La Superman de James Gunn presenta un giro bastante potente y sus implicaciones para el Universo DC se extienden mucho más allá de Metrópolis. La amenaza que enfrenta el Hombre de Acero establece algunas ideas que pueden tener que ver con los eventos posiblemente multidimensionales que se desarrollarán en la segunda temporada de El pacificador. A través de JustWatch, exploramos cómo estas revelaciones conectan ambas producciones y qué significa para el futuro del DCU, con algunas indicaciones de dónde encontrar las películas y series comentadas. Ojo, que este viene llenito de spoilers.

La revelación de Ultraman: más que un simple villano

Cuando Superman derrota a la Ingeniera, descubre que Ultraman es un clon de sí mismo, una revelación que cambia por completo la percepción del villano, o al menos a diferencia de las versiones tradicionales de los cómics, en los que Ultraman proviene de Tierra-3. Sin embargo, la visión de Gunn es una creación artificial generada a partir del propio ADN kryptoniano de Clark Kent. Cuando descubre que es un clon, tiene sentido que fuera invencible para él, porque sus poderes son similares, aunque esta situación no es nueva en la saga.

Superman ya se había enfrentado a una versión corrupta de sí mismo en Superman III, también en Superman: La serie animada, aunque en aquella todo ocurría de forma más “mágica”, mientras aquí, la tecnología de clonación introducida en Superman es más compleja; Lex Luthor utiliza métodos avanzados de ingeniería genética con un estudio minucioso de la biología kryptoniana y esto… podría tener o no que ver con el Clon de El pacificador que vemos en las imágenes del final en el tráiler de la segunda temporada.

El pacificador: ¿Clones? y la conexión multidimensional

Hay pequeñas revelaciones en ese tráiler que nos dejan percibir dos dimensiones, según declaraciones de James Gunn, con lo que queda abierta la inclusión de versiones alternativas de personajes conocidos. Pero antes vayamos a la breve escena donde John Cena aparece en Superman, estableciendo una continuidad narrativa entre ambas producciones. El programa donde le entrevistan se llama Cleavis Thornwaite, un talk show dentro del universo DC que podría volver a tener importancia más en la temporada 2 de El Pacificador.

Esto no significa que la clonación y la manipulación genética sean tan relevantes. En declaraciones a Entertainment Weekly, Gunn abordó lo que pasó con Ultraman y apuntó a la Zona Fantasma, una dimensión paralela que sirve de cárcel, aunque dejó claro que es un tema más para la secuela. Sin embargo, la idea de un universo de bolsillo, una versión casera de la Zona, donde las reglas de la física se retuercen,  podría ser clave para todo lo que viene, aunque la versión que usó Luthor era bastante pobre comparada con la que veremos en El pacificador. Las "dos dimensiones" mencionadas por Gunn podrían referirse no sólo a realidades alternativas, sino a la coexistencia de versiones originales de personajes dentro del mismo universo.

El legado tecnológico: de LexCorp a las dimensiones paralelas

Pero esa idea se confronta—o no—con la tecnología de clonación desarrollada por Lex Luthor en Superman, precedentes científicos que no tienen por qué tener que ver con las supuestas “anomalías dimensionales” en El pacificador. Al fin y al cabo, LexCorp ha desarrollado la capacidad de entrar en otros universos, algo relacionado con el ‘Quantum Unfolding Chamber’, un armario extradimensional que usaba el padre de el pacificador en la primera temporada, con lo que, este tipo de portales llevan dando vueltas por DC desde el minuto uno.

El director compara esos intercambios entre realidades más con La contravida, de Philip Roth, que con Spider-Man: No Way Home, pero al final, la manipulación del espacio-tiempo o la creación de realidades alternativas crean tramas de dimensiones paralelas y, según el tráiler, parece que tengan versiones duplicadas de algún personaje. La aparición de Rick Flag Sr., (Frank Grillo), también presente en Superman, en la serie del villano de El escuadrón suicida, hace que su conocimiento de las operaciones gubernamentales indique cómo la tecnología de Luthor se ha expandido más allá de Metrópolis.

Precedentes e Implicaciones narrativas para el universo DC

Superman presenta similitudes temáticas con producciones anteriores como Superman Returns (2006), donde se exploraron las implicaciones de la herencia kryptoniana, que Luthor también lograba robar y sabotear, y el concepto de clonación no es nuevo en el universo DC, pero la aproximación de James Gunn afronta precedentes vistos en Crisis en Tierras Infinitas de la Liga de la Justicia, Liga de la Justicia ilimitada o Flash, que exploraron consecuencias de realidades alternativa donde se dejaban caer réplicas de los mismos personajes.

Batman v Superman: El amanecer de la justicia introdujo conceptos de ingeniería genética con la creación de Doomsday por parte de Luthor, la diferencia es que Gunn cohesiona estos avances científicos de laboratorio con aperturas dimensionales. Por una parte, la tecnología de clonación perfeccionada permitiría que otros villanos usen métodos similares para crear ejércitos de duplicados corruptas de héroes poderosos, por otra, los universos de bolsillo son variaciones de espacios liminales críticos en manos equivocadas.

La temporada 2 de El pacificador muestra a Christopher Smith enfrentándose a versiones duplicadas de sí mismo, pero esto no tiene necesariamente continuidad narrativa con la pelea entre los dos Hombres de acero, sino que la puerta que atraviesa sea incluso un viaje a otro momento (futuro o pasado) que teóricamente tendría a otra versión de sí mismo, como sucedió en Flash. La idea es que haya conceptos de multiversos, pero la reticencia del director también podría indicar las posibilidades menos esperables.

No es descabellada la influencia de las maquinaciones de Luthor en todo el nuevo Universo DC, al fin y al cabo en El Pacificador vemos de nuevo a Frank Grillo—aunque no su versión de voz a otro personaje en Creature Commandos—, Sean Gunn y a los miembros de Justice Gang de Superman, por lo que la idea de que hay más clones no es descabellada. Habrá que esperar al estreno de la serie para descubrirlo, pero por lo pronto, las posibilidades quedan abiertas y las teorías siguen echando humo.

Dónde ver todas las producciones DC mencionadas

Para descubrir dónde están disponibles Superman y El Pacificador, a continuación, te mostramos dónde puedes encontrar en qué plataformas de streaming están disponibles. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Jar Jar Binks no fue globalmente demasiado bien recibido por los fans. Quizás por ello, empezaron a surgir teorías fan que lo señalaban como una tapadera: en realidad no era un Goofy animado –con la voz de Ahmed Best– y extraviado en una Galaxia que no le tocaba, sino un Lord Sith que movía los hilos entre bambalinas. Lo que parecía un delirio paranoico se ha ido afianzando en el universo Star Wars hasta casi, casi, acabar formando parte del canon. En esta lista, encontrarás las referencias necesarias para decidir por ti mismo si Jar Jar es un Sith. 

Jar Jar parece patoso, pero sale airoso de los combates

Jar Jar Binks fue presentado en sociedad con Star Wars: La amenaza fantasma (Episodio I) (1999). Su capacidad para meterse en problemas y su maneras slapstik quizás sedujeron a los espectadores más jóvenes, pero los que llevaban esperando desde la trilogía original no lo veían con tan buenos ojos. Para los conspiranoicos de la teoría Darth Jar Jar, su capacidad para salir airoso de los combates, en contraste con su aparente patanismo, resulta sospechosa. Sus movimientos también recuerdan a los de un usuario de la fuerza. ¿Quizás la amenaza fantasma del título era él? 

Su rápida promoción en el senado resulta sospechosa

Los conspiranoicos pro Darth Jar Jar se sorprenden de que, al inicio de Star Wars: El ataque de los clones (Episodio II) (2002), Jar Jar Binks haya pasado de ser un Don Nadie a representante de Naboo en el senado, y además es quien se encarga de convencer al resto de senadores para que Palpatine reciba poderes extraordinarios. Todo esto da fe de un nivel de poder de persuasión difícil de alcanzar sin tirar de La Fuerza… Hay quien se pregunta si es Palpatine quien manipula a Jar Jar Binks, o si no sería más bien al revés. En cualquier caso, es probable que su amistad venga de largo, ya que ambos son originarios de Naboo. 

Palpatine le está agradecido y Doku es un sustituto

Aunque en Star Wars: La venganza de los Sith (Episodio III) (2005), la aparición de Jar Jar Binks se reduce muchísimo, aparece al lado de Palpatine, lo cual indica que debe de serle útil. Ahmed Best asegura que hay una escena eliminada en la que Palpatine le agradece haberle convertido en emperador. Al principio del lanzamiento de la trilogía George Lucas llegó a afirmar que Jar Jar era su “personaje favorito”, y que tenía grandes planes para él. Dado que su presencia fue menguando debido a la mala aceptación del personaje, el Conde Doku (Christopher Lee) pudo aparecer en el Episodio II para colmar ese vacío dramático. Cambio de planes en la galaxia. 

Podría haberse metamorfoseado en Snoke

Fue precisamente poco antes del estreno de Star Wars: El despertar de la fuerza (2015) cuando empezó a expandirse la teoría Darth Jar Jar a partir de la cuenta de un usuario cuyo “nom de guerre” es Lumpawarroo. Después del estreno, la teoría se relanzó con un giro todavía más loco: Jar Jar Binks podría haberse transformado en el líder supremo Snoke, cuyo pasado es un misterio. La base para este nuevo alimento de la teoría estaría en unos bocetos preliminares para el personaje, en los que algunos fans han detectado un parecido razonable con el sospechoso.  

Ahmed Best corrobora la teoría, al menos en parte

El regreso de Ahmed Best al primer plano de la galaxia en el cuarto episodio de la tercera temporada de The Mandalorian (2019-2025) volvió a hacer saltar las alarmas, y eso que interpreta a un personaje totalmente diferente, nada menos que un caballero jedi, llamado Kelleran Beq, que a lo largo de un dinámico flashback rescata al pequeño Grogu del templo Jedi. Best es el primer fan de la teoría Darth Jar Jar y ha declarado que “parte de ella es cierta”. Esta aparición puede ser menos casual de lo que aparenta, ya que Grogu debe de tener algún parentesco con Yoda, que también era muy chistosa. En un mundo poético tan lleno de rimas como la imaginación de George Lucas, Jar Jar podría ser el reflejo de Yoda en el Lado Oscuro. 

Darth Jar Jar era la pieza que faltaba

En la galaxia paralela de LEGO Star Wars, formada por la línea de juegos de construcción, videojuegos, cortos, series y películas, que celebraba 25 años de existencia con el especial LEGO Star Wars: Reconstruye la galaxia (2024/25), Darth Jar Jar tuvo su primera aparición en escena, más allá de las fantasías de los fans, presentándose tal y como es, vestido de negro y con un sable laser rojo. Los fans se quedaron de una pieza, nunca mejor dicho. Aunque LEGO no es el canon, la idea está cada vez más cerca del canon, y podría acabar insertándose en él. 

El cráneo que indica que hay un lado oscuro gungan

En el décimo episodio de la segunda temporada de Andor (2022-2025) aparece un cráneo gungan –la raza de Jar Jar– en la tienda de reliquias y antigüedades de Luthen Rael, lo cual no sería especialmente revelador, si no fuera por un pequeño detalle que no ha escapado a los estudiosos del tema: el símbolo Sith que señalan como el de Darth Revan, el más poderoso, según el videojuego Star Wars: Caballeros de la antigua República (2003). Es decir, no estaríamos hablando de Darth Jar Jar, pero andaríamos muy cerca, con el primer guiño explícito, dentro del canon –al menos del canon Disney–, a la teoría, admitiendo la posibilidad de un gungan en el Lado Oscuro de La Fuerza. 

La normalización de Darth Jar Jar en Fortnite

Otra materialización reciente de la leyenda galáctica de Darth Jar Jar es su aparición desdoblada en el juego de Fortnite Batalla Galáctica dedicada al universo de Star Wars. Por si tenían algún Jar Jar favorito, Fortnite ofreció las dos versiones por separado, como si fuesen dos personajes distintos… En cualquier caso, se le podía ver vestido de negro, equipado con su Electropalo de Sith y su mochila Booma carmesí. En el universo gamer, alejado del canon, ya nadie pone en duda la existencia de este malvado Sith que, entre chiste y chiste, había sabido disimular su sed de conquistar todas las galaxias del universo Lucas. 

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Dos décadas más tarde de su estreno, El diablo viste de Prada sigue siendo un ícono de la comedia. El film, que se basa en el bestseller homónimo de Lauren Weisberger, fue una catapulta increíble para la carrera de varios de los intérpretes y sentó un fenómeno cultural que sigue vigente. Pero, ¿qué ha sido de los actores tras la película?

En esta guía te mostramos el camino que han recorrido los principales nombres del reparto de El diablo viste de Prada desde entonces hasta ahora: proyectos, premios y mucho más. Así podrás comprobar cómo han evolucionado profesionalmente y si está confirmada su participación en la esperada secuela El diablo viste de Prada 2.

Anne Hathaway (Andy Sachs)

Desde que protagonizara El diablo viste de Prada dando vida a Andy Sachs, la actriz Anne Hathaway ha seguido escalando posiciones de reconocimiento en Hollywood. 

En 2012 fue la encargada de interpretar a Catwoman en El caballero oscuro: La leyenda renace y se alzó con el Oscar a Mejor actriz de reparto interpretando a Fantine en Los Miserables. 

Más tarde protagonizó otros éxitos como El becario (2015), Ocean's 8 (2018) y Timadoras compulsivas (2019). Por otro lado, en 2024 protagonizó la comedia romántica La idea de tenerte, en la que encarna a una madre que se enamora del líder de una banda. Como no podía ser de otra forma, su aparición está asegurada para la secuela de El diablo viste de Prada, que pasará a formar parte de su extensa filmografía.

Meryl Streep (Miranda Priestly)

Aunque Meryl Streep ya era considerada como una de las reinas del Oscar (solo cinco actores más lo han ganado en 3 ocasiones como ella), su papel como Miranda Priestly en El diablo viste de Prada le valió una nueva nominación como Mejor actriz, aunque en esta ocasión no levantó la estatuilla (en ese año fue Helen Mirren la ganadora por su papel como Isabel II en The Queen). 

Desde el estreno de la película, Streep ha seguido apareciendo en films de éxito, como La dama de hierro en 2012 (donde volvió a ganar el Óscar), Mujercitas (2019) o No mires arriba (2021), entre otras. Recientemente ha protagonizado la serie Solo asesinatos en el edificio junto a Selena Gomez y Steve Martin. También volverá a aparecer en la segunda parte de El diablo viste de Prada.

Stanley Tucci (Nigel Kipling)

El entrañable Nigel de El diablo viste de Prada corrió a cargo de Stanley Tucci, un papel que le dio un buen empujón a su carrera. 

Desde entonces ha encarnado papeles muy variados, pasando por películas como La bella y la bestia (2017), El silencio (2019) y Cónclave (2024). Al igual que Streep y Hathaway, su presencia está confirmada en El diablo viste de Prada 2, así que hay diversión asegurada.

Simon Baker (Christian Thompson)

Tras dar vida al seductor Christian Thompson en la película original, el actor Simon Baker alcanzó la cúspide de su carrera como Patrick Jane en la serie El mentalista (2008). Al margen de este éxito, Baker también ha protagonizado varias películas como El huésped (2009) y Margin Call (2011), además de llevar su experiencia también tras las cámaras, dirigiendo varios episodios de El mentalista. 

A diferencia de sus compañeros, no aparecerá en la secuela de El diablo viste de Prada.

Emily Blunt (Emily Charlton)

Llegamos a Emily Blunt, la responsable de interpretar a la mandona Emily Charlton en El diablo viste de Prada, que ha evolucionado hasta convertirse en una estrella internacional con papeles en películas como Oppenheimer (2023), El negocio del poder (2023) y El especialista (2024) entre otras. 

Blunt regresará a El diablo viste de Prada 2 interpretando una vez más su personaje como Emily Charlton, de la que esperamos que su papel crezca en importancia dentro de la secuela. 

Adrien Grenier (Nate Cooper)

En El diablo viste de Prada, Adrien Grenier interpretó al novio de Andy, Nate Cooper, quien no llevaba muy bien la adicción al trabajo de su pareja. 

Si bien su filmografía no es tan extensa como la de sus compañeros en la lista, es muy destacable su papel en la serie El séquito, donde interpreta a Vincent Chase, una estrella de cine que cuenta sus andanzas en Hollywood rodeado de sus amigos. 

Al igual que Baker, no estará en la segunda parte de El diablo viste de Prada.

Alexie Gilmore (Jocelyn)

La actriz Alexie Gilmore, que encarnó al personaje de Jocelyn, la ayudante de Emily, prosiguió su carrera con apariciones recurrentes en series como United States of Tara (2009) y Fringe (2008). 

En cine ha trabajado metida en proyectos independientes, algo más alejada de las películas más comerciales. La mala noticia para los fans es que su personaje no aparecerá en la segunda parte de El diablo viste de Prada. Una lástima.

Tracie Thoms (Lily)

Lily, la fiel amiga de Andy En el diablo viste de Prada, fue interpretada por Tracie Thoms, quien ha continuado activa en la pequeña y gran pantalla. 

La actriz de Baltimore ha aparecido en series como Being Mary Jane (2013) y Cold Case (2007), así como en películas como Looper (2012). Thoms confirmó su regreso en El diablo viste de Prada 2, por lo que Andy volverá a contar con su amiga del alma. 

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Ya han pasado más años de los que resulta saludable recordar desde que empezó la aventura del Universo Cinematográfico de Marvel, pero el estreno de la nueva versión de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos no recuerda que el MCU cambió para siempre la industria del cine entre 2008 y 2012, cuando construyó los cimientos de lo que se convertiría en la franquicia cinematográfica más exitosa de la historia. Desde el nacimiento de Iron Man hasta la épica reunión de Los Vengadores, la Fase uno establece las bases narrativas y estéticas que definirían el MCU y aquí repasamos sus seis películas ordenadas de peor a mejor y te indicamos dónde puedes encontrarlas en las plataformas de streaming.

6. Thor (2011)

La primera aventura en solitario del Dios del Trueno es el patito feo de este inicio. La presentación de Chris Hemsworth como Thor no sacaba todo el jugo cómico al actor que veríamos más adelante, y eso que está dirigida por Kenneth Branagh. Thor sufre de un problema fundamental de identidad tonal entre el drama shakespeariano de Asgard con la comedia romántica terrestre que se desarrolla en un pequeño pueblo de Nuevo México que resulta visualmente monótono comparado con la suntuosidad de Asgard. Pero a pesar de esto, el casting fue fino: Hemsworth demostraba ser la elección correcta con su carisma natural y Tom Hiddleston acabaría enamorando al mundo como Loki.

5. Iron Man 2 (2010)

Con una injusta mala fama en el fandom, esta secuela muestra a un Tony Stark en decadencia, y presenta a un magnífico villano en Mickey Rourke, un vengativo ingeniero ruso que busca destruir el legado de los Stark. Sam Rockwell también clavaba el rival empresarial que parece la versión Elon Musk del creador de la armadura. Iron Man 2 es una segunda parte modélica, sin miedo a satisfacer las expectativas de espectáculo de una secuela, pero sin descuidar la genial química entre Robert Downey Jr. y Gwyneth Paltrow. Y perdonen, pero la introducción de Scarlett Johansson como Viuda Negra es uno de los momentos más icónicos de la franquicia. Ya quisiera la fase 4 o 5 una sola película así.

4. El increíble Hulk (2008)

La más olvidada del lote—al menos hasta la llegada de Capitán América: Brave New World—, quizá porque Bruce Banner estaba interpretado por Edward Norton en vez de Mark Ruffalo. Curiosamente, servía casi de secuela a la Hulk de Ang Lee, aunque tratara de reiniciar el personaje tras su fracaso comercial. Lo bueno es que en El Increíble Hulk, Louis Leterrier opta por un enfoque orientado a la acción, haciendo de Banner nuestro querido hombre atormentado mientras ofrece secuencias de guantazos impresionantes, y también de persecución, como la cacería en Brasil. La batalla de monstruos final es casi un preludio de los Kaijus del Mosterverse, con trompazos de alucine y “La masa” agarrando puertas de coches como arma. Cómo no amarla.

3. Capitán América: El primer vengador (2011)

Hay que echar un ojo a la reivindicable Rocketeer de Joe Johnston para entender su Capitán América: El primer vengador, ya que funciona como una película de aventuras viejuna con elementos de ciencia ficción casi Steampunk. La atmósfera evoca los seriales de aventuras de los años 40, abrazando completamente su naturaleza de cómic, pero el mayor descubrimiento fue Chris Evans, otrora Antorcha Humana en Los 4 Fantásticos, quien demuestra un entendimiento total del personaje, un Steve Rogers con una fuerza moral tan grande como su poder físico. Lo mejor es que el romance con Peggy Carter nos dejó la maravillosa serie Agent Carter con Hayley Atwell, con el mismo enfoque nostálgico. El convincente primer paso de una trilogía de oro.

2. Iron Man (2008)

Y aquí empezó todo. Iron Man es la película de origen perfecta, equilibrando desarrollo de personaje, espectáculo visual y construcción de mundo. Jon Favreau convirtió a Robert Downey Jr. en Tony Stark y viceversa, moldeando el alma del MCU que todavía muchos añoran. No hay recambio para el actor, porque su carisma desborda, su improvisación da matices a un millonario arrogante y todos sus chistes funcionan. Además, la peli se adelantaba millas al desarrollo de los efectos visuales digitales, y la secuencia de escape de la cueva sigue siendo una de las mejores de esta saga. Un hito que nadie vio venir y formó un estudio, un imperio y una época irrepetible.

1. Los Vengadores (2012)

La obra magna de Joss Whedon, habitual artificiero mayor de lo geek antes de su caída en desgracia, que logró que la culminación de cuatro años de construcción narrativa fuera una fiesta absoluta del primer al último minuto. Los Vengadores logró lo imposible equilibrando la importancia de seis protagonistas en una estructura de tres actos ejemplar que culmina en una las secuencias de acción más satisfactorias del cine de superhéroes. Todavía las películas y series de Marvel siguen recurriendo a la batalla de Nueva York, un modelo de cómo orquestar acción a gran escala con claridad narrativa, en una experiencia cinematográfica que era capaz de mezclar la experiencia pasada sin sentirse forzada. Irrepetible, incluso para otras secuelas adoradas como Vengadores: Endgame.

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Cuando pensamos en una superproducción animada, enseguida se nos vienen a la cabeza los logos de los grandes estudios en Hollywood. Que si Walt Disney Animation Studios, fundada por Walt Disney y Roy O en 1923, y con Blancanieves y los siete enanitos (1938) o Frozen: El reino del hielo (2013) detrás. Que si Pixar Animation Studios, fundada en 1986 y con el tremendo legado de películas en 3D CGI, de Toy Story (1995) a Buscando a Nemo (2003). El público gourmet incluso recordará el cañonazo que fue El viaje de Chihiro (2001) para levantar al Studio Ghibli.

Sin embargo, la película animada más taquillera de todos los tiempos no es ninguna de esas. Ni siquiera es Del revés 2 (2024), que hasta febrero ostentaba el honor. Ese mismo mes, la superproducción china Ne Zha 2 (2025) acababa superando la película de Disney-Pixar, convirtiéndose en la película de animación más taquillera de todos los tiempos, gracias sobre todo a los más de 1.890 millones de dólares, atención, recaudados sólo en China.

