba equilibrio y servía de contrapeso al caos que generaban Homer y su familia. Su fallecimiento llega en el capítulo "Alone Again, Natura-Diddily", cuando cae desde las gradas tras ser alcanzada por una lluvia de camisetas disparadas por cañones promocionales. 

Snowball II (Temporada 15)

En la decimoquinta temporada de la serie ocurre la muerte de la gata de la familia Simpson, que muere atropellada en el capítulo "I, (Annoyed Grunt)-Bot", un episodio que juega con el absurdo al introducir varias muertes felinas y terminar con una Snowball V, que en realidad se llama Snowball II, para no tener que rehacer los títulos. De esta forma se produce una crítica divertida a la continuidad de la serie, pero que también toca la pérdida de una mascota muy querida.

Amber Simpson (Temporada 16)

Quizás algunos no se acuerden de ella, pero Amber fue una esposa accidental de Homer durante una borrachera en Las Vegas. Aunque su personaje no era recurrente en Los Simpson, su muerte por sobredosis en el episodio "Thank God It’s Doomsday" dejó una marca sobre el lado más oscuro del humor de la serie. Su aparición y despedida representan la banalidad de algunos vínculos en la vida de Homer Simpson.

Mona Simpson (Temporada 19)

La madre de Homer, Mona Simpson, llevó adelante una vida marcada por el activismo y el abandono familiar. Aunque su regreso a la serie fue siempre circunstancial, sus apariciones estaban cargadas de simbolismo. En el episodio de la decimonovena temporada "Mona Leaves-a", ella muere mientras Homer duerme, dejando una última misión ecológica para él. Su pérdida nos permitió explorar la relación rota entre madre e hijo, y cómo Homer lidia con el dolor de su muerte y el perdón. 

Fat Tony (Temporada 22)

Es uno de los personajes más recurrentes en los memes de Los Simpson. Fat Tony es el jefe mafioso de Springfield, que muere de un infarto en el capítulo "Donnie Fatso". Aunque su personaje es reemplazado por su primo Fit Tony (el cual termina engordando y convirtiéndose en el nuevo Fat Tony), la muerte del original supuso el final de un personaje que representaba la corrupción en la ciudad de Springfield.

Rabbi Hyman Krustofsky (Temporada 26)

Aunque es cierto que su hijo es más importante en Los Simpson que él, la muerte del padre de Krusty el Payaso fue uno de los puntos más álgidos de la temporada número 26. Krustofsky fallece en el episodio "Clown in the Dumps", justo cuando su relación con su hijo comenzaba a mejorar. Su muerte permitió ver a Krusty mostrar una faceta más humana y vulnerable, algo que supuso un punto de inflexión para su hijo..

Jacqueline Bouvier (Temporada 32)

Por el lado de Marge Simpson también ha habido muertes, como es el caso de su madre de Marge y abuela de los niños Simpson, Jacqueline Bouvier. Esta muere en el capítulo "Mother and Child Reunion", y aunque su rol fue siempre esporádico, su presencia era trascendental para entender cómo criaron a Marge y su pasado familiar. 

Su fallecimiento afecta de forma emocional tanto a Marge como a Lisa, que ve en su abuela una figura de autoridad y tradición.

Larry (Temporada 34)

La taberna de Moe fue testigo de muchas borracheras de Homer, y también de una de las muertes más tristes de la serie: la de Larry, uno de los amigos inseparables de Barney. Larry muere en el capítulo titulado "The Many Saints of Springfield" y aunque es cierto que se trataba de un personaje secundario, su presencia constante en el bar lo erigió como parte del ecosistema de Los Simpson. 

¿Dónde puedo ver online todas las temporadas de Los Simpson?

Para saber en qué plataforma de streaming ver todas las temporadas de Los Simpson, consulta la guía de streaming de JustWatch. ¡Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación en base a tus preferencias!

15 de noviembre de 1990, la historia de la televisión cambió para siempre con el estreno en prime time de Twin Peaks, o la colisión entre la cultura pop masiva, el mainstream, y el personal y extraño mundo de David Lynch. En esta lista encontrarás todas las series, películas y rarezas del universo Twin Peaks, así como las plataformas dónde verlas por orden, para no salir de la habitación roja en una buena temporada.

‘Twin Peaks: Fuego camina conmigo’ (1992)

Es difícil saber qué efecto tendría la injustamente infravalorada Twin Peaks: Fuego camina conmigo en un espectador que no habría visto todavía la que bien podría ser la serie más fenomenal de todos los tiempos. Pero lo cierto es que los acontecimientos que narra esta película se desarrollan, primero, un año antes de la muerte de Laura Palmer, cuando los agentes interpretados por Chris Isaak y Kiefer Sutherland investigan el misterio de Teresa Banks, con el propio Lynch, como el jefe del FBI. La segunda parte salta a los últimos días de Laura Palmer. 

‘Twin Peaks: Las piezas desaparecidas’ (2014)

Desde el estreno de la película se rumoreó que mucho material se había quedado en la sala de montaje. Twin Peaks: Las piezas desaparecidas es un montaje de esas escenas eliminadas que permite reencontrarnos con personajes de la serie que no estaban en la película, disfrutar de más escenas alucinadas de David Bowie, o asistir a una comida en casa de los Palmer. Cronológicamente, transcurre en un tiempo paralelo al de la película, aunque, al igual que esta, es mejor verlo después de la serie para acorazarse contra los spoilers, y entender algo más del delirio visual que se despliega ante nuestros ojos. 

‘Twin Peaks’ (1990/91)

David Lynch y Mark Frost revolucionaron la pequeña pantalla con la serie que llegó envuelta en las atmosférica melodía de Angelo Badalamenti. El mundo entero se preguntó: ¿Quién ha mató a Laura Palmer? Ella fue la chica más popular de un pueblo imaginario llamado Twin Peaks en el que todo el mundo parece tener algo que ocultar. El cineasta, que dirigió personalmente seis de los 28 episodios de la primera y segunda temporada, incluyendo el mítico capítulo final, estaba menos interesado en revelar el asesino que en la puesta en escena de su universo onírico, entre las habitaciones de pesadilla y el humor surrealista.  

‘Twin Peaks: The Return’ (2017)

¿Quién podía prever que 25 años después de que Laura Palmer nos dijera mirando a cámara que volveríamos a verla eso acabaría ocurriendo de verdad? Y así fue. El agente Cooper, como siempre interpretado por Kyle MacLachlan, regresó, desdoblado con un alter ego clavado a Bob, para guiarnos por el retorcido, hipnótico y desafiante universo de Twin Peaks: The Return: dieciocho horas que prácticamente equivalen al metraje de todas sus películas anteriores y que pusieron completamente de acuerdo sobre su explosiva excelencia tanto a la crítica, como a sus fans, como al público en general. Una bomba atómica. 

‘¿Tienes fuego?’ (2025)

El título puede parecer un chiste entre lo lynchiano y lo banal, pero ¿Tienes fuego? es una de las mejores maneras de revisitar cronológicamente el universo de David Lynch, diáfanamente analizado por el crítico Alejandro G. Calvo, como siempre secundado por su realizadora y montadora Verónica Melguizo, para resituar la serie, la película y el comeback, dentro de la filmografía del maestro que se despidió con una auténtica obra maestra. Así recordaremos que Lynch dirigió Corazón salvaje, mientras cedía los mandos de Twin Peaks, o hasta qué punto la crítica fue injusta en Cannes con Fuego camina conmigo. 

¿Dónde puedo ver más películas y series de David Lynch?

Para descubrir más películas y series de David Lynch disponibles en España como estas consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

James Gunn ha hecho de todo. Desde sus inicios en Troma Entertainment hasta desempeñar la ideación de los nuevos grandes taquillazos del cine de superhéroes, como la reciente Superman (2025), la carrera de Gunn resulta tan amplia que a menudo se nos escapa… Y acabamos pensando en él como “sólo” el tío de Guardianes de la galaxia (2014).

Pero como guionista, director y productor, ha guiado algunos de los mayores éxitos cinematográficos y televisivos de nuestro siglo (cuando no se ha metido en embarrados por redes sociales), y por ello ahora comparte la dirección de DC Studios con Peter Safran.

Por lo tanto, la intención de esta lista no es ordenar diez títulos dispares de forma acartonada, sino descubrir los otros James Gunn que quizás no sabías que existían.

Scooby-Doo (2002)

Antes de ponerse a dirigir, Gunn empezó como guionista. Tras trabajar en varias pelis de bajísimo presupuesto en la mítica Troma, consiguió su primera gran oportunidad escribiendo la adaptación al cine de Scooby-Doo (2002). Sí, aquella película que recordamos de nuestra infancia, con Freddie Prinze, Jr. y Sarah Michelle Gellar como Fred y Daphne, y con Matthew Lillard como Shaggy. A diferencia de la más simple Scooby-Doo 2: Monstruos desatados (2004), también escrita por Gunn, la primera es una mezcla de humor muy adulto y bobaliconadas monas. Sigue siendo una película de estudio, pero me apuesto algo a que no sabías que Gunn estuvo detrás de ella…

Amanecer de los muertos (2004)

Aunque con Scooby-Doo Gunn dio con su primer taquillazo, lo cierto es que el guion de Amanecer de los muertos (2004) encajaba mucho mejor con lo que ha sido su estilo posterior. A oesar de que dirigiera Zack Snyder, el remake del clásico de zombis de George A. Romero, Zombi (1978). En ella, ya vemos el humor y el cruce entre la comedia y el espasmo que luego se volverían marca de la casa. Gunn acertó al no intentar copiar la película original y, en su lugar, partir de la idea básica y crear sus propios personajes, el centro de la narrativa. Su forma de escribir encajaba muy bien con la dirección llamativa de Snyder, y el resultado fue un remake sorprendentemente sólido.

Super (2010)

Antes de Superman (2025) vino… El hijo (2019), sí, que Gunn produjo y que veía cómo una pareja de granjeros de Kansas crian a un alienígena llegado de allá fuera. Un bicho con poderes como Clark, pero con un sistema moral, bueno, dudoso. Y antes de aquella, llegó una película de bajísimo presupuesto y en clave de comedia negra. Al estilo de Kick-Ass: Listo para machacar (2010) o The Boys (2019), Super (2010) sigue a un tipo (Rainn Wilson, de The Office) que viste una máscara de superhéroe para recuperar a su mujer, que lo ha dejado por un traficante de drogas. Kevin Bacon interpreta a su triste archi-enemigo y Elliot Page da vida a su side-kick, y el conjunto es una fiesta de la nostalgia como pocas.

Slither: La plaga (2006)

Gunn debutó como director con la menos conocida Slither: La plaga (2006), sobre un pueblo invadido por parásitos alienígenas, entre El terror no tiene forma (1988) y La cosa (El enigma de otro mundo) (1982). Es comedia negra más body horror y gore en clave de ciencia-ficción, todo un homenaje a las pelis serie B de los años 80. Michael Rooker y Nathan Fillion acabarían siendo parte de su “reparto de confianza”. Los efectos prácticos y el maquillaje corrieron a cargo de Todd Masters, el maestro de Historias de la cripta (1989) o Profecía maldita (1979). Las tripas, en las mejores manos.

Creature Commandos (2024)

Después de lo que pasó en El escuadrón suicida (2021), a Amanda Waller (Viola Davis) le prohíben usar prisioneros humanos para misiones secretas… Oh. ¡Pero! Nadie dijo nada sobre usar monstruos. Ahí es donde entran los Creature Commandos (2024), un grupo de presos no humanos que siguen haciendo el trabajo sucio de Waller bajo el nombre de Task Force M (en lugar de X). Esta serie de animación marca el inicio del nuevo DCU bajo el liderazgo de James Gunn, y es una secuela directa de ese desgraciado escuadrón y de El Pacificador (2022). Violenta, divertida e incluso muy emotiva, resulta tan fácil de ver que hará que su segunda temporada, ya aprobada, parezca dolorosamente futura.

El experimento Belko (2016)

Después de hacer la película más grande de su carrera (no podéis adivinar cuál, ¿verdad?), Gunn optó por guionizar y producir un thriller más pequeño sobre un grupo de 83 oficinistas expatriados obligados a matarse entre sí en una oficina en Bogotá. El experimento Belko (2016), demasiado bruta para ser comedia y demasiado cómica para el terror, es imperfectísima pero también la clave que demuestra que Gunn está lejos de ser amedrentado por el sistema de estudios. Para fans de la sátira social rompecabezas (literal) de Elevator (2013) o Escape Room (2017).

Guardianes de la galaxia (2014)

Las películas más grandes de la carrera de Gunn, cómo no, son Guardianes de la galaxia (2014), junto con sus secuelas Guardianes de la galaxia Vol. 2 (2017) y Guardianes de la Galaxia (vol. 3) (2023). Y para televisión súmale Guardianes de la Galaxia: especial felices fiestas (2022), de paso. En 2014, las películas de Marvel estaban imprimiendo dinero con cada estreno (¡tiempo ha!), y al anunciarse la primera de Guardianes de la galaxia todes pensamos que finalmente era hora del primer gran fracaso. Bueno. Seguro que todavía puedes recordar a Chris Pratt bailando al ritmo de Come and Get Your Love. Así bailó esa trilogía entre carteras.

El escuadrón suicida (2021)

Luego sucedieron los tweets y Marvel dijo “hasta luego cocodrilo” a su cineasta, que al cabo de poco fichó DC. Le querían para El escuadrón suicida (2021), un borrón y cuenta nueva a partir de la Escuadrón suicida (2016) de David Ayer. Gunn llenó su reparto con algunos de los personajes más raros de DC que pudo encontrar (el Hombre de Lunares, The Detachable Kid, Mostela) y los soltó en una isla con un oscuro secreto. A DC claramente le gustó lo que James Gunn hizo con la franquicia, porque su trabajo con el Escuadrón suicida lo llevó a ser contratado como el jefe creativo del estudio en octubre de 2022.

