Los mejores papeles de Christian Bale (sin contar Batman), ordenados

David O. Russell es un director que saca lo mejor de sus actores cuando consigue que se olviden de que están actuando, y en La gran estafa americana lo consigue con casi todo el reparto. 

Bale aparece aquí con barriga postiza, peluca y un bigote que parece diseñado para generar desconfianza, y construye un personaje que tiene algo que sus compañeros de reparto, con todo su brillo, no siempre logran: credibilidad de fondo. Irving Rosenfeld no es un hombre inteligente que finge ser ordinario, es un hombre ordinario que ha descubierto que la inteligencia emocional puede sustituir a la inteligencia racional en determinadas circunstancias. 

La comparación que ilumina el trabajo de Bale aquí no es con Leonardo DiCaprio en El lobo de Wall Street, que también jugaba con la seducción del fraude pero desde una energía expansiva y casi maníaca, sino con Paul Newman en El golpe: ambos construyen estafadores que nos caen bien no porque sean buenos, sino porque tienen una lógica interna que respetamos aunque no la compartamos. Bale hace todo eso sin llamar la atención sobre sí mismo, que en un reparto que incluye a Amy Adams, Bradley Cooper y Jennifer Lawrence es, en sí mismo, una forma de virtuosismo.

Que Bale aparezca en una lista de sus mejores papeles por su interpretación de Laurie en la versión de Mujercitas de Gillian Armstrong de 1994 puede sorprender a quienes lo conocen principalmente por sus trabajos más físicos o más oscuros. No debería. 

Tenía veinte años, compartía pantalla con Winona Ryder en el mejor momento de su carrera, y compuso un Laurie que tenía algo que las versiones posteriores del personaje, incluyendo la de Timothée Chalamet en la película de Greta Gerwig de 2019, no siempre logran: la sensación de que este chico está enamorado de verdad y que ese amor le duele de una manera que no sabe gestionar. 

Chalamet aporta melancolía y modernidad al personaje, pero Bale le daba una torpeza emocional más creíble para alguien de esa edad y esa época. El rechazo de Jo March es una de las escenas más difíciles de jugar en toda la literatura adaptada al cine, porque el espectador tiene que entender simultáneamente por qué ella lo rechaza y por qué eso es una pérdida genuina. Bale lo hace funcionar.

El western es el género que mejor mide a los actores porque exige una economía expresiva que el cine contemporáneo no suele entrenar. James Mangold, que antes y después de El tren de las 3:10 ha demostrado ser uno de los directores más sólidos de su generación, puso a Bale frente a Russell Crowe en una película que funcionaba como duelo de masculinidades casi tanto como duelo físico. 

Bale interpreta a Dan Evans, un ranchero arruinado con la pierna amputada que acepta custodiar a un famoso forajido para ganar el dinero que necesita para salvar su granja. La tentación para cualquier actor en este papel sería subrayar la dignidad herida del personaje, convertirlo en mártir. 

Bale hace lo contrario: construye un hombre que ha asumido sus limitaciones con una resignación que no es derrota sino adaptación. La comparación más justa es con Henry Fonda en sus mejores westerns, actores que entendían que en este género la fuerza moral es más fotogénica que la fuerza física. Crowe está magnífico, pero Bale es la columna vertebral moral de la película.

Werner Herzog es un director que no hace películas sobre personajes sino sobre ideas encarnadas en cuerpos humanos, y cuando encontró a Bale para interpretar a Dieter Dengler, el piloto naval alemán-americano que sobrevivió a un campo de prisioneros en Laos durante la guerra de Vietnam, encontró a alguien dispuesto a llevar esa filosofía hasta sus últimas consecuencias. 

Bale adelgazó de manera radical para el papel, pero la transformación física en Rescate al amanecer no es exhibicionismo: es la única manera honesta de contar esa historia. Lo que hace el trabajo de Bale aquí de verdad extraordinario es que mantiene al personaje del lado de la vida incluso cuando la película lo lleva hasta el límite de lo que un cuerpo humano puede soportar. 

La comparación obvia es con Tom Hanks en Náufrago, otro actor que usó el deterioro físico como herramienta narrativa, pero Hanks trabajaba en un contexto de supervivencia solitaria mientras Bale tenía que gestionar la dinámica con otros prisioneros, con sus captores y con Herzog, que no es precisamente un director que facilite el trabajo a sus actores. El resultado es uno de los trabajos más honestos sobre la resiliencia que el cine de los 2000 produjo.

El truco final es la película de Christopher Nolan menos reconocida de su filmografía, y el trabajo de Bale en ella es el más injustamente olvidado de su carrera. En una película sobre ilusionistas que compiten por el mismo truco imposible, Bale interpreta a Alfred Borden con una ambigüedad que solo cobra su sentido completo en la última escena, lo que significa que cualquier análisis profundo del papel requiere haberla visto entera, y que cada visionado posterior es un ejercicio de apreciación retroactiva. 

Hugh Jackman está excelente frente a él, pero Bale lleva la carga más compleja con una disciplina que solo se aprecia del todo cuando ya sabes el final. Es el tipo de actuación que mejora con el tiempo y con el conocimiento.

Steven Spielberg dirigió El imperio del sol en 1987, cuando Bale tenía trece años, y obtuvo de él una de las actuaciones infantiles más asombrosas de la historia del cine. Esto no es un juicio sentimental sobre la precocidad: es una evaluación técnica. 