Según Deadline, se espera que la cinta cierre su impresionante recorrido este año por encima de los 2.200 millones, lo que la colocaría como la quinta película más taquillera de la historia a nivel mundial… De frente con los dos hijitos gigantescos de James Cameron, Titanic (1997) y Avatar: El sentido del agua (2022).

‘Ne Zha 2’, la película animada más taquillera de la historia, es un gigante audiovisual

Pero qué es Ne Zha 2, se preguntará más de un adulto despistado. Ne Zha 2 es la secuela directa de la película de animación china Nezha - El renacer de un dios (2019), otra rebienta-carteleras. Esta segunda parte sigue al joven héroe Ne Zha, quien, tras vencer su destino demoníaco en la primera entrega, se enfrenta ahora a una amenaza aún mayor: el retorno del Dios Demonio, una antigua entidad que amenaza con destruir el mundo. Para detenerlo, Ne Zha deberá formar una tensa alianza con Ao Bing, su antiguo rival e hijo del Rey Dragón: convirtiéndose de enemigos a aliados, con una búsqueda trepidante de por medio.

Nada nuevo bajo el sol, especialmente si tenemos presente la mitología bajo el personaje de Goku niño en Dragon Ball (1986). La irreverencia, el arco argumental y el juego entre acción, lacrimal y humor son también reconocibles: lo que nos sorprenderá como público occidental desacostumbrado es la espectacularidad visual de su propuesta. Y no sólo por el colorido del mundo de fantasía chino, sin miedo al dorado, al rojo y a un uso inmersivo de la cámara (ojalá Occidente animara así).

La película llevó casi cinco años de producción, involucró a más de 4.000 profesionales y 138 estudios de animación. Eso se traduce en 2.400 tomas con efectos especiales, más del doble que su predecesora, y en un un presupuesto alrededor de 600 millones de yuanes, unos 80 millones de dólares. No, no es tanto si pensamos en los presupuestos de las películas más caras de la historia: Star Wars: El despertar de la fuerza (2015) y Jurassic World: El reino caído (2018) ostentan el récord, con 447 millones y 432 millones respectivamente, ajustados a la inflación (todos estos rankings lo están).

‘Del revés 2’ pasa a ser la segunda película más taquillera de la historia

Del revés 2 consiguió la mayor recaudación mundial en taquilla de 2024 y ostentaba el título con la seguridad añadida que le confería el reconocimiento crítico de su antecesora, Del revés (Inside Out) (2015). Junto con Moana 2, fue el tercer título del año 2024 en superar este hito. Y la película de Disney-Pixar puede estar orgullosa, pues desde su estreno el 14 de junio, Del revés 2 ha acumulado la asombrosa cifra de 1.690 millones de dólares en todo el mundo. Ambas películas se han unido al club exclusivísimo de las películas de animación por encima de los mil millones de dólares, en el que ya figuran 55 títulos más.

Fijémonos en los grandes nombres que lideran esta lista. En total, once películas de animación han logrado superar la barrera de los mil millones en ingresos. Del revés 2 desbancaba a Frozen 2 (2019), que antes de la pandemia recaudó 1.462 millones, y a esta le sigue Super Mario Bros: La película (2023), con 1.300 millones. Contando el éxito arrollador de Del revés 2, Disney mantiene 4 de los 5 y 9 de los 12 primeros puestos del ranking de películas de animación más taquilleras de todos los tiempos. Entonces, ¿qué hace este título chino (además, ¡una secuela!) entre las huevos de oro del ratón Mouse?

El éxito del cine chino (de animación) en Occidente

Las películas chinas, en general, tienen un impacto bastante limitado en la taquilla de los países occidentales, dominada por Hollywood. Aunque el mercado chino ya es el más grande del mundo en ventas anuales de entradas, sus producciones rara vez consiguen destacar en Occidente y el Norte global, bastante más abiertos a los códigos y las caras habituales por diferencias culturales, la barrera del idioma y la falta de una promoción adecuada.

Por ejemplo, Wolf Warrior 2 (2017) fue una de las películas más taquilleras de la historia en China, con más de 870 millones de dólares recaudados, pero apenas logró 3 millones en Estados Unidos. La batalla del lago Changjin (2021), con más de 900 millones a sus espaldas en China, pasó prácticamente desapercibida en Occidente. Una discreción, la del gigante chino, que también atañe a las películas animadas.

El fenómeno de Ne Zha, de hecho, obtuvo en China más de 700 millones de dólares, si bien apenas llegó al millón y medio en Estados Unidos, a pesar de las buenas críticas. Si la animación china nos llega, es a través de plataformas y de festivales. La única excepción reciente, claro, es cuando las producciones chinas cuentan con estudios occidentales.

Por ejemplo, Un amigo abominable (2019) fue un mano a mano entre Pearl Studio (China) y DreamWorks que recaudó 189 millones en todo el mundo, de los cuales 60 fueron en EE.UU. ¿Cambiarán los 300 millones de dólares recaudados en Occidente por Ne Zha 2 el poco crédito que tiene el cine chino fuera de Asia?

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La familia más famosa del mundo de los tebeos está lista para unirse al Universo Cinematográfico de Marvel con el estreno de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos. Tras décadas de adaptaciones de esas de las que ningún fan quiere tener muñequitos, Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm llegan en un momento crucial donde el multiverso y las amenazas cósmicas definen el futuro de la franquicia. Para comprender el contexto en el que se desarrollará esta nueva versión no viene nada mal repasar ciertos títulos que establecen elementos que conectan con su historia. En JustWatch te ayudamos a encontrar todos estos títulos en streaming para preparar el regreso de estos icónicos superhéroes.

1. Cuatro Fantásticos (2015)

Quizá más que para los usuarios, este título es un buen recordatorio para saber qué no hay que hacer con una película de Cuatro Fantásticos. El proyecto de Josh Trank fue duramente criticado, pero además de tener una primera mitad que no merecía ese trato, ofrece ideas que pueden servir como contraste para la nueva versión del MCU. La exploración de la Zona Negativa y las consecuencias de experimentar con dimensiones alternativas establecen precedentes temáticos comunes en Marvel Studios, pero lo más morboso es comparar al Dr Muerte de esta y el que se avecina en Los Vengadores: Doomsday. También se puede consultar Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer, para ponerse al día de quién es el guardián estelar que también aparece aquí.

2. X-Men: Días del futuro pasado (2014)

La película de Bryan Singer no tenía multiversos, sino viajes en el tiempo que, sí, entablaban contacto con realidades alternativas que ahora son fundamentales en el MCU. La premisa de enviar a Lobezno al pasado para cambiar el futuro no es tan distinta a la de Endgame, pero en X-Men: Días del futuro pasado lo importante es cómo conviven dos X-Men diferentes en la misma película, algo que tendrá importancia en Doomsday, si atendemos a que medio reparto estará formado por los actores originales de las películas de Bryan Singer.

3. Doctor Strange en el multiverso de la locura (2022)

La secuela de Doctor Strange es un episodio esencial para comprender el estado actual del multiverso en el MCU, pero lo que nos importa aquí es la primera aparición de Reed Richards en el mundo de Marvel Studios, que además estaba interpretado por John Krasinski como una variante—o la versión verdadera—que hacía un guiño a los fans que le pedían como actor definitivo del personaje, pero tocaba Pedro Pascal porque está siempre a la vez en todas partes. El personaje salía en El Multiverso de la locura como miembro de los Illuminati, un grupo que puede que sea importante en la siguiente fase del universo.

4. Spider-Man: No Way Home (2021)

Ver a las tres generaciones de Spider-Man en el cine en una sola película estableció precedentes cruciales sobre cómo el MCU va a integrar las versiones alternativas de personajes conocidos. La mecánica de traer héroes y villanos de otras dimensiones es el marco teórico que permite esta nueva visión de los Cuatro Fantásticos, pero en Spider-Man: No Way Home también hay pistas sobre cómo funciona el posible mecanismo que facilite que veamos a los X-Men de los años 2000 en Doomsday, las apuestas están dos a uno a que salen en la secuencia post-créditos.

5. The Eternals (2021)

La película de Chloé Zhao introduce conceptos cósmicos y civilizaciones antiguas que son fundamentales para entender el universo expandido de Marvel, como el hecho de que la Tierra ha sido observada y protegida por seres ulteriores durante milenios, un contexto importante en Los Cuatro Fantásticos, pues la escala épica de las amenazas incluye a Galactus, el principal enemigo de la película, que ya había sido adelantado en Eternals a través del concepto de los Celestiales, que destruyen los planetas en los que se plantan, con lo que Galactus es muy parecido, un coloso que drena la fuerza vital de los planetas y ahora pone sus miras en la Tierra.

6. Deadpool y Lobezno (2024)

La llegada de Deadpool al MCU es un precedente importante en Marvel Studios ya que trajo a dos personajes de otro estudio manteniendo la esencia, con una dinámica entre Wade Wilson y Logan con el humor, acción y violencia esperable, pero integrando en la mitología de los multiversos con un equilibrio tonal que Primeros pasos podría adoptar para diferenciar a sus Cuatro Fantásticos de otras versiones. Además, Deadpool y Lobezno abre camino gracias a las muchas apariciones de mutantes y de la antorcha humana de Chris Evans, lo que es una divertida paradoja cuando su papel estrella en el universo que más conocemos fue el del Capitán América.

7. Loki (2021-2023)

La serie de Disney+ es un título fundamental para entender la teoría bajo la actual estructura del multiverso en el MCU. La introducción de la Autoridad de Variación Temporal y el concepto de variantes establece las bases sobre cómo pueden existir múltiples versiones de los mismos personajes en diferentes realidades, explicando de paso lo que es la Línea Temporal Sagrada y su destrucción, una riqueza conceptual que hace de Loki un pequeño libro de texto al que volver asiduamente cuando los arcos entrecruzados se pongan espesos.

8. Thunderbolts (2025)

Antes de ver cualquier película de Marvel es conveniente repasar la última estrenada, y esta es una pieza clave por su escena postcréditos, en la que una enorme nave espacial con un 4 gigante aparece aparentemente de la nada en el espacio, cerca de la Tierra, lo que nos da una idea de dónde acabará Los Cuatro Fantásticos: primeros pasos y quizá dónde empieza Los Vengadores: Doomsday. Con los propios Thunderbolts actuando como los Nuevos Vengadores, la película con Pedro Pascal seguramente detallará cómo y por qué el grupo de superhéroes viaja desde su mundo ambientado en los años 60 al del MCU que conocemos.

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Si te digo: “Imagina un nuevo Universo Cinematográfico”. Cierras los ojos y lo que se te ocurre es una historia bombástica, a lo grande y con fuegos artificiales. Esa es la razón por la que quizás habrás presupuesto que Superman (2025) podría ser la primera película perfecta para una nueva era en el Universo DC, ahora regido bajo la dirección de James Gunn.

¿Qué pasa? Que eso no es del todo correcto. Aunque Superman será el primer taquillazo del nuevo DCU, y aunque nazca con las expectativas de superar la recaudación de la última gran adaptación del hijo de Krypton en el cine, El hombre de acero (que ya fue el epítome del DCU anterior, por allá 2013), el universo DC de James Gunn como tal ya ha empezado. De hecho, la primera obra oficial dentro de esta nueva era es la serie animada Creature Commandos, de 2024.

Creature Commandos fue creada por el propio James Gunn, en torno a un grupo de presos no humanos que siguen haciendo el trabajo sucio de Amanda Waller (Viola Davis) bajo el nombre de Task Force M. Esta serie de animación marcaba en 2024 el inicio del nuevo DCU bajo el liderazgo de Gunn, como una secuela directa del desgraciado El escuadrón suicida (2021) y de El Pacificador (2022). Violenta, divertida e incluso emotiva, ya ha sido aprobada para una temporada 2.

El equipo de Creature Commandos incluye a Rick Flag Sr., Nina Mazursky, el Doctor Fósforo, Frankenstein, la Novia de Frankenstein, G.I. Robot y Mostela. Ni Batman ni Superman: esos son los primeros héroes del nuevo DCU. ¿Cómo te quedas?

Antes de ‘Superman’ vinieron ‘Creature Commandos’ y ‘El Pacificador’

Pero James Gunn llevaba un tiempo probando los efectos de su nueva fórmula superheroica. Nadie puede negar que su versión de El escuadrón suicida, un borrón y cuenta nueva bienintencionado sobre el Escuadrón suicida (2016) de David Ayer, ya sentaba el tono para un cambio de párrafo.

De hecho, también marcaba la diferencia para con la seriedad y la oscuridad excesivas de la anterior época de DC El Pacificador, un bobalicón John Cena que aparece brevemente en la nueva Superman. Aquella serie tenía un tono propio y muy característico de Gunn: gamberro, entrañable y sin ninguna vergüenza de venir de los cómics. Ambas eran como una especie de experimento piloto, dos títulos que nos dejaban ver por dónde irían los tiros en el futuro.

Además, personajes como la agente Emilia Harcourt (Jennifer Holland) o John Economos (Steve Agee), que ya conocimos en El Pacificador, han ido apareciendo en otras producciones recientes de DC, en una especie de transición suave entre el viejo universo DCEU (DC Extended Universe) y el nuevo DCU de James Gunn. Lo de probar a cortar por lo sano, a los grandes estudios, les ha salido mal en más de una ocasión: ¿alguien recuerda el fiasco de la Universal con el Dark Universe y La momia (2017)?

De hecho, será interesante contemplar cómo se adaptan los personajes que siguen en el DCU, como Viola Davis en el papel de Amanda Waller. Por otra parte, su protagonismo en Superman ya confirmaba la silla que el DCU tiene reservada a personajes como Guy Gardner (Green Lantern, interpretado por Nathan Fillion), la Chica Halcón (Isabella Merced), Metamorfo (Anthony Carrigan) o Mr. Terrific (Edi Gathegi). Seguramente volvamos a verles pronto…

‘The Authority’, ‘Supergirl’ y ‘La cosa del pantano’, tres películas clave del nuevo DCU

Superman tiene un lugar destacado en el primer capítulo del nuevo DCU, titulado Dioses y Monstruos (Gods and Monsters). Y lo dicho: si miramos atrás, comprobamos fácilmente que no es la primera piedra de nada, por mucho que nos abra un giro bastante obtuso en los eventos que anticipa. Ahora, ¿miramos adelante? Dentro de esta fase, ya se han anunciado otras películas clave.

Empezamos con The Authority, basada en el cómic de WildStorm, que presenta a un grupo de superhumanos con métodos algo más cuestionables que el héroe de Metrópolis y, en realidad, que la media superheroica. El reverso cínico del heroísmo, para contraponerse directamente con los ideales de Kal-El.

También está en desarrollo Supergirl: Woman of Tomorrow, prevista para 2026 y basada en el cómic de Tom King. Kara Zor-El (Milly Alcock) ya hizo su aparición en los últimos minutos de la nueva historia de su tío kryptoniano (¿la recordáis?) y, por lo desvelado por el propio Gunn, veremos al personaje en una versión algo más sombría: no por nada la película de Supergirl está dirigida por Craig Gillespie (Yo, Tonya).

Y por último, esperamos Swamp Thing. En palabras de Gunn, esta nueva adaptación de La Cosa del Pantano es “un film de terror gótico” capitaneado por el cineasta James Mangold (Un completo desconocido, 2024). Y Mangold viene asegurando que, a pesar de pertenecer DCU, su película no tiene nada que ver con los superhéroes. ¡Hay ganas!

Las series del nuevo DCU: ‘Waller’, ‘Linternas’ y ‘El Pacificador’

En paralelo a estas películas, está en marcha Waller, un spin-off centrado en Amanda Waller (Viola Davis), que servirá de puente entre El Pacificador y el resto de DCU. Se espera también una serie centrada en los Green Lanterns, titulada Linternas (2026), con Hal Jordan y John Stewart investigando una amenaza terrestre de alcance universal, pero siempre en clave noir.

Según Gunn, esta serie será fundamental para el desarrollo general de la trama del universo, por lo que la suponemos paralela (con sus diferencias) al rinconcillo que Daredevil (2015) y sus allegadas se reservaron dentro del Universo Cinematográfico Marvel.

Es decir, estemos pendientes de las series… Porque, de momento, seguimos sin noticias de la probable secuela de Superman y de la nueva versión de Wonder Woman, aunque podemos presuponer su existencia futura. Lo suponemos porque el adinerado Maxwell Lord, mecenas de la Banda de la Justicia, hacía su primera aparición en en Mujer Maravilla 1984 (2020), en las botas de Pedro Pascal, y reaparecía interpretado por Sean Gunn en la película de Superman. Y podría aparecer en la segunda temporada de El Pacificador. Más pistas, allí.

Dos Batman en el DCU, Pattinson y ‘The Brave and the Bold’

En cuanto al nuevo Batman, ya se ha confirmado una película titulada The Brave and the Bold, que presentará a Bruce Wayne junto a su hijo Damian Wayne como Robin (no, aún no hay un reparto sobre la mesa). Lo que sí sabemos es que esta versión del Caballero Oscuro será independiente del Batman de Robert Pattinson (que seguirá en su propia línea, Elseworlds), y formará un eje principal del DCU, con un Bruce entrado en años y más centrado en la dinámica familiar y en la Batfamilia.

Esta versión madura de Batman sigue la lógica de las últimas declaraciones de James Gunn, que explicó a The Times: “Hay tres cosas que no necesito volver a ver en una película de superhéroes. No necesito ver perlas en un callejón cuando matan a los padres de Batman. No necesito ver a la araña radiactiva mordiendo a Spider-Man. Y no necesito ver al bebé Kal saliendo de Kriptón en un pequeño cohete”.

El ejecutivo añadía, poniendo por ejemplo la muy reputada Buenas noches, y buena suerte (2005), “no necesitamos conocer los primeros años de vida de Edward R. Murrow para entender cómo se convirtió en periodista. ¿A quién le importa?”. Recogemos sus palabras para mirar adelante, en esta nueva etapa del Universo Cinematográfico de DC. Sin padres muertos, sin historias de origen y en general con tontos, pero sin tonterías.

¿Dónde puedo ver todas las películas y series del nuevo Universo DC?

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La lista es larga pero sencilla. Desde que en 1969 Doraemon tuviera su lanzamiento y su primer boom, pues el manga de Fujiko F. Fujio se publicaba simultáneamente en seis revistas diferentes, la serie no ha dejado de crecer y encontrar nuevos públicos. Así que resulta fácil perderse.

Pero si tenemos en cuenta que todo esto son “sólo” las aventuras de un niño muy inepto y del gato venido del futuro que le proporciona gadgets para tratar de solucionarle la existencia y, en fin, sabiendo que nada es sino autoconclusivo, podemos concluir que todo va a salir bien. El objetivo de esta lista de JustWatch es, por lo tanto, tratar de visibilizar la cantidad de Doraemon-tecnia disponible en nuestro país, antes que ordenar nada.

Doraemon (1979)

Doraemon tiene un anime anterior al de 1979, uno de 26 episodios que debe de correr por algún rincón oscuro de la red pero que, en realidad, no era más que una prueba para ver qué tan rentable era una adaptación ambiciosa de la franquicia a la pequeña pantalla. El resultado es Doraemon (1979), que se alargaría 26 años y acabaría teniendo 1787 episodios. En aquella época empezaron también las películas (la primera, Doraemon: Nobita’s Dinosaur, es de 1980), pero ninguna de aquellas está disponible para ver en plataformas. La estructura de la primera serie del Gato Cósmico es idéntica a la del reinicio (la fórmula funciona): Nobita tiene problemas, Doraemon trata de ayudarlo, algo sale mal. Sus colegas son muy dudosos. Al final, se resuelve. Hora de la merienda. Y así durante 27 temporadas.

Doraemon, el gato cósmico (2005)

La tecera y más reciente adaptación de la serie, Doraemon, el gato cósmico (2005), lleva casi 900 episodios a las espaldas, cuando se escribe este artículo. Han sido veinte años de reinado azul, que se han complementado, ahora sí, con cantidad de películas y especiales. Los presentamos abajo, sabiendo que dejamos huecos por toda la filmografía que no ha llegado a España. Al mismo tiempo, tened en cuenta que las películas dentro del canon de la nueva serie, no tienen ninguna pretensión canónica (tampoco las anteriores), por lo que podéis verlas cómo y cuándo más os apetezca. Al final, no son las tramas sino el carácter de esta criatura de cabeza melón bicolor –por cierto, el personaje más popular de Japón, superando a Godzilla– la que nos guía.

Doraemon y las mil y una aventuras (1991)

Las primeras películas de Doraemon las dirigió todas Tsutomu Shibayama, reconocido como gran padre del gato cósmico animado en las postrimerías de siglo (aunque también dirigió el anime de Ranma ½, en 1989). En Doraemon y las mil y una aventuras (1991), Nobita quiere escapar de su aburrida realidad, así que usa con Doraemon un libro mágico que los transporta a mundos basados en cuentos clásicos como Aladín y Simbad. Aunque, cómo no, las cosas se complican cuando unos ladrones reales se cuelan en la historia. Bien, Nobita, claro que sí. Hay genios, espadas, magia y muchas situaciones absurdas que solo podían salir de la imaginación de un niño pequeño con un gato del futuro. Una mezcla entrañablísima entre aventura clásica y caos total.

Doraemon y los piratas de los mares del sur (1998)

En Doraemon y los piratas de los mares del sur (1998), Nobita sueña con ser un pirata, y con la ayuda de Doraemon y sus inventos, él y sus amigos viajan al pasado para vivir una aventura en alta mar. Pero lo que empieza como un juego se complica cuando se topan con piratas de verdad tras un suculento tesoro escondido e incluso un científico medio chalado. Suneo, Gigante y Shizuka acaban navegando en galeones, sobreviviendo a tormentas y huyendo de enemigos con parches y loros. Nobita como capitán no da mucha confianza, pero entre todos se apañan. Shizuka sigue siendo la única que piensa con la cabeza, y Doraemon va salvando el día como un Ahab con cabeza azul.

Doraemon: Odisea en el espacio (Star Crush) (1999)

En inglés, no sé. Pero quien titulara esta película al castellano, triunfó. Esta vez, Nobita y compañía se lanzan al espacio con una nave que parece sacada de una peli retro de ciencia ficción. Conocen a criaturas espaciales, se meten en medio de una guerra interplanetaria y, por supuesto, todo se les va de las manos. Doraemon tiene que usar hasta el último gadget para que no terminen flotando eternamente en el vacío. En Doraemon: Odisea en el espacio (Star Crush) (1999) encontraremos acción, alta tecnología extraterrestre y se nos caerá alguna lagrimilla de gravedad cero. Eso sí, a Nobita se le nota que, al contrario de lo que proclama, no nació para ser astronauta.

Doraemon y el Imperio Maya (2000)

Esta es mi película favorita de niñe. Recuerdo sacrificar la edición ultra-deluxe de El rey león a un compañero de clase para, a cambio, conseguir su copia barata de Doraemon y el Imperio Maya (2000). ¿Tan buena es? Lo dudo. Nobita encuentra un misterioso anillo que transporta a todos sus amigos, a una civilización perdida, libremente inspirada en los mayas. Para cuando descubren que están en medio de una profecía, Gigante terminará empleándose como guerrero, Suneo creyéndose un nuevo rey y Nobita, como siempre, llornado. Ruinas, robots y mi copia barata de Doraemon y el Imperio Maya aún en la estantería.