El Pacificador (2022)

La crítica aprueba: El Pacificador (2022) es la nata de la carrera de Gunn, una serie de acción-humor que sigue al superhéroe encarnado por John Cena después de los eventos de El escuadrón suicida (2021). Do You Wanna Taste It? de Wig Wam nos da la bienvenida cada episodio a las desventuras de un John Cena en pleno lucimiento actoral y cómico, indagando en otros personajes de reparto de la propia Task Force X. Aunque Gunn tiene mucho mérito por el éxito de El Pacificador (2022), en principio el cineasta quería que Dave Bautista interpretara al señor del casco raro en El escuadrón suicida. ¿Suerte? que el actor de Drax lo rechazó para participar en Ejército de los muertos (2021) de Zack Snyder.

Superman (2025)

A finales de 2022, James Gunn y Peter Safran anunciaron un reinicio completo del Universo DC en el cine. La primera película ha sido Superman (2025), escrita y dirigida por Gunn, con un bastante desconocido David Corenswet como protagonista. Tras los retrasos por las huelgas de actores y guionistas, el rodaje acabaría arrancando apenas meses atrás, y hoy llega como la película del verano. Esta nueva versión introduce a Superman en un mundo donde ya existen otros superhéroes, como Mister Terrific (Edi Gathegi), Hawkgirl (Isabela Merced), Metamorpho (Anthony Carrigan) o Guy Gardner (Nathan Fillion). Rachel Brosnahan y Nicholas Hoult son Lois Lane y Lex Luthor, respectivamente, y estamos encantades con el resultado.

¿Dónde puedo ver todas las películas y series de James Gunn?

En reserva, “para muy cafeteros”, nos hemos dejado perlitas de culto como Tromeo y Julieta (1996). Para descubrir más películas y series de James Gunn disponibles en España, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

No estamos ni empezando a aclimatarnos en el verano y ya ha empezado la temporada de premios, que llega con las nominaciones a los Emmy 2025, y su reconocimiento a lo mejor—y más popular—de la televisión. Las series que compiten por estos galardones están repartidas por las principales plataformas de streaming, desde Netflix o HBO Max, hasta Apple TV+ y Amazon Prime Video, que cada vez pisan más fuerte. Con éxitos como El estudio, El Pingüino o Separación. En esta guía te ayudamos a localizar dónde ver cada una de las nominadas en las categorías principales divididas en tres bloques: mejor serie de comedia, mejor serie dramática y mejor serie limitada.

Mejor serie de comedia

1. Colegio Abbott

Nominaciones: 6

Colegio Abbott presenta el día a día de un grupo de profesores en una escuela primaria de Filadelfia con escasos recursos, narrado en el formato mockumentary marca The Office. La serie combina humor inteligente con temas sociales, mostrando cómo los educadores se las apañan pese a las limitaciones del sistema educativo público americano. Quinta Brunson, creadora y protagonista, ofrece autenticidad en el retrato realista que esquiva el cinismo típico de muchas comedias de entornos laborales.

2. The Bear

Nominaciones: 13

Sigue siendo raro ver The Bear en categoría de comedia, con su retrato intenso e hiperrealista del mundo culinario, mostrando el estrés constante, la presión y una melancolía que sigue hasta su cuarta temporada. Sin embargo, la historia de Carmy, un chef de alta cocina que regresa a Chicago para hacerse cargo del restaurante de bocatas que heredó de su hermano fallecido, sigue enganchando gracias a Jeremy Allen White. El actor ofrece una interpretación compleja de un chico que lidia con el duelo, la ansiedad y una responsabilidad que no buscaba.

3. Hacks

Nominaciones: 14

Cuatro temporadas y Hacks sigue enganchando con su humor intergeneracional, y es que el personaje de Deborah Vance, una comediante veterana de Las Vegas, es uno de los grandes hallazgos televisivos recientes. El gancho es su relación con Ava, una joven guionista de Los Ángeles que necesita revitalizar su carrera, y a través de ellas nos cuenta cómo afecta el envejecimiento en la industria del entretenimiento, la situación del humor actual y los límites de la creatividad. Pero si tienes que verla por un motivo, ese es Jean Smart, una actriz que ya ha hecho suyo el personaje.

4. Nadie quiere esto

Nominaciones: 3

Nadie quiere esto se la juega con una historia de amor algo poco convencional entre Joanne, una podcaster agnóstica, y Noah, un rabino progresista. Diferencias culturales y religiosas tratadas con humor y tacto, encontrando la conexión entre dos mundos aparentemente incompatibles. Además, repartazo, nada menos que con Kristen Bell y Adam Brody sorteando estereotipos típicos de las comedias románticas que se han metido en el bolsillo a la crítica.

5. Solo asesinatos en el edificio

Nominaciones: 7

Sigue empujando Solo asesinatos en el edificio en su eterna lucha con Hacks y The Bear, en otra temporada de los entrañables tres vecinos obsesionados con los podcasts de crímenes. Steve Martin, Martin Short y Selena Gómez son un trío protagonista inseparable en una de las pocas de la categoría que pueden llamarse comedia con mayúsculas, aunque el misterio te mantiene enganchado con giros argumentales siempre creativos que revitalizan el formato de investigadores de medio pelo. Una pena que pasen de la sublime Poker Face.

6. En terapia

Nominaciones: 7

En terapia combina humor con temas menos divertidos sobre salud mental o la pérdida. Harrison Ford es el mentor de Jimmy, un terapeuta que decide dejar de lado la ética profesional y comenzar a decir exactamente lo que piensa a sus pacientes. Jason Segel, que también es cocreador de la serie junto a Bill Lawrence y Brett Goldstein, ofrece una interpretación vulnerable de un hombre que lidia con su propio duelo mientras trata de ayudar a otros.

7. The Studio

Nominaciones: 23 

La revelación del año y, lo siento por las demás candidatas, también favorita a arrasar este año. The Studio ha hecho de su mirada satírica al mundo de Hollywood un arte en plano secuencia, la industria vista a través de los ojos de un ejecutivo de estudio ahogado en las nuevas exigencias de la era del streaming. Las tensiones entre el arte y el negocio se rasgan en medio de los mecanismos internos de la factoría de entretenimiento más grande del mundo, una traca de gags por minuto geniales y personajes de los que quieres ver muchas temporadas ¡Gracias Sal Saperstein!

Mejor serie dramática

1. Andor

Nominaciones: 14 

Andor nos cuenta los orígenes de la Rebelión contra el Imperio en el universo de Star Wars, siguiendo a Cassian Andor cinco años antes de los eventos de Rogue One. La serie se distingue de otras del universo por su enfoque maduro y realista, explorando temas políticos complejos como la resistencia, el sacrificio y el costo real de la libertad. Diego Luna retoma su papel y muestra la evolución de un hombre ordinario hacia un héroe de la facción rebelde acompañado de una producción cinematográfica y una narrativa densa.

2. La diplomática

Nominaciones: 2

La diplomática sigue a Kate Wyler, una diplomática estadounidense que debe navegar por crisis internacionales mientras maneja los desafíos de su matrimonio con otro diplomático. Keri Russell es una mujer que equilibra las demandas de la política internacional con las relaciones personales en un mundo de poder, ambición y compromiso que combina tensión política con drama, mostrando cómo las decisiones personales pueden tener consecuencias globales.

3. The Last of Us

Nominaciones: 16

Pese a que no ha gustado tanto como la primera temporada, The Last of Us vuelve a gustar en los premios en su segunda, que adapta la segunda parte del aclamado videojuego, presentando un mundo post-apocalíptico donde un hongo ha convertido a la mayoría de la humanidad en criaturas infectadas. Pedro Pascal y Bella Ramsey siguen protagonizando esta historia de supervivencia que se ha esmerado en llevar la fidelidad al material original como bandera, aunque expande y profundiza en los elementos emocionales de las relaciones humanas en medio del caos, más allá de sus generosos elementos de horror y acción.

4. Paradise

Nominaciones: 4

Sterling K. Brown regresó a la televisión en esta serie distópica como un agente del Servicio Secreto que protege al presidente (interpretado por James Marsden). Este no vive en la Casa Blanca ni en Washington, sino en una comunidad similar a Pleasantville. El misterio se presenta rápidamente y, a continuación, surgen nuevas preguntas. Paradise presenta un entorno que desafía las percepciones tradicionales del bien y el mal, con personajes multidimensionales y una narrativa no lineal.

5. The Pitt

Nominaciones: 13

Otra de las sorpresas del año, que seguro apunta a agarrar un buen puñado de Emmy, The Pitt nos introduce en las vidas de los médicos y enfermeras que trabajan en emergencias en el interior de un hospital de Pittsburgh. La serie combina casos médicos intensos con drama, mostrando los desafíos que enfrentan los trabajadores médicos en el sistema de salud estadounidense actual, con más eco después de los años de pandemia..

6. Separación

Nominaciones: 27 (líder)

La esperadísima segunda temporada de Separación mantiene fresca su originalidad conceptual y su ejecución visual exquisita, con la misma atmósfera inquietante y surrealista que denuncia la cultura corporativa moderna y sus implicaciones sobre la separación entre vida laboral y personal, el control y la naturaleza de la conciencia..Ciencia ficción psicológica que sigue descubriendo los secretos de la empresa que somete a un procedimiento que separa sus memorias laborales de las personales.

7. Slow Horses

Nominaciones: 5

Slow Horses sigue a un grupo de agentes de inteligencia británicos que han sido relegados a una división de castigo conocida como Slough House. Gary Oldman lidera el reparto como Jackson Lamb, un jefe cínico que supervisa a estos espías "fracasados" mientras se ven envueltos en casos peligrosos. Una combinación de espionaje tradicional, humor negro, y la eterna promesa de la redención y segundas oportunidades. Algo tiene que tener, que lleva cinco temporadas y está renovada para una séptima.

8. The White Lotus

Nominaciones: 23 nominaciones

Pues no, The White Lotus no ha dejado de hacer gracia a los premios, y su nueva entrega de la antología sigue ofreciendo una brutal sátira de las dinámicas de clase y poder en resorts de lujo. Las tensiones sociales entre huéspedes adinerados y trabajadores locales siguen revelando hipocresías y conflictos culturales en su tercera temporada con un enfoque “eat the rich” sobre el privilegio que sigue resonando en un público ávido de comentario social mordaz, tratando desde el colonialismo hasta la desigualdad económica.

Mejor serie limitada

1. Adolescencia

Nominaciones 13

Jamie Miller, de trece años, es detenido por la muerte a puñaladas de una compañera de colegio. Su familia se enfrenta a esta nueva realidad mientras los investigadores y un psicólogo averiguan qué condujo al crimen. Cada episodio se rodó en una sola toma y se eligió la mejor para su emisión. El reparto y el equipo tuvieron que ensayar mucho antes, bloqueando los movimientos de la cámara y, a veces, haciendo que ésta pasara de un operador a otro. Adolescencia opta a todo, pero la interpretación del debutante Owen Cooper es difícil que se vaya de vacío.

2. Black Mirror

Nominaciones: 10

No es su temporada más brillante, pero Black Mirror se ha llevado un buen pellizco de nominaciones, y en su séptima temporada continúa su exploración de la tecnología y sus efectos en la sociedad humana con nuevos episodios que examinan diferentes aspectos de nuestro futuro digital. Charlie Brooker vuelve al sendero de las primeras temporadas, cuando especulaba cómo la tecnología podría evolucionar, los peligros potenciales de nuestra dependencia creciente a ella y sus efectos en la sociedad.

3. Morir de Placer

Nominaciones: 9

Dying for Sex (Morir de placer) es un título que no engaña, un juego de palabras que cuenta la historia real de Nikki Boyer, quien después de ser diagnosticada con cáncer terminal decide explorar su sexualidad de maneras que nunca antes había tenido en cuenta. La mortalidad, la sexualidad femenina, la autonomía corporal, el deseo y el auto-descubrimiento son tratados con humor, pero también honestidad emocional.

4. Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez

Nominaciones: 11

Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez es la nueva temporada del true crime dramatizado de Ryan Murphy, esta vez sobre el infame caso de los hermanos Menéndez, que fueron condenados por asesinar a sus padres en 1989. La serie va desde los hechos a las alegaciones de abuso y las motivaciones detrás del crimen, dando un repaso al sistema judicial y la cobertura mediática de los crímenes de alto perfil que no le evitó caer ella misma en la controversia, sorprende su presencia en los premios después del pitote que se montó a su alrededor.

5. El Pingüino

Nominaciones: 24 

El Pingüino expande el universo de la estupenda The Batman siguiendo a Oswald Cobblepot en su ascenso al poder en el submundo criminal de Gotham City. Colin Farrell retoma su papel transformándose completamente en el icónico villano de DC, encarnando toda la ambición, poder y corrupción en una Gotham post-Batman que sigue en plena decadencia. Hubo comparaciones con Los Soprano, y aunque le venga un poco grande, las 24 nominaciones revelan que ha gustado mucho a los especialistas.

Dónde ver las series nominadas a los Emmy 2025

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Si te quedaste con ganas de más diálogos agudos, romances un tanto caóticos y crisis existenciales transformadoras después de ver Too Much, esta lista es para ti. La serie creada por Lena Dunham y Luis Felber ha sido una de las sorpresas del año: una historia sobre dejarlo todo, empezar de cero en otra ciudad y encontrar el amor en el lugar menos pensado, entre ansiedad, contradicciones y una buena dosis de autoboicot. Con ese tono entre lo irónico y lo profundamente humano, te traemos diez series que comparten su esencia: mujeres complejas, relaciones modernas y humor filoso. ¡Aquí vamos!

