Hay una categoría de cine que no encaja en ninguna taxonomía convencional. No son buenas películas, no son malas películas corrientes y tampoco son exactamente comedias, aunque hagan reír sin parar. Son algo diferente: obras que acumulan tal cantidad de errores, decisiones incomprensibles y ejecuciones delirantes que acaban generando una energía propia, una fascinación que las películas bien hechas no siempre logran.
En esta guía reunimos diez de esas películas. Todas comparten tres características: son objetivamente malas por casi cualquier criterio técnico o narrativo que se quiera aplicar, son 100% gratuitas para ver en streaming, y representan una experiencia cinematográfica que merece la pena tener al menos una vez.
El cigarrillo de la locura (1936)
El cigarrillo de la locura es una película de propaganda antidroga dirigida por Louis J. Gasnier, que pretendía mostrar a los jóvenes estadounidenses los peligros del consumo de marihuana. Para ello, la película presenta un universo donde un solo cigarrillo de marihuana es suficiente para convertir a un adolescente normal en un asesino, un violador o un psicótico en el plazo de una tarde. Un joven que fuma un porro en una fiesta de jazz se ríe durante una clase sobre Shakespeare y falla un golpe en el tenis: esto, en el universo de la película, es evidencia de su degeneración moral irreversible.
Lo que hace a El cigarrillo de la locura brillante es su desmesura. La actuación del pianista que toca cada vez más frenético mientras los jóvenes se drogan, los diálogos que tratan la marihuana como si fuera heroína pura y la lógica narrativa donde un porro conduce de manera directa al homicidio construyen una radiografía involuntaria del pánico moral de una época que es más reveladora que cualquier documental serio sobre el tema.
La película fue rescatada del olvido en los años setenta por grupos pro-legalización que la proyectaban como comedia, que es exactamente lo que es.
El ataque de las mujeres araña (1953)
El ataque de las mujeres araña tiene una historia de producción que ya anticipa el caos del resultado final. La película empezó a rodarse años antes de 1953 bajo la dirección de Herbert Tevos, pero la falta de presupuesto y los conflictos entre Tevos, los productores y el equipo paralizaron el proyecto. Ron Ormond compró los derechos, añadió algunas escenas y la estrenó a nivel comercial.
El protagonismo recayó en Jackie Coogan —que en los años veinte había sido el pequeño compañero de Chaplin en El chico y que aquí interpreta al Dr. Aranya, científico loco con una mancha enorme en la cara que experimenta inyectando veneno de araña a sujetos humanos en su laboratorio de la Mesa Zarpa en México.
El plan del Dr. Aranya es crear una raza de supermujeres. El resultado de sus experimentos es que las mujeres se vuelven inmortales y letales, mientras que los hombres se convierten en enanos jorobados. La música de la película tiene la peculiaridad de ser omnipresente e inapropiada en todas las escenas. Las arañas gigantes son primeros planos de tarántulas reales, los diálogos son de una torpeza que roza lo onírico y la narrativa avanza por una lógica que parece diseñada para confundir al espectador.
Recuerda por razones obvias a Tarántula (1955) de Jack Arnold: las dos son películas de ciencia ficción de los cincuenta con arañas como amenaza central, pero mientras Tarantula es competente y tiene sus momentos de tensión genuina, El ataque de las mujeres araña abraza el descontrol de una manera que Tarántula nunca se permitiría.
Plan 9 del espacio exterior (1959)
Plan 9 del espacio exterior no es solo una de las peores películas de la historia del cine: es su monumento más extraño y querido. Dirigida, escrita, producida y editada por Ed Wood con un presupuesto de 60.000 dólares financiados por la Iglesia Bautista de Beverly Hills a condición de que todo el equipo se bautizara en una piscina, la película acumula errores que ya son leyenda: los platillos voladores son tapacubos movidos con hilos visibles, las lápidas del cementerio están hechas de cartulina, el día se convierte en noche y en día en la misma secuencia sin que nadie parezca darse cuenta.
La historia gira en torno a extraterrestres que ponen en marcha el Plan 9 —resucitar a los muertos como ejército de zombis para detener el programa armamentístico de la humanidad— y cuenta con Bela Lugosi en las primeras escenas, grabadas antes de su muerte en 1956, después de la cual Ed Wood le sustituyó por un quiropráctico que se tapaba la cara con la capa para que no se notara la diferencia.