Doraemon y el pequeño dinosaurio (2006)

Mientras Tsutomu Shibayama se tomaba un respiro (a la japonesa, porque siguió trabajando en Ninja Boy Rantaro, proyecto que había arrancado en 1993), Ayumu Watanabe lo sustituyó dirigiendo Doraemon y el pequeño dinosaurio (2006). En ella, Nobita encuentra un huevo de dinosaurio y lo cuida hasta que nace un pequeño futabasaurio (sí, no preguntéis) al que llaman Pisuke. ¿Podemos quedárnoslo? Evidentemente no. Pero como Nobita es así, el cariño termina con un lío jurásico. Para devolverlo, y con ayuda de Doraemon, el grupo viaja al Cretácico y para agravar el asunto, Nobita se pone en plan papá dinosaurio. Esta versión es un remake de la primera película de Doraemon, de 1980, no disponible en plataformas españolas.

Doraemon y los siete magos (2007)

Tsutomu Shibayama vuelve al patio para Doraemon y los siete magos (2007). A Nobita se le mete entre ceja y ceja que vivir en un mundo mágico sería mucho más divertido que el real (no nos extraña, un día hablamos de sus relaciones sociales). Doraemon, como siempre, le sigue el juego y todos acaban en una especie de universo paralelo lleno de brujería. Al principio se lo pasan como niños con zapatos nuevos, pero una organización siniestra (con, adivinad, siete magos) quiere invocar a un demonio ancestral y, claro, adivina quién termina en medio del lío. Con conjuros fallidos y monstruos por todas partes, el caos está asegurado.

Doraemon y el reino de Kibo (2008)

Sucedió a Tsutomu Shibayama, tras su retirada definitiva de la serie, el director Shigeo Koshi. Se le encargó Doraemon y el reino de Kibo (2008), un Avatar protagonizado por el gato azul y blanco. La cosa empieza cual extraescolar de primaria: con Nobita plantando una semilla que le da Doraemon. Pero esta no es una planta cualquiera, porque el tallo crece hasta vegetar todo un planeta. Todo verde, con criaturas curiosas y sin contaminación, la calma dura poco. Unos tipos con ganas de destruirlo todo llegan con maquinaria bestial. Y como siempre, todo pende de un hilo en manos de Nobita.

Doraemon The Hero: Pioneros del espacio (2009)

Yukiyo Teramoto se pone al mando en esta película donde Nobita, harto de que lo llamen inútil, quiere demostrar que puede ser un héroe. De ahí que el título, Doraemon The Hero: Pioneros del espacio (2009), sea más épico que nunca. La idea es rodar una película de ciencia ficción usando un estudio portátil de Doraemon, pero el set se convierte en realidad y acaban en otro planeta, en plena guerra intergaláctica. Mientras Gigante y Suneo se pelean por el protagonismo, Doraemon y compañía acaban satirizando alrededor de todos los lugares comunes de la alta ciencia-ficción. Para fans de Terry Pratchett.

Doraemon: La leyenda de las sirenas (2010)

Si las ideas para las películas de Doraemon parecen sacadas del índice de una biblioteca de géneros, es porque se hacían como churros. Ahora, por culpa de un invento acuático que se les va de las manos, los chicos acaban en el mundo secreto de las sirenas. Allí descubren que un conflicto con los tritones está a punto de estallar de nuevo. Entre batallas en el fondo del mar y criaturas de lo más extrañas, en Doraemon: La leyenda de las sirenas (2010), al sireno Nobita le toca correr (o nadar) por su vida. Kôzô Kusuba dirige esta aventura submarina.

Doraemon en busca del escarabajo dorado (2012)

En Doraemon en busca del escarabajo dorado (2012), la susodicha búsqueda empieza como una simple excursión para buscar insectos, pero claro, tratándose del cazabichos Nobita, la tranquilidad del campo no dura mucho. Al encontrar un escarabajo legendario en una isla misteriosa, él y sus amigos se ven envueltos en una antigua disputa entre tribus y guardianes mágicos. La isla en la que terminan parece sacada de un videojuego, con trampas, templos ocultos y criaturas enormes que no están para bromas. Dirigida por Kozo Kusuba, es una remezcla improbable entre las aventuras y la enciclopedia coleccionable que encantará, como dicen, a toda la familia. Poned mosquitera.

Doraemon: Nobita’s Secret Gadget Museum (2013)

¿Pero quién le ha robado el cascabel a Doraemon? Whodunnit!! Tenemos ya una historia de detectives, con Kazuaki Imai al frente. Nobita, que no quiere verle deprimido, decide investigar con sus amigos. Una tropa de Holmes algo disfuncional, que termina en un museo donde se guardan todos los inventos del futuro, por donde anda un ladrón suelto. Entre pasadizos, gadgets olvidados y pistas por resolver, en esta película hay tantísimas referencias a inventos clásicos de la serie de 1979 que Doraemon: Nobita’s Secret Gadget Museum (2013) se convierte en un imprescindible para emitir nuevos carnets de fan.

Doraemon y el reino perruno (2014)

¡Guau! Kazuaki Imai repetía como director (por cierto, de él buscad el mediometraje de Anime Mirai: Paroru no Miraijima (Paroru's Future Island), que es oro). En guion, los coletazos habituales: Nobita adopta a un perrito callejero sin que su madre se entere y lo cuida en secreto hasta que Doraemon propone llevarlo a un planeta donde los perros tienen su propia civilización (¿recordáis cuando trató de secuestrar a un dinosaurio?). El problema es que llegan justo cuando se está cocinando una rebelión contra los humanos. Nobita intenta ayudar, pero su diplomacia perruna hace aguas. En fin, Doraemon y el reino perruno (2014). Lo mejor del film es cuando Gigante se pelea con un perro gigante.

Quédate Conmigo, Doraemon (2014)

Ojo con la nostalgia. Ryūichi Yagi y Takashi Yamazaki dirigieron Quédate Conmigo, Doraemon (2014), la segunda película más taquillera de Japón en 2014. Y Takashi Yamazaki quizás os suene por Godzilla Minus One (2023). Quédate Conmigo, Doraemon es distinta a las demás: incorpora la animación 3D y una origin story que va directa al lacrimal. Aquí vemos cómo Doraemon llega por primera vez a la vida de Nobita, enviado desde el futuro para ayudarle a cambiar su destino. Poco a poco se van haciendo inseparables, y cuando parece que Nobita por fin puede valerse por sí mismo, Doraemon debe marcharse. Menos gadgets, más corazón.

Doraemon y el nacimiento de Japón (2016)

Volvemos a la fórmula género clásico con intervención gatuna: tras una enésima bronca, Nobita quiere huir de casa (no nos extraña), así que propone escapar al pasado. Pero claro, no se conforma con “un poco al pasado”... Tiene que ir unos 70.000 años atrás. Doraemon acepta, como el adulto irresponsable que es, y junto con Shizuka, Gigante y Suneo montan su propia civilización prehistórica. Si os gustó Ice Age: La edad de hielo (2002), en Doraemon y el nacimiento de Japón (2016) encontraréis peleas tribales semejantes, algunos animales descomunales y todo mezclado con un montón de inventos del siglo XXII.

Doraemon y la gran aventura en la Antártida (2017)

Ideal para ver bajo una ola de calor. Atsushi Takahashi dirigía Doraemon y la gran aventura en la Antártida (2017), otro viaje: Nobita no aguanta más el calor del verano, así que Doraemon lo lleva directo a la Antártida. Allí encuentran un anillo misterioso enterrado en el hielo, que arranca una historia que va saltando entre épocas y glaciares. Aparecen ruinas congeladas, artefactos de otro mundo y un antiguo secreto que podría destruir la Tierra. A pesar de los pingüinos y los portales temporales, mejor andar con ojo con el tono, porque acaba siendo bastante más serio de lo esperable.

Doraemon y La Misteriosa Isla Del Tesoro (2018)

Es la tercera película de Doraemon por Kazuaki Imai, también al cargo de la serie. Esta vez Nobita se obsesiona con encontrar un tesoro real, así que embarca a todo el grupo en un crucero… Que, cómo no, acaba muy lejos de ser un viaje tranquilo. Doraemon y La Misteriosa Isla Del Tesoro (2018), ahijada veinte años posterior de Doraemon y los piratas de los mares del sur (1998), depara mapas secretos y piratas con intenciones dudosas. Otra perla para gourmets del anime: la fuente inagotable de memes que es Suneo, que en esta ocasión pasa medio viaje a punto de vomitar.

Doraemon y el viaje a la luna (2019)

Faltaba viajar a la Luna, pero esto se soluciona rápido. Primero. Nobita afirma que hay vida en la Luna y todo el mundo se ríe de él. Bueno. Luego, para que el niño no quede mal, Doraemon decide crear una civilización lunar ficticia, que termina no siendo tan ficticia. Digo… Hay conejos lunares, naves espaciales, Nobita llorando a gravedad cero y una mezcla algo curiosona de ciencia ficción y fantasía. En fin, ahora que no nos digan que el aterrizaje a la Luna fue el invento de un felino intergaláctico. Doraemon y el viaje a la luna (2019) fue dirigida por Shinnosuke Yakuwa, al que después hemos aplaudido por Totto-chan, aventuras desde la ventana (2023).

STAND BY ME Doraemon 2 (2020)

Quédate Conmigo, Doraemon (2014) debía ser un one-shot, pero sus resultados en taquilla hicieron que la gallina de los huevos de oro saliera del corral una segunda vez. STAND BY ME Doraemon 2 (2020). Esta secuela vuelve a la fórmula de los viajes en el tiempo para hacernos una limpieza de cutis emocional. Aquí Nobita regresa al pasado para volver a ver a su abuela, quien siempre soñó con asistir a su boda. A partir de ahí, se enredará con su “yo” adulto y con el miedo de no estar a la altura de su futuro, mientras Doraemon intenta que la línea temporal no se desmonte del todo.

Doraemon: Nobita’s New Dinosaur (2020)

Kazuaki Imai volvía por cuarta vez en la segunda película pandémica del gato japonés, la primera después de la llorera (la nuestra) de STAND BY ME Doraemon 2. En Doraemon: Nobita’s New Dinosaur (2020), Nobita acaba incubando dos pequeños dinosaurios gemelos, Kyu y Myu (recordemos la existencia de Pisuke, pobre Pisuke). A escondidas los cría como puede, pero cuando se hacen demasiado grandes, toca devolverlos a su época. El problema es que otros humanos del futuro también están viajando al Cretácico, y no precisamente con buenas intenciones. Doraemon acaba haciendo de niñera jurásica, porque Nobita sigue con su síndrome de papá por deconstruir.

Doraemon: Nobita’s Sky Utopia (2023)

En Doraemon: Nobita’s Sky Utopia (2023), nuestro querido Nobita, esbroncado, reza con encontrar lugar perfecto, una utopía sin problemas, exámenes ni bullying. Y como siempre, Doraemon saca un invento que lo lleva, junto a los demás, a Paradapia: una ciudad flotante en el cielo donde todo parece ideal. Pero claro, algo tan perfecto huele raro. Naturalmente detrás de esa armonía se esconden dinámicas sociales bastante inquietantes (un ensayo sobre la libertad en Matrix en una película de Doraemon, sí). Nobita se ve atrapado entre la tentación de quedarse y la necesidad de luchar por lo que es real, por mucho que duela. Auch.

Doraemon the Movie: Nobita's Art World Tales (2025)

La película 44 de Doraemon se estrenó en marzo de este año, de la mano –ojo– de Ryūtarō Nakamura (el responsable de Serial Experiments: Lain). Nobita suspende otra vez Dibujo (nadie como él) y acaba quejándose de que el arte no sirve para nada. Para abrirle la mente, Doraemon lo lleva a un mundo donde las obras de arte cobran vida. Literalmente. Glups. En Doraemon the Movie: Nobita's Art World Tales (2025) paseamos por lienzos clásicos y nos colaremos en castillos impresionistas, mientras el pobre chaval (Nobita) trata de parar a un villano que quiere re-escribir la Historia del arte.

¿Dónde puedo ver todas las temporadas y películas de ‘Doraemon’?

Cógete algo para picar porque, si te pones en serio, el viaje es largo. Para descubrir todas las temporadas y películas de Doraemon disponibles en plataformas en España, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch, aunque aquí hemos pasado por alto bastantes de las primeras películas de la saga. No son canónicas y no están disponibles en plataformas, por lo que resultan de visionado opcional y para muy cafeteros.

Por lo demás, puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Aparte de su archiconocido humor ácido, la profunda crítica social o sus cientos de capítulos, Los Simpson destaca por su capacidad para empujarnos a tener sentimientos por sus personajes. Si bien sus capítulos suelen hacernos reír, a veces el bueno de Matt Groening nos cuela alguna que otra tragedia que nos ha dejado tocados.

Por eso, y a modo de repaso, a continuación te contamos cuáles han sido los personajes que han pasado a mejor vida en la serie. Muertes que, aunque sean de dibujos animados, nos han dolido en el alma. Ojito porque si no has visto todas las temporadas, las siguientes líneas contienen spoilers.

Bleeding Gums Murphy (Temporada 6)

Se trata del mentor musical de Lisa Simpson, que muere en el episodio titulado "Round Springfield", donde se tocan temas como la pérdida, el legado y la conexión emocional y espiritual. La muerte de Bleeding Gums Murphy permite a Lisa homenajearlo con una actuación en la radio. Este personaje es el ejemplo de cómo los sueños pueden estar vivos aunque los cuerpos no estén presentes, y su adiós en la serie dejó una enseñanza emocionante a través del jazz.

Frank Grimes (Temporada 8)

Aunque Frank Grimes solo aparece en un capítulo de la octava temporada de Los Simpson, su muerte resultó ser una de las más icónicas de la serie. El episodio, titulado Homer's Enemy, presenta a Grimes como el hombre común que se esfuerza, y que contrasta con la mediocridad y suerte de Homer. Sin embargo, termina electrocutado al intentar demostrar lo absurdo del mundo de Springfield. 

Su muerte representa cómo la lógica no tiene huevo en el universo de la serie y dejó una huella duradera en muchos fans de Los Simpson.

Maude Flanders (Temporada 11)

Llegamos a una de las muertes más inesperadas y comentadas de Los Simpson: la de Maude Flanders (la esposa de Ned Flanders). Su presencia, junto a la de su marido, aportaba equilibrio y servía de contrapeso al caos que generaban Homer y su familia. Su fallecimiento llega en el capítulo "Alone Again, Natura-Diddily", cuando cae desde las gradas tras ser alcanzada por una lluvia de camisetas disparadas por cañones promocionales. 

Snowball II (Temporada 15)

En la decimoquinta temporada de la serie ocurre la muerte de la gata de la familia Simpson, que muere atropellada en el capítulo "I, (Annoyed Grunt)-Bot", un episodio que juega con el absurdo al introducir varias muertes felinas y terminar con una Snowball V, que en realidad se llama Snowball II, para no tener que rehacer los títulos. De esta forma se produce una crítica divertida a la continuidad de la serie, pero que también toca la pérdida de una mascota muy querida.

Amber Simpson (Temporada 16)

Quizás algunos no se acuerden de ella, pero Amber fue una esposa accidental de Homer durante una borrachera en Las Vegas. Aunque su personaje no era recurrente en Los Simpson, su muerte por sobredosis en el episodio "Thank God It’s Doomsday" dejó una marca sobre el lado más oscuro del humor de la serie. Su aparición y despedida representan la banalidad de algunos vínculos en la vida de Homer Simpson.

Mona Simpson (Temporada 19)

La madre de Homer, Mona Simpson, llevó adelante una vida marcada por el activismo y el abandono familiar. Aunque su regreso a la serie fue siempre circunstancial, sus apariciones estaban cargadas de simbolismo. En el episodio de la decimonovena temporada "Mona Leaves-a", ella muere mientras Homer duerme, dejando una última misión ecológica para él. Su pérdida nos permitió explorar la relación rota entre madre e hijo, y cómo Homer lidia con el dolor de su muerte y el perdón. 

Fat Tony (Temporada 22)

Es uno de los personajes más recurrentes en los memes de Los Simpson. Fat Tony es el jefe mafioso de Springfield, que muere de un infarto en el capítulo "Donnie Fatso". Aunque su personaje es reemplazado por su primo Fit Tony (el cual termina engordando y convirtiéndose en el nuevo Fat Tony), la muerte del original supuso el final de un personaje que representaba la corrupción en la ciudad de Springfield.

Rabbi Hyman Krustofsky (Temporada 26)

Aunque es cierto que su hijo es más importante en Los Simpson que él, la muerte del padre de Krusty el Payaso fue uno de los puntos más álgidos de la temporada número 26. Krustofsky fallece en el episodio "Clown in the Dumps", justo cuando su relación con su hijo comenzaba a mejorar. Su muerte permitió ver a Krusty mostrar una faceta más humana y vulnerable, algo que supuso un punto de inflexión para su hijo..

Jacqueline Bouvier (Temporada 32)

Por el lado de Marge Simpson también ha habido muertes, como es el caso de su madre de Marge y abuela de los niños Simpson, Jacqueline Bouvier. Esta muere en el capítulo "Mother and Child Reunion", y aunque su rol fue siempre esporádico, su presencia era trascendental para entender cómo criaron a Marge y su pasado familiar. 

Su fallecimiento afecta de forma emocional tanto a Marge como a Lisa, que ve en su abuela una figura de autoridad y tradición.

Larry (Temporada 34)

La taberna de Moe fue testigo de muchas borracheras de Homer, y también de una de las muertes más tristes de la serie: la de Larry, uno de los amigos inseparables de Barney. Larry muere en el capítulo titulado "The Many Saints of Springfield" y aunque es cierto que se trataba de un personaje secundario, su presencia constante en el bar lo erigió como parte del ecosistema de Los Simpson. 

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15 de noviembre de 1990, la historia de la televisión cambió para siempre con el estreno en prime time de Twin Peaks, o la colisión entre la cultura pop masiva, el mainstream, y el personal y extraño mundo de David Lynch. En esta lista encontrarás todas las series, películas y rarezas del universo Twin Peaks, así como las plataformas dónde verlas por orden, para no salir de la habitación roja en una buena temporada.

‘Twin Peaks: Fuego camina conmigo’ (1992)

Es difícil saber qué efecto tendría la injustamente infravalorada Twin Peaks: Fuego camina conmigo en un espectador que no habría visto todavía la que bien podría ser la serie más fenomenal de todos los tiempos. Pero lo cierto es que los acontecimientos que narra esta película se desarrollan, primero, un año antes de la muerte de Laura Palmer, cuando los agentes interpretados por Chris Isaak y Kiefer Sutherland investigan el misterio de Teresa Banks, con el propio Lynch, como el jefe del FBI. La segunda parte salta a los últimos días de Laura Palmer. 

‘Twin Peaks: Las piezas desaparecidas’ (2014)

Desde el estreno de la película se rumoreó que mucho material se había quedado en la sala de montaje. Twin Peaks: Las piezas desaparecidas es un montaje de esas escenas eliminadas que permite reencontrarnos con personajes de la serie que no estaban en la película, disfrutar de más escenas alucinadas de David Bowie, o asistir a una comida en casa de los Palmer. Cronológicamente, transcurre en un tiempo paralelo al de la película, aunque, al igual que esta, es mejor verlo después de la serie para acorazarse contra los spoilers, y entender algo más del delirio visual que se despliega ante nuestros ojos. 

‘Twin Peaks’ (1990/91)

David Lynch y Mark Frost revolucionaron la pequeña pantalla con la serie que llegó envuelta en las atmosférica melodía de Angelo Badalamenti. El mundo entero se preguntó: ¿Quién ha mató a Laura Palmer? Ella fue la chica más popular de un pueblo imaginario llamado Twin Peaks en el que todo el mundo parece tener algo que ocultar. El cineasta, que dirigió personalmente seis de los 28 episodios de la primera y segunda temporada, incluyendo el mítico capítulo final, estaba menos interesado en revelar el asesino que en la puesta en escena de su universo onírico, entre las habitaciones de pesadilla y el humor surrealista.  

‘Twin Peaks: The Return’ (2017)

¿Quién podía prever que 25 años después de que Laura Palmer nos dijera mirando a cámara que volveríamos a verla eso acabaría ocurriendo de verdad? Y así fue. El agente Cooper, como siempre interpretado por Kyle MacLachlan, regresó, desdoblado con un alter ego clavado a Bob, para guiarnos por el retorcido, hipnótico y desafiante universo de Twin Peaks: The Return: dieciocho horas que prácticamente equivalen al metraje de todas sus películas anteriores y que pusieron completamente de acuerdo sobre su explosiva excelencia tanto a la crítica, como a sus fans, como al público en general. Una bomba atómica. 

‘¿Tienes fuego?’ (2025)

El título puede parecer un chiste entre lo lynchiano y lo banal, pero ¿Tienes fuego? es una de las mejores maneras de revisitar cronológicamente el universo de David Lynch, diáfanamente analizado por el crítico Alejandro G. Calvo, como siempre secundado por su realizadora y montadora Verónica Melguizo, para resituar la serie, la película y el comeback, dentro de la filmografía del maestro que se despidió con una auténtica obra maestra. Así recordaremos que Lynch dirigió Corazón salvaje, mientras cedía los mandos de Twin Peaks, o hasta qué punto la crítica fue injusta en Cannes con Fuego camina conmigo. 

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James Gunn ha hecho de todo. Desde sus inicios en Troma Entertainment hasta desempeñar la ideación de los nuevos grandes taquillazos del cine de superhéroes, como la reciente Superman (2025), la carrera de Gunn resulta tan amplia que a menudo se nos escapa… Y acabamos pensando en él como “sólo” el tío de Guardianes de la galaxia (2014).

Pero como guionista, director y productor, ha guiado algunos de los mayores éxitos cinematográficos y televisivos de nuestro siglo (cuando no se ha metido en embarrados por redes sociales), y por ello ahora comparte la dirección de DC Studios con Peter Safran.

Por lo tanto, la intención de esta lista no es ordenar diez títulos dispares de forma acartonada, sino descubrir los otros James Gunn que quizás no sabías que existían.

Scooby-Doo (2002)

Antes de ponerse a dirigir, Gunn empezó como guionista. Tras trabajar en varias pelis de bajísimo presupuesto en la mítica Troma, consiguió su primera gran oportunidad escribiendo la adaptación al cine de Scooby-Doo (2002). Sí, aquella película que recordamos de nuestra infancia, con Freddie Prinze, Jr. y Sarah Michelle Gellar como Fred y Daphne, y con Matthew Lillard como Shaggy. A diferencia de la más simple Scooby-Doo 2: Monstruos desatados (2004), también escrita por Gunn, la primera es una mezcla de humor muy adulto y bobaliconadas monas. Sigue siendo una película de estudio, pero me apuesto algo a que no sabías que Gunn estuvo detrás de ella…

Amanecer de los muertos (2004)

Aunque con Scooby-Doo Gunn dio con su primer taquillazo, lo cierto es que el guion de Amanecer de los muertos (2004) encajaba mucho mejor con lo que ha sido su estilo posterior. A oesar de que dirigiera Zack Snyder, el remake del clásico de zombis de George A. Romero, Zombi (1978). En ella, ya vemos el humor y el cruce entre la comedia y el espasmo que luego se volverían marca de la casa. Gunn acertó al no intentar copiar la película original y, en su lugar, partir de la idea básica y crear sus propios personajes, el centro de la narrativa. Su forma de escribir encajaba muy bien con la dirección llamativa de Snyder, y el resultado fue un remake sorprendentemente sólido.