Girls (2012)

Girls encabeza esta lista porque, sin ella, Too Much probablemente no existiría. También creada y protagonizada por Lena Dunham, fue pionera en retratar con crudeza, humor y una saludable dosis de vergüenza ajena la vida de un grupo de veinteañeras en Nueva York que intentan encontrarse mientras navegan amistades frágiles, sexo complicado, trabajo precario e inseguridades constantes. Si te atrapó el caos emocional de Jess, aquí tienes a su antecesora espiritual: igual de honesta, incómoda y adictiva. Con seis temporadas brillantes, Girls se convirtió en una de las series clave de su generación por cómo muestra relaciones rotas, decisiones impulsivas y conversaciones tan incómodas como reales.

Yo nunca (2020)

Si bien esta serie tiene un tono más juvenil, mantiene la intensidad de emociones vividas por la protagonista y cuenta con una talentosa escritora detrás. Creada por Mindy Kaling, Yo nunca sigue a una adolescente llamada Devi que intenta sobrevivir al instituto mientras intenta lidiar con el duelo, la identidad y su propia impulsividad. Caótica y brillante en partes iguales, Devi comparte con Jessica esa energía desbordante, y la búsqueda constante de validación, amor y sentido. La serie brilla por su humor rápido, diálogos punzantes y situaciones que se complican por accidente. Si te quedaste con ganas de más risas y drama con corazón, Yo nunca te encantará.

Derry Girls (2018)

Con una mezcla perfecta de caos emocional, amistad y situaciones que rozan lo ridículo, esta serie comparte un espíritu similar con Too Much. Derry girls está ambientada en la Irlanda del Norte de los años 90 y sigue a un grupo de adolescentes que solo quieren sobrevivir al instituto mientras el mundo a su alrededor, en plena tensión política,  se desmorona. Es una comedia explosiva con un guión muy afilado, personajes de esos que adoramos y queremos matar en partes iguales y un ritmo imparable. Aquí el acento marcado y personalidad desbordante es moneda corriente, por lo que si te ha enganchado el caos emocional de Too Much, Derry Girls también te gustará.

This Way Up (2019)

Otra serie con un buen equilibrio entre vulnerabilidad y sarcasmo es This Way Up, escrita y protagonizada por Aisling Bea. La historia sigue a Áine, una profesora de inglés que intenta rehacer su vida tras una crisis de salud mental profunda. El show tiene solo dos temporadas, pero muchos diálogos ingeniosos y sensibilidad para abordar temas como la soledad, la familia y la reconstrucción personal sin caer en el drama. Tiene ese toque de humor británico que amamos y una protagonista que al igual que Jess, es desbordada y contradictoria pero profundamente real. Si le das una oportunidad a esta serie seguro acabas adorando a la brillante Áine.

Starstruck (2021)

¿Qué tienen en común Starstruck con Too Much además del divertido sarcasmo? Ambas protagonistas navegan las incertidumbres del amor en tiempos modernos. Escrita por Rose Matafeo y protagonizada por ella misma, la serie presenta a una joven neozelandesa llamada Jessie, que vive en Londres y comienza una extraña relación con una estrella de cine. Starstruck explora temas como el miedo al compromiso, la torpeza emocional y las expectativas que sabotean a las mujeres. Es una comedia romántica con humor seco y diálogos atrapantes que merecía mucho más que tres temporadas. 

La maravillosa Sra. Maisel (2017)

Aquí cambiamos de década, pero mantenemos el trasfondo de reinvención personal marcada por la crisis, el humor y el deseo de tener una voz propia. La maravillosa Sra. Maisel es tal vez la menos similar a Too Much de esta lista, pero no por eso deja de ser una gran recomendación si disfrutaste de un personaje femenino que brilla incluso en sus momentos más caóticos. Esta serie sigue a Midge Maisel, una ama de casa neoyorquina que descubre su talento para la comedia stand-up tras un divorcio inesperado. Con diálogos vertiginosos, un vestuario impecable, y un retrato existencial precioso, recomendamos La maravillosa Sra. Maisel una y otra vez.

Dollface (2019)

Esta serie tuvo tan solo dos temporadas pero es ideal para quienes disfrutan la mezcla de lo absurdo con lo emocional, del humor millennial y crisis existenciales con filtros de Instagram. Dollface sigue a Jules, quien después de una dolorosa ruptura decide reconectar con esas amigas que abandonó por amor. Con la amistad femenina como puente, la serie explora el autoengaño y el miedo a la soledad con elementos surrealistas y estética impecable. La protagonista, al igual que Jess en Too Much, está perdida pero decidida a encontrarse. Una mención especial para Kat Dennings que interpreta a la perfección el papel de Jules.

New Girl (2011)

Con una intro pegadiza y un tono más ligero, New Girl rompió el molde en 2011. La serie, que duró 7 temporadas, comparte mucho más que una protagonista con el mismo nombre. Entre enredos, vulnerabilidad y amistades inesperadas, New Girl ofrece esa sensación reconfortante de que equivocarse también puede ser parte del camino. ¿Pero de qué trata? La historia sigue a una mujer llamada Jess, que tras una ruptura se muda a un piso compartido con tres desconocidos que se convierten en grandes amigos. Si bien no es tan ácida ni existencial como Too Much, equilibra igual de bien lo absurdo con lo tierno y por eso la recomendamos. 

Fleabag (2016)

Phoebe Waller-Bridge y Lena Dunham son, cada una a su manera, referentes clave en la escritura de personajes femeninos complejos, incómodos y profundamente humanos. Con Fleabag, Phoebe rompió la cuarta pared y llevó el monólogo interior al límite. La serie nos sumerge en la mente de una mujer atrapada entre el deseo, el duelo y el autoboicot en un Londres gris. El show combina a la perfección humor ácido, dolor silenciado y una honestidad brutal. Si te atrapó la vulnerabilidad cruda de Jess en Too Much, Fleabag es el siguiente paso. Cortita, intensa y absolutamente inolvidable.

Emily en París (2020)

Si, tal vez esta serie es más rosa, más superficial y probablemente más irreal que Too Much, pero Emily en París merece su lugar en esta lista como contrapunto perfecto. Ambas series comparten a una protagonista que se muda a una nueva ciudad buscando un nuevo comienzo, pero mientras Jess lucha con sus emociones, Emily se lanza al mundo con optimismo desbordado, campañas de marketing improvisadas y un discutible sentido de la moda. La elegimos por ser una comedia ligera y exagerada que no pretende ser profunda, pero sí perfectamente escapista. Si después del caos emocional de Jess necesitas algo que relaje tu mente, Emily en París no te defraudará.

Dónde ver más series como Too Much en streaming 

Para descubrir dónde ver series igual de buenas que Too Much en línea desde España, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. ¡No olvides crear tu lista de seguimiento y recibir notificaciones interesantes sobre qué ver a continuación, basadas en tus preferencias!

Si será verdad lo que Lex Luthor explicaba a su archinémesis en la Superman de James Gunn: que el cerebro supera siempre al músculo. Quizás por esta sencilla razón, porque somos demasiado listos, nunca hemos visto la versión más poderosa del Hombre de Acero en la gran pantalla. En este artículo trataremos de desentrañar por qué, un poco más allá de la lógica fan inocua del vídeo de YouTube.

De entrada: Superman es el ser más capaz del mundo. Más que Goku, o que Batman. Hombre de acero y de hazañas, en Superman (1978), voló alrededor del planeta tan rápido que viajó en el tiempo. En Superman vs. La Élite (2012), hizo suplicar por sus vidas a la mismísima Élite y en Liga de la Justicia (2017) acabó sin problemas ni ayuda externa con la formación “invencible” de Flash, Wonder Woman, Cyborg y Aquaman. Eso, si miramos las versiones cinematográficas del entrañable Clark Kent.

Pero hay una habilidad que Superman tiene en los cómics que nunca será adaptada más allá de la página. No creo, a menos que Warner-DC se vuelvan locos en un intento por rebentar la taquilla antes de perder los derechos del héroe, que caducan dentro de diez años. Nunca nadie verá en el cine a Superman Cósmico.

Un pájaro, un avión, o un impenetrable escudo mental humanoide

Superman Cósmico, o Superman con la Armadura Cósmica, aparece por primera vez en Crisis final, un cómic-evento escrito por el genial Grant Morrison (All-Star Superman) entre 2008 y 2009. Dentro de este arco argumental, más específicamente en el número especial Superman Beyond #2, con tal de encontrar una cura a una enfermedad que infectó a Lois Lane y amenaza con matarla, Superman adopta la forma de un robot gigantesco que funciona con el poder de sus propios pensamientos. ¿Por qué? Pues para viajar más allá del multiverso conocido y enfrentarse a Mandrakk, un ser casi omnipotente que básicamente representa “lo opuesto a la vida”. Porque decir muerte sería quedarse cortos.

Y sí. Resulta que Crisis final es complicada, por decirlo de alguna forma. Por ejemplo, plantea que el Limbo es un lugar real al que van los personajes cuando ya nadie los recuerda, y en uno de sus característicos giros meta, acaba reflexionando sobre la naturaleza misma de las historias. Incluso ha llegado a interpretarse como una crítica directa al tono oscuro que había empezado a dominar los cómics tras el éxito de obras como Watchmen o The Dark Knight Returns de Alan Moore.

De genialidad borgesiana a caos hay un paso, el paso de Superman Cósmico. Nunca se explica con claridad cuáles son los poderes de este perro verde, pero se da a entender que son una versión ultra-evolucionada de los de Superman. Tan evolucionada, que el propio personaje es consciente de que está dentro de una historia, y actúa como una especie de “recurso narrativo viviente”. Tiene la capacidad de adaptarse a cualquier amenaza y de percibir el espacio y el tiempo de forma completamente distinta. Sabe que está en un relato, y que ese relato se moldea alrededor de él, lo que lo convierte en una especie de “armadura de guion viviente” con una sola misión: derrotar a Mandrakk. Incluso Lois Lane podría interpretarse como McGuffin, si no fuera porque, madre, es Superman y sería incapaz de no actuar de forma genuina.

Pero volvamos al cerebro galaxia: Superman Cósmico va volviéndose más fuerte a cada pelea ganada. Y aunque en Crisis final no desarrolla ningún poder nuevo, aparte de los habituales volar, lanzar puñetazos y emplear la visión calorífica, el ser consciente de todas las realidades lo convierte en omnipotente, es decir, en literalmente imposible de derrotar. La historia de Superman Beyond #2 necesita que sea así. No puede perder, porque si pierde, la narración no podría continuar.

Superman Cósmico es una matrioska narrativa demasiado enrevesada

Pero –sólo por jugar– pongamos que alguien es lo bastante audaz (¿o tonto?) para tratar de llevar el Superman Cósmico a una película de dos horas. Se encontraría con varios problemas de tamaño proporcionalmente cósmicos. Primero, tendría que desbrozar el caos de condicionantes de Crisis final. Nada de confusiones metatextuales, nada de explorar la naturaleza del relato, ni robots gigantes controlados por el pensamiento. Solo Superman, en modo ultra poderoso.

Antes que lo diga yo, ¿os dais cuenta de la absurdidad que es eso? Superman más fuerte es Superman. Ved Ultraman (no hago spoilers, tranquilidad) en Superman (2025). Y no existe Superman Cósmico si lo despojas de todos los elementos que lo hacen meta, moderno y raro. Crisis final y el mini spin-off Superman Beyond están construidos enteramente sobre la idea de que Superman representa algo más que un superhéroe: es el símbolo de la esperanza eterna, de que las buenas historias nunca terminan. Cuando Superman derrota a Mandrakk, no cierra su historia con un “Fin”, sino con un “Continuará…”, dejando en claro que Superman, y especialmente esta versión cósmica, no puede terminar jamás. Ese es su sentido narrativo, e ideológico.

Ahora mete la naturaleza inconmensurable, líquida y legendaria de una historia que nunca puede acabar, esta serpiente oróboro con capa, en un dispositivo de dos horas. Y de paso, salpimenta las palomitas del público no iniciado con algo de kriptonita, ¿no? Incluso James Gunn dejó de lado el espíritu profundamente filosófico de las viñetas de Grant Morrison en All-Star Superman para su adaptación del Hombre del Mañana. ¿Qué queda, y qué está trayendo al público otra vez al cine tras el declive del primer estandarte del DCU, El hombre de acero (2013)? Superman lucha contra un kaiju. Superman tiene un Superperro. Superman se agarra a una cornisa para no caer en un agujero negro.

El Superman de Grant Morrison es tan denso que simplificarlo para meterlo en un relato de acción “comestible para todos” los públicos arruina al personaje y trata de idiota a la platea. Porque oye, ejecutivos de Warner, bien que nos tragamos dispositivos narrativos desordenados, sobrecomplicados y repelentes en las híper-taquilleras Origen (2010) o Tenet (2020). Pero parece que Christopher Nolan es cinefilia de la buena, y Superman sólo un muñeco recaudafondos con un flequillo inmejorable.

Volvamos al concepto: Super-Man o Super-Robot

Ahora pongámonos en la piel de Warner un minuto. Quitémosle el reverso metaficcional y ensayístico al personaje. Superman Cósmico, ¿qué es? Es Superman dentro de un robot gigante. Vale. ¿Y por qué? Superman es un dios, capaz de pelear contra toda criatura viviente con sus calzones rojos sin armaduras añadidas. ¿Por qué necesitaría un robot gigante? ¿Qué puede hacer un robot que él no? Vale, quizás podría ser un escudo contra la kriptonita. Pero recordemos a los aparatosos caballeros de torneo medieval.