La película se estrenó en 1959 y fracasó de forma estrepitosa, aunque hoy se la considera como un film de culto.
El increíble hombre transparente (1960)
El increíble hombre transparente fue rodada por Edgar G. Ulmer de forma simultánea con Más allá de la barrera del tiempo (1960) usando los mismos sets, el mismo equipo y el mismo presupuesto microscópico. Producida por Miller-Consolidated Pictures, fue adquirida posteriormente por American International Pictures por el coste de los laboratorios y estrenada el 8 de septiembre de 1960 en programa doble.
La historia sigue a Joey Faust, un ladrón de cajas fuertes al que un ex mayor del ejército convierte en hombre invisible para que robe material radioactivo con el que crear un ejército de soldados transparentes y conquistar el mundo.
El monstruo de la película es la invisibilidad misma, y el presupuesto para representarla consiste en puertas que se abren solas, objetos colgados de hilos y planos de habitaciones vacías. Y tienes la suerte de ver dicho espectáculo sin pagar un euro.
El monstruo del mar encantado (1961)
El monstruo del mar encantado es quizás la película de esta lista que más intenta ser mala de manera consciente, lo cual la sitúa en una categoría filosófica aparte. Dirigida por Roger Corman en Puerto Rico en menos de una semana, con el celuloide sobrante de otra película que estaba rodando al mismo tiempo (La última mujer sobre la Tierra), con presupuesto procedente de los fondos que no había gastado en una tercera producción, y con un guion escrito en tres días por Charles B. Griffith a partir de un encargo que Corman le hizo por teléfono.
La película parodia los filmes de espías, los largometrajes de gánsteres y las películas de monstruos, aunque no funciona especialmente bien como ninguna de las tres cosas.
La premisa tiene su gracia: un gánster americano decide transportar a un general cubano exiliado y parte del tesoro cubano, planea matar a sus pasajeros y culpar de las muertes a un monstruo marino legendario, y descubre con horror que el monstruo marino legendario es real.
El monstruo en cuestión —creado con lo que parecen ser ramas cubiertas de algas y ojos de ping-pong— es uno de los más encantadoramente feos de la historia del cine. Y si no me crees, compruébalo gratis online.
Santa Claus conquista a los marcianos (1964)
Que una película aparezca en el libro The 50 Worst Films of All Time de Harry Medved y Randy Dreyfuss (1984) es ya información suficiente para saber en qué territorio nos estamos metiendo.
Santa Claus conquista a los marcianos, dirigida por Nicholas Webster, parte de una premisa que tiene su lógica interna: los marcianos, preocupados porque sus hijos pasan demasiado tiempo viendo la televisión terrestre y soñando con Santa Claus, deciden viajar a la Tierra para secuestrarlo.
Lo que sigue es una película navideña de ciencia ficción con marcianos cuyas antenas son claramente objetos domésticos pintados de verde, un oso polar que es con toda evidencia un hombre con un disfraz de felpa, un robot que parece fabricado en cartón, y una alegría desinhibida ante su propia incompetencia que la hace irresistible.
Se puede comparar con El milagro de las campanas de Irving Pichel (1948): las dos son películas que mezclan lo navideño con otros géneros de manera problemática, pero mientras la de Pichel intenta la solemnidad y se hunde en ella, la de Webster abraza sin pudor el absurdo y sobrevive gracias a eso.
Manos: The Hands of Fate (1966)
Si Plan 9 del espacio exterior es el monumento del cine de serie B, Manos: The Hands of Fate es su catedral subterránea. Escrita, dirigida, producida y protagonizada por Harold P. Warren —vendedor de fertilizantes de El Paso, Texas, que rodó la película como resultado de una apuesta con el guionista Stirling Silliphant— con un presupuesto declarado de 19.000 dólares, la película acumula problemas técnicos que son casi imposibles de enumerar sin sonar exagerado.
La cámara con la que se rodó solo podía grabar tomas de un máximo de 32 segundos, lo que explica buena parte de los errores de continuidad; no registraba sonido, así que todos los diálogos fueron doblados en posproducción por tres o cuatro personas incluido el propio Warren; el actor que interpretaba a Torgo, el sirviente con piernas grotescamente voluminosas se suicidó un mes antes del estreno.