Super (2010)

Antes de Superman (2025) vino… El hijo (2019), sí, que Gunn produjo y que veía cómo una pareja de granjeros de Kansas crian a un alienígena llegado de allá fuera. Un bicho con poderes como Clark, pero con un sistema moral, bueno, dudoso. Y antes de aquella, llegó una película de bajísimo presupuesto y en clave de comedia negra. Al estilo de Kick-Ass: Listo para machacar (2010) o The Boys (2019), Super (2010) sigue a un tipo (Rainn Wilson, de The Office) que viste una máscara de superhéroe para recuperar a su mujer, que lo ha dejado por un traficante de drogas. Kevin Bacon interpreta a su triste archi-enemigo y Elliot Page da vida a su side-kick, y el conjunto es una fiesta de la nostalgia como pocas.

Slither: La plaga (2006)

Gunn debutó como director con la menos conocida Slither: La plaga (2006), sobre un pueblo invadido por parásitos alienígenas, entre El terror no tiene forma (1988) y La cosa (El enigma de otro mundo) (1982). Es comedia negra más body horror y gore en clave de ciencia-ficción, todo un homenaje a las pelis serie B de los años 80. Michael Rooker y Nathan Fillion acabarían siendo parte de su “reparto de confianza”. Los efectos prácticos y el maquillaje corrieron a cargo de Todd Masters, el maestro de Historias de la cripta (1989) o Profecía maldita (1979). Las tripas, en las mejores manos.

Creature Commandos (2024)

Después de lo que pasó en El escuadrón suicida (2021), a Amanda Waller (Viola Davis) le prohíben usar prisioneros humanos para misiones secretas… Oh. ¡Pero! Nadie dijo nada sobre usar monstruos. Ahí es donde entran los Creature Commandos (2024), un grupo de presos no humanos que siguen haciendo el trabajo sucio de Waller bajo el nombre de Task Force M (en lugar de X). Esta serie de animación marca el inicio del nuevo DCU bajo el liderazgo de James Gunn, y es una secuela directa de ese desgraciado escuadrón y de El Pacificador (2022). Violenta, divertida e incluso muy emotiva, resulta tan fácil de ver que hará que su segunda temporada, ya aprobada, parezca dolorosamente futura.

El experimento Belko (2016)

Después de hacer la película más grande de su carrera (no podéis adivinar cuál, ¿verdad?), Gunn optó por guionizar y producir un thriller más pequeño sobre un grupo de 83 oficinistas expatriados obligados a matarse entre sí en una oficina en Bogotá. El experimento Belko (2016), demasiado bruta para ser comedia y demasiado cómica para el terror, es imperfectísima pero también la clave que demuestra que Gunn está lejos de ser amedrentado por el sistema de estudios. Para fans de la sátira social rompecabezas (literal) de Elevator (2013) o Escape Room (2017).

Guardianes de la galaxia (2014)

Las películas más grandes de la carrera de Gunn, cómo no, son Guardianes de la galaxia (2014), junto con sus secuelas Guardianes de la galaxia Vol. 2 (2017) y Guardianes de la Galaxia (vol. 3) (2023). Y para televisión súmale Guardianes de la Galaxia: especial felices fiestas (2022), de paso. En 2014, las películas de Marvel estaban imprimiendo dinero con cada estreno (¡tiempo ha!), y al anunciarse la primera de Guardianes de la galaxia todes pensamos que finalmente era hora del primer gran fracaso. Bueno. Seguro que todavía puedes recordar a Chris Pratt bailando al ritmo de Come and Get Your Love. Así bailó esa trilogía entre carteras.

El escuadrón suicida (2021)

Luego sucedieron los tweets y Marvel dijo “hasta luego cocodrilo” a su cineasta, que al cabo de poco fichó DC. Le querían para El escuadrón suicida (2021), un borrón y cuenta nueva a partir de la Escuadrón suicida (2016) de David Ayer. Gunn llenó su reparto con algunos de los personajes más raros de DC que pudo encontrar (el Hombre de Lunares, The Detachable Kid, Mostela) y los soltó en una isla con un oscuro secreto. A DC claramente le gustó lo que James Gunn hizo con la franquicia, porque su trabajo con el Escuadrón suicida lo llevó a ser contratado como el jefe creativo del estudio en octubre de 2022.

El Pacificador (2022)

La crítica aprueba: El Pacificador (2022) es la nata de la carrera de Gunn, una serie de acción-humor que sigue al superhéroe encarnado por John Cena después de los eventos de El escuadrón suicida (2021). Do You Wanna Taste It? de Wig Wam nos da la bienvenida cada episodio a las desventuras de un John Cena en pleno lucimiento actoral y cómico, indagando en otros personajes de reparto de la propia Task Force X. Aunque Gunn tiene mucho mérito por el éxito de El Pacificador (2022), en principio el cineasta quería que Dave Bautista interpretara al señor del casco raro en El escuadrón suicida. ¿Suerte? que el actor de Drax lo rechazó para participar en Ejército de los muertos (2021) de Zack Snyder.

Superman (2025)

A finales de 2022, James Gunn y Peter Safran anunciaron un reinicio completo del Universo DC en el cine. La primera película ha sido Superman (2025), escrita y dirigida por Gunn, con un bastante desconocido David Corenswet como protagonista. Tras los retrasos por las huelgas de actores y guionistas, el rodaje acabaría arrancando apenas meses atrás, y hoy llega como la película del verano. Esta nueva versión introduce a Superman en un mundo donde ya existen otros superhéroes, como Mister Terrific (Edi Gathegi), Hawkgirl (Isabela Merced), Metamorpho (Anthony Carrigan) o Guy Gardner (Nathan Fillion). Rachel Brosnahan y Nicholas Hoult son Lois Lane y Lex Luthor, respectivamente, y estamos encantades con el resultado.

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En reserva, “para muy cafeteros”, nos hemos dejado perlitas de culto como Tromeo y Julieta (1996). Para descubrir más películas y series de James Gunn disponibles en España, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

No estamos ni empezando a aclimatarnos en el verano y ya ha empezado la temporada de premios, que llega con las nominaciones a los Emmy 2025, y su reconocimiento a lo mejor—y más popular—de la televisión. Las series que compiten por estos galardones están repartidas por las principales plataformas de streaming, desde Netflix o HBO Max, hasta Apple TV+ y Amazon Prime Video, que cada vez pisan más fuerte. Con éxitos como El estudio, El Pingüino o Separación. En esta guía te ayudamos a localizar dónde ver cada una de las nominadas en las categorías principales divididas en tres bloques: mejor serie de comedia, mejor serie dramática y mejor serie limitada.

Mejor serie de comedia

1. Colegio Abbott

Nominaciones: 6

Colegio Abbott presenta el día a día de un grupo de profesores en una escuela primaria de Filadelfia con escasos recursos, narrado en el formato mockumentary marca The Office. La serie combina humor inteligente con temas sociales, mostrando cómo los educadores se las apañan pese a las limitaciones del sistema educativo público americano. Quinta Brunson, creadora y protagonista, ofrece autenticidad en el retrato realista que esquiva el cinismo típico de muchas comedias de entornos laborales.

2. The Bear

Nominaciones: 13

Sigue siendo raro ver The Bear en categoría de comedia, con su retrato intenso e hiperrealista del mundo culinario, mostrando el estrés constante, la presión y una melancolía que sigue hasta su cuarta temporada. Sin embargo, la historia de Carmy, un chef de alta cocina que regresa a Chicago para hacerse cargo del restaurante de bocatas que heredó de su hermano fallecido, sigue enganchando gracias a Jeremy Allen White. El actor ofrece una interpretación compleja de un chico que lidia con el duelo, la ansiedad y una responsabilidad que no buscaba.

3. Hacks

Nominaciones: 14

Cuatro temporadas y Hacks sigue enganchando con su humor intergeneracional, y es que el personaje de Deborah Vance, una comediante veterana de Las Vegas, es uno de los grandes hallazgos televisivos recientes. El gancho es su relación con Ava, una joven guionista de Los Ángeles que necesita revitalizar su carrera, y a través de ellas nos cuenta cómo afecta el envejecimiento en la industria del entretenimiento, la situación del humor actual y los límites de la creatividad. Pero si tienes que verla por un motivo, ese es Jean Smart, una actriz que ya ha hecho suyo el personaje.

4. Nadie quiere esto

Nominaciones: 3

Nadie quiere esto se la juega con una historia de amor algo poco convencional entre Joanne, una podcaster agnóstica, y Noah, un rabino progresista. Diferencias culturales y religiosas tratadas con humor y tacto, encontrando la conexión entre dos mundos aparentemente incompatibles. Además, repartazo, nada menos que con Kristen Bell y Adam Brody sorteando estereotipos típicos de las comedias románticas que se han metido en el bolsillo a la crítica.

5. Solo asesinatos en el edificio

Nominaciones: 7

Sigue empujando Solo asesinatos en el edificio en su eterna lucha con Hacks y The Bear, en otra temporada de los entrañables tres vecinos obsesionados con los podcasts de crímenes. Steve Martin, Martin Short y Selena Gómez son un trío protagonista inseparable en una de las pocas de la categoría que pueden llamarse comedia con mayúsculas, aunque el misterio te mantiene enganchado con giros argumentales siempre creativos que revitalizan el formato de investigadores de medio pelo. Una pena que pasen de la sublime Poker Face.

6. En terapia

Nominaciones: 7

En terapia combina humor con temas menos divertidos sobre salud mental o la pérdida. Harrison Ford es el mentor de Jimmy, un terapeuta que decide dejar de lado la ética profesional y comenzar a decir exactamente lo que piensa a sus pacientes. Jason Segel, que también es cocreador de la serie junto a Bill Lawrence y Brett Goldstein, ofrece una interpretación vulnerable de un hombre que lidia con su propio duelo mientras trata de ayudar a otros.

7. The Studio

Nominaciones: 23 

La revelación del año y, lo siento por las demás candidatas, también favorita a arrasar este año. The Studio ha hecho de su mirada satírica al mundo de Hollywood un arte en plano secuencia, la industria vista a través de los ojos de un ejecutivo de estudio ahogado en las nuevas exigencias de la era del streaming. Las tensiones entre el arte y el negocio se rasgan en medio de los mecanismos internos de la factoría de entretenimiento más grande del mundo, una traca de gags por minuto geniales y personajes de los que quieres ver muchas temporadas ¡Gracias Sal Saperstein!

Mejor serie dramática

1. Andor

Nominaciones: 14 

Andor nos cuenta los orígenes de la Rebelión contra el Imperio en el universo de Star Wars, siguiendo a Cassian Andor cinco años antes de los eventos de Rogue One. La serie se distingue de otras del universo por su enfoque maduro y realista, explorando temas políticos complejos como la resistencia, el sacrificio y el costo real de la libertad. Diego Luna retoma su papel y muestra la evolución de un hombre ordinario hacia un héroe de la facción rebelde acompañado de una producción cinematográfica y una narrativa densa.

2. La diplomática

Nominaciones: 2

La diplomática sigue a Kate Wyler, una diplomática estadounidense que debe navegar por crisis internacionales mientras maneja los desafíos de su matrimonio con otro diplomático. Keri Russell es una mujer que equilibra las demandas de la política internacional con las relaciones personales en un mundo de poder, ambición y compromiso que combina tensión política con drama, mostrando cómo las decisiones personales pueden tener consecuencias globales.

3. The Last of Us

Nominaciones: 16

Pese a que no ha gustado tanto como la primera temporada, The Last of Us vuelve a gustar en los premios en su segunda, que adapta la segunda parte del aclamado videojuego, presentando un mundo post-apocalíptico donde un hongo ha convertido a la mayoría de la humanidad en criaturas infectadas. Pedro Pascal y Bella Ramsey siguen protagonizando esta historia de supervivencia que se ha esmerado en llevar la fidelidad al material original como bandera, aunque expande y profundiza en los elementos emocionales de las relaciones humanas en medio del caos, más allá de sus generosos elementos de horror y acción.

4. Paradise

Nominaciones: 4

Sterling K. Brown regresó a la televisión en esta serie distópica como un agente del Servicio Secreto que protege al presidente (interpretado por James Marsden). Este no vive en la Casa Blanca ni en Washington, sino en una comunidad similar a Pleasantville. El misterio se presenta rápidamente y, a continuación, surgen nuevas preguntas. Paradise presenta un entorno que desafía las percepciones tradicionales del bien y el mal, con personajes multidimensionales y una narrativa no lineal.

5. The Pitt

Nominaciones: 13

Otra de las sorpresas del año, que seguro apunta a agarrar un buen puñado de Emmy, The Pitt nos introduce en las vidas de los médicos y enfermeras que trabajan en emergencias en el interior de un hospital de Pittsburgh. La serie combina casos médicos intensos con drama, mostrando los desafíos que enfrentan los trabajadores médicos en el sistema de salud estadounidense actual, con más eco después de los años de pandemia..

6. Separación

Nominaciones: 27 (líder)

La esperadísima segunda temporada de Separación mantiene fresca su originalidad conceptual y su ejecución visual exquisita, con la misma atmósfera inquietante y surrealista que denuncia la cultura corporativa moderna y sus implicaciones sobre la separación entre vida laboral y personal, el control y la naturaleza de la conciencia..Ciencia ficción psicológica que sigue descubriendo los secretos de la empresa que somete a un procedimiento que separa sus memorias laborales de las personales.

7. Slow Horses

Nominaciones: 5

Slow Horses sigue a un grupo de agentes de inteligencia británicos que han sido relegados a una división de castigo conocida como Slough House. Gary Oldman lidera el reparto como Jackson Lamb, un jefe cínico que supervisa a estos espías "fracasados" mientras se ven envueltos en casos peligrosos. Una combinación de espionaje tradicional, humor negro, y la eterna promesa de la redención y segundas oportunidades. Algo tiene que tener, que lleva cinco temporadas y está renovada para una séptima.

8. The White Lotus

Nominaciones: 23 nominaciones

Pues no, The White Lotus no ha dejado de hacer gracia a los premios, y su nueva entrega de la antología sigue ofreciendo una brutal sátira de las dinámicas de clase y poder en resorts de lujo. Las tensiones sociales entre huéspedes adinerados y trabajadores locales siguen revelando hipocresías y conflictos culturales en su tercera temporada con un enfoque “eat the rich” sobre el privilegio que sigue resonando en un público ávido de comentario social mordaz, tratando desde el colonialismo hasta la desigualdad económica.

Mejor serie limitada

1. Adolescencia

Nominaciones 13

Jamie Miller, de trece años, es detenido por la muerte a puñaladas de una compañera de colegio. Su familia se enfrenta a esta nueva realidad mientras los investigadores y un psicólogo averiguan qué condujo al crimen. Cada episodio se rodó en una sola toma y se eligió la mejor para su emisión. El reparto y el equipo tuvieron que ensayar mucho antes, bloqueando los movimientos de la cámara y, a veces, haciendo que ésta pasara de un operador a otro. Adolescencia opta a todo, pero la interpretación del debutante Owen Cooper es difícil que se vaya de vacío.

2. Black Mirror

Nominaciones: 10

No es su temporada más brillante, pero Black Mirror se ha llevado un buen pellizco de nominaciones, y en su séptima temporada continúa su exploración de la tecnología y sus efectos en la sociedad humana con nuevos episodios que examinan diferentes aspectos de nuestro futuro digital. Charlie Brooker vuelve al sendero de las primeras temporadas, cuando especulaba cómo la tecnología podría evolucionar, los peligros potenciales de nuestra dependencia creciente a ella y sus efectos en la sociedad.

3. Morir de Placer

Nominaciones: 9

Dying for Sex (Morir de placer) es un título que no engaña, un juego de palabras que cuenta la historia real de Nikki Boyer, quien después de ser diagnosticada con cáncer terminal decide explorar su sexualidad de maneras que nunca antes había tenido en cuenta. La mortalidad, la sexualidad femenina, la autonomía corporal, el deseo y el auto-descubrimiento son tratados con humor, pero también honestidad emocional.

4. Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez

Nominaciones: 11

Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez es la nueva temporada del true crime dramatizado de Ryan Murphy, esta vez sobre el infame caso de los hermanos Menéndez, que fueron condenados por asesinar a sus padres en 1989. La serie va desde los hechos a las alegaciones de abuso y las motivaciones detrás del crimen, dando un repaso al sistema judicial y la cobertura mediática de los crímenes de alto perfil que no le evitó caer ella misma en la controversia, sorprende su presencia en los premios después del pitote que se montó a su alrededor.

5. El Pingüino

Nominaciones: 24 

El Pingüino expande el universo de la estupenda The Batman siguiendo a Oswald Cobblepot en su ascenso al poder en el submundo criminal de Gotham City. Colin Farrell retoma su papel transformándose completamente en el icónico villano de DC, encarnando toda la ambición, poder y corrupción en una Gotham post-Batman que sigue en plena decadencia. Hubo comparaciones con Los Soprano, y aunque le venga un poco grande, las 24 nominaciones revelan que ha gustado mucho a los especialistas.

Dónde ver las series nominadas a los Emmy 2025

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Si te quedaste con ganas de más diálogos agudos, romances un tanto caóticos y crisis existenciales transformadoras después de ver Too Much, esta lista es para ti. La serie creada por Lena Dunham y Luis Felber ha sido una de las sorpresas del año: una historia sobre dejarlo todo, empezar de cero en otra ciudad y encontrar el amor en el lugar menos pensado, entre ansiedad, contradicciones y una buena dosis de autoboicot. Con ese tono entre lo irónico y lo profundamente humano, te traemos diez series que comparten su esencia: mujeres complejas, relaciones modernas y humor filoso. ¡Aquí vamos!

Girls (2012)

Girls encabeza esta lista porque, sin ella, Too Much probablemente no existiría. También creada y protagonizada por Lena Dunham, fue pionera en retratar con crudeza, humor y una saludable dosis de vergüenza ajena la vida de un grupo de veinteañeras en Nueva York que intentan encontrarse mientras navegan amistades frágiles, sexo complicado, trabajo precario e inseguridades constantes. Si te atrapó el caos emocional de Jess, aquí tienes a su antecesora espiritual: igual de honesta, incómoda y adictiva. Con seis temporadas brillantes, Girls se convirtió en una de las series clave de su generación por cómo muestra relaciones rotas, decisiones impulsivas y conversaciones tan incómodas como reales.

Yo nunca (2020)

Si bien esta serie tiene un tono más juvenil, mantiene la intensidad de emociones vividas por la protagonista y cuenta con una talentosa escritora detrás. Creada por Mindy Kaling, Yo nunca sigue a una adolescente llamada Devi que intenta sobrevivir al instituto mientras intenta lidiar con el duelo, la identidad y su propia impulsividad. Caótica y brillante en partes iguales, Devi comparte con Jessica esa energía desbordante, y la búsqueda constante de validación, amor y sentido. La serie brilla por su humor rápido, diálogos punzantes y situaciones que se complican por accidente. Si te quedaste con ganas de más risas y drama con corazón, Yo nunca te encantará.

Derry Girls (2018)

Con una mezcla perfecta de caos emocional, amistad y situaciones que rozan lo ridículo, esta serie comparte un espíritu similar con Too Much. Derry girls está ambientada en la Irlanda del Norte de los años 90 y sigue a un grupo de adolescentes que solo quieren sobrevivir al instituto mientras el mundo a su alrededor, en plena tensión política,  se desmorona. Es una comedia explosiva con un guión muy afilado, personajes de esos que adoramos y queremos matar en partes iguales y un ritmo imparable. Aquí el acento marcado y personalidad desbordante es moneda corriente, por lo que si te ha enganchado el caos emocional de Too Much, Derry Girls también te gustará.

This Way Up (2019)

Otra serie con un buen equilibrio entre vulnerabilidad y sarcasmo es This Way Up, escrita y protagonizada por Aisling Bea. La historia sigue a Áine, una profesora de inglés que intenta rehacer su vida tras una crisis de salud mental profunda. El show tiene solo dos temporadas, pero muchos diálogos ingeniosos y sensibilidad para abordar temas como la soledad, la familia y la reconstrucción personal sin caer en el drama. Tiene ese toque de humor británico que amamos y una protagonista que al igual que Jess, es desbordada y contradictoria pero profundamente real. Si le das una oportunidad a esta serie seguro acabas adorando a la brillante Áine.

Starstruck (2021)

¿Qué tienen en común Starstruck con Too Much además del divertido sarcasmo? Ambas protagonistas navegan las incertidumbres del amor en tiempos modernos. Escrita por Rose Matafeo y protagonizada por ella misma, la serie presenta a una joven neozelandesa llamada Jessie, que vive en Londres y comienza una extraña relación con una estrella de cine. Starstruck explora temas como el miedo al compromiso, la torpeza emocional y las expectativas que sabotean a las mujeres. Es una comedia romántica con humor seco y diálogos atrapantes que merecía mucho más que tres temporadas. 

La maravillosa Sra. Maisel (2017)

Aquí cambiamos de década, pero mantenemos el trasfondo de reinvención personal marcada por la crisis, el humor y el deseo de tener una voz propia. La maravillosa Sra. Maisel es tal vez la menos similar a Too Much de esta lista, pero no por eso deja de ser una gran recomendación si disfrutaste de un personaje femenino que brilla incluso en sus momentos más caóticos. Esta serie sigue a Midge Maisel, una ama de casa neoyorquina que descubre su talento para la comedia stand-up tras un divorcio inesperado. Con diálogos vertiginosos, un vestuario impecable, y un retrato existencial precioso, recomendamos La maravillosa Sra. Maisel una y otra vez.

Dollface (2019)

Esta serie tuvo tan solo dos temporadas pero es ideal para quienes disfrutan la mezcla de lo absurdo con lo emocional, del humor millennial y crisis existenciales con filtros de Instagram. Dollface sigue a Jules, quien después de una dolorosa ruptura decide reconectar con esas amigas que abandonó por amor. Con la amistad femenina como puente, la serie explora el autoengaño y el miedo a la soledad con elementos surrealistas y estética impecable. La protagonista, al igual que Jess en Too Much, está perdida pero decidida a encontrarse. Una mención especial para Kat Dennings que interpreta a la perfección el papel de Jules.

New Girl (2011)

Con una intro pegadiza y un tono más ligero, New Girl rompió el molde en 2011. La serie, que duró 7 temporadas, comparte mucho más que una protagonista con el mismo nombre. Entre enredos, vulnerabilidad y amistades inesperadas, New Girl ofrece esa sensación reconfortante de que equivocarse también puede ser parte del camino. ¿Pero de qué trata? La historia sigue a una mujer llamada Jess, que tras una ruptura se muda a un piso compartido con tres desconocidos que se convierten en grandes amigos. Si bien no es tan ácida ni existencial como Too Much, equilibra igual de bien lo absurdo con lo tierno y por eso la recomendamos. 

Fleabag (2016)

Phoebe Waller-Bridge y Lena Dunham son, cada una a su manera, referentes clave en la escritura de personajes femeninos complejos, incómodos y profundamente humanos. Con Fleabag, Phoebe rompió la cuarta pared y llevó el monólogo interior al límite. La serie nos sumerge en la mente de una mujer atrapada entre el deseo, el duelo y el autoboicot en un Londres gris. El show combina a la perfección humor ácido, dolor silenciado y una honestidad brutal. Si te atrapó la vulnerabilidad cruda de Jess en Too Much, Fleabag es el siguiente paso. Cortita, intensa y absolutamente inolvidable.