Además: con solo el personaje, sin el aparataje narrativo de Crisis final, el sentido de la lucha se pierde. Justificar y sostener a Superman Cósmico implica por necesidad sostener todo el Limbo, este mundo infinito de ideas olvidadas, es provocar un cortocircuíto increíble con la idea de “lo opuesto a la vida”; que no es la muerte. Es un chiste de dimensiones épicas. En fin, Superman Cósmico no resulta una idea adaptable al cine, no en el sistema que está pagando las películas del Hombre de Acero. Por súper que parezca, plátano es.

¿Dónde puedo ver todas las películas y series de Superman?

Para descubrir todas las películas (y las series) disponibles en España protagonizadas por el Hombre del Mañana, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Además, puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Ser preadolescente y comenzar la educación secundaria da para muchas aventuras y descubrimientos que contar al lector infantil y juvenil. La saga de novelas ilustradas de Jeff Kinney, El diario de Greg (Diary of a Wimpy Kid en su título original en inglés) aprovecha al máximo esa premisa. Primero triunfó en varias webs de internet y luego comenzó a editarse en formato físico, a partir del 2007. En este tiempo se ha convertido en una de las sagas literarias más vendidas de todos los tiempos y, por supuesto, no podía quedarse sin tener su propia franquicia en cine. En esta lista te contamos en qué plataformas de streaming puedes encontrar todos sus títulos, tanto de animación como de acción real.

El diario de Greg (2010)

Tan solo tres años después de su lanzamiento editorial El diario de Greg ya tenía su primera película estrenada en cines. Greg Heffley tiene 12 años, acaba de comenzar a ir al instituto y detalla su día a día en un diario en el que se imagina rico y famoso. Esta película, primera de una trilogía en acción real, adapta el libro con actores de carne y hueso. El actor infantil Zachary Gordon fue el elegido para interpretar al protagonista y Cholë Grace Moretz apareció en esta primera entrega como una de las nuevas amigas de Greg justo cuando comenzó a triunfar con Kick-Ass.

El diario de Greg: La ley de Rodrick (2011)

La primera entrega de la saga resultó rentable, así que su secuela continúa la senda de los libros y adapta la segunda de sus novelas. El diario de Greg: La ley de Rodrick narra un curso más en la vida del protagonista, marcado por las faenas que le hace todo el tiempo su hermano mayor, el adolescente Rodrick. Él sabe un secreto que Greg está tratando de guardar, un vergonzoso incidente ocurrido durante las vacaciones de verano. Sus padres, Frank y Susan, intentan de todo para que se lleven bien, pero sin mucha suerte. El actor Steve Zahn regresa de nuevo para interpretar al padre de los dos chicos.

El diario de Greg: Días de perros (2012)

La tercera película de la saga se sitúa al final del curso. Greg está deseando que empiecen las vacaciones para disfrutar de su libertad. Pero esta vez su padre Frank cree que es con él con quien tiene que estrechar lazos Greg. El plan que le tiene preparado su padre es una beca no remunerada en su oficina durante todo el verano. Greg prefiere quedarse en casa jugando a videojuegos, así que urde un plan para librarse de tener a su padre pegado todo el verano. La trama de El diario de Greg: Días de perros resume el tercer y el cuarto libro de Jeff Kinney en un mismo largometraje.

Diario de Greg: Carretera y manta (2017)

Terminada la trilogía inicial, las adaptaciones de la extensa saga literaria continuaron cinco años después con una nueva entrega en acción real. Ese salto temporal obligó a cambiar el reparto al completo. Jason Drucker es el actor que interpreta al protagonista. Para los personajes de sus dos padres, Frank y Susan, Diario de Greg: Carretera y manta cuenta con dos rostros muy conocidos por los espectadores de los años 90: Alicia Silverstone y Tom Everett Scott. Esta vez, la trama gira en torno a un viaje en familia para celebrar el 90 cumpleaños de la abuela. Pero Greg y su hermano mayor Rodrick tienen un plan que se les antoja mucho más interesante: aprovechar el trayecto para acudir a una convención de videojuegos.

El diario de Greg (2021)

Como el relanzamiento de la saga en formato de acción real no tuvo mucho éxito en la taquilla, los responsables de la franquicia decidieron intentarlo con el género de animación, que se ajusta mucho más al estilo de las novelas ilustradas originales. La nueva saga vuelve a adaptar los libros de Jeff Kinney desde el principio. El diario de Greg es un mediometraje de 55 minutos que cuenta quién es su protagonista, un chico de 12 años con muchos pájaros en la cabeza que refleja en su bitácora personal. Y también establece cuál es su principal objetivo en su vida: sobrevivir a su primer año en el instituto.

El diario de Greg: La ley de Rodrick (2022)

Como en su anterior entrega, El diario de Greg: La ley de Rodrick se creó para lanzarse en la plataforma Disney + como una de sus películas originales. Se trata de la versión de animación del segundo libro (y también de la segunda película) de la saga. La trama gira de nuevo en torno a la relación antagónica entre Greg y su hermano mayor, Rodrick. Los padres de los chicos les cuentan que se van a ir durante el fin de semana con su hermano pequeño, el bebé Manny, así que los Greg y Rodrick se quedarán solos en casa. Primera reacción: montar una fiesta a espaldas de sus padres.

El diario de Greg en Navidad: Atrapados en la nieve (2023)

La tercera película animada de la franquicia se aleja del camino que había trazado la trilogía original con actores de carne y hueso. Como su nombre indica, El diario de Greg en Navidad: Atrapados en la nieve, se centra en las vacaciones invernales. De nuevo estrenada en Disney +, en esta entrega Greg está sufriendo especialmente esas vacaciones. Tras quedarse atrapado con su familia por culpa de una tormenta de nieve, al chico le preocupa no poder conseguir la nueva consola que tanto anhela, la Mega Station 9000. Además, la tormenta les deja sin electricidad, lo que hace las cosas más difíciles para toda la familia.

Dónde ver todas las películas de El diario de Greg en orden

Para descubrir más sobre todas las películas de El diario de Greg y dónde verlas, consulta la guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, edad y puntuación. ¡Asegúrate de crear tu lista de favoritos de G.I. Joe y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación en base a tus preferencias!

El estreno de la nueva visión de Superman de James Gunn vino precedida de ardientes discusiones sobre si el traje del superhéroe era mejor o peor que el de El Hombre de acero de Zack Snyder. ¿Por qué tanta importancia a un simple disfraz? Bueno, porque ese pijama azul y rojo representa algo más que tela: es un símbolo de esperanza y justicia, encarnando el lado bueno del sueño americano. Del original de Christopher Reeve al enfoque moderno de Zack Snyder, en esta lista analizamos los cinco trajes más memorables del Último Hijo de Krypton en el cine, evaluando diseño, impacto visual y cómo representan la evolución del personaje a lo largo de las décadas.

5. Traje solar de Henry Cavill – La Liga de la Justicia de Zack Snyder (2021)

Este es un desvío en el camino que resulta el hallazgo de una era concreta. Cuando Henry Cavill regresa de entre los muertos en La Liga de la Justicia de Zack Snyder, lo hace luciendo un traje completamente nuevo que abandona totalmente el color del ya algo oscuro y desaturado en El hombre de acero y Batman v Superman: el amanecer de la justicia. Se presenta con un color negro puro, un conducto de energía para que Superman recupere su fuerza tras su resurrección.

También conocido como “traje de recuperación”, además de su uso específico, se relaciona con el pasado de Superman y su conexión con Krypton, su planeta de origen, en donde—en el mundo Snyder—los trajes oscuros son comunes.

4. Traje del primer año de Tyler Hoechlin - Superman y Lois (2021)

Vale, nos salimos un momento del mundo del cine y miramos a las series, pero es por una muy buena razón. En el episodio flashback Un momento para el recuerdo entre cataclismos, Tyler Hoechlin no sólo reproduce la icónica portada de Action Comics nº 1 con Superman levantando un coche verde, sino que lleva un traje directamente inspirado en el de 1941, que también se utilizó en la serie animada de Max Fleischer.

Esta versión tiene un punto cándido, como el de los antiguos seriales, aunque incorpora ciertos elementos contemporáneos de manera sutil. En Superman y Lois, el diseño logra un equilibrio perfecto entre nostalgia y armonía visual, por su azul profundo y un rojo vibrante, la forma en la que encaja la capa y, sobre todo, su S redondita y con fondo negro en vez de amarillo. Es precioso.

3. Traje de David Corenswet - Superman (2025)

David Corenswet porta un traje que representa una vuelta a los elementos más tradicionales del personaje después de las versiones de Snyder. Busca el homenaje a la era dorada de Superman, con los colores puros que recuerdan inmediatamente a los cómics de los años 40 y 50.

Tiene el cinturón amarillo que regresa después de estar ausente en las versiones más recientes, y la capa parece tener menos peso y otra textura que la de Cavill, en general parece menos moderno y tecnológico. A diferencia del anterior, honra la iconografía clásica sin parecer anticuado, proyectando tanto la fuerza física como la bondad inherente del personaje.

2. Traje de Nicolas Cage - Flash (2023)

Probablemente el más fugaz, pero uno de los más icónicos. La aparición de Nicolas Cage como Superman en Flash (2023) es un sueño para los fans del personaje, ya que finalmente pudimos ver encarnado el proyecto—finalmente frustrado—que Tim Burton desarrolló a finales de los años 90.

El traje de Cage es una reinterpretación fascinante del diseño clásico, con un azul más oscuro y un rojo más profundo, con los detalles del emblema más angulares y estilizados y una textura del material plástica y brillante. En realidad lo que mola es verlo lleva a un Superman con greñas y con la misma cara del monstruo de Longlegs o El motorista fantasma.

1. Traje de Christopher Reeve - Superman (1978)

El traje de Christopher Reeve en Superman (1978) no fue el primero para el personaje en el cine, pero aún casi cincuenta años después es la definición misma de cómo debe lucir el Hombre de Acero. Creado por Yvonne Blake, el diseño sigue siendo el maniquí en el que se miran prácticamente todas las versiones posteriores.

La receta del éxito es la combinación perfecta de azul, rojo y amarillo, el equilibrio del emblema del pecho, la fluidez de la capa y una elegancia especial en la forma en que la tela se ajusta al físico atlético de Reeve, que parece una extensión natural del héroe, creando una silueta heróica reconocible de forma instantánea, la representación de un momento cultural definitivo que trasciende modas pasajeras, pese a que pueda resultar un tanto naif, ¿Acaso Clark Kent no lo es un poquito?

¿Dónde ver más películas de Superman?

En esta lista quedan sin mencionar otras versiones de Superman como Superman Returns de 2006, pero también las puedes descubrir, consulta la guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Si creciste jugando con los míticos muñecos articulados de G.I. Joe, sabrás que esta saga de películas es mucho más que simples historias de acción repletas de tiros y explosiones: representa una fábula de poder, heroísmo y tecnología. Su llegada al cine ha mantenido vivo su espíritu con historias llenas de adrenalina, grandes personajes y un conflicto profundo entre la libertad y la tiranía que representa Cobra.

Para facilitarte la tarea de encontrar y ver todas las películas de G.I. Joe en orden, en Justwatch hemos decido recopilarlas en este artículo, ordenándolas cronológicamente según su historia.

G.I. Joe: La película (1987)

Considerada hoy como un clásico lleno de nostalgia, G.I. Joe: La película es el colofón de la serie de animación de los años 80.  La historia nos presenta al equipo Joe, que tiene que enfrentarse a Cobra, una civilización secreta que quiere liberar unas esporas mutantes que pueden convertir a toda la humanidad en criaturas esclavas. 

En el film aparecen los héroes icónicos Duke, Flint o Roadblock, y se incluyen nuevos personajes como el malvado Nemesis Enforcer o el comandante Serpentor.

G.I. Joe: Tropas de espías (2003)

Más de quince años después, Hasbro relanzó la marca con G.I, Joe: Tropas de espías, un film de animación que buscaba secundar el nuevo relanzamiento de las figuras de acción.

En este caso la trama gira alrededor de una misión de infiltración: Cobra planea robar tecnología avanzada para desarrollar un arma de destrucción masiva, mientras los Joe tienen que impedirlo a través de un arriesgado plan de espionaje y contraespionaje. 

Si bien el recurso de animación no ha envejecido muy bien, la película destaca por recuperar a personajes míticos y ofrecer un gran catálogo de gadgets, batallas y traiciones.

G.I. Joe: Valor vs. Venom (2004)

Esta película funciona como secuela directa de Tropas de espías, y lleva la saga de animación a un nuevo nivel de locura. 

En G.I. Joe: Valor vs. Venom, Cobra desarrolla un suero que transforma a sus soldados en supersoldados híbridos que poseen ADN animal, lo que obliga al equipo Joe a emplear toda su tecnología y astucia para frenar el plan.

Aunque sus recursos de animación continúan siendo algo limitados, su trama mantiene el encanto de las historias sencillas de villanos contra héroes, y es un largometraje ideal para los más nostálgicos.

G.I. Joe (2009)

La primera adaptación en acción real fue G.I. Joe, que planteó un reboot cinematográfico que cambiaba los orígenes de los Joe. 

La historia muestra cómo Duke y Ripcord se unen a la organización internacional para echar por tierra un plan de Cobra que tiene armas nanotecnológicas que pueden arrasar ciudades enteras. 

El film tiene explosiones imposibles, persecuciones trepidantes y personajes carismáticos como Snake Eyes o la Baronesa. No obstante, la película presenta las bases del universo de acción real que se expandiría más adelante.

G.I. Joe: La venganza (2013)

Esta secuela directa de G.I. Joe apuesta por un tono más oscuro y dramático. G.I. Joe: La venganza incorpora a Dwayne Johnson (Roadblock) y Bruce Willis (General Joe Colton) como nuevos integrantes estrella del elenco. 