La historia de una familia que se pierde en el desierto de Texas y acaba en una casa donde un maestro de culto satánico mantiene un harén de esposas momificadas tiene el potencial de un cuento de terror efectivo. La ejecución lo convierte en otra cosa: una obra de arte accidental que fascinó a los académicos del arte outside.
La película que viene a la mente al hablar de Manos no es otra obra de terror: es la mítica The Room de Tommy Wiseau (2003), que comparte con ella la condición de obra total de su creador, la misma mezcla de ambición y absoluta falta de herramientas, y la misma conversión en fenómeno de culto que sus artífices jamás imaginaron (y que James Franco parodió en su film The Disaster Artist).
Viaje al planeta de las mujeres prehistóricas (1968)
El origen de Viaje al planeta de las mujeres prehistóricas es casi tan interesante como la película en sí. En 1962, el director soviético Pavel Klushantsev rodó El planeta de las tormentas, un film de ciencia ficción sobre una expedición a Venus. Roger Corman compró los derechos en 1963 y empezó a hacer lo que sabía hacer: reeditar el material soviético añadiendo nuevas escenas con actores estadounidenses para el mercado norteamericano.
La primera versión de 1965 incluía a Basil Rathbone. Insatisfecho, Corman hizo una segunda versión en 1968 y encargó la dirección —acreditada como "Derek Thomas"— a un joven crítico de cine que buscaba su primera oportunidad como realizador: Peter Bogdanovich, que años después dirigiría La última película (1971) y Luna de papel (1973).
Bogdanovich eliminó las escenas con Rathbone, rodó nuevas secuencias con Mamie Van Doren y un grupo de actrices en bikinis de conchas marinas que hacen de mujeres venusianas telepáticas, y añadió su propia narración en voz en off.
El resultado es una película que existe en tres capas simultáneas —la ciencia ficción soviética original, los astronautas estadounidenses sobreimpresionados sobre ella, y las mujeres venusianas de Bogdanovich que observan todo desde la playa— que no encajan entre sí en ningún momento pero que juntas producen algo que ninguna de las tres partes habría producido sola.
The Bunnyman Massacre (2012)
The Bunnyman Massacre —secuela de Bunnyman (2011)— es la película de esta lista que más intenta parecerse a sus referentes y más fracasa en el intento. Dirigida por Carl Lindbergh, que en una entrevista describió sus influencias cinematográficas como Viernes 13 y El árbol de la vida de Terrence Malick, la película sigue a un asesino psicópata que viste un traje de conejo de Pascua y mata con motosierra a todo el que se le cruza en camino, en colaboración con su amigo Joe, que vende la carne sobrante en una tienda local como cecina artesanal.
El concepto del asesino con disfraz de conejito tiene cierto poder perturbador en teoría. En la práctica, la actuación es catastrófica, la producción es incoherente y el monstruo principal, que debería dar miedo, genera sobre todo perplejidad.
Lo que hace interesante a The Bunnyman Massacre no es lo que consigue sino lo que revela: la tradición del cine de terror de bajo presupuesto como un ecosistema donde las ambiciones son enormes y las herramientas son mínimas, y esa distancia es donde nace todo el encanto.
Sucker (2013)
Sucker es la película más reciente de esta lista y en cierta manera la más representativa de lo que la tradición del cine de serie B ha llegado a ser en el siglo XXI: consciente de sus referentes, con presupuesto ligeramente mayor que las obras que homenajea y con la misma desvergüenza conceptual que tenían las producciones de los años cincuenta.
Dirigida por Michael Manasseri, cuenta la historia de Jim Crawley, un hombre que en un solo día pierde el trabajo en la planta nuclear, le embargan el coche y descubre que su mujer le engaña. Hasta aquí, una comedia de desastres convencional. A partir de aquí, Jim es secuestrado por un científico loco para ser el sujeto de prueba de una vacuna contra la picadura de un mosquito portador de un virus letal, y los años de exposición a la radiación nuclear y el ADN del mosquito no se mezclan especialmente bien: Jim se convierte en una criatura mitad hombre, mitad mosquito, con ansias de venganza.
El resultado es una mezcla de película de venganza ochentera, ciencia ficción de monstruos y comedia involuntaria que no funciona en ninguno de los géneros que intenta pero que en el tránsito genera un entretenimiento genuino.