Emily en París (2020)

Si, tal vez esta serie es más rosa, más superficial y probablemente más irreal que Too Much, pero Emily en París merece su lugar en esta lista como contrapunto perfecto. Ambas series comparten a una protagonista que se muda a una nueva ciudad buscando un nuevo comienzo, pero mientras Jess lucha con sus emociones, Emily se lanza al mundo con optimismo desbordado, campañas de marketing improvisadas y un discutible sentido de la moda. La elegimos por ser una comedia ligera y exagerada que no pretende ser profunda, pero sí perfectamente escapista. Si después del caos emocional de Jess necesitas algo que relaje tu mente, Emily en París no te defraudará.

Dónde ver más series como Too Much en streaming 

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Si será verdad lo que Lex Luthor explicaba a su archinémesis en la Superman de James Gunn: que el cerebro supera siempre al músculo. Quizás por esta sencilla razón, porque somos demasiado listos, nunca hemos visto la versión más poderosa del Hombre de Acero en la gran pantalla. En este artículo trataremos de desentrañar por qué, un poco más allá de la lógica fan inocua del vídeo de YouTube.

De entrada: Superman es el ser más capaz del mundo. Más que Goku, o que Batman. Hombre de acero y de hazañas, en Superman (1978), voló alrededor del planeta tan rápido que viajó en el tiempo. En Superman vs. La Élite (2012), hizo suplicar por sus vidas a la mismísima Élite y en Liga de la Justicia (2017) acabó sin problemas ni ayuda externa con la formación “invencible” de Flash, Wonder Woman, Cyborg y Aquaman. Eso, si miramos las versiones cinematográficas del entrañable Clark Kent.

Pero hay una habilidad que Superman tiene en los cómics que nunca será adaptada más allá de la página. No creo, a menos que Warner-DC se vuelvan locos en un intento por rebentar la taquilla antes de perder los derechos del héroe, que caducan dentro de diez años. Nunca nadie verá en el cine a Superman Cósmico.

Un pájaro, un avión, o un impenetrable escudo mental humanoide

Superman Cósmico, o Superman con la Armadura Cósmica, aparece por primera vez en Crisis final, un cómic-evento escrito por el genial Grant Morrison (All-Star Superman) entre 2008 y 2009. Dentro de este arco argumental, más específicamente en el número especial Superman Beyond #2, con tal de encontrar una cura a una enfermedad que infectó a Lois Lane y amenaza con matarla, Superman adopta la forma de un robot gigantesco que funciona con el poder de sus propios pensamientos. ¿Por qué? Pues para viajar más allá del multiverso conocido y enfrentarse a Mandrakk, un ser casi omnipotente que básicamente representa “lo opuesto a la vida”. Porque decir muerte sería quedarse cortos.

Y sí. Resulta que Crisis final es complicada, por decirlo de alguna forma. Por ejemplo, plantea que el Limbo es un lugar real al que van los personajes cuando ya nadie los recuerda, y en uno de sus característicos giros meta, acaba reflexionando sobre la naturaleza misma de las historias. Incluso ha llegado a interpretarse como una crítica directa al tono oscuro que había empezado a dominar los cómics tras el éxito de obras como Watchmen o The Dark Knight Returns de Alan Moore.

De genialidad borgesiana a caos hay un paso, el paso de Superman Cósmico. Nunca se explica con claridad cuáles son los poderes de este perro verde, pero se da a entender que son una versión ultra-evolucionada de los de Superman. Tan evolucionada, que el propio personaje es consciente de que está dentro de una historia, y actúa como una especie de “recurso narrativo viviente”. Tiene la capacidad de adaptarse a cualquier amenaza y de percibir el espacio y el tiempo de forma completamente distinta. Sabe que está en un relato, y que ese relato se moldea alrededor de él, lo que lo convierte en una especie de “armadura de guion viviente” con una sola misión: derrotar a Mandrakk. Incluso Lois Lane podría interpretarse como McGuffin, si no fuera porque, madre, es Superman y sería incapaz de no actuar de forma genuina.

Pero volvamos al cerebro galaxia: Superman Cósmico va volviéndose más fuerte a cada pelea ganada. Y aunque en Crisis final no desarrolla ningún poder nuevo, aparte de los habituales volar, lanzar puñetazos y emplear la visión calorífica, el ser consciente de todas las realidades lo convierte en omnipotente, es decir, en literalmente imposible de derrotar. La historia de Superman Beyond #2 necesita que sea así. No puede perder, porque si pierde, la narración no podría continuar.

Superman Cósmico es una matrioska narrativa demasiado enrevesada

Pero –sólo por jugar– pongamos que alguien es lo bastante audaz (¿o tonto?) para tratar de llevar el Superman Cósmico a una película de dos horas. Se encontraría con varios problemas de tamaño proporcionalmente cósmicos. Primero, tendría que desbrozar el caos de condicionantes de Crisis final. Nada de confusiones metatextuales, nada de explorar la naturaleza del relato, ni robots gigantes controlados por el pensamiento. Solo Superman, en modo ultra poderoso.

Antes que lo diga yo, ¿os dais cuenta de la absurdidad que es eso? Superman más fuerte es Superman. Ved Ultraman (no hago spoilers, tranquilidad) en Superman (2025). Y no existe Superman Cósmico si lo despojas de todos los elementos que lo hacen meta, moderno y raro. Crisis final y el mini spin-off Superman Beyond están construidos enteramente sobre la idea de que Superman representa algo más que un superhéroe: es el símbolo de la esperanza eterna, de que las buenas historias nunca terminan. Cuando Superman derrota a Mandrakk, no cierra su historia con un “Fin”, sino con un “Continuará…”, dejando en claro que Superman, y especialmente esta versión cósmica, no puede terminar jamás. Ese es su sentido narrativo, e ideológico.

Ahora mete la naturaleza inconmensurable, líquida y legendaria de una historia que nunca puede acabar, esta serpiente oróboro con capa, en un dispositivo de dos horas. Y de paso, salpimenta las palomitas del público no iniciado con algo de kriptonita, ¿no? Incluso James Gunn dejó de lado el espíritu profundamente filosófico de las viñetas de Grant Morrison en All-Star Superman para su adaptación del Hombre del Mañana. ¿Qué queda, y qué está trayendo al público otra vez al cine tras el declive del primer estandarte del DCU, El hombre de acero (2013)? Superman lucha contra un kaiju. Superman tiene un Superperro. Superman se agarra a una cornisa para no caer en un agujero negro.

El Superman de Grant Morrison es tan denso que simplificarlo para meterlo en un relato de acción “comestible para todos” los públicos arruina al personaje y trata de idiota a la platea. Porque oye, ejecutivos de Warner, bien que nos tragamos dispositivos narrativos desordenados, sobrecomplicados y repelentes en las híper-taquilleras Origen (2010) o Tenet (2020). Pero parece que Christopher Nolan es cinefilia de la buena, y Superman sólo un muñeco recaudafondos con un flequillo inmejorable.

Volvamos al concepto: Super-Man o Super-Robot

Ahora pongámonos en la piel de Warner un minuto. Quitémosle el reverso metaficcional y ensayístico al personaje. Superman Cósmico, ¿qué es? Es Superman dentro de un robot gigante. Vale. ¿Y por qué? Superman es un dios, capaz de pelear contra toda criatura viviente con sus calzones rojos sin armaduras añadidas. ¿Por qué necesitaría un robot gigante? ¿Qué puede hacer un robot que él no? Vale, quizás podría ser un escudo contra la kriptonita. Pero recordemos a los aparatosos caballeros de torneo medieval.

Además: con solo el personaje, sin el aparataje narrativo de Crisis final, el sentido de la lucha se pierde. Justificar y sostener a Superman Cósmico implica por necesidad sostener todo el Limbo, este mundo infinito de ideas olvidadas, es provocar un cortocircuíto increíble con la idea de “lo opuesto a la vida”; que no es la muerte. Es un chiste de dimensiones épicas. En fin, Superman Cósmico no resulta una idea adaptable al cine, no en el sistema que está pagando las películas del Hombre de Acero. Por súper que parezca, plátano es.

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Ser preadolescente y comenzar la educación secundaria da para muchas aventuras y descubrimientos que contar al lector infantil y juvenil. La saga de novelas ilustradas de Jeff Kinney, El diario de Greg (Diary of a Wimpy Kid en su título original en inglés) aprovecha al máximo esa premisa. Primero triunfó en varias webs de internet y luego comenzó a editarse en formato físico, a partir del 2007. En este tiempo se ha convertido en una de las sagas literarias más vendidas de todos los tiempos y, por supuesto, no podía quedarse sin tener su propia franquicia en cine. En esta lista te contamos en qué plataformas de streaming puedes encontrar todos sus títulos, tanto de animación como de acción real.

El diario de Greg (2010)

Tan solo tres años después de su lanzamiento editorial El diario de Greg ya tenía su primera película estrenada en cines. Greg Heffley tiene 12 años, acaba de comenzar a ir al instituto y detalla su día a día en un diario en el que se imagina rico y famoso. Esta película, primera de una trilogía en acción real, adapta el libro con actores de carne y hueso. El actor infantil Zachary Gordon fue el elegido para interpretar al protagonista y Cholë Grace Moretz apareció en esta primera entrega como una de las nuevas amigas de Greg justo cuando comenzó a triunfar con Kick-Ass.

El diario de Greg: La ley de Rodrick (2011)

La primera entrega de la saga resultó rentable, así que su secuela continúa la senda de los libros y adapta la segunda de sus novelas. El diario de Greg: La ley de Rodrick narra un curso más en la vida del protagonista, marcado por las faenas que le hace todo el tiempo su hermano mayor, el adolescente Rodrick. Él sabe un secreto que Greg está tratando de guardar, un vergonzoso incidente ocurrido durante las vacaciones de verano. Sus padres, Frank y Susan, intentan de todo para que se lleven bien, pero sin mucha suerte. El actor Steve Zahn regresa de nuevo para interpretar al padre de los dos chicos.

El diario de Greg: Días de perros (2012)

La tercera película de la saga se sitúa al final del curso. Greg está deseando que empiecen las vacaciones para disfrutar de su libertad. Pero esta vez su padre Frank cree que es con él con quien tiene que estrechar lazos Greg. El plan que le tiene preparado su padre es una beca no remunerada en su oficina durante todo el verano. Greg prefiere quedarse en casa jugando a videojuegos, así que urde un plan para librarse de tener a su padre pegado todo el verano. La trama de El diario de Greg: Días de perros resume el tercer y el cuarto libro de Jeff Kinney en un mismo largometraje.

Diario de Greg: Carretera y manta (2017)

Terminada la trilogía inicial, las adaptaciones de la extensa saga literaria continuaron cinco años después con una nueva entrega en acción real. Ese salto temporal obligó a cambiar el reparto al completo. Jason Drucker es el actor que interpreta al protagonista. Para los personajes de sus dos padres, Frank y Susan, Diario de Greg: Carretera y manta cuenta con dos rostros muy conocidos por los espectadores de los años 90: Alicia Silverstone y Tom Everett Scott. Esta vez, la trama gira en torno a un viaje en familia para celebrar el 90 cumpleaños de la abuela. Pero Greg y su hermano mayor Rodrick tienen un plan que se les antoja mucho más interesante: aprovechar el trayecto para acudir a una convención de videojuegos.

El diario de Greg (2021)

Como el relanzamiento de la saga en formato de acción real no tuvo mucho éxito en la taquilla, los responsables de la franquicia decidieron intentarlo con el género de animación, que se ajusta mucho más al estilo de las novelas ilustradas originales. La nueva saga vuelve a adaptar los libros de Jeff Kinney desde el principio. El diario de Greg es un mediometraje de 55 minutos que cuenta quién es su protagonista, un chico de 12 años con muchos pájaros en la cabeza que refleja en su bitácora personal. Y también establece cuál es su principal objetivo en su vida: sobrevivir a su primer año en el instituto.

El diario de Greg: La ley de Rodrick (2022)

Como en su anterior entrega, El diario de Greg: La ley de Rodrick se creó para lanzarse en la plataforma Disney + como una de sus películas originales. Se trata de la versión de animación del segundo libro (y también de la segunda película) de la saga. La trama gira de nuevo en torno a la relación antagónica entre Greg y su hermano mayor, Rodrick. Los padres de los chicos les cuentan que se van a ir durante el fin de semana con su hermano pequeño, el bebé Manny, así que los Greg y Rodrick se quedarán solos en casa. Primera reacción: montar una fiesta a espaldas de sus padres.

El diario de Greg en Navidad: Atrapados en la nieve (2023)

La tercera película animada de la franquicia se aleja del camino que había trazado la trilogía original con actores de carne y hueso. Como su nombre indica, El diario de Greg en Navidad: Atrapados en la nieve, se centra en las vacaciones invernales. De nuevo estrenada en Disney +, en esta entrega Greg está sufriendo especialmente esas vacaciones. Tras quedarse atrapado con su familia por culpa de una tormenta de nieve, al chico le preocupa no poder conseguir la nueva consola que tanto anhela, la Mega Station 9000. Además, la tormenta les deja sin electricidad, lo que hace las cosas más difíciles para toda la familia.

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El estreno de la nueva visión de Superman de James Gunn vino precedida de ardientes discusiones sobre si el traje del superhéroe era mejor o peor que el de El Hombre de acero de Zack Snyder. ¿Por qué tanta importancia a un simple disfraz? Bueno, porque ese pijama azul y rojo representa algo más que tela: es un símbolo de esperanza y justicia, encarnando el lado bueno del sueño americano. Del original de Christopher Reeve al enfoque moderno de Zack Snyder, en esta lista analizamos los cinco trajes más memorables del Último Hijo de Krypton en el cine, evaluando diseño, impacto visual y cómo representan la evolución del personaje a lo largo de las décadas.

5. Traje solar de Henry Cavill – La Liga de la Justicia de Zack Snyder (2021)

Este es un desvío en el camino que resulta el hallazgo de una era concreta. Cuando Henry Cavill regresa de entre los muertos en La Liga de la Justicia de Zack Snyder, lo hace luciendo un traje completamente nuevo que abandona totalmente el color del ya algo oscuro y desaturado en El hombre de acero y Batman v Superman: el amanecer de la justicia. Se presenta con un color negro puro, un conducto de energía para que Superman recupere su fuerza tras su resurrección.

También conocido como “traje de recuperación”, además de su uso específico, se relaciona con el pasado de Superman y su conexión con Krypton, su planeta de origen, en donde—en el mundo Snyder—los trajes oscuros son comunes.

4. Traje del primer año de Tyler Hoechlin - Superman y Lois (2021)

Vale, nos salimos un momento del mundo del cine y miramos a las series, pero es por una muy buena razón. En el episodio flashback Un momento para el recuerdo entre cataclismos, Tyler Hoechlin no sólo reproduce la icónica portada de Action Comics nº 1 con Superman levantando un coche verde, sino que lleva un traje directamente inspirado en el de 1941, que también se utilizó en la serie animada de Max Fleischer.

Esta versión tiene un punto cándido, como el de los antiguos seriales, aunque incorpora ciertos elementos contemporáneos de manera sutil. En Superman y Lois, el diseño logra un equilibrio perfecto entre nostalgia y armonía visual, por su azul profundo y un rojo vibrante, la forma en la que encaja la capa y, sobre todo, su S redondita y con fondo negro en vez de amarillo. Es precioso.

3. Traje de David Corenswet - Superman (2025)

David Corenswet porta un traje que representa una vuelta a los elementos más tradicionales del personaje después de las versiones de Snyder. Busca el homenaje a la era dorada de Superman, con los colores puros que recuerdan inmediatamente a los cómics de los años 40 y 50.

Tiene el cinturón amarillo que regresa después de estar ausente en las versiones más recientes, y la capa parece tener menos peso y otra textura que la de Cavill, en general parece menos moderno y tecnológico. A diferencia del anterior, honra la iconografía clásica sin parecer anticuado, proyectando tanto la fuerza física como la bondad inherente del personaje.

2. Traje de Nicolas Cage - Flash (2023)

Probablemente el más fugaz, pero uno de los más icónicos. La aparición de Nicolas Cage como Superman en Flash (2023) es un sueño para los fans del personaje, ya que finalmente pudimos ver encarnado el proyecto—finalmente frustrado—que Tim Burton desarrolló a finales de los años 90.

El traje de Cage es una reinterpretación fascinante del diseño clásico, con un azul más oscuro y un rojo más profundo, con los detalles del emblema más angulares y estilizados y una textura del material plástica y brillante. En realidad lo que mola es verlo lleva a un Superman con greñas y con la misma cara del monstruo de Longlegs o El motorista fantasma.

1. Traje de Christopher Reeve - Superman (1978)

El traje de Christopher Reeve en Superman (1978) no fue el primero para el personaje en el cine, pero aún casi cincuenta años después es la definición misma de cómo debe lucir el Hombre de Acero. Creado por Yvonne Blake, el diseño sigue siendo el maniquí en el que se miran prácticamente todas las versiones posteriores.

La receta del éxito es la combinación perfecta de azul, rojo y amarillo, el equilibrio del emblema del pecho, la fluidez de la capa y una elegancia especial en la forma en que la tela se ajusta al físico atlético de Reeve, que parece una extensión natural del héroe, creando una silueta heróica reconocible de forma instantánea, la representación de un momento cultural definitivo que trasciende modas pasajeras, pese a que pueda resultar un tanto naif, ¿Acaso Clark Kent no lo es un poquito?

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En esta lista quedan sin mencionar otras versiones de Superman como Superman Returns de 2006, pero también las puedes descubrir, consulta la guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Si creciste jugando con los míticos muñecos articulados de G.I. Joe, sabrás que esta saga de películas es mucho más que simples historias de acción repletas de tiros y explosiones: representa una fábula de poder, heroísmo y tecnología. Su llegada al cine ha mantenido vivo su espíritu con historias llenas de adrenalina, grandes personajes y un conflicto profundo entre la libertad y la tiranía que representa Cobra.

Para facilitarte la tarea de encontrar y ver todas las películas de G.I. Joe en orden, en Justwatch hemos decido recopilarlas en este artículo, ordenándolas cronológicamente según su historia.

G.I. Joe: La película (1987)

Considerada hoy como un clásico lleno de nostalgia, G.I. Joe: La película es el colofón de la serie de animación de los años 80.  La historia nos presenta al equipo Joe, que tiene que enfrentarse a Cobra, una civilización secreta que quiere liberar unas esporas mutantes que pueden convertir a toda la humanidad en criaturas esclavas. 

En el film aparecen los héroes icónicos Duke, Flint o Roadblock, y se incluyen nuevos personajes como el malvado Nemesis Enforcer o el comandante Serpentor.

G.I. Joe: Tropas de espías (2003)

Más de quince años después, Hasbro relanzó la marca con G.I, Joe: Tropas de espías, un film de animación que buscaba secundar el nuevo relanzamiento de las figuras de acción.

En este caso la trama gira alrededor de una misión de infiltración: Cobra planea robar tecnología avanzada para desarrollar un arma de destrucción masiva, mientras los Joe tienen que impedirlo a través de un arriesgado plan de espionaje y contraespionaje. 

Si bien el recurso de animación no ha envejecido muy bien, la película destaca por recuperar a personajes míticos y ofrecer un gran catálogo de gadgets, batallas y traiciones.

G.I. Joe: Valor vs. Venom (2004)

Esta película funciona como secuela directa de Tropas de espías, y lleva la saga de animación a un nuevo nivel de locura. 

En G.I. Joe: Valor vs. Venom, Cobra desarrolla un suero que transforma a sus soldados en supersoldados híbridos que poseen ADN animal, lo que obliga al equipo Joe a emplear toda su tecnología y astucia para frenar el plan.

Aunque sus recursos de animación continúan siendo algo limitados, su trama mantiene el encanto de las historias sencillas de villanos contra héroes, y es un largometraje ideal para los más nostálgicos.

G.I. Joe (2009)

La primera adaptación en acción real fue G.I. Joe, que planteó un reboot cinematográfico que cambiaba los orígenes de los Joe. 

La historia muestra cómo Duke y Ripcord se unen a la organización internacional para echar por tierra un plan de Cobra que tiene armas nanotecnológicas que pueden arrasar ciudades enteras. 

El film tiene explosiones imposibles, persecuciones trepidantes y personajes carismáticos como Snake Eyes o la Baronesa. No obstante, la película presenta las bases del universo de acción real que se expandiría más adelante.

G.I. Joe: La venganza (2013)

Esta secuela directa de G.I. Joe apuesta por un tono más oscuro y dramático. G.I. Joe: La venganza incorpora a Dwayne Johnson (Roadblock) y Bruce Willis (General Joe Colton) como nuevos integrantes estrella del elenco. 

En el film, Cobra logra infiltrarse en el gobierno de Estados Unidos, eliminando de esta forma a todos los Joe en un ataque inesperado. Tan solo un grupo de supervivientes resiste para reorganizarse y salvar al planeta. 

Es una de las películas de Dwayne Johnson más destacadas en su filmografía.

Snake Eyes: El origen (2021)

Llegamos a este spin-off que se centra en el icónico ninja silencioso que busca explicar su historia de fondo. En Snake Eyes: El origen, tras salvar a un joven heredero de un clan japonés, Snake Eyes es acogido y entrenado en artes marciales ancestrales, al tiempo que Cobra comienza a amenazar su nuevo mundo. 

En este caso la historia se aleja un poco de las tradicionales guerras globales para profundizar en las rivalidades personales, resaltando la relación entre los personajes de Snake Eyes y Storm Shadow. 

G.I. Joe: Ever Vigilant (Próximamente)

Si bien es cierto que aún no se sabe cuándo se estrenará, G.I. Joe: Ever Vigilant está confirmada y ya cuenta con Josh Appelbaum (Heads of State) y André Nemec (Tortugas Ninja) firmados como coguionistas a bordo del proyecto.

Aunque no se conoce en profundidad el argumento, el objetivo del equipo a cargo es devolver al equipo al centro de la acción con una historia que reúna a los personajes clásicos para enfrentar una nueva amenaza global..

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El miedo irracional a los payasos se llama coulrofobia y probablemente tuvo mucho que ver a que este miedo se extendiera por todo el mundo tanto Stephen King como las sucesivas adaptaciones que se han hecho de una de sus novelas: IT, protagonizada por el terrorífico Pennywise.

En 1986, el escritor lanzó un libro en el que siete chicos son aterrorizados por un diabólico payaso que primero atrae a sus víctimas con su colorida y divertida apariencia y que explota sus miedos y fobias. Muy poco después, la historia llegó a las pantallas y desde entonces Pennywise ha sido todo un referente en el género tanto en el cine como en la televisión.

IT (1990)

La primera vez que se adaptó la famosa novela de Stephen King fue en 1990. Ocurrió en forma de miniserie de unas tres horas de duración que resume lo que ocurre en las más de 1.000 páginas creadas por el escritor.

La historia de It, la miniserie es tal como en la novela: un asesino depredador interdimensional que puede transformarse en lo que quiere adopta la figura del payaso para atraer a sus víctimas, principalmente niños. Varios actores célebres participaron en esta versión para la cadena ABC. Uno de ellos es el rey de las sitcoms en ese momento, John Ritter. El otro, Tim Curry, ya famoso por su aparición en The Rocky Horror Picture Show, interpreta al terrorífico antagonista Pennywise.