En el film, Cobra logra infiltrarse en el gobierno de Estados Unidos, eliminando de esta forma a todos los Joe en un ataque inesperado. Tan solo un grupo de supervivientes resiste para reorganizarse y salvar al planeta. 

Es una de las películas de Dwayne Johnson más destacadas en su filmografía.

Snake Eyes: El origen (2021)

Llegamos a este spin-off que se centra en el icónico ninja silencioso que busca explicar su historia de fondo. En Snake Eyes: El origen, tras salvar a un joven heredero de un clan japonés, Snake Eyes es acogido y entrenado en artes marciales ancestrales, al tiempo que Cobra comienza a amenazar su nuevo mundo. 

En este caso la historia se aleja un poco de las tradicionales guerras globales para profundizar en las rivalidades personales, resaltando la relación entre los personajes de Snake Eyes y Storm Shadow. 

G.I. Joe: Ever Vigilant (Próximamente)

Si bien es cierto que aún no se sabe cuándo se estrenará, G.I. Joe: Ever Vigilant está confirmada y ya cuenta con Josh Appelbaum (Heads of State) y André Nemec (Tortugas Ninja) firmados como coguionistas a bordo del proyecto.

Aunque no se conoce en profundidad el argumento, el objetivo del equipo a cargo es devolver al equipo al centro de la acción con una historia que reúna a los personajes clásicos para enfrentar una nueva amenaza global..

¿Dónde puedo encontrar online todas las películas G.I. Joe?

Para descubrir más sobre todas las películas de la franquicia G.I. Joe y dónde verlas, consulta la guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, edad y puntuación. ¡Asegúrate de crear tu lista de favoritos de G.I. Joe y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación en base a tus preferencias!

El miedo irracional a los payasos se llama coulrofobia y probablemente tuvo mucho que ver a que este miedo se extendiera por todo el mundo tanto Stephen King como las sucesivas adaptaciones que se han hecho de una de sus novelas: IT, protagonizada por el terrorífico Pennywise.

En 1986, el escritor lanzó un libro en el que siete chicos son aterrorizados por un diabólico payaso que primero atrae a sus víctimas con su colorida y divertida apariencia y que explota sus miedos y fobias. Muy poco después, la historia llegó a las pantallas y desde entonces Pennywise ha sido todo un referente en el género tanto en el cine como en la televisión.

IT (1990)

La primera vez que se adaptó la famosa novela de Stephen King fue en 1990. Ocurrió en forma de miniserie de unas tres horas de duración que resume lo que ocurre en las más de 1.000 páginas creadas por el escritor.

La historia de It, la miniserie es tal como en la novela: un asesino depredador interdimensional que puede transformarse en lo que quiere adopta la figura del payaso para atraer a sus víctimas, principalmente niños. Varios actores célebres participaron en esta versión para la cadena ABC. Uno de ellos es el rey de las sitcoms en ese momento, John Ritter. El otro, Tim Curry, ya famoso por su aparición en The Rocky Horror Picture Show, interpreta al terrorífico antagonista Pennywise.

IT (2017)

A nadie se le escapa las semejanzas entre este relato de Stephen King y Stranger Things. En ambos casos hay un grupo de niños combatiendo contra una fuerza maligna de otra dimensión en una historia retro. Por eso, tras el enorme éxito global de la serie de Netflix, se revivió la historia de IT en 2017, incluyendo incluso a alguno de los niños de Stranger Things en su reparto. Se trata de Finn Wolfhard, que interpreta a Mike en la serie y a uno de los chicos protagonistas de esta película ambientada en los años ochenta,

Esta vez, el encargado de encarnar al tétrico payaso Pennywise es Bill Skarsgård, uno de los muchos hijos actores del sueco Stellan Skarsgård, una de las grandes estrellas del cine europeo.

IT: Capítulo 2 (2019)

El regreso a los cines de la novela de terror de 2017 estuvo pensada desde el principio como una narración en dos partes. IT: Capítulo 2 llegó dos años después de que la primera parte arrasara en taquilla. De hecho, se convirtió en la película de terror más exitosa de la historia, desbancando a El sexto sentido.

Esta secuela retoma la historia 27 años después. Los chicos que sobrevivieron al payaso diabólico han crecido y se han mudado, pero se ven obligados a regresar a Derry. Bill Skarsgård vuelve a ser Pennywise y esta vez está acompañado de grandes estrellas del cine como James McAvoy y Jessica Chastain. 

IT: Bienvenidos a Derry (2025)

La forma de prolongar la franquicia llega en forma de precuela de la película de 2017, ambientada esta vez en los años sesenta para explorar los orígenes de su famoso antagonista, Pennywise, de nuevo interpretado por Bill Skarsgård.

It: Bienvenidos a Derry se sitúa de nuevo en el ficticio pueblo estadounidense situado en el estado de Maine que inventó Stephen King para esta novela. Y para algunos otros de sus libros y relatos cortos.

Esta primera temporada de la serie cuenta con nueve episodios y sus responsables son los mismos que los de la reciente duología cinematográfica: Andy Muschietti, Barbara Muschietti y Jason Fuchs.

Dónde ver todas las series y películas de IT de Stephen King en orden

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¿Qué veo si no quiero que termine el febril sueño pop de Las guerreras k-pop (2025)? En Justwatch queremos ayudarte y, por ello, la respuesta más directa la encontrarás en cualquiera de nuestras guías a las series de K-Drama. Porque sí, amiga, el tono y la trama de la película de Chris Appelhans y Maggie Kang son de pura serie K-Drama. Ahora, si sólo tienes dos horas para disponer o quieres descubrir una nueva faceta del cine, atiende amiga. Aquí van cinco películas que te llevarán de vuelta a las aventuras coloridas de las superguerreras y superestrellas del k-pop, las HUNTR/X Rumi, Mira y Zoey. Canciones pegadizas, ritmo de shonen y unos visuales de rechupete.

Spider-Man: un nuevo universo (2018)

La primera es también la más evidente. El tándem de directores ha citado a Spider-Man: un nuevo universo (2018) como referente inmediato por combinar a la perfección varios estilos de animación, casi grafiteando un mundo hecho en 3D que, aun así, se siente más cercano al 2D con low poly que al hiperrealismo de Pixar. En fin, un lujazo de espectáculo pirotécnico-visual. Además, Miles Morales (Shameik Moore) y las otras versiones alternas de Spidey son una banda con tanto que enseñar a un mundo que muy a menudo se toma sus propias normas demasiado en serio. Todo ello sin renunciar, claro, al poso emocional de esta historia sobre la pertenencia y la maduración.

Nimona (2023)

Nimona (2023) fue salvada de la cancelación por la comunidad, hasta erigirse como el éxito más inesperado de Netflix. Estrenada en 2023, esta fantasía adapta el webcómic y la novela gráfica de ND Stevenson, un giro irreverente y con potencial queer a los cuentos de hadas tradicionales. En esta fábula, Ballister Corazónvaliente (Riz Ahmed) es un aprendiz de caballero, tras ser acusado injustamente, se ve obligado a huir acompañado de Nimona (Chloë Grace Moretz), una cambiapieles caótica e impredecible. Juntos intentarán limpiar su nombre, en una épica punk, vibrante y sin miedo a la lagrimilla.

Red (2022)

Si conocéis a Dome Shi por Elio (2025) o el corto Bao (2018), borradla de vuestras cabezas. La Dome Shi de Red (2022) es tan emotiva, pero tiene muchísimo más carácter. Mei Lee es una nerd empollona que se debate entre cumplir con las expectativas de su sobreprotectora madre y dejarse llevar por el mundo loco de sus amigas mientras lidia con La Adolescencia (así, en mayúsculas). Porque como si esa etapa no fuera ya lo bastante complicada, Mei descubre que, al vivir emociones intensas, se transforma en un enorme panda rojo. Todes sabéis de qué hablo. Mucho corazón, mucho brillo y una buena dosis de Kpop de parte de la eléctrica boyband 4TOWN*.

Los Mitchell contra las máquinas (2021)

Otra opción de animación bien resultona para ver dentro del catálogo de Netflix es Los Mitchell contra las máquinas (2021). Como en Las guerreras k-pop, en esta película de Sony abundan las carotas exageradas y los cambios espitados de tono, también un humor bien dado al descaro. Por lo demás, la de Michael Rianda y Jeff Rowe es una película que apela sin sorpresas ni escarnio a todos los públicos. Ambientada en medio de un apocalipsis robótico, los Mitchell tratan de llevar a su hija mayor a la universidad, pero terminan convirtiéndose, de forma accidental, en la única esperanza para salvar al mundo de una rebelión de robots. Un miércoles cualquiera en la rutina de una familia ¿disfuncional?

Belle (2021)

Hace cuatro años, el cineasta japonés Mamoru Hosoda nos arrancó un resquicio de emoción con Belle (2021), una excelente película que ver para fans de Las guerreras k-pop y del anime en general (en realidad, recomendaríamos todo lo que ha estrenado Hosoda, desde La chica que saltaba a través del tiempo a Mirai, mi hermana pequeña). Se trata de una versión sci-fi del clásico cuento de La Bella y la Bestia en donde Suzu, una estudiante de instituto que perdió a su madre de pequeña y, con ella, su voz, debe reconectar con el mundo a través de una interfaz tecnológica bastante mágica. Ideal para abrir el apetito de cara a la nueva de Hosoda, Scarlet (2025).

¿Dónde puedo ver más películas parecidas a ‘Las guerreras k-pop’?

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Cloud. Squall. Lightning. Estos personajes son hoy día iconos culturales. Cuando no queda nada para que Square Enix lance Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles, es posible que querráis actualizar vuestro bagaje alrededor de esta mítica saga de videojuegos. Y para ello no hay que coger necesariamente un mando. Esta guía repasa todas las películas y series de Final Fantasy disponibles en España hasta la fecha. Las encontraréis por orden de estreno, ya que el único denominador común entre tanta adaptación es el cambio de línea cronológica y de universo. En fin, que el orden resulta bastante aleatorio.

Final Fantasy: La leyenda de los cristales (1994)

Esta serie fue el primer intento de llevar la franquicia Final Fantasy al anime. Final Fantasy: La leyenda de los cristales (1994) está ambientada en el mundo de Final Fantasy V, 200 años después de los acontecimientos del juego. En esta historia, tres de los cuatro cristales elementales han sido robados, y Mid (uno de los pocos y mejores personajes recurrentes de la saga) envía a los nuevos protagonistas, Prettz y Linaly, a enfrentarse al malvado Deathgyunos. Y es una lástima, porque aunque al estrenarse recibiera una acogida templada, La leyenda de los cristales ha envejecido como una adaptación menor dentro de una franquicia tan querida.

Final fantasy: La fuerza interior (2001)

La siguiente adaptación de Final Fantasy resulta un tanto peculiar, incluso para una saga donde existe una raza de cocinitas (los Qu, ¿recordáis?) y donde peleas contra casas animadas. Final fantasy: La fuerza interior (2001) es una película de animación fotorrealista estrenada en 2001, con un reparto de lujo: Ming-Na Wen, Alec Baldwin, Donald Sutherland y Steve Buscemi. Ellos, o por lo menos su versión en el valle inquietante. En aquel momento, la película fue bastante comentada por sus innovadores efectos visuales, aunque su conexión con el resto del universo Final Fantasy fuera, digamos, débil. Por desgracia para sus creadores, La fuerza interior también terminó convirtiéndose en uno de los fracasos de taquilla más recordados, lo que llevó al cierre definitivo de Square Pictures, la productora de cine de Square Enix.

Final Fantasy VII: Advent Children (2005)

Final Fantasy VII: Advent Children (2005) es la secuela directa del legendario juego de 1997, ambientada dos años después de la caída de Sephiroth. Funciona como un epílogo a parte, cuando Cloud se ve obligado a rescatar a un grupo de niños secuestrados y enfermos de Geostigma, una extraña dolencia que también empieza a afectarlo. Aunque la película es célebre por su absoluta falta de explicaciones (de hecho, se dice que sólo quienes jugaron Final Fantasy VII de principio a fin logran seguirla del todo), sus espectaculares escenas de acción y su apartado visual la han protegido del tiempo, incluso dos décadas después.

Kingsglaive: Final Fantasy XV (2016)

Cuando llegó Final Fantasy XV, Square Enix tuvo que festejarlo a la altura. Eso involucró algunos experimentos, como la miniserie Brotherhood: Final Fantasy XV y la película Kingsglaive: Final Fantasy XV (2016), esta última ambientada al mismo tiempo que el inicio del juego. Se centra en Regis Lucis Caelum CXIII, rey de Lucis y padre de Noctis, protagonista del FFXV, en su intento de hacer las paces con el imperio invasor de Niflheim. El reparto del doblaje en inglés también incluye grandes nombres, como Sean Bean, Lena Headey y Aaron Paul. Que su guion no estuviera a la altura del juego al que acompañaba y su mala representación femenina acabaron lastrando su legado, pero como canapé audiovisual no le podemos rebatir nada.

Brotherhood: Final Fantasy XV (2016)

El otro experimento para el reinicio de la saga en 2016. La miniserie, de cinco episodios, explica cómo Noctis conoció a Prompto, Gladiolus e Ignis, y nos devuelve a un lugar particularmente relevante de su infancia, en un tiempo en que el reino de Lucis, guardián del Cristal mágico, había estado en guerra con el imperio futurista de Niflheim. Luego hay complots y traiciones. Brotherhood: Final Fantasy XV (2016) tuvo una buena acogida en general, especialmente en comparación con otras películas y series de Final Fantasy, aunque tampoco creo que lo disfrutes a menos que hayas jugado a FFXV. ¿Una maravillosa recomendación sólo para muy cafeteros?