El personaje de Jamie Graham, un niño británico de clase alta que queda separado de sus padres durante la invasión japonesa de Shanghái y termina sobreviviendo en un campo de prisioneros, requería de su intérprete la capacidad de transmitir simultáneamente inocencia, adaptabilidad, pérdida y una especie de fascinación monstruosa por los aviones y la guerra que el guión plantea como mecanismo de defensa psicológica. 

La comparación más adecuada es con Haley Joel Osment en El sexto sentido o con Tatum O'Neal en Luna de papel: actores infantiles que no estaban siendo dirigidos hacia la simpatía sino hacia la verdad, y que la encontraron. El Bale que vendría después, con toda su reputación de actor de método y transformaciones físicas, estaba ya completamente formado en esta película. Solo tenía trece años.

Michael Burry es un personaje que en manos de otro actor podría haber resultado incomprensible o antipático: un gestor de fondos con síndrome de Asperger que apostó contra el mercado inmobiliario americano antes de la crisis de 2008 y ganó mientras medio mundo se arruinaba. 

Adam McKay, que dirigió La gran apuesta con una energía de documental pop que no siempre se lleva bien con la profundidad emocional, tuvo la inteligencia de dejar a Bale construir a Burry desde dentro en lugar de desde los rasgos externos. El resultado es un personaje que el espectador no termina de entender nunca del todo, pero al que sigue con una atención que tiene algo de voyeurismo. 

La comparación más iluminadora es con Jesse Eisenberg en La red social: ambos interpretan a hombres que son brillantes y socialmente incomprensibles al mismo tiempo, pero mientras Eisenberg usaba la velocidad verbal como escudo, Bale usa el silencio y la desconexión. 

La escena en la que Burry toca la batería en su despacho mientras el mundo financiero se derrumba a su alrededor es, probablemente, el minuto y medio más revelador de toda la película.

El maquinista es la película de esta lista que más ha sido reducida a su anécdota, que es la de que Bale bajó hasta los cincuenta y cuatro kilos para interpretar a un operario de fábrica que lleva un año sin dormir. Esa anécdota es impresionante, pero se ha convertido en un obstáculo para hablar de lo que la película hace más allá del cuerpo de su protagonista. 

Brad Anderson dirigió con una precisión atmosférica que recuerda al mejor Polanski, y Bale construyó un personaje cuya fragilidad física es solo el síntoma visible de una fragilidad psicológica mucho más interesante. 

La comparación más justa no es con otras transformaciones físicas extremas, como la de Robert De Niro en Toro salvaje, sino con Jack Nicholson en El resplandor: en ambos casos, la actuación funciona porque el actor ha encontrado la lógica interna de alguien que se está destruyendo sin ser consciente de ello al completo. Reznik es un personaje que el espectador siente antes de entender, y ese orden de percepciones es el que la película necesita para funcionar.

Hay papeles que ganan premios y papeles que cambian la percepción que tienes de un actor. El de Bale en The Fighter hizo las dos cosas al mismo tiempo. Dickie Eklund, el boxeador reconvertido en entrenador y consumidor de crack que vive a la sombra de la carrera de su hermano menor, es el tipo de personaje que en una película peor habría sido solo un catálogo de comportamientos adictivos. 

En la película de David O. Russell, y en las manos de Bale, es un hombre completo: alguien que tiene encanto genuino y que usa ese encanto como moneda de cambio para sobrevivir en un entorno que le ha dado muy poco. 

La comparación más adecuada es con la actuación de Jared Leto en Réquiem por un sueño, otro actor que usó la transformación física para aproximarse a la adicción, pero mientras Leto construía una víctima, Bale construyó a alguien que todavía tiene agencia, aunque la ejerza de manera autodestructiva. 

El Oscar que ganó por este papel fue merecido, pero lo más notable no es el premio sino que en ningún momento de la película parece estar actuando. Eso, en un papel tan marcado, es lo más difícil de conseguir.

American Psycho era, sobre el papel, una película imposible de hacer bien. La novela de Bret Easton Ellis había sido percibida durante años como inadaptable, no por su violencia sino porque su narrador era una voz en primera persona cuya fiabilidad era la pregunta central del libro, y la primera persona cinematográfica es una herramienta mucho más limitada. 

Mary Harron resolvió ese problema de una manera que sigue siendo elegante décadas después: convirtió la ambigüedad en estética, construyó una película que podía leerse al mismo tiempo como thriller de asesino en serie y como sátira del capitalismo financiero de los ochenta, y encontró en Bale a un actor capaz de sostener esa doble lectura sin que ninguna de las dos colapsara sobre la otra.

Lo que Bale hace con Patrick Bateman no tiene comparación directa en el cine contemporáneo. El trabajo más cercano en términos de estructura es el de Michael Shannon en Revolutionary Road, otro actor que usó la contención para construir algo que amenaza con explotar en cada escena, pero Shannon trabajaba desde la autenticidad emocional mientras Bale trabaja desde la superficie perfecta que oculta el vacío. 

Bateman es todo forma y ningún fondo, y Bale entiende que esa ausencia de fondo no es una limitación del personaje sino su definición. La escena de las tarjetas de visita es la mejor ilustración posible de lo que hace la película y de lo que hace Bale en ella: algo que parece absurdo y resulta aterrador, o que parece aterrador y resulta absurdo, sin que nunca quede del todo claro cuál de las dos lecturas es la correcta. Treinta y cinco años después del libro y veinticinco después de la película, Patrick Bateman sigue siendo el personaje más definidor de la carrera de un actor que ha construido una de las filmografías más ambiciosas de su generación.