IT (2017)

A nadie se le escapa las semejanzas entre este relato de Stephen King y Stranger Things. En ambos casos hay un grupo de niños combatiendo contra una fuerza maligna de otra dimensión en una historia retro. Por eso, tras el enorme éxito global de la serie de Netflix, se revivió la historia de IT en 2017, incluyendo incluso a alguno de los niños de Stranger Things en su reparto. Se trata de Finn Wolfhard, que interpreta a Mike en la serie y a uno de los chicos protagonistas de esta película ambientada en los años ochenta,

Esta vez, el encargado de encarnar al tétrico payaso Pennywise es Bill Skarsgård, uno de los muchos hijos actores del sueco Stellan Skarsgård, una de las grandes estrellas del cine europeo.

IT: Capítulo 2 (2019)

El regreso a los cines de la novela de terror de 2017 estuvo pensada desde el principio como una narración en dos partes. IT: Capítulo 2 llegó dos años después de que la primera parte arrasara en taquilla. De hecho, se convirtió en la película de terror más exitosa de la historia, desbancando a El sexto sentido.

Esta secuela retoma la historia 27 años después. Los chicos que sobrevivieron al payaso diabólico han crecido y se han mudado, pero se ven obligados a regresar a Derry. Bill Skarsgård vuelve a ser Pennywise y esta vez está acompañado de grandes estrellas del cine como James McAvoy y Jessica Chastain. 

IT: Bienvenidos a Derry (2025)

La forma de prolongar la franquicia llega en forma de precuela de la película de 2017, ambientada esta vez en los años sesenta para explorar los orígenes de su famoso antagonista, Pennywise, de nuevo interpretado por Bill Skarsgård.

It: Bienvenidos a Derry se sitúa de nuevo en el ficticio pueblo estadounidense situado en el estado de Maine que inventó Stephen King para esta novela. Y para algunos otros de sus libros y relatos cortos.

Esta primera temporada de la serie cuenta con nueve episodios y sus responsables son los mismos que los de la reciente duología cinematográfica: Andy Muschietti, Barbara Muschietti y Jason Fuchs.

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¿Qué veo si no quiero que termine el febril sueño pop de Las guerreras k-pop (2025)? En Justwatch queremos ayudarte y, por ello, la respuesta más directa la encontrarás en cualquiera de nuestras guías a las series de K-Drama. Porque sí, amiga, el tono y la trama de la película de Chris Appelhans y Maggie Kang son de pura serie K-Drama. Ahora, si sólo tienes dos horas para disponer o quieres descubrir una nueva faceta del cine, atiende amiga. Aquí van cinco películas que te llevarán de vuelta a las aventuras coloridas de las superguerreras y superestrellas del k-pop, las HUNTR/X Rumi, Mira y Zoey. Canciones pegadizas, ritmo de shonen y unos visuales de rechupete.

Spider-Man: un nuevo universo (2018)

La primera es también la más evidente. El tándem de directores ha citado a Spider-Man: un nuevo universo (2018) como referente inmediato por combinar a la perfección varios estilos de animación, casi grafiteando un mundo hecho en 3D que, aun así, se siente más cercano al 2D con low poly que al hiperrealismo de Pixar. En fin, un lujazo de espectáculo pirotécnico-visual. Además, Miles Morales (Shameik Moore) y las otras versiones alternas de Spidey son una banda con tanto que enseñar a un mundo que muy a menudo se toma sus propias normas demasiado en serio. Todo ello sin renunciar, claro, al poso emocional de esta historia sobre la pertenencia y la maduración.

Nimona (2023)

Nimona (2023) fue salvada de la cancelación por la comunidad, hasta erigirse como el éxito más inesperado de Netflix. Estrenada en 2023, esta fantasía adapta el webcómic y la novela gráfica de ND Stevenson, un giro irreverente y con potencial queer a los cuentos de hadas tradicionales. En esta fábula, Ballister Corazónvaliente (Riz Ahmed) es un aprendiz de caballero, tras ser acusado injustamente, se ve obligado a huir acompañado de Nimona (Chloë Grace Moretz), una cambiapieles caótica e impredecible. Juntos intentarán limpiar su nombre, en una épica punk, vibrante y sin miedo a la lagrimilla.

Red (2022)

Si conocéis a Dome Shi por Elio (2025) o el corto Bao (2018), borradla de vuestras cabezas. La Dome Shi de Red (2022) es tan emotiva, pero tiene muchísimo más carácter. Mei Lee es una nerd empollona que se debate entre cumplir con las expectativas de su sobreprotectora madre y dejarse llevar por el mundo loco de sus amigas mientras lidia con La Adolescencia (así, en mayúsculas). Porque como si esa etapa no fuera ya lo bastante complicada, Mei descubre que, al vivir emociones intensas, se transforma en un enorme panda rojo. Todes sabéis de qué hablo. Mucho corazón, mucho brillo y una buena dosis de Kpop de parte de la eléctrica boyband 4TOWN*.

Los Mitchell contra las máquinas (2021)

Otra opción de animación bien resultona para ver dentro del catálogo de Netflix es Los Mitchell contra las máquinas (2021). Como en Las guerreras k-pop, en esta película de Sony abundan las carotas exageradas y los cambios espitados de tono, también un humor bien dado al descaro. Por lo demás, la de Michael Rianda y Jeff Rowe es una película que apela sin sorpresas ni escarnio a todos los públicos. Ambientada en medio de un apocalipsis robótico, los Mitchell tratan de llevar a su hija mayor a la universidad, pero terminan convirtiéndose, de forma accidental, en la única esperanza para salvar al mundo de una rebelión de robots. Un miércoles cualquiera en la rutina de una familia ¿disfuncional?

Belle (2021)

Hace cuatro años, el cineasta japonés Mamoru Hosoda nos arrancó un resquicio de emoción con Belle (2021), una excelente película que ver para fans de Las guerreras k-pop y del anime en general (en realidad, recomendaríamos todo lo que ha estrenado Hosoda, desde La chica que saltaba a través del tiempo a Mirai, mi hermana pequeña). Se trata de una versión sci-fi del clásico cuento de La Bella y la Bestia en donde Suzu, una estudiante de instituto que perdió a su madre de pequeña y, con ella, su voz, debe reconectar con el mundo a través de una interfaz tecnológica bastante mágica. Ideal para abrir el apetito de cara a la nueva de Hosoda, Scarlet (2025).

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Cloud. Squall. Lightning. Estos personajes son hoy día iconos culturales. Cuando no queda nada para que Square Enix lance Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles, es posible que querráis actualizar vuestro bagaje alrededor de esta mítica saga de videojuegos. Y para ello no hay que coger necesariamente un mando. Esta guía repasa todas las películas y series de Final Fantasy disponibles en España hasta la fecha. Las encontraréis por orden de estreno, ya que el único denominador común entre tanta adaptación es el cambio de línea cronológica y de universo. En fin, que el orden resulta bastante aleatorio.

Final Fantasy: La leyenda de los cristales (1994)

Esta serie fue el primer intento de llevar la franquicia Final Fantasy al anime. Final Fantasy: La leyenda de los cristales (1994) está ambientada en el mundo de Final Fantasy V, 200 años después de los acontecimientos del juego. En esta historia, tres de los cuatro cristales elementales han sido robados, y Mid (uno de los pocos y mejores personajes recurrentes de la saga) envía a los nuevos protagonistas, Prettz y Linaly, a enfrentarse al malvado Deathgyunos. Y es una lástima, porque aunque al estrenarse recibiera una acogida templada, La leyenda de los cristales ha envejecido como una adaptación menor dentro de una franquicia tan querida.

Final fantasy: La fuerza interior (2001)

La siguiente adaptación de Final Fantasy resulta un tanto peculiar, incluso para una saga donde existe una raza de cocinitas (los Qu, ¿recordáis?) y donde peleas contra casas animadas. Final fantasy: La fuerza interior (2001) es una película de animación fotorrealista estrenada en 2001, con un reparto de lujo: Ming-Na Wen, Alec Baldwin, Donald Sutherland y Steve Buscemi. Ellos, o por lo menos su versión en el valle inquietante. En aquel momento, la película fue bastante comentada por sus innovadores efectos visuales, aunque su conexión con el resto del universo Final Fantasy fuera, digamos, débil. Por desgracia para sus creadores, La fuerza interior también terminó convirtiéndose en uno de los fracasos de taquilla más recordados, lo que llevó al cierre definitivo de Square Pictures, la productora de cine de Square Enix.

Final Fantasy VII: Advent Children (2005)

Final Fantasy VII: Advent Children (2005) es la secuela directa del legendario juego de 1997, ambientada dos años después de la caída de Sephiroth. Funciona como un epílogo a parte, cuando Cloud se ve obligado a rescatar a un grupo de niños secuestrados y enfermos de Geostigma, una extraña dolencia que también empieza a afectarlo. Aunque la película es célebre por su absoluta falta de explicaciones (de hecho, se dice que sólo quienes jugaron Final Fantasy VII de principio a fin logran seguirla del todo), sus espectaculares escenas de acción y su apartado visual la han protegido del tiempo, incluso dos décadas después.

Kingsglaive: Final Fantasy XV (2016)

Cuando llegó Final Fantasy XV, Square Enix tuvo que festejarlo a la altura. Eso involucró algunos experimentos, como la miniserie Brotherhood: Final Fantasy XV y la película Kingsglaive: Final Fantasy XV (2016), esta última ambientada al mismo tiempo que el inicio del juego. Se centra en Regis Lucis Caelum CXIII, rey de Lucis y padre de Noctis, protagonista del FFXV, en su intento de hacer las paces con el imperio invasor de Niflheim. El reparto del doblaje en inglés también incluye grandes nombres, como Sean Bean, Lena Headey y Aaron Paul. Que su guion no estuviera a la altura del juego al que acompañaba y su mala representación femenina acabaron lastrando su legado, pero como canapé audiovisual no le podemos rebatir nada.

Brotherhood: Final Fantasy XV (2016)

El otro experimento para el reinicio de la saga en 2016. La miniserie, de cinco episodios, explica cómo Noctis conoció a Prompto, Gladiolus e Ignis, y nos devuelve a un lugar particularmente relevante de su infancia, en un tiempo en que el reino de Lucis, guardián del Cristal mágico, había estado en guerra con el imperio futurista de Niflheim. Luego hay complots y traiciones. Brotherhood: Final Fantasy XV (2016) tuvo una buena acogida en general, especialmente en comparación con otras películas y series de Final Fantasy, aunque tampoco creo que lo disfrutes a menos que hayas jugado a FFXV. ¿Una maravillosa recomendación sólo para muy cafeteros?

Final Fantasy XIV: Dad of Light (2017)

Nostalgia y pañuelos de papel: a diferencia del resto de películas y series de esta lista, Final Fantasy XIV: Dad of Light (2017) se ambienta en el mundo real, no en un mundo de fantasía, o por lo menos no en su mayor parte. Cuenta una historia bastante tierna sobre un joven que usa esta franquicia para reconectar con su distante padre, jubilado. Inspirada en una entrada de blog escrita por un jugador real de FFXIV, quizás te hurgue el lacrimal. Es bastante encantadora, a menos que tengas graves daddy issues.

¿Dónde puedo ver todas las series y películas de ‘Final Fantasy’?

En esta lista, nos hemos dejado algunos títulos también icónicos, como Final Fantasy: Unlimited (2001) o Final Fantasy VII: Last Order (2005), o Brave Father Online - Our Story of Final Fantasy XIV (2019), que no están disponibles en España. Para descubrir todas las series y películas de Final Fantasy que sí puedes ver, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Hay películas y series que volvemos a ver una y otra vez no solo por la historia o los personajes, sino por su música. A veces, una banda ficticia puede tener tanto magnetismo que acaba siendo el verdadero corazón de la historia. Ya nos conocemos de memoria esta situación: aprendemos sus canciones, buscamos la banda sonora, y soñamos con verlos un día en un escenario real. Por eso, en este artículo repasamos 10 bandas falsas del cine y la televisión que nos hicieron desear que existieran de verdad. Además, te contamos dónde puedes ver cada título en plataformas de streaming desde España. ¡Sube el volumen que empieza el show!

School of Rock (2003)

Una de nuestras favoritas en esta lista, es la banda ficticia School of Rock perteneciente a la película que lleva el mismo nombre y supo ganarse nuestro corazón desde su estreno en 2003. La historia sigue a Dewey Finn, un guitarrista sin rumbo que acaba de ser expulsado de su banda y se hace pasar por profesor suplente en una escuela de élite. Al descubrir el talento musical de sus pequeños alumnos, decide formar con ellos una banda secreta para competir en una batalla de rock. 

La película nos ha dado un Jack Black con su característica energía desbordante, canciones muy pegadizas como 'Teacher’s Pet’ y una historia sobre una banda ficticia tan cautivadora que terminó dando el salto fuera de la pantalla a los escenarios de Broadway como musical. 

That thing you do! (1996)

Esta película, joya inspirada en el pop de los años 60,  fue la ópera prima de Tom Hanks como director y con ella nos regaló a una banda ficticia que se siente tan real como cualquier grupo clásico de la época. The Wonders es un grupo de jóvenes de Pennsylvania que, casi por accidente, componen una canción pegadiza que los lanza a un estrellato efímero. 

Con integrantes estilosos, armonías vocales y un hit titulado That thing you do!, esta banda es atrapante y su música tiene ese ritmo que podrías jurar haber escuchado en una recopilación de los 60. ¿A quién no le gustaría escuchar a The Wonders en vivo?

Almost Famous (2000)

Casi famosos es sencillamente una carta de amor al rock de los años 70. Esta película dirigida por Cameron Crowe, está basada en sus propias experiencias como joven periodista musical para Rolling Stone. La historia sigue a William, un adolescente apasionado por la música que es enviado a cubrir la gira de Stillwater, una banda ficticia en pleno ascenso, compuesta por un grupo al que le sobra carisma y también drama. El gran hit de la banda se llama ‘Fever Dog’ y suena como si saliera directo de un vinilo de la época, con guitarras rugientes y actitud rockera. 

La película Casi Famosos tiene una gran banda sonora, un vestuario envidiable, y un elenco que transmite a la perfección  ese momento mágico en el que el rock aún parecía puro, peligroso y profundamente humano. 

Parks and Recreation (2009)

No solo el cine nos ha dado bandas ficticias memorables, la televisión también ha aportado joyas como Mouse Rat, el grupo liderado por Andy Dwyer en el show Parks and Recreation. La serie sigue el día a día del departamento de parques de la ciudad ficticia de Pawnee y entre planes urbanísticos y caos burocrático, Mouse Rat se convierte en el alma musical del pueblo.

La banda cambia de nombre casi tanto como de repertorio, pero siempre vuelve a esa esencia que la caracteriza con himnos indie-rock de espíritu amateur. Temas como ‘The Pit’ o el emotivo ‘5000 Candles in the Wind’ dedicado a un caballo local fallecido, han pasado de chiste interno a canciones que amamos escuchar. Una banda inolvidable, aunque ellos aún no decidan bien cómo llamarse.

Daisy Jones & the Six (2023)

Esta miniserie, narrada en formato de falso documental, está inspirada libremente en la historia de Fleetwood Mac y sigue el ascenso y la ruptura de una banda de rock ficticia en los años 70. En el centro de todo están Daisy, una cantante rebelde e impredecible, y Billy, el perfeccionista líder de The Six. La tensión creativa (y emocional) entre ambos da origen a Daisy Jones & The Six, una banda tan bien construida que terminó publicando un álbum real: Aurora, que los fans seguimos escuchando en bucle como si fuera un clásico de la época. 

Esta banda nos fascina por su colección de canciones originales, entre ellas ‘Look at Us Now’, que cierra la serie con una mezcla perfecta de épica y melancolía, y confirma lo que ya pensábamos: ojalá esta banda existiera de verdad.

This Is Spinal Tap (1984)

Si hablamos de grupos musicales salidos de la gran pantalla, Spinal Tap es la banda ficticia por excelencia. Si bien nació como una parodia del hard rock y el heavy metal británico de los 70 y 80,  terminó convirtiéndose en un fenómeno de culto y también inspiración para bandas reales. La película This Is Spinal Tap está dirigida por Rob Reiner (El lobo de Wall Street) y funciona como un falso documental en el que siguen a la banda a lo largo de una desastrosa gira por Estados Unidos, repleta de fallos técnicos, egos inflados y bateristas que mueren en circunstancias cada vez más absurdas. Spinal Tap nos atrapó con temas como ‘Tonight I'm Gonna Rock You Tonight’ o ‘Big Bottom’ y diversión de principio a fin. 

Josie and the Pussycats (2001)

Si hablamos de comedias y temas pegadizos, Josie and the Pussycats es una banda que no puede faltar en esta lista. La película está basada en un cómic y serie animada de los años 70, pero adaptada a un estilo pop Y2K. La historia satiriza a la perfección y con inteligencia, el mundo de la industria musical y el marketing adolescente. El grupo ficticio está compuesto por tres chicas de un pequeño pueblo que forman una banda de garage pop y que de la noche a la mañana se convierten en el grupo más famoso del planeta. 

Con canciones originales tan pegajosas como ‘Pretend to Be Nice’, Josie and the Pussycats tiene uno de los mejores discos pop que ha salido de una banda ficticia. 

The Story of Fire Saga (2020)

En esta comedia que parodia con cariño el universo de Eurovisión, Will Ferrell y Rachel McAdams interpretan a Lars y Sigrit, dos músicos islandeses con el sueño de representar a su país y ganar. Contra todo pronóstico (y con muchas situaciones absurdamente graciosas), su dúo Fire Saga se abre paso hasta la etapa final para cantar en el escenario más espectacular del pop europeo. 

Esta banda ficticia se roba el show con temas originales como ‘Double Trouble’ y especialmente ‘Húsavík’, una balada tan emotiva que logró una nominación al Oscar. Adoramos The Story of Fire Saga porque es una de esas joyas que siempre te levantan el ánimo y nos recuerda que soñar en grande nunca pasa de moda.

The blues brothers (1980)

No muchas personas saben que The Blues Brothers comenzó como un sketch musical en Saturday Night Live y se convirtió en una de las bandas ficticias más icónicas del cine. La película sigue a los hermanos Jake y Elwood Blues en una misión divina para salvar el orfanato donde crecieron, reuniendo a su antigua banda mientras huyen de policías, nazis de Illinois y media ciudad de Chicago.

Recomendamos esta historia por sus versiones impecables de clásicos del soul, sus cameos legendarios y un ritmo que no afloja. Además The Blues Brothers demostró que se puede trascender la gran pantalla y llegaron a tocar en vivo, grabar discos y llenar estadios. 

Adventure Time (2010)

En esta lista no podía faltar una banda ficticia animada, por eso elegimos a Marceline and the Scream Queens del universo surrealista de Adventure Time para cerrar nuestro compilado. Marceline Abadeer es más que una vampira, es bajista, cantante, compositora y posiblemente el alma más sensible de toda la Tierra de Ooo. A lo largo del show, interpreta varias canciones originales que mezclan humor, nostalgia y confesiones.

Marceline  es la vocalista del sueño emo-pop que no sabíamos que necesitábamos, con su voz grave, su bajo en forma de hacha y letras como ‘I’m Just Your Problem’ o ‘Everything Stays’ nos ha atrapado y nos ha dado también una  excusa para volver a ver los divertidos episodios de la serie.

Dónde ver todas estas bandas ficticias en streaming

Con la guía de JustWatch, puedes descubrir fácilmente en qué plataformas están disponibles estas películas y series con bandas ficticias inolvidables, para ver en línea desde España. Además, puedes filtrar tu búsqueda por género, precio, clasificación por edad o puntuación, y así encontrar la opción perfecta para tu próxima maratón musical desde el sofá.

La saga Fundación de Isaac Asimov no solo es un hito que revolucionó la ciencia ficción literaria, sino que también ha servido como fuente de inspiración para algunas ficciones audiovisuales que han marcado época y creado legados que, a su vez, han sido absolutamente influyentes en el cine y la televisión. Desde la space opera hasta los dramas políticos futuristas, el legado de Asimov puede rastrearse en producciones que han marcado a más de una generación de espectadores. Esta lista de JustWatch busca descubrir esas conexiones ocultas y a encontrar dónde ver estos títulos en las plataformas de streaming disponibles.

1. Fundación (2021)

Vale, esta es trampa, la adaptación oficial de la obra levantada por Apple TV+ no está influenciada por ella, sino que la adapta, aunque se toma libertades considerables con el material original. Lo bueno es que mantiene todos los temas centrales del Imperio Galáctico en decadencia, la psicohistoria como ciencia predictiva, y la Fundación como último bastión del conocimiento humano. David S. Goyer aborda la mitología de Asimov con vocación para un público amplio, quizá para que sus elementos visuales encajen con las décadas de influencia a otros, aunque su lógica científica sigue sin ser equiparable ni siquiera en esta serie.

2. Star Wars (1977)

George Lucas nunca ha ocultado sus influencias, y su admiración por la obra de Isaac Asimov, y ha dejado huella en Star Wars, desde el surgimiento de la Rebelión a la caída del Imperio Galáctico, amigo de la decadencia del Imperio en Fundación. Hay algo de Hari Seldon en la figura de Obi-Wan Kenobi, ambos guardianes de conocimientos antiguos, mientras que la psicohistoria se transforma en la Fuerza como elemento místico que guía el destino galáctico. Por no hablar de cómo Hober Mallow se adelanta a la figura de Han Solo. La tecnología avanzada coexistiendo con la barbarie, con la construcción de artefactos gigantes con poder destructivo, son reflejos de una saga que abarca décadas y diferentes linajes familiares.

3. Dune (2021)

Denis Villeneuve ha reconocido abiertamente que Fundación influyó en su visión de Dune, aunque hay que destacar que la novela de Frank Herbert ya bebía de la misma fuente. La película presenta un imperio galáctico en declive, casas nobles que manejan el poder político, y la presciencia—la capacidad de ver el futuro—como elemento clave de la trama. Paul Atreides, como Hari Seldon, tiene capacidades psicológicas que enfoca como vacuna para librar a la humanidad de su propia destrucción, aunque los elementos más abstractos que unen las dos obras no aparecerán hasta algunas entregas posteriores. Pero la política intergaláctica, la manipulación de las masas a través de la religión, y la arquitectura monumental, evoca un sentimiento de grandeza temporal que Asimov plasmó en sus descripciones del Imperio Galáctico.

4. Battlestar Galactica (2004)

La reimaginación de Ronald D. Moore de Battlestar Galactica imaginaba una vía de la supervivencia de la civilización humana no demasiado lejana al tema central en Fundación. La serie presenta a una humanidad al borde de la extinción, que no solo busca un nuevo hogar, sino que debe preservar su conocimiento y cultura mientras los Cylons, como las crisis que amenazan al Imperio en las novelas de Asimov, son la fuerza que puede destruir radicalmente la sociedad que conocemos. La búsqueda de la Tierra no es muy diferente de la búsqueda de la Segunda Fundación, y se incluyen debates sobre democracia y supervivencia de la civilización que parecen haber tomado buena nota de las preocupaciones filosóficas del escritor sobre nuestras posibilidades de futuro.