Final Fantasy XIV: Dad of Light (2017)

Nostalgia y pañuelos de papel: a diferencia del resto de películas y series de esta lista, Final Fantasy XIV: Dad of Light (2017) se ambienta en el mundo real, no en un mundo de fantasía, o por lo menos no en su mayor parte. Cuenta una historia bastante tierna sobre un joven que usa esta franquicia para reconectar con su distante padre, jubilado. Inspirada en una entrada de blog escrita por un jugador real de FFXIV, quizás te hurgue el lacrimal. Es bastante encantadora, a menos que tengas graves daddy issues.

¿Dónde puedo ver todas las series y películas de ‘Final Fantasy’?

En esta lista, nos hemos dejado algunos títulos también icónicos, como Final Fantasy: Unlimited (2001) o Final Fantasy VII: Last Order (2005), o Brave Father Online - Our Story of Final Fantasy XIV (2019), que no están disponibles en España. Para descubrir todas las series y películas de Final Fantasy que sí puedes ver, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Hay películas y series que volvemos a ver una y otra vez no solo por la historia o los personajes, sino por su música. A veces, una banda ficticia puede tener tanto magnetismo que acaba siendo el verdadero corazón de la historia. Ya nos conocemos de memoria esta situación: aprendemos sus canciones, buscamos la banda sonora, y soñamos con verlos un día en un escenario real. Por eso, en este artículo repasamos 10 bandas falsas del cine y la televisión que nos hicieron desear que existieran de verdad. Además, te contamos dónde puedes ver cada título en plataformas de streaming desde España. ¡Sube el volumen que empieza el show!

School of Rock (2003)

Una de nuestras favoritas en esta lista, es la banda ficticia School of Rock perteneciente a la película que lleva el mismo nombre y supo ganarse nuestro corazón desde su estreno en 2003. La historia sigue a Dewey Finn, un guitarrista sin rumbo que acaba de ser expulsado de su banda y se hace pasar por profesor suplente en una escuela de élite. Al descubrir el talento musical de sus pequeños alumnos, decide formar con ellos una banda secreta para competir en una batalla de rock. 

La película nos ha dado un Jack Black con su característica energía desbordante, canciones muy pegadizas como 'Teacher’s Pet’ y una historia sobre una banda ficticia tan cautivadora que terminó dando el salto fuera de la pantalla a los escenarios de Broadway como musical. 

That thing you do! (1996)

Esta película, joya inspirada en el pop de los años 60,  fue la ópera prima de Tom Hanks como director y con ella nos regaló a una banda ficticia que se siente tan real como cualquier grupo clásico de la época. The Wonders es un grupo de jóvenes de Pennsylvania que, casi por accidente, componen una canción pegadiza que los lanza a un estrellato efímero. 

Con integrantes estilosos, armonías vocales y un hit titulado That thing you do!, esta banda es atrapante y su música tiene ese ritmo que podrías jurar haber escuchado en una recopilación de los 60. ¿A quién no le gustaría escuchar a The Wonders en vivo?

Almost Famous (2000)

Casi famosos es sencillamente una carta de amor al rock de los años 70. Esta película dirigida por Cameron Crowe, está basada en sus propias experiencias como joven periodista musical para Rolling Stone. La historia sigue a William, un adolescente apasionado por la música que es enviado a cubrir la gira de Stillwater, una banda ficticia en pleno ascenso, compuesta por un grupo al que le sobra carisma y también drama. El gran hit de la banda se llama ‘Fever Dog’ y suena como si saliera directo de un vinilo de la época, con guitarras rugientes y actitud rockera. 

La película Casi Famosos tiene una gran banda sonora, un vestuario envidiable, y un elenco que transmite a la perfección  ese momento mágico en el que el rock aún parecía puro, peligroso y profundamente humano. 

Parks and Recreation (2009)

No solo el cine nos ha dado bandas ficticias memorables, la televisión también ha aportado joyas como Mouse Rat, el grupo liderado por Andy Dwyer en el show Parks and Recreation. La serie sigue el día a día del departamento de parques de la ciudad ficticia de Pawnee y entre planes urbanísticos y caos burocrático, Mouse Rat se convierte en el alma musical del pueblo.

La banda cambia de nombre casi tanto como de repertorio, pero siempre vuelve a esa esencia que la caracteriza con himnos indie-rock de espíritu amateur. Temas como ‘The Pit’ o el emotivo ‘5000 Candles in the Wind’ dedicado a un caballo local fallecido, han pasado de chiste interno a canciones que amamos escuchar. Una banda inolvidable, aunque ellos aún no decidan bien cómo llamarse.

Daisy Jones & the Six (2023)

Esta miniserie, narrada en formato de falso documental, está inspirada libremente en la historia de Fleetwood Mac y sigue el ascenso y la ruptura de una banda de rock ficticia en los años 70. En el centro de todo están Daisy, una cantante rebelde e impredecible, y Billy, el perfeccionista líder de The Six. La tensión creativa (y emocional) entre ambos da origen a Daisy Jones & The Six, una banda tan bien construida que terminó publicando un álbum real: Aurora, que los fans seguimos escuchando en bucle como si fuera un clásico de la época. 

Esta banda nos fascina por su colección de canciones originales, entre ellas ‘Look at Us Now’, que cierra la serie con una mezcla perfecta de épica y melancolía, y confirma lo que ya pensábamos: ojalá esta banda existiera de verdad.

This Is Spinal Tap (1984)

Si hablamos de grupos musicales salidos de la gran pantalla, Spinal Tap es la banda ficticia por excelencia. Si bien nació como una parodia del hard rock y el heavy metal británico de los 70 y 80,  terminó convirtiéndose en un fenómeno de culto y también inspiración para bandas reales. La película This Is Spinal Tap está dirigida por Rob Reiner (El lobo de Wall Street) y funciona como un falso documental en el que siguen a la banda a lo largo de una desastrosa gira por Estados Unidos, repleta de fallos técnicos, egos inflados y bateristas que mueren en circunstancias cada vez más absurdas. Spinal Tap nos atrapó con temas como ‘Tonight I'm Gonna Rock You Tonight’ o ‘Big Bottom’ y diversión de principio a fin. 

Josie and the Pussycats (2001)

Si hablamos de comedias y temas pegadizos, Josie and the Pussycats es una banda que no puede faltar en esta lista. La película está basada en un cómic y serie animada de los años 70, pero adaptada a un estilo pop Y2K. La historia satiriza a la perfección y con inteligencia, el mundo de la industria musical y el marketing adolescente. El grupo ficticio está compuesto por tres chicas de un pequeño pueblo que forman una banda de garage pop y que de la noche a la mañana se convierten en el grupo más famoso del planeta. 

Con canciones originales tan pegajosas como ‘Pretend to Be Nice’, Josie and the Pussycats tiene uno de los mejores discos pop que ha salido de una banda ficticia. 

The Story of Fire Saga (2020)

En esta comedia que parodia con cariño el universo de Eurovisión, Will Ferrell y Rachel McAdams interpretan a Lars y Sigrit, dos músicos islandeses con el sueño de representar a su país y ganar. Contra todo pronóstico (y con muchas situaciones absurdamente graciosas), su dúo Fire Saga se abre paso hasta la etapa final para cantar en el escenario más espectacular del pop europeo. 

Esta banda ficticia se roba el show con temas originales como ‘Double Trouble’ y especialmente ‘Húsavík’, una balada tan emotiva que logró una nominación al Oscar. Adoramos The Story of Fire Saga porque es una de esas joyas que siempre te levantan el ánimo y nos recuerda que soñar en grande nunca pasa de moda.

The blues brothers (1980)

No muchas personas saben que The Blues Brothers comenzó como un sketch musical en Saturday Night Live y se convirtió en una de las bandas ficticias más icónicas del cine. La película sigue a los hermanos Jake y Elwood Blues en una misión divina para salvar el orfanato donde crecieron, reuniendo a su antigua banda mientras huyen de policías, nazis de Illinois y media ciudad de Chicago.

Recomendamos esta historia por sus versiones impecables de clásicos del soul, sus cameos legendarios y un ritmo que no afloja. Además The Blues Brothers demostró que se puede trascender la gran pantalla y llegaron a tocar en vivo, grabar discos y llenar estadios. 

Adventure Time (2010)

En esta lista no podía faltar una banda ficticia animada, por eso elegimos a Marceline and the Scream Queens del universo surrealista de Adventure Time para cerrar nuestro compilado. Marceline Abadeer es más que una vampira, es bajista, cantante, compositora y posiblemente el alma más sensible de toda la Tierra de Ooo. A lo largo del show, interpreta varias canciones originales que mezclan humor, nostalgia y confesiones.

Marceline  es la vocalista del sueño emo-pop que no sabíamos que necesitábamos, con su voz grave, su bajo en forma de hacha y letras como ‘I’m Just Your Problem’ o ‘Everything Stays’ nos ha atrapado y nos ha dado también una  excusa para volver a ver los divertidos episodios de la serie.

Dónde ver todas estas bandas ficticias en streaming

Con la guía de JustWatch, puedes descubrir fácilmente en qué plataformas están disponibles estas películas y series con bandas ficticias inolvidables, para ver en línea desde España. Además, puedes filtrar tu búsqueda por género, precio, clasificación por edad o puntuación, y así encontrar la opción perfecta para tu próxima maratón musical desde el sofá.

La saga Fundación de Isaac Asimov no solo es un hito que revolucionó la ciencia ficción literaria, sino que también ha servido como fuente de inspiración para algunas ficciones audiovisuales que han marcado época y creado legados que, a su vez, han sido absolutamente influyentes en el cine y la televisión. Desde la space opera hasta los dramas políticos futuristas, el legado de Asimov puede rastrearse en producciones que han marcado a más de una generación de espectadores. Esta lista de JustWatch busca descubrir esas conexiones ocultas y a encontrar dónde ver estos títulos en las plataformas de streaming disponibles.

1. Fundación (2021)

Vale, esta es trampa, la adaptación oficial de la obra levantada por Apple TV+ no está influenciada por ella, sino que la adapta, aunque se toma libertades considerables con el material original. Lo bueno es que mantiene todos los temas centrales del Imperio Galáctico en decadencia, la psicohistoria como ciencia predictiva, y la Fundación como último bastión del conocimiento humano. David S. Goyer aborda la mitología de Asimov con vocación para un público amplio, quizá para que sus elementos visuales encajen con las décadas de influencia a otros, aunque su lógica científica sigue sin ser equiparable ni siquiera en esta serie.

2. Star Wars (1977)

George Lucas nunca ha ocultado sus influencias, y su admiración por la obra de Isaac Asimov, y ha dejado huella en Star Wars, desde el surgimiento de la Rebelión a la caída del Imperio Galáctico, amigo de la decadencia del Imperio en Fundación. Hay algo de Hari Seldon en la figura de Obi-Wan Kenobi, ambos guardianes de conocimientos antiguos, mientras que la psicohistoria se transforma en la Fuerza como elemento místico que guía el destino galáctico. Por no hablar de cómo Hober Mallow se adelanta a la figura de Han Solo. La tecnología avanzada coexistiendo con la barbarie, con la construcción de artefactos gigantes con poder destructivo, son reflejos de una saga que abarca décadas y diferentes linajes familiares.

3. Dune (2021)

Denis Villeneuve ha reconocido abiertamente que Fundación influyó en su visión de Dune, aunque hay que destacar que la novela de Frank Herbert ya bebía de la misma fuente. La película presenta un imperio galáctico en declive, casas nobles que manejan el poder político, y la presciencia—la capacidad de ver el futuro—como elemento clave de la trama. Paul Atreides, como Hari Seldon, tiene capacidades psicológicas que enfoca como vacuna para librar a la humanidad de su propia destrucción, aunque los elementos más abstractos que unen las dos obras no aparecerán hasta algunas entregas posteriores. Pero la política intergaláctica, la manipulación de las masas a través de la religión, y la arquitectura monumental, evoca un sentimiento de grandeza temporal que Asimov plasmó en sus descripciones del Imperio Galáctico.

4. Battlestar Galactica (2004)

La reimaginación de Ronald D. Moore de Battlestar Galactica imaginaba una vía de la supervivencia de la civilización humana no demasiado lejana al tema central en Fundación. La serie presenta a una humanidad al borde de la extinción, que no solo busca un nuevo hogar, sino que debe preservar su conocimiento y cultura mientras los Cylons, como las crisis que amenazan al Imperio en las novelas de Asimov, son la fuerza que puede destruir radicalmente la sociedad que conocemos. La búsqueda de la Tierra no es muy diferente de la búsqueda de la Segunda Fundación, y se incluyen debates sobre democracia y supervivencia de la civilización que parecen haber tomado buena nota de las preocupaciones filosóficas del escritor sobre nuestras posibilidades de futuro.

5. Blade Runner 2049 (2017)

Mira que es culterano Denis Villeneuve que, estando metido en el mundo de Philip K. Dick, fue desperdigando elementos de Fundación aquí y allá en la secuela de Blade Runner. Después de todo, son mundos donde la memoria artificial, preservación del conocimiento, y la manipulación de la historia están a la orden del día. Además, Blade Runner 2049 presenta una sociedad en declive donde la tecnología avanzada coexiste con una decadencia urbana no tan alejada a la descripción de Asimov de un reino Galáctico en sus últimas etapas, con puntos en común como esos pequeños grupos que trabajan en secreto al estilo de la Segunda Fundación y sus maquinaciones.

6. La Guía del autoestopista galáctico (2005)

Las historias de ciencia ficción menos serias tampoco se libran de la alargada sombra de las patillas de Asimov. La Guía del autoestopista galáctico, adaptada también a serie, tenía una Enciclopedia Galáctica, clara referencia a la enciclopedia de la Fundación. Aquí es un libro respetable y caro que no se vende tan bien como la Guía, mientras que en Fundación es una guía de referencia para todo el conocimiento adquirido por el Imperio Galáctico, y aparece en cada libro de la saga a modo de capítulos, aunque más adelante se revela más tarde como un fraude cuando Seldon se entera de que la Enciclopedia sólo existe para ser completada y que nadie utiliza realmente los conocimientos que se han registrado en ella.

7. The Expanse (2015)

James S.A. Corey (pseudónimo de Daniel Abraham y Ty Franck) creó The Expanse como una actualización de los temas de Fundación para el siglo XXI. Recapitulemos. La serie tiene un sistema solar colonizado con diferentes facciones representadas por la Tierra, Marte y los Cinturianos, que tienen a bien reflejar las dinámicas políticas del Imperio Galáctico de Asimov. Además, introduce la tecnología de la protomolecula, un elemento disruptivo similar a las crisis que amenazan la estabilidad en Fundación. Política a gran escala, decisiones con consecuencias que se notan por generaciones y fuerzas históricas más grandes que personajes que solo pueden influir en los eventos ocasionalmente.

8. Guardianes de la galaxia (2014)

Sí, el éxito de James Gunn también deja muestras de la influencia de Fundación. La versión del universo Marvel cósmico de Guardianes de la galaxia presenta una galaxia donde antiguas civilizaciones han dejado tecnología y conocimiento que pueden ser redescubiertos por nuevas generaciones y los Guardianes son iguales a esos pequeños grupos que influyen en el destino galáctico, aunque se presenten con la sensibilidad contemporánea del cine de superhéroes. Pero ojo, Hober Mallow, maestro comerciante y el capitán de la nave Estrella Lejana es también una especie de proto StarLord, una figura que ha influenciado otras ficciones que perfilan la obra de Gunn, como Firefly.

Dónde ver más películas y series inspiradas en 'Fundación'

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La franquicia surgida con Depredador lleva décadas mostrándonos algunos de los cazadores más letales del universo. Desde la selva de Guatemala hasta las tierras baldías futuristas, estos guerreros extraterrestres han usado a la humanidad como campo de pruebas para su cultura de caza. Depredador: Asesino de Asesinos (2025) parece haber presentado finalmente al antagonista definitivo de la franquicia, en una antología que muestra el poder de un nuevo depredador en diferentes arcos temporales.

A través de JustWatch, exploraremos si en toda la evolución de estos cazadores cósmicos ha habido una amenaza mayor que la de la última entrega, donde la saga ha dado un paso radical hacia adelante. Comprobemos si realmente es el más formidable de toda la serie.

La evolución Yautja

Predator: Asesino de asesinos presenta a tres de los guerreros más feroces de la historia de la humanidad; una guerrera vikinga, un ninja del Japón feudal y un piloto de la Segunda Guerra Mundial se enfrentan a un Yautja con habilidades y metodología algo distinta en sus típicos códigos de honor y reglas, con una eficiencia y brutalidad que lo muestra más despiadado, quizá por ser la primera película animada de la serie, lo que significa que puede desplegar todo su potencial sin las limitaciones presupuestarias que podrían haber restringido representaciones anteriores.

El Yautja original de Depredador (1987) estableció el estándar de un cazador tecnológicamente avanzado con camuflaje óptico, visión térmica y un arsenal de armas rarísimas y letales, además de ser musculoso, ágil y aterrador. Tiene rastas negras y una cara que parece un cangrejo enfadado. Las espinas y púas similares a pelos a lo largo de su torso le hacen más temible,  pero su encuentro con Arnold Schwarzenegger demostró que podía ser superado por la astucia humana.

Depredador 2 (1990) introdujo al City Hunter, un cazador urbano que operaba en Los Ángeles, quizá más agresivo y bestia que su predecesor, pero con las mismas reglas básicas, más o menos como los de Alien vs. Predator (2004), que mostraron diferentes niveles de experiencia, desde novatos a veteranos, pero el “héroe” que se enfrenta a los aliens era bastante astuto, el Predalien de AvP: Requiem (2008) tenía muy buena pinta, pero tampoco era tan peligroso. El Berserker Predator de Predators (2010) fue un salto significativo en términos de poder. Más grande y jerárquico que los cazadores tradicionales, este Super Predator tiene una estructura facial más ancha y un aspecto más terrorífico, que complementa con una mandíbula de hueso real en su casco.

Tipos gigantescos: el camino hacia el cazador supremo

El Upgrade Predator de The Predator (2018) es otra especie muy diferente debido a la manipulación genética, representando una hibridación con una altura de 3,30 metros, una fuerza descomunal y una resistencia mejorada. Su armadura biológica se integraba perfectamente con su fisiología y le hace aún más peligroso, tanto que estaba creado para buscar a otros Yautja fugitivos, a los que es capaz de decapitar a manos peladas. Hasta este momento era el bicho más mostrenco de la saga, pero aún estaban por llegar varias entregas más.

El cazador de Predator: La presa (2023) fue llamado el predator feral, de aspecto más primitivo y capaz de adaptarse a un entorno más seco y hostil; era mucho más grotesco, pero no necesariamente más poderoso, o al menos no tanto como los de Predator: Asesino de asesinos, donde tenemos varias clases, a cada cual más bestia. El Depredador Vikingo hace que el cazador de la jungla parezca su primo menor, con unos 2’7 o 3 metros de altura, es tremendamente voluminoso, de coloración gris carbón y una gran cresta en la cabeza, sin embargo parece una especie de gigantismo de la misma especie de siempre.

También conocemos al cazador ninja, más elegante y estiloso con piel parduzca con rayas similares a las de un tigre, más delgado y ágil pero solo con dos mandíbulas inferiores más desarrolladas. Es un tipo de asesino silencioso, un nuevo tipo o una subespecie estilizada que sugiere una mejora al menos en determinados ambientes. El depredador piloto no tiene rastas, pero parece de una raza estándar salvo por sus grandes espinas, que sugieren una mutación, aunque su mayor poder es su capacidad para llevar una nave de guerra, lo que le confiere alto poder destructivo.

El monstruo definitivo de la saga

El apodado Rey Grengel es lo más cercano a un monarca yautja que hayamos conocido. Con tres metros y medio de altura, y una constitución de pared, es el típico cazador voluminoso pero que además tiene mucha velocidad. Sus ojos de color rojo le dan un aire infernal, pero lo que más sorprende es su armadura, que parece estar hecha de lo que podemos suponer que son huesos de xenomorfo, incluyendo una caja torácica de una reina. Se discute si es un verdadero rey de los depredadores, un usurpador del trono o un gobernante de una facción rival, pero lo que está claro es que es el más grande y poderoso que hayamos visto en las películas hasta ahora.

No contamos la bestia, que es otra de las mascotas que hemos visto en otras películas, solo que con un su crecimiento mayor, y aunque no es un yautja, su apariencia revela que presumiblemente provenga de su mundo natal, o esté relacionada con ellos de alguna manera. Todas estas novedades establecen nuevos estándares de poder, brutalidad y eficiencia que seguramente veamos en las nuevas películas de Predator, incluyendo Predator: Badlands, en la que veremos a otro cazador aliarse con un androide del universo Alien, por lo que el crossover que se viene puede ser épico.

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Con el lanzamiento de la nueva película de Superman dirigida por James Gunn y protagonizada por David Corenswet, Rachel Brosnahan da un gran paso al personificar a la mítica Lois Lane, un papel que promete marcar un antes y un después en su carrera. Pero para muchos cinéfilos, su talento ya venía brillando desde hace años y este es un merecido clímax en su trayectoria como actriz. Dueña de una presencia magnética, un estilo atemporal y una gran versatilidad, Brosnahan ha sabido moverse con soltura entre géneros como la comedia, el drama y el suspenso. Si quieres ver más de su repertorio y apreciar su talento en la pantalla, aquí repasamos sus películas y series más destacadas. Además encontrarás dónde ver cada una de ellas en los servicios de streaming desde España.

The Marvelous Mrs. Maisel (2017)

Con cinco temporadas brillantes y una impecable dirección artística, The Marvelous Mrs. Maisel se convirtió en una de las series más celebradas de la última década. En este show de Prime Video, Brosnahan brilla como Miriam Maisel, una ama de casa neoyorquina de los años 50 que descubre un talento inesperado para la comedia stand-up. Con una mezcla de humor afilado y ternura la serie se ganó al público y Rachel supo demostrar su capacidad para sostener un papel protagónico complejo pero profundamente humano. Fue tan significativa esta experiencia para su carrera, que incluso ganó un Emmy y un Globo de Oro por su interpretación.

House of Cards (2013)

Muchos conocieron a Rachel Brosnahan por su papel en The Marvelous Mrs. Maisel, pero ya tiempo antes había actuado en una galardonada serie, sin embargo en un papel secundario. En el drama político House of Cards, interpretó a Rachel Posner, una joven envuelta en una compleja y vulnerable situación, que queda atrapada en las guerras de poder de Washington. Su personaje se convirtió a lo largo de las temporadas en uno de los más trágicos de la serie. Y gracias a su compromiso con el rol, su participación no pasó desapercibida. Destacar en un elenco plagado de figuras no era fácil, pero ella lo logró y dejó en claro que su carrera estaba a punto de despegar.

I'm your woman (2020)

I’m your woman es un thriller criminal ambientado en los años 70 que cuenta la historia de una joven madre obligada a huir tras la desaparición de su esposo, un ladrón involucrado en negocios turbios. Rachel Brosnahan se pone en la piel de Jean y sorprende con un rol mucho más introspectivo y cargado de drama. Bajo la dirección de Julia Hart, aquí la actriz demostró su versatilidad, y la capacidad de adentrarse en papeles más oscuros y realistas. Una joya indie que vale la pena ver simplemente por su interpretación. 

Burn Country (2016)

La carrera de Brosnahan se caracteriza por alternar entre superproducciones y proyectos más discretos de autor. En 2016 participó en Burn Country, un drama independiente dirigido por Ian Olds, donde interpreta a Sandra, una joven atrapada en la tensión de un pequeño pueblo californiano junto a un ex periodista afgano exiliado. En esta película su papel no es protagónico pero aporta esa energía sutil pero magnética que la caracteriza, ayudando a construir la atmósfera densa y casi onírica que la historia propone. Si quieres adentrarte en una trama que toca temas como la identidad, la verdad y la alienación, no puedes perderte Burn Country.

The Courier (2020)

Los thrillers son recurrentes en la filmografía de Rachel Brosnahan, y en 2020 tuvo la oportunidad de participar en uno de espías ambientado durante la Guerra Fría. En esta película de suspenso basada en hechos reales comparte pantalla con el talentoso Benedict Cumberbatch e interpreta a Emily Donovan, una agente de la CIA que coordina una operación secreta para frenar el avance nuclear soviético. Su papel en The Courier no es protagónico pero aporta convicción a su personaje, destacándose en un entorno de intriga política y tensión internacional. Demuestra una vez más su capacidad de integrarse con naturalidad  a producciones de alto calibre.

Black Box (2014)

Varios años antes de protagonizar The Marvelous Mrs. Maisel, Rachel Brosnahan participó en una serie dramática llamada Black Box, emitida por ABC. El show explora los límites entre la genialidad y la enfermedad mental, con un tono más introspectivo y emocional que otras series médicas de la época. Aquí Brosnahan interpreta a Chloe, la hija adolescente de una brillante neuróloga que lucha contra el trastorno bipolar.  Si bien a la serie no le fue  tan bien y fue cancelada, Rachel destacó con una interpretación genuina y empática, aportando sensibilidad y realismo al conflicto familiar que atraviesa la historia.

Manhattan (2014)

Otro de los proyectos que vio la luz en 2014 con Rachel Brosnahan, fue Manhattan, una serie aclamada por su rigor histórico y estilo cinematográfico. El programa está ambientado durante el desarrollo del Proyecto Manhattan en plena Segunda Guerra Mundial y narra las tensiones vividas en el desierto de Nuevo México. Brosnahan interpreta a Abby Isaacs, la joven esposa de un científico que poco a poco empieza a descubrir los secretos que amenazan su nueva vida. Sin duda le tocó interpretar un  rol complejo en un contexto cargado de tensión e intriga, pero gracias a su talento nos regaló una interpretación emocionalmente profunda.

Dead for a dollar (2022)

En 2022 llegó la oportunidad de actuar en una obra dirigida por el legendario Walter Hill (The Warriors) llamada  Dead for a Dollar. Este western clásico que busca rendir homenaje al cine del género, incluye a estrellas como Christoph Waltz y Willem Dafoe en su reparto. En esta historia Rachel Brosnahan interpreta a Rachel Kidd, una mujer fuerte y decidida que desafía los roles tradicionales del Lejano Oeste. En un entorno dominado por figuras masculinas, la actriz aporta vulnerabilidad, coraje y determinación a su personaje. Entre duelos, honor y justicia la película ofrece entretenimiento al estilo más puro del western.

Spies in disguise (2019)

En 2019 llegó uno de los proyectos más originales donde ha participado la actriz. Spies in disguise es una divertida película animada de espías para toda la familia en la que Rachel prestó su voz a Wendy Beckett, una agente de inteligencia decidida y eficiente. El elenco vocal también incluye a Will Smith y Tom Holland, marcando un hito en el recorrido profesional de la actriz. Combinando acción, humor y un mensaje sobre el valor de la colaboración, la película le permitió aportar su carisma y demostrar que también puede brillar en el terreno de la animación.