5. Blade Runner 2049 (2017)

Mira que es culterano Denis Villeneuve que, estando metido en el mundo de Philip K. Dick, fue desperdigando elementos de Fundación aquí y allá en la secuela de Blade Runner. Después de todo, son mundos donde la memoria artificial, preservación del conocimiento, y la manipulación de la historia están a la orden del día. Además, Blade Runner 2049 presenta una sociedad en declive donde la tecnología avanzada coexiste con una decadencia urbana no tan alejada a la descripción de Asimov de un reino Galáctico en sus últimas etapas, con puntos en común como esos pequeños grupos que trabajan en secreto al estilo de la Segunda Fundación y sus maquinaciones.

6. La Guía del autoestopista galáctico (2005)

Las historias de ciencia ficción menos serias tampoco se libran de la alargada sombra de las patillas de Asimov. La Guía del autoestopista galáctico, adaptada también a serie, tenía una Enciclopedia Galáctica, clara referencia a la enciclopedia de la Fundación. Aquí es un libro respetable y caro que no se vende tan bien como la Guía, mientras que en Fundación es una guía de referencia para todo el conocimiento adquirido por el Imperio Galáctico, y aparece en cada libro de la saga a modo de capítulos, aunque más adelante se revela más tarde como un fraude cuando Seldon se entera de que la Enciclopedia sólo existe para ser completada y que nadie utiliza realmente los conocimientos que se han registrado en ella.

7. The Expanse (2015)

James S.A. Corey (pseudónimo de Daniel Abraham y Ty Franck) creó The Expanse como una actualización de los temas de Fundación para el siglo XXI. Recapitulemos. La serie tiene un sistema solar colonizado con diferentes facciones representadas por la Tierra, Marte y los Cinturianos, que tienen a bien reflejar las dinámicas políticas del Imperio Galáctico de Asimov. Además, introduce la tecnología de la protomolecula, un elemento disruptivo similar a las crisis que amenazan la estabilidad en Fundación. Política a gran escala, decisiones con consecuencias que se notan por generaciones y fuerzas históricas más grandes que personajes que solo pueden influir en los eventos ocasionalmente.

8. Guardianes de la galaxia (2014)

Sí, el éxito de James Gunn también deja muestras de la influencia de Fundación. La versión del universo Marvel cósmico de Guardianes de la galaxia presenta una galaxia donde antiguas civilizaciones han dejado tecnología y conocimiento que pueden ser redescubiertos por nuevas generaciones y los Guardianes son iguales a esos pequeños grupos que influyen en el destino galáctico, aunque se presenten con la sensibilidad contemporánea del cine de superhéroes. Pero ojo, Hober Mallow, maestro comerciante y el capitán de la nave Estrella Lejana es también una especie de proto StarLord, una figura que ha influenciado otras ficciones que perfilan la obra de Gunn, como Firefly.

Dónde ver más películas y series inspiradas en 'Fundación'

Para descubrir más películas y series como Fundación disponibles en España, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

La franquicia surgida con Depredador lleva décadas mostrándonos algunos de los cazadores más letales del universo. Desde la selva de Guatemala hasta las tierras baldías futuristas, estos guerreros extraterrestres han usado a la humanidad como campo de pruebas para su cultura de caza. Depredador: Asesino de Asesinos (2025) parece haber presentado finalmente al antagonista definitivo de la franquicia, en una antología que muestra el poder de un nuevo depredador en diferentes arcos temporales.

A través de JustWatch, exploraremos si en toda la evolución de estos cazadores cósmicos ha habido una amenaza mayor que la de la última entrega, donde la saga ha dado un paso radical hacia adelante. Comprobemos si realmente es el más formidable de toda la serie.

La evolución Yautja

Predator: Asesino de asesinos presenta a tres de los guerreros más feroces de la historia de la humanidad; una guerrera vikinga, un ninja del Japón feudal y un piloto de la Segunda Guerra Mundial se enfrentan a un Yautja con habilidades y metodología algo distinta en sus típicos códigos de honor y reglas, con una eficiencia y brutalidad que lo muestra más despiadado, quizá por ser la primera película animada de la serie, lo que significa que puede desplegar todo su potencial sin las limitaciones presupuestarias que podrían haber restringido representaciones anteriores.

El Yautja original de Depredador (1987) estableció el estándar de un cazador tecnológicamente avanzado con camuflaje óptico, visión térmica y un arsenal de armas rarísimas y letales, además de ser musculoso, ágil y aterrador. Tiene rastas negras y una cara que parece un cangrejo enfadado. Las espinas y púas similares a pelos a lo largo de su torso le hacen más temible,  pero su encuentro con Arnold Schwarzenegger demostró que podía ser superado por la astucia humana.

Depredador 2 (1990) introdujo al City Hunter, un cazador urbano que operaba en Los Ángeles, quizá más agresivo y bestia que su predecesor, pero con las mismas reglas básicas, más o menos como los de Alien vs. Predator (2004), que mostraron diferentes niveles de experiencia, desde novatos a veteranos, pero el “héroe” que se enfrenta a los aliens era bastante astuto, el Predalien de AvP: Requiem (2008) tenía muy buena pinta, pero tampoco era tan peligroso. El Berserker Predator de Predators (2010) fue un salto significativo en términos de poder. Más grande y jerárquico que los cazadores tradicionales, este Super Predator tiene una estructura facial más ancha y un aspecto más terrorífico, que complementa con una mandíbula de hueso real en su casco.

Tipos gigantescos: el camino hacia el cazador supremo

El Upgrade Predator de The Predator (2018) es otra especie muy diferente debido a la manipulación genética, representando una hibridación con una altura de 3,30 metros, una fuerza descomunal y una resistencia mejorada. Su armadura biológica se integraba perfectamente con su fisiología y le hace aún más peligroso, tanto que estaba creado para buscar a otros Yautja fugitivos, a los que es capaz de decapitar a manos peladas. Hasta este momento era el bicho más mostrenco de la saga, pero aún estaban por llegar varias entregas más.

El cazador de Predator: La presa (2023) fue llamado el predator feral, de aspecto más primitivo y capaz de adaptarse a un entorno más seco y hostil; era mucho más grotesco, pero no necesariamente más poderoso, o al menos no tanto como los de Predator: Asesino de asesinos, donde tenemos varias clases, a cada cual más bestia. El Depredador Vikingo hace que el cazador de la jungla parezca su primo menor, con unos 2’7 o 3 metros de altura, es tremendamente voluminoso, de coloración gris carbón y una gran cresta en la cabeza, sin embargo parece una especie de gigantismo de la misma especie de siempre.

También conocemos al cazador ninja, más elegante y estiloso con piel parduzca con rayas similares a las de un tigre, más delgado y ágil pero solo con dos mandíbulas inferiores más desarrolladas. Es un tipo de asesino silencioso, un nuevo tipo o una subespecie estilizada que sugiere una mejora al menos en determinados ambientes. El depredador piloto no tiene rastas, pero parece de una raza estándar salvo por sus grandes espinas, que sugieren una mutación, aunque su mayor poder es su capacidad para llevar una nave de guerra, lo que le confiere alto poder destructivo.

El monstruo definitivo de la saga

El apodado Rey Grengel es lo más cercano a un monarca yautja que hayamos conocido. Con tres metros y medio de altura, y una constitución de pared, es el típico cazador voluminoso pero que además tiene mucha velocidad. Sus ojos de color rojo le dan un aire infernal, pero lo que más sorprende es su armadura, que parece estar hecha de lo que podemos suponer que son huesos de xenomorfo, incluyendo una caja torácica de una reina. Se discute si es un verdadero rey de los depredadores, un usurpador del trono o un gobernante de una facción rival, pero lo que está claro es que es el más grande y poderoso que hayamos visto en las películas hasta ahora.

No contamos la bestia, que es otra de las mascotas que hemos visto en otras películas, solo que con un su crecimiento mayor, y aunque no es un yautja, su apariencia revela que presumiblemente provenga de su mundo natal, o esté relacionada con ellos de alguna manera. Todas estas novedades establecen nuevos estándares de poder, brutalidad y eficiencia que seguramente veamos en las nuevas películas de Predator, incluyendo Predator: Badlands, en la que veremos a otro cazador aliarse con un androide del universo Alien, por lo que el crossover que se viene puede ser épico.

 ¿Dónde ver todas las películas de Predator mencionadas en este artículo en streaming?

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Con el lanzamiento de la nueva película de Superman dirigida por James Gunn y protagonizada por David Corenswet, Rachel Brosnahan da un gran paso al personificar a la mítica Lois Lane, un papel que promete marcar un antes y un después en su carrera. Pero para muchos cinéfilos, su talento ya venía brillando desde hace años y este es un merecido clímax en su trayectoria como actriz. Dueña de una presencia magnética, un estilo atemporal y una gran versatilidad, Brosnahan ha sabido moverse con soltura entre géneros como la comedia, el drama y el suspenso. Si quieres ver más de su repertorio y apreciar su talento en la pantalla, aquí repasamos sus películas y series más destacadas. Además encontrarás dónde ver cada una de ellas en los servicios de streaming desde España.

The Marvelous Mrs. Maisel (2017)

Con cinco temporadas brillantes y una impecable dirección artística, The Marvelous Mrs. Maisel se convirtió en una de las series más celebradas de la última década. En este show de Prime Video, Brosnahan brilla como Miriam Maisel, una ama de casa neoyorquina de los años 50 que descubre un talento inesperado para la comedia stand-up. Con una mezcla de humor afilado y ternura la serie se ganó al público y Rachel supo demostrar su capacidad para sostener un papel protagónico complejo pero profundamente humano. Fue tan significativa esta experiencia para su carrera, que incluso ganó un Emmy y un Globo de Oro por su interpretación.

House of Cards (2013)

Muchos conocieron a Rachel Brosnahan por su papel en The Marvelous Mrs. Maisel, pero ya tiempo antes había actuado en una galardonada serie, sin embargo en un papel secundario. En el drama político House of Cards, interpretó a Rachel Posner, una joven envuelta en una compleja y vulnerable situación, que queda atrapada en las guerras de poder de Washington. Su personaje se convirtió a lo largo de las temporadas en uno de los más trágicos de la serie. Y gracias a su compromiso con el rol, su participación no pasó desapercibida. Destacar en un elenco plagado de figuras no era fácil, pero ella lo logró y dejó en claro que su carrera estaba a punto de despegar.

I'm your woman (2020)

I’m your woman es un thriller criminal ambientado en los años 70 que cuenta la historia de una joven madre obligada a huir tras la desaparición de su esposo, un ladrón involucrado en negocios turbios. Rachel Brosnahan se pone en la piel de Jean y sorprende con un rol mucho más introspectivo y cargado de drama. Bajo la dirección de Julia Hart, aquí la actriz demostró su versatilidad, y la capacidad de adentrarse en papeles más oscuros y realistas. Una joya indie que vale la pena ver simplemente por su interpretación. 

Burn Country (2016)

La carrera de Brosnahan se caracteriza por alternar entre superproducciones y proyectos más discretos de autor. En 2016 participó en Burn Country, un drama independiente dirigido por Ian Olds, donde interpreta a Sandra, una joven atrapada en la tensión de un pequeño pueblo californiano junto a un ex periodista afgano exiliado. En esta película su papel no es protagónico pero aporta esa energía sutil pero magnética que la caracteriza, ayudando a construir la atmósfera densa y casi onírica que la historia propone. Si quieres adentrarte en una trama que toca temas como la identidad, la verdad y la alienación, no puedes perderte Burn Country.

The Courier (2020)

Los thrillers son recurrentes en la filmografía de Rachel Brosnahan, y en 2020 tuvo la oportunidad de participar en uno de espías ambientado durante la Guerra Fría. En esta película de suspenso basada en hechos reales comparte pantalla con el talentoso Benedict Cumberbatch e interpreta a Emily Donovan, una agente de la CIA que coordina una operación secreta para frenar el avance nuclear soviético. Su papel en The Courier no es protagónico pero aporta convicción a su personaje, destacándose en un entorno de intriga política y tensión internacional. Demuestra una vez más su capacidad de integrarse con naturalidad  a producciones de alto calibre.

Black Box (2014)

Varios años antes de protagonizar The Marvelous Mrs. Maisel, Rachel Brosnahan participó en una serie dramática llamada Black Box, emitida por ABC. El show explora los límites entre la genialidad y la enfermedad mental, con un tono más introspectivo y emocional que otras series médicas de la época. Aquí Brosnahan interpreta a Chloe, la hija adolescente de una brillante neuróloga que lucha contra el trastorno bipolar.  Si bien a la serie no le fue  tan bien y fue cancelada, Rachel destacó con una interpretación genuina y empática, aportando sensibilidad y realismo al conflicto familiar que atraviesa la historia.

Manhattan (2014)

Otro de los proyectos que vio la luz en 2014 con Rachel Brosnahan, fue Manhattan, una serie aclamada por su rigor histórico y estilo cinematográfico. El programa está ambientado durante el desarrollo del Proyecto Manhattan en plena Segunda Guerra Mundial y narra las tensiones vividas en el desierto de Nuevo México. Brosnahan interpreta a Abby Isaacs, la joven esposa de un científico que poco a poco empieza a descubrir los secretos que amenazan su nueva vida. Sin duda le tocó interpretar un  rol complejo en un contexto cargado de tensión e intriga, pero gracias a su talento nos regaló una interpretación emocionalmente profunda.

Dead for a dollar (2022)

En 2022 llegó la oportunidad de actuar en una obra dirigida por el legendario Walter Hill (The Warriors) llamada  Dead for a Dollar. Este western clásico que busca rendir homenaje al cine del género, incluye a estrellas como Christoph Waltz y Willem Dafoe en su reparto. En esta historia Rachel Brosnahan interpreta a Rachel Kidd, una mujer fuerte y decidida que desafía los roles tradicionales del Lejano Oeste. En un entorno dominado por figuras masculinas, la actriz aporta vulnerabilidad, coraje y determinación a su personaje. Entre duelos, honor y justicia la película ofrece entretenimiento al estilo más puro del western.

Spies in disguise (2019)

En 2019 llegó uno de los proyectos más originales donde ha participado la actriz. Spies in disguise es una divertida película animada de espías para toda la familia en la que Rachel prestó su voz a Wendy Beckett, una agente de inteligencia decidida y eficiente. El elenco vocal también incluye a Will Smith y Tom Holland, marcando un hito en el recorrido profesional de la actriz. Combinando acción, humor y un mensaje sobre el valor de la colaboración, la película le permitió aportar su carisma y demostrar que también puede brillar en el terreno de la animación.

The Amateur (2024)

The Amateur es uno de los proyectos más recientes de Rachel Brosnahan en el cine de gran escala. En este thriller de espionaje dirigido por James Hawes, ella interpreta a Sarah, la esposa del criptógrafo de la CIA, cuya trágica muerte desencadena una operación de venganza por fuera del sistema. Compartiendo pantalla con Rami Malek, mostró nuevamente su capacidad para aportar profundidad incluso en roles secundarios, demostrando al mundo que su presencia siempre deja una huella significativa en los proyectos en los que participa. Esta película es ideal para los fans de la intriga y la acción.

Dónde ver las mejores películas y series de Rachel Brosnahan online

Desde su icónica interpretación en The Marvelous Mrs. Maisel hasta thrillers intensos como I'm Your Woman o papeles secundarios inolvidables en títulos como House of Cards, Rachel Brosnahan ha construido una filmografía tan variada como sólida. Si estás en España y quieres ponerte al día con sus mejores trabajos, con la guía de JustWatch puedes encontrar dónde ver sus películas y series en streaming de forma rápida y sencilla.

Hay dos grandes dilemas antes del estreno de una nueva película de Batman: uno, acerca del actor que encarna al enmascarado de Gotham (si es Robert Pattinson, por la forma de su barbilla, si es George Clooney por la impostura en su seriedad). Y dos, y lo vimos perfectamente con la Batman de Matt Reeves (2022), por la calidad y pertinencia de sus atributos. Lo examinamos todo, nos convertimos en expertos de este personaje de ficción a cada nuevo diseño del Batmóbil, a cada Batarang y a cada Batitraje, otramente llamado traje de Batman.

¿Más o menos cuernecillos? ¿Cuello inmóvil y batipezones? Por ello, y fijándonos en estos dilemas trascendentales para la humanidad, hoy queremos proponer un top 5 tan definitivo como irrisorio. Los cinco mejores trajes de Batman en el cine, ordenados según el criterio personalísimo de este servidore en Justwatch.

Batman vuelve (1992)

Veníamos del inmóvil cuello de Michael Keaton en Batman (1989), un diseño al que tuvieron que hacérsele algunos cambios, digamos, de urgencia. El traje de Batman vuelve (1992) es mucho más angular y militarizado, con unos músculos más artificiales que acercan el atuendo al diseño del Batmóvil. Además, los amarillos intensos del símbolo del murciélago y el cinturón de herramientas acaban contrastando con el negro, en un patrón gótico que no le resta aire de descapotable con alas al murciélago de Gotham. Es un esfuerzo consistente, uno tremendo considerando las limitaciones de los materiales de la época. La nata para una imagen completamente clásica de Batman.

Batman inicia (2005)

El primer batitraje que Christian Bale usa en Batman inicia (2005) también se conoce como el “traje Nomex”, al haber sido diseñado por Lucius Fox como un prototipo de armadura militar. Voluminoso, intimidante, con una capuchita que sí, volvía a limitar los movimientos del superhéroe. Pero nos damos por satisfechos porque ahora han desaparecido los pectorales falsos de la ecuación. El símbolo del murciélago queda bien estirado sobre el pecho, el cinturón dorado de herramientas ayuda a romper el negro… Y el conjunto da a Bale un aire señorial nada desdeñable. En El caballero oscuro (2008), el traje se volvía bicolor y mucho más flexible, una mejora, ahora sí, definitiva para la prenda.

Batman y Robin (1997)

En Batman y Robin (1997), los trajes del tándem protagonista destacan más por su extravagancia que por su fidelidad a los cómics. George Clooney luce aquel icónico traje musculoso con pezones moldeados en el pecho, inspirado en estatuas clásicas y muy lejos de resultar intimidante. Además, aquí tiene su breve aparición el llamativo Traje de Hielo, plateado y azul marino. Eran años de estética desfasada, no culpéis al sastre por priorizar el espectáculo sobre la coherencia con la identidad clásica del personaje. El traje está en la lista porque, a pesar de su inverosimilitud dicharachera, aún lo recordamos y comentamos. Y lo que cuesta eso.

Batman Forever (1995)

Antes del embrutecido Robert Pattinson en Batman (2022), el justiciero de Gotham ya había sido… Gótico. Batman Forever (1995) daba un giro oscuro a la saga, menos retorcido que sobrio, con Val Kilmer como el nuevo Bruce Wayne. La película de Joel Schumacher mantenía el icónico murciélago negro sobre fondo amarillo y, como en su predecesora, dejaba al aire pezones y escultóricos músculos falsos, intentando replicar una imponente figura griega. Pero la estética completamente negra y los toques góticos divergen tantísimo el traje tradicional del Batman de tebeo, con su traje gris con detalles en azul y un cinturón amarillo, que sólo podemos aplaudir el camino tomado.

Batman vs Superman: El amanecer de la justicia (2016)

El apodado Batitraje Knightmare, que aparece por primera vez en Batman vs Superman: El amanecer de la justicia (2016) y luego en Liga de la Justicia (2017), es de esos looks imposibles de ignorar. Combina el traje clásico del Batman de los cómics con un aire a lo Mad Max que le queda sorprendentemente bien a Ben Affleck. El guardapolvo de cuero, los pantalones de combate, los guanteletes y la capucha crean un conjunto endurecido y con mucho carácter. Además, la textura bicolor del traje resalta cada músculo y vena, dándole una apariencia de superhéroe más realista. Aunque siempre hay debate sobre si Batman usaría una pistola o no, de lo que no sabe duda es de la genialidad del armario de Snyder para el penúltimo murciélago.

¿Dónde ver los mejores trajes de Batman en el cine?

Para descubrir los mejores trajes del Caballero Oscuro, hay que revisitar todas las películas donde aparece. No os preocupéis, no son tantas: consulta cuáles están disponibles en España a través de la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Santiago Segura ha dado en la diana más de una vez en lo que a taquilla se refiere. Primero lo logró con esa parodia de la caspa española que es Torrente: El brazo tonto de la ley, que lidera las listas de lo más visto en salas en la historia del cine española. El director y productor volvió a acertar con Padre no hay más que uno. Esta comedia familiar es una creación del propio Segura con la también guionista Marta Fernández Vega. Nació como un remake de una película de humor argentina, Mamá se va de viaje. Pero desde entonces, la versión española ha crecido a golpe de secuelas. En este listado te mostramos todos los títulos de los que se compone esta saga.

Padre no hay más que uno (2019)  

La premisa de la primera entrega es sencilla y ha funcionado en varios países del mundo. Un ama de casa saturada decide irse sola de vacaciones para descansar de su familia. Su marido se queda entonces al frente de la casa y de sus cinco hijos. Y todos ellos comprenden lo mucho que hace falta su madre en casa. De la original argentina nació la versión de Santiago Segura. Y unas cuantas más. México tiene su propia versión. También Italia, donde ya es una trilogía. Y la versión francesa ha estrenado dos películas. Pero ninguna supera el buen ojo de Santiago Segura, que a partir de este estreno ha creado una extensa franquicia.

Padre no hay más que uno 2ː La llegada de la suegra (2020)  

Si en la original argentina el matrimonio protagonista lo interpreta Carla Peterson y un actor conocido por el público español, Diego Peretti, en la española sus protagonistas son el propio Santiago Segura (Javier García) y la actriz Toni Acosta (Marisa Loyola). En Padre no hay más que uno 2ː La llegada de la suegra, Javier triunfa creando una aplicación para padres y madres, pero la llegada de un nuevo hijo y la visita de la suegra ponen en peligro la anhelada tranquilidad de la familia. Entre los hijos de la familia García se encuentran Carlota y Paula, interpretada por Calma y Sirena Segura (las hijas en la vida real de Santiago Segura), y Rocío, encarnada por Luna Fulgencio, quien se ha convertido en una pequeña estrella del cine español gracias a esta saga.

Padre no hay más que uno 3 (2022)  

En esta secuela, Santiago Segura y Marta Fernández Vega sitúan a la familia en plenas vacaciones navideñas. Sara, la hija mayor rompe con su novio, Ocho, que intentará recuperar sus favores con la ayuda de su suegro, Javier. Y el propio Javier se enfrenta esta vez a su suegro: el padre de Marisa para las Navidades con la familia después de su separación. Milagros, la madre de Javier, ve en esa visita inesperada una oportunidad, que no quiere dejar escapar. La familia cada vez es más grande y por tanto también lo es el reparto de Padre no hay más que uno 3, que también incluye a Silvia Abril, Leo Harlem, Loles León y Carlos Iglesias.

Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda (2024) 

Javier y Marisa están en apuros. El mismo día que su hija mayor cumple 18 años, su novio el rarito le pide matrimonio. Y lo peor es que ella acepta de inmediato. Santiago Segura es experto en coleccionar cameos en sus películas, como ocurría en la saga de Torrente: el brazo tonto de la ley. En Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda intervienen Mar Saura y un actor que colecciona candidaturas a los premios Goya, Antonio de la Torre. También regresa a esta entrega Anabel Alonso, como la directora del colegio de los niños, personaje que ya aparecía en la primera película.