The Amateur (2024)

The Amateur es uno de los proyectos más recientes de Rachel Brosnahan en el cine de gran escala. En este thriller de espionaje dirigido por James Hawes, ella interpreta a Sarah, la esposa del criptógrafo de la CIA, cuya trágica muerte desencadena una operación de venganza por fuera del sistema. Compartiendo pantalla con Rami Malek, mostró nuevamente su capacidad para aportar profundidad incluso en roles secundarios, demostrando al mundo que su presencia siempre deja una huella significativa en los proyectos en los que participa. Esta película es ideal para los fans de la intriga y la acción.

Dónde ver las mejores películas y series de Rachel Brosnahan online

Desde su icónica interpretación en The Marvelous Mrs. Maisel hasta thrillers intensos como I'm Your Woman o papeles secundarios inolvidables en títulos como House of Cards, Rachel Brosnahan ha construido una filmografía tan variada como sólida. Si estás en España y quieres ponerte al día con sus mejores trabajos, con la guía de JustWatch puedes encontrar dónde ver sus películas y series en streaming de forma rápida y sencilla.

Hay dos grandes dilemas antes del estreno de una nueva película de Batman: uno, acerca del actor que encarna al enmascarado de Gotham (si es Robert Pattinson, por la forma de su barbilla, si es George Clooney por la impostura en su seriedad). Y dos, y lo vimos perfectamente con la Batman de Matt Reeves (2022), por la calidad y pertinencia de sus atributos. Lo examinamos todo, nos convertimos en expertos de este personaje de ficción a cada nuevo diseño del Batmóbil, a cada Batarang y a cada Batitraje, otramente llamado traje de Batman.

¿Más o menos cuernecillos? ¿Cuello inmóvil y batipezones? Por ello, y fijándonos en estos dilemas trascendentales para la humanidad, hoy queremos proponer un top 5 tan definitivo como irrisorio. Los cinco mejores trajes de Batman en el cine, ordenados según el criterio personalísimo de este servidore en Justwatch.

Batman vuelve (1992)

Veníamos del inmóvil cuello de Michael Keaton en Batman (1989), un diseño al que tuvieron que hacérsele algunos cambios, digamos, de urgencia. El traje de Batman vuelve (1992) es mucho más angular y militarizado, con unos músculos más artificiales que acercan el atuendo al diseño del Batmóvil. Además, los amarillos intensos del símbolo del murciélago y el cinturón de herramientas acaban contrastando con el negro, en un patrón gótico que no le resta aire de descapotable con alas al murciélago de Gotham. Es un esfuerzo consistente, uno tremendo considerando las limitaciones de los materiales de la época. La nata para una imagen completamente clásica de Batman.

Batman inicia (2005)

El primer batitraje que Christian Bale usa en Batman inicia (2005) también se conoce como el “traje Nomex”, al haber sido diseñado por Lucius Fox como un prototipo de armadura militar. Voluminoso, intimidante, con una capuchita que sí, volvía a limitar los movimientos del superhéroe. Pero nos damos por satisfechos porque ahora han desaparecido los pectorales falsos de la ecuación. El símbolo del murciélago queda bien estirado sobre el pecho, el cinturón dorado de herramientas ayuda a romper el negro… Y el conjunto da a Bale un aire señorial nada desdeñable. En El caballero oscuro (2008), el traje se volvía bicolor y mucho más flexible, una mejora, ahora sí, definitiva para la prenda.

Batman y Robin (1997)

En Batman y Robin (1997), los trajes del tándem protagonista destacan más por su extravagancia que por su fidelidad a los cómics. George Clooney luce aquel icónico traje musculoso con pezones moldeados en el pecho, inspirado en estatuas clásicas y muy lejos de resultar intimidante. Además, aquí tiene su breve aparición el llamativo Traje de Hielo, plateado y azul marino. Eran años de estética desfasada, no culpéis al sastre por priorizar el espectáculo sobre la coherencia con la identidad clásica del personaje. El traje está en la lista porque, a pesar de su inverosimilitud dicharachera, aún lo recordamos y comentamos. Y lo que cuesta eso.

Batman Forever (1995)

Antes del embrutecido Robert Pattinson en Batman (2022), el justiciero de Gotham ya había sido… Gótico. Batman Forever (1995) daba un giro oscuro a la saga, menos retorcido que sobrio, con Val Kilmer como el nuevo Bruce Wayne. La película de Joel Schumacher mantenía el icónico murciélago negro sobre fondo amarillo y, como en su predecesora, dejaba al aire pezones y escultóricos músculos falsos, intentando replicar una imponente figura griega. Pero la estética completamente negra y los toques góticos divergen tantísimo el traje tradicional del Batman de tebeo, con su traje gris con detalles en azul y un cinturón amarillo, que sólo podemos aplaudir el camino tomado.

Batman vs Superman: El amanecer de la justicia (2016)

El apodado Batitraje Knightmare, que aparece por primera vez en Batman vs Superman: El amanecer de la justicia (2016) y luego en Liga de la Justicia (2017), es de esos looks imposibles de ignorar. Combina el traje clásico del Batman de los cómics con un aire a lo Mad Max que le queda sorprendentemente bien a Ben Affleck. El guardapolvo de cuero, los pantalones de combate, los guanteletes y la capucha crean un conjunto endurecido y con mucho carácter. Además, la textura bicolor del traje resalta cada músculo y vena, dándole una apariencia de superhéroe más realista. Aunque siempre hay debate sobre si Batman usaría una pistola o no, de lo que no sabe duda es de la genialidad del armario de Snyder para el penúltimo murciélago.

¿Dónde ver los mejores trajes de Batman en el cine?

Para descubrir los mejores trajes del Caballero Oscuro, hay que revisitar todas las películas donde aparece. No os preocupéis, no son tantas: consulta cuáles están disponibles en España a través de la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Santiago Segura ha dado en la diana más de una vez en lo que a taquilla se refiere. Primero lo logró con esa parodia de la caspa española que es Torrente: El brazo tonto de la ley, que lidera las listas de lo más visto en salas en la historia del cine española. El director y productor volvió a acertar con Padre no hay más que uno. Esta comedia familiar es una creación del propio Segura con la también guionista Marta Fernández Vega. Nació como un remake de una película de humor argentina, Mamá se va de viaje. Pero desde entonces, la versión española ha crecido a golpe de secuelas. En este listado te mostramos todos los títulos de los que se compone esta saga.

Padre no hay más que uno (2019)  

La premisa de la primera entrega es sencilla y ha funcionado en varios países del mundo. Un ama de casa saturada decide irse sola de vacaciones para descansar de su familia. Su marido se queda entonces al frente de la casa y de sus cinco hijos. Y todos ellos comprenden lo mucho que hace falta su madre en casa. De la original argentina nació la versión de Santiago Segura. Y unas cuantas más. México tiene su propia versión. También Italia, donde ya es una trilogía. Y la versión francesa ha estrenado dos películas. Pero ninguna supera el buen ojo de Santiago Segura, que a partir de este estreno ha creado una extensa franquicia.

Padre no hay más que uno 2ː La llegada de la suegra (2020)  

Si en la original argentina el matrimonio protagonista lo interpreta Carla Peterson y un actor conocido por el público español, Diego Peretti, en la española sus protagonistas son el propio Santiago Segura (Javier García) y la actriz Toni Acosta (Marisa Loyola). En Padre no hay más que uno 2ː La llegada de la suegra, Javier triunfa creando una aplicación para padres y madres, pero la llegada de un nuevo hijo y la visita de la suegra ponen en peligro la anhelada tranquilidad de la familia. Entre los hijos de la familia García se encuentran Carlota y Paula, interpretada por Calma y Sirena Segura (las hijas en la vida real de Santiago Segura), y Rocío, encarnada por Luna Fulgencio, quien se ha convertido en una pequeña estrella del cine español gracias a esta saga.

Padre no hay más que uno 3 (2022)  

En esta secuela, Santiago Segura y Marta Fernández Vega sitúan a la familia en plenas vacaciones navideñas. Sara, la hija mayor rompe con su novio, Ocho, que intentará recuperar sus favores con la ayuda de su suegro, Javier. Y el propio Javier se enfrenta esta vez a su suegro: el padre de Marisa para las Navidades con la familia después de su separación. Milagros, la madre de Javier, ve en esa visita inesperada una oportunidad, que no quiere dejar escapar. La familia cada vez es más grande y por tanto también lo es el reparto de Padre no hay más que uno 3, que también incluye a Silvia Abril, Leo Harlem, Loles León y Carlos Iglesias.

Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda (2024) 

Javier y Marisa están en apuros. El mismo día que su hija mayor cumple 18 años, su novio el rarito le pide matrimonio. Y lo peor es que ella acepta de inmediato. Santiago Segura es experto en coleccionar cameos en sus películas, como ocurría en la saga de Torrente: el brazo tonto de la ley. En Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda intervienen Mar Saura y un actor que colecciona candidaturas a los premios Goya, Antonio de la Torre. También regresa a esta entrega Anabel Alonso, como la directora del colegio de los niños, personaje que ya aparecía en la primera película.

Padre no hay más que uno 5: Nido repleto (2025) 

Para su quinta entrega, Padre no hay más que uno 5: Nido repleto, la saga ya se ha convertido en la saga que atrae a familias completas a las salas de cine. Y mantiene su fórmula de hacer humor a partir de las situaciones cotidianas de la sociedad española, incluso de las que resultan algo trágicas. El problema de la vivienda hace que España sea uno de los países donde los jóvenes más tardan en independizarse. Por eso, Javier está deseando sentir el síndrome del nido vacío, cuando los hijos se van de casa. En su caso, nadie se marcha. En teoría, Santiago Segura ha anunciado que esta es la última película de la saga, pero el buen recibimiento del público puede hacer que cambie de idea.

Dónde ver todas las películas de Padre no hay más que uno

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Seguro que ya has visto la saga Jurassic World unas cuantas veces, incluida la última parte Jurassic World: El renacer y empiezas a notar que el Tyranosaurus Rex no te impresiona tanto como antes. Pues bien, hay toda una tradición cinematográfica de bichos enormes que están relacionados con el cine de terror y, aunque ninguna de mucho miedo, la siguiente selección sí recoge cinco títulos que comparten la misma fascinación malsana por las criaturas que nos recuerdan lo fáciles de comer que somos. Las puedes encontrar en diferentes plataformas de streaming, así que no tienes pérdida.

Tiburón (1975)

A Steven Spielberg le debemos la primera Parque Jurásico, que ya era bastante de terror en el 93, sin embargo, cincuenta años después, Tiburón sigue siendo la película que más gente ha sacado de la playa, y su escualo devorahombres sigue siendo aterrador. Lo que conecta directamente con Jurassic World: el renacer es toda su segunda mitad, cuando van a cazar al monstruo, que en la nueva película se transforma en un primer acto acuático lleno de guiños al clásico. La secuencia final en el Orca —con Robert Shaw contando lo del Indianapolis— sigue dando escalofríos, y eso que no aparece ninguna mandíbula.

Temblores (1990)

El tono divertido de la saga Jurassic World, mezclando aventura, dinosaurios voraces y humor tiene un punto de este clásico de serie B en el que los villanos son gusanos gigantes. Los graboides de Temblores son criaturas que han evolucionado para detectar vibraciones, lo que convierte cualquier paso en falso en una invitación a cenar. Ron Underwood consiguió que simpatizáramos con los protagonistas, con un Kevin Bacon en su mejor momento, y Fred Ward en clave buddy movie. Las reglas eran claras, no tocar el suelo, no hacer ruido y lanzar dinamita dentro de la boca del bicho. Terrorífica, divertida y un tono que creó escuela.

Tammy and the T-Rex (1994)

Stewart Raffill dirigió esta rareza donde un cerebro humano acaba dentro de… un T-Rex. El llorado Paul Walker y Denise Richards aparecían aquí mucho antes de hacerse famosos, una especie de parodia del cine de mad doctors que se torna en una experiencia surrealista que abraza su propia locura desde el primer minuto. El T-Rex con cerebro humano persigue a los malos, protege a su novia, y en general se comporta como cualquier adolescente impulsivo. En su versión sin cortes es una locura gore llena de sangre y muertes absurdas en la boca del dinosaurio animatrónico. Tammy and the T-Rex es el antídoto a una indigestión de escenas de diplodocus mirando al sol con la música de John Williams.

Godzilla Minus One (2023)

Takashi Yamazaki ha hecho lo que parecía imposible: que Godzilla vuelva a dar miedo. Un kaiju en el Japón de posguerra en el que el lagarto gigante no es el anti-héroe simpático del Monsterverse, sino una fuerza destructiva que representa las pesadillas del Japón del siglo XX, la bomba atómica y el trauma colectivo. Las secuencias de destrucción de Godzilla Minus One están rodadas con una brutalidad que hace que los destrozos de Jurassic World sean juegos de patio de guardería. Una de las mejores películas de monstruos gigantes de los últimos años, que, como Rebirth, también tiene un buen tramo que es un gran homenaje a Tiburón.

65 (2023)

Scott Beck y Bryan Woods (los creadores de Un lugar tranquilo) hicieron un survival horror en el que Adam Driver se estrella en la Tierra hace 65 millones de años, justo antes de que llegue el asteroide que acabó con los dinosaurios, y debe proteger a una niña mientras atraviesan un mundo lleno de depredadores hambrientos. Lo que hace a 65 interesante para fans de Jurassic World es que los dinosaurios están presentados como auténticas amenazas mortales, son voraces y violentos y no se dulcifica ninguna de sus apariciones. Y aunque la lista termine aquí, también nos podría valer Megalodón 2: la fosa y su escena inicial con un gran tiburón devorando un T-Rex.

¿Dónde ver más películas de terror para fans de 'Jurassic World'?

Todas estas películas están disponibles en diferentes plataformas, pero para descubrir más cine de terror parecido a Jurassic World disponible en España, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.