Padre no hay más que uno 5: Nido repleto (2025) 

Para su quinta entrega, Padre no hay más que uno 5: Nido repleto, la saga ya se ha convertido en la saga que atrae a familias completas a las salas de cine. Y mantiene su fórmula de hacer humor a partir de las situaciones cotidianas de la sociedad española, incluso de las que resultan algo trágicas. El problema de la vivienda hace que España sea uno de los países donde los jóvenes más tardan en independizarse. Por eso, Javier está deseando sentir el síndrome del nido vacío, cuando los hijos se van de casa. En su caso, nadie se marcha. En teoría, Santiago Segura ha anunciado que esta es la última película de la saga, pero el buen recibimiento del público puede hacer que cambie de idea.

Dónde ver todas las películas de Padre no hay más que uno

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Seguro que ya has visto la saga Jurassic World unas cuantas veces, incluida la última parte Jurassic World: El renacer y empiezas a notar que el Tyranosaurus Rex no te impresiona tanto como antes. Pues bien, hay toda una tradición cinematográfica de bichos enormes que están relacionados con el cine de terror y, aunque ninguna de mucho miedo, la siguiente selección sí recoge cinco títulos que comparten la misma fascinación malsana por las criaturas que nos recuerdan lo fáciles de comer que somos. Las puedes encontrar en diferentes plataformas de streaming, así que no tienes pérdida.

Tiburón (1975)

A Steven Spielberg le debemos la primera Parque Jurásico, que ya era bastante de terror en el 93, sin embargo, cincuenta años después, Tiburón sigue siendo la película que más gente ha sacado de la playa, y su escualo devorahombres sigue siendo aterrador. Lo que conecta directamente con Jurassic World: el renacer es toda su segunda mitad, cuando van a cazar al monstruo, que en la nueva película se transforma en un primer acto acuático lleno de guiños al clásico. La secuencia final en el Orca —con Robert Shaw contando lo del Indianapolis— sigue dando escalofríos, y eso que no aparece ninguna mandíbula.

Temblores (1990)

El tono divertido de la saga Jurassic World, mezclando aventura, dinosaurios voraces y humor tiene un punto de este clásico de serie B en el que los villanos son gusanos gigantes. Los graboides de Temblores son criaturas que han evolucionado para detectar vibraciones, lo que convierte cualquier paso en falso en una invitación a cenar. Ron Underwood consiguió que simpatizáramos con los protagonistas, con un Kevin Bacon en su mejor momento, y Fred Ward en clave buddy movie. Las reglas eran claras, no tocar el suelo, no hacer ruido y lanzar dinamita dentro de la boca del bicho. Terrorífica, divertida y un tono que creó escuela.

Tammy and the T-Rex (1994)

Stewart Raffill dirigió esta rareza donde un cerebro humano acaba dentro de… un T-Rex. El llorado Paul Walker y Denise Richards aparecían aquí mucho antes de hacerse famosos, una especie de parodia del cine de mad doctors que se torna en una experiencia surrealista que abraza su propia locura desde el primer minuto. El T-Rex con cerebro humano persigue a los malos, protege a su novia, y en general se comporta como cualquier adolescente impulsivo. En su versión sin cortes es una locura gore llena de sangre y muertes absurdas en la boca del dinosaurio animatrónico. Tammy and the T-Rex es el antídoto a una indigestión de escenas de diplodocus mirando al sol con la música de John Williams.

Godzilla Minus One (2023)

Takashi Yamazaki ha hecho lo que parecía imposible: que Godzilla vuelva a dar miedo. Un kaiju en el Japón de posguerra en el que el lagarto gigante no es el anti-héroe simpático del Monsterverse, sino una fuerza destructiva que representa las pesadillas del Japón del siglo XX, la bomba atómica y el trauma colectivo. Las secuencias de destrucción de Godzilla Minus One están rodadas con una brutalidad que hace que los destrozos de Jurassic World sean juegos de patio de guardería. Una de las mejores películas de monstruos gigantes de los últimos años, que, como Rebirth, también tiene un buen tramo que es un gran homenaje a Tiburón.

65 (2023)

Scott Beck y Bryan Woods (los creadores de Un lugar tranquilo) hicieron un survival horror en el que Adam Driver se estrella en la Tierra hace 65 millones de años, justo antes de que llegue el asteroide que acabó con los dinosaurios, y debe proteger a una niña mientras atraviesan un mundo lleno de depredadores hambrientos. Lo que hace a 65 interesante para fans de Jurassic World es que los dinosaurios están presentados como auténticas amenazas mortales, son voraces y violentos y no se dulcifica ninguna de sus apariciones. Y aunque la lista termine aquí, también nos podría valer Megalodón 2: la fosa y su escena inicial con un gran tiburón devorando un T-Rex.

¿Dónde ver más películas de terror para fans de 'Jurassic World'?

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En Justwatch te proponemos una guía con diez K-Drama que ver de forma completamente gratuita este mes. Entonces, seguro que nos dejamos alguna pero: como hay tantos servicios de streaming que rebosan de oferta gratuita y nos agobia la sobre-oferta, hemos acotado la selección a series de estreno en julio, en Viki. Porque no, no vamos a recomendar la temporada 3 de El juego del calamar, pero tampoco os abriremos el apetito para que os perdáis por internet tratando de registraros en más plataformas de las que un cerebro humano puede soportar bajo el calor. Así que, aquí, diez series de K-Drama que ver si quieres estar al día con los estrenos made in Korea.

The First Night With the Duke

Seohyun (del grupo de idols Girls’ Generation) interpreta a Cha Sun‑chaek, una chica que despierta dentro de una ficción, pero encarnando a un personaje muy de reparto. Imposible, por lo tanto, acercarse a Taecyeon, de la banda 2PM, en la piel del frío príncipe Yi Beon. Dirigida por Lee Woong‑hee (El espejo de la bruja) y Kang Soo‑yeon (JUNG_E), The First Night With the Duke está basada en la popular novela web de Hwang Do‑tol, con más de 600 millones de lecturas. Además, la tensión de la “primera noche” tiene lugar toda en la época de Joseon, lo cual añade a la riqueza, a la química y a la intriga. Un buen drama de fantasía romántica en 12 episodios.

Namib

Volvamos a la oficina. Go Hyun‑jung (A Tiger in Winter) es una productora que acaba de ser despedida de su agencia, y Ryeoun (Through the Darkness) interpreta a su aprendiz, quien la sigue desde hace diez años. Firma el guion Eom Sung‑min (Default) y la serie viene codirigida por Han Sang‑jae (Ugly Miss Young‑ae) y Kang Min‑gu (Con su permiso, señoría), por lo que esperad un slice of life con tanta sensibilidad como desparpajo. Además, la ya-de-vuelta Go Hyun‑jung se mete en personaje con una sinceridad desarmante. Namib es ideal para quienes andéis cortos de paciencia en el trabajo y queráis un cuento sobre las segundas oportunidades y el crecimiento personal.

The Woman Who Swallowed the Sun

Un thriller de venganza con toda la garra coreana, dirigido por Kim Jin‑hyung (Meant to Be) y guionizado por Seol Kyung‑eun (Hide and Seek). Tras años sin actuar, Jang Shin‑young se viste las botas de una madre devastada por la muerte de su hija, nunca resuelta y vinculada a un imperio chaebol. Según el director Kim, es “la historia de una mujer capaz de tragarse el sol por su hija”, por ello el The Woman Who Swallowed the Sun. Intensidad y calorón mareante a la sombra de los callejones de Seúl, con alguna decisión antipática y radical. Para quienes no temáis a la salpicadura moral y sangrienta.

The Haunted Palace

Después de Máscara Nupcial (2012) y Mr. Queen (2020), Yoon Sung‑sik se pone al servicio de la pluma de Yoon Soo‑jung (El Rostro del Rey), en una serie que sólo puede ser el resultado de una mezcla de géneros sin vergüenzas ni compromisos. En The Haunted Palace esperad la fusión de intriga palaciega, fantasía sobrenatural y comedia ligera para acompañar a Yook Sung‑jae, archivista real poseído por un espíritu Imoogi, a exorcizar por la chamán Bona. Posesiones fantasmales con humor cotidiano, con alma imperial. Si lo tuyo es el teatro, el romance y la ambientación folclórica de tacitas, has encontrado tu serie.

Spring of Youth

Kim Min‑cheol puede hacer de todo. En 2018 estrenó el triangulísimo amoroso de Brothers in Heaven, en 2022 desparramó sesos por el festival de Sitges con Project Wolf Hunting. Hoy, se une al director Kim Sung‑yong (My Dearest) para Spring of Youth o la fábula de otra pareja improbable en la línea interclase de Notting Hill. Aquí Ha Yoo‑joon interpreta a una exestrella de K‑pop y Park Ji‑hu a una universitaria decidida que, juntos, forman una banda. Identidad, amistad y redescubrimiento artístico. Si vuestro lacrimal sufre de sequía, sois melómanos de categoría y andáis sufriendo de nostalgia universitaria, id por ella.

Second Shot at Love

Entran dos comedias románticas: la primera, Second Shot at Love, viene con guion de Myung Soo‑hyun (Monthly Magazine Home) y Jeon Ji‑hyun (ojo: detrás de Berlin File o de Asesinos), y dirigida por Chang Yoo‑jung (el gran versionador de Veep en Honest Candidate). De esta curiosa mezcla nace una comedia romántica protagonizada por Choi Soo‑young y Gong Myung: dos personas que odian el alcohol pero se dan una segunda oportunidad en el amor. Simplemente, Corea. Carisma, humor y crecimiento personal, pero todo con moderación. Perfecta para quienes buscan K-Dramas frescos, divertidos y optimistas, y junio pide exactamente eso.

Crushology 101

Y luego está Crushology 101, una rom-com ambientada entre pupitres universitarios. Se trata de la adaptación del popular webtoon de Ni Eun, con guion de la debutante Sung So‑eun y bajo la batuta del director Kim Ji‑hoon (Kokdu: Season of Deity). Bunny (Roh Jeong‑eui) es una estudiante de escultura que sufre por su primer corazón roto (ay, reina). En sus peripecias para superarlo (como sea, pero sobre todo quitando el clavo con otros clavos), la acompañan Lee Chae‑min, Jo Joon‑young y Kim Hyun‑jin, todo gente guapísima y perfecta, naturalmente. Enredos románticos asegurados, sobre todo si el webtoon te entusiasmó (podría ser, al momento del estreno de la serie el cómic llevaba acumulados 170 millones de visitas).

Way Back Love

Del romance sin complejos a la melancolía, porque Way Back Love tiene paladas de ella. La serie, de ocho capítulos, está basada en la novela homónima de Seo Eun‑chae adaptada por Song Hyeon‑ju (The Chaser) y Jang In‑jung, y codirigida por Roh Deok (Una pareja muy normal) y por Choi Ha‑na (More Than Family). Aquí vamos con una historia de amor truncado y de despedidas, protagonizada por Kim Min‑ha y Gong Myung. Ella, al saber que le queda una semana de vida, se reencuentra con su amigo de la infancia, que la abraza como la muerte misma. Existencialismo, fantasía y mucho violín, pero si te funciona, funciona.

Motel California

Entra película de tarde, en formato K-Drama. Lee Se‑young (Hotel Lake) es Ji‑yeon, una estresada pero ambiciosa diseñadora de interiores que regresa a su pueblo natal, un paraje costero decadente donde ha heredado el motel que da nombre a la susodicha Motel California. Allí se reencuentra con Kang Joon‑ho (Na In‑woo), su amigo de la infancia, quien ahora trabaja como el noble y reservado veterinario de la localidad. Y saltan chispas, cómo no. De la serie, destacan los excéntricos habitantes del pueblo (una escritora retirada, una pareja de ancianos dueños del colmado, una joven madre soltera…), pero el conjunto es más cozy-TV que nada. Dirige Kim Hyung‑min (Love Scene Number) y guioniza Lee Seo‑yoon (365: Repeat the Year).

Undercover High School

El director de On the Verge of Insanity, Choi Jung‑in, y el guionista de Bad Prosecutor, Im Young‑bin se alían para crear Undercover High School, otra mezcla improbable de géneros. En ella, Seo Kang‑joon interpreta a un agente de inteligencia degradado que debe infiltrarse como estudiante de secundaria para resolver un complot. Pero el peligro (de enloquecer) llega en forma de chats grupales, influencers escolares y reglas absurdas, un nuevo sistema que debe aprender mientras oculta su verdadera identidad. Quién diría que quien le metería entre la espada y la pared no sería el complot (que verdaderamente está ocurriendo), sino el buen ojo de Park Ha‑rin (Jin Ki‑joo), una profesora de literatura con quien la comedia está asegurada…

¿Dónde puedo ver más K-Drama gratis?

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Si hay un personaje fundamental del universo de Superman, ese es Lois Lane. Esta valiente periodista del Daily Planet, aparte de poner en problemas a criminales gracias a su olfato periodístico, logra rendir a sus pies a Superman, que no puede resistirse a su carisma. 

Diferentes actrices han tenido el honor y la responsabilidad de encarnar a Lois a lo largo de las décadas, intérpretes que le han dotado de mil y un matices, dando como resultado actuaciones memorables.

A continuación repasamos las mejores versiones de Lois Lane que se han visto tanto en la gran pantalla como en la televisión. 

Phyllis Coates en Superman y los hombres topo (1954)

Esta película, que acompañó al mismo tiempo a la serie de televisión, contó con Phyllis Coates interpretando a Lois Lane. 

Su interpretación en Superman y los hombres topo destacaba por contar con un carácter más aguerrido y contestón que el de Noel Neill, por citar a una actriz contemporánea a Coates. 

La actriz declaró en entrevistas que se inspiró en algunas mujeres periodistas reales para dotar de más credibilidad a su personaje. 

Noel Neill en Las aventuras de Superman (1954)

Hay que remontarse a 1954 para ver a una Lois en blanco y negro, la cual aparecía en Las aventuras de Superman y estaba interpretada por la actriz Noel Neill. 

Su interpretación representa a la perfección la época en la que discurre la historia: una Lois intrépida pero muy dependiente del Superman. El papel de Neill destaca más por dotar al personaje de una calidez y naturalidad que la hicieron entrañable. 

Como dato curioso, Neill apareció en la película Superman Returns haciendo un cameo como la madre de Lois (interpretada en dicho film por Kate Bosworth).

Margot Kidder en Superman (1979)

El clásico de Richard Donner nos dejó una Lois Lane de altos vuelos interpretada por Margot Kidder. Su papel en Superman redefinió la imagen del crush del superhéroe para toda una generación. 

La actriz aportó descaro, independencia y una chispa de rebeldía que cautivó al público, alejando al personaje de la recurrente imagen de la damisela en apuros. Como dato curioso, Kidder confesó años después que le costaba mucho grabar las escenas de vuelo porque sufría vértigo. 

Teri Hatcher en Lois & Clark: Las nuevas aventuras de Superman (1994)

Esta serie, que comenzó a emitirse en España a partir de 1994, modernizó a Lois con la interpretación de Teri Hatcher, quien le dio un aire de empoderamiento, seguridad y un gran sentido del humor a la amada de Clark Kent. 

Su química con Dean Cain (quien hacía de Superman) en Lois & Clark: Las nuevas aventuras de Superman, convirtió la serie en todo un éxito de audiencia. No obstante, Hatcher aseguró que muchos fans le pedían autógrafos dirigiéndose a ella como “Lois”, lo que da una idea del nivel de identificación que alcanzó con el personaje.

Dana Delany en Superman: La serie animada (1996)

Es cierto que hasta ahora hemos hablado de historias de cine y televisión de acción real, pero la interpretación de Dana Delany poniendo voz a Lois Lane en Superman: La serie animada de 1996 merece una mención destacada. 

Delany aportó fuerza y personalidad a un personaje que en el mundo de la animación había pasado desapercibido hasta esta serie. Además, la actriz sorprendió a todos cuando explicó que su inspiración para dotar a Lois de un aire clásico y a la vez combativo fue Katharine Hepburn.

Erica Durance en Smallville (2005)

Con Smallville pudimos ver un registro diferente con la actriz Erica Durance interpretando a una Lois más juvenil. 

En este caso vimos a una Lois más fuerte, atrevida y con un toque gamberro, algo que encajaba con el enfoque innovador de la serie. Para poder desempeñar correctamente a esta Lois, Durance declaró que tuvo que aprender técnicas de defensa personal para hacer algunas escenas de acción dentro de la serie.

Kate Bosworth en Superman Returns (2006)

En Superman Returns vimos a Kate Bosworth interpretando a una Lois Lane más adulta, madre de un niño y con una trama romántica más compleja. 

La actuación de Bosworth dio un nuevo matiz vulnerable muy interesante al personaje, profundizando en el coste personal de ser la mujer más cercana al mayor superhéroe de todos los tiempos. 

Por otro lado, Bosworth reveló que la parte del rodaje en la que más sufrió fueron las tomas con cables en las escenas de vuelo, ya que le dejaban moretones frecuentemente.

Amy Adams en El hombre de acero (2013)

En El hombre de acero, la encargada de encarnar a Lois Lane fue Amy Adams, dando lugar a un personaje más moderno, como una periodista de guerra, con gran intuición y dominio de sus emociones. 

Su interpretación aportó más madurez y determinación a lo visto anteriormente, adaptándose a un contexto con un tono más realista y actual. Adams, fan reconocida de Superman desde pequeña, cumplió un sueño al interpretar a Lois.

Elizabeth "Bitsie" Tulloch en Superman y Lois (2021)

Lois también puede ser tan decisiva o más que Superman para el devenir de la historia, o al menos es eso lo que se ve en Superman y Lois, donde Elizabeth Tulloch interpreta a la famosa periodista.

Tulloch afronta su papel más épico y heroico, haciendo frente a catástrofes multiversales, y luego a la vida diaria con dos adolescentes. Es un momento muy bueno para los fans del Arrowverso y un momento destacable en la carrera de la actriz.

Rachel Brosnahan en Superman (2025)

Cerramos la lista con la última actriz en subirse al barco de Lois Lane: Rachel Brosnahan, que es la encargada de encarnar a la periodista en Superman. 

Brosnahan ha descrito su personaje como una mujer “ferozmente inteligente” y luchadora, dos rasgos que la estadounidense se encarga de transmitir en la gran pantalla. Al igual que otras de sus colegas, se documentó con varios periodistas para que le ayudarán a retratar a una Lois más moderna en relación a su trabajo.

¿Dónde puedo ver online todas estas versiones del personaje de Lois Lane?

Para saber en qué plataforma de streaming ver todos los trabajos de estas actrices que encarnaron a Lois Lane, consulta la guía de streaming de JustWatch. ¡Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación en base a tus gustos!

Desde que su personaje debutara en los cómics en 1941, Wonder Woman se ha erigido como una de las heroínas más importantes del universo de DC Comics, además de uno de los mayores símbolos de empoderamiento femenino de la industria del entretenimiento. 

En esta guía haremos un recorrido cronológico por todas las películas y series en las que aparece la Mujer Maravilla hasta la fecha, y te revelaremos en qué orden debes verlas para seguir su historia de forma cronológica.

Wonder Woman (2017)

La actriz Gal Gadot, encargada de dar vida a Wonder Woman en el siglo XXI, protagoniza esta película dirigida por Patty Jenkins, que marcó un punto de inflexión en el cine de superhéroes. 

Wonder Woman tiene lugar durante la Primera Guerra Mundial, y explora el origen de Diana y cómo decide abandonar Themyscira para ayudar al mundo de los hombres. El film combina grandes dosis de acción, mucho sentido del humor y un mensaje inspirador para los espectadores. Mención especial para la escena de No Man’s Land, la cual se volvió muy emblemática.

Wonder Woman (1975)

Esta serie de televisión protagonizada por Lynda Carter es la primera adaptación a la pequeña pantalla de la superheroína. Wonder Woman está ambientada inicialmente en la Segunda Guerra Mundial, aunque la serie posteriormente evolucionó a un entorno contemporáneo en sus siguientes temporadas. 

El papel interpretado por Carter, con su carisma y elegancia, fue pionero en la representación del personaje de la Mujer Maravilla. Su pegajosa intro musical y los efectos especiales de la época la convierten en una producción notable para los amantes de Wonder Woman.

Wonder Woman 1984 (2020)

Se trata de una secuela directa de Wonder Woman y vuelve a estar dirigida por la directora Patty Jenkins. En esta ocasión, Diana se enfrenta a nuevas amenazas en los coloridos años 80, como Maxwell Lord y Cheetah. 

Aunque Wonder Woman 1984 obtuvo una recepción dividida por parte de la prensa especializada, su mensaje en relación al sacrificio y el uso de sus poderes para hacer el bien más allá de la violencia, caló entre el público. Gal Gadot brilla en su interpretación de la heroína, y el toque visual ochentero aporta un diferencial vibrante.

Batman vs Superman: El amanecer de la justicia (2016)

En esta ocasión nos vamos al choque de otros dos superhéroes de DC, quiénes se enfrentan en la película dirigida por Zack Snyder. Se trata del estreno de Wonder Woman en el Universo Extendido de DC. 

Aunque el film se centra en Batman (Ben Affleck) y Superman (Henry Cavill), la aparición de la Mujer Maravilla en Batman vs Superman: El amanecer de la justicia es crucial para el desarrollo de la trama y la fundación de la Liga de la Justicia. 

Liga de la justicia (2017)

El personaje de Wonder Woman comparte protagonismo con otros héroes de DC en esta contraposición de los Vengadores de Marvel. 

El papel de la heroína en el film es crucial para liderar al grupo, y Gal Gadot interpreta a una Diana que muestra un gran equilibrio entre la guerrera amazona y la figura de mediadora en la Liga de la justicia. 

Por otro lado, si te gustan los superhéroes, te recomendamos leer nuestra guía Películas de Marvel en orden para ver online: te contamos la mejor forma de seguir las andanzas de los superhéroes.

Liga de la justicia de Zack Snyder (2021)

En la Liga de la justicia (2017), Zack Snyder se alejó del proyecto debido a un problema personal, y fue reemplazado por Joss Whedon. El resultado no convenció a la crítica, que no dejó buenas impresiones sobre el film.

Con esta versión extendida, la Liga de la justicia de Zack Snyder mejoró mucho esas impresiones y ofreció un mayor desarrollo para el personaje de Diana, explorando sus raíces con la historia de los dioses amazónicos. Se trata de un trabajo más completo que la película de 2017, ideal para quienes buscan una historia más profunda.

Este film es uno de los 20 que recomendamos en nuestra guía Películas similares a Avengers: alternativas al grupo de superhéroes de Marvel.

El Pacificador (2022)

En esta serie de HBO Max creada por James Gunn, el personaje de Wonder Woman aparece de manera breve pero lo hace de forma memorable en la última escena de la temporada. 

Aunque su presencia en El Pacificador es fugaz y se incluye como parte de una broma relacionada con los héroes de la Liga de la Justicia, la intervención de la Mujer Maravilla refuerza su importancia como miembro central del equipo. Además, supone la conexión entre la serie y el Universo Extendido de DC. La película está dirigida por David F. Sandberg y protagonizada por Zachary Levi.

¡Shazam! La furia de los dioses (2023)

En ¡Shazam! La furia de los dioses, Wonder Woman aporta un cameo en esta secuela del Universo Extendido de DC. Encarnada una vez más por Gal Gadot, su aparición ocurre en un momento clave de la historia. 

Si bien se trata de una aparición breve, su paso por el film refuerza la conexión del personaje de Diana con la mitología y su rol como protectora de la humanidad. 

Flash (2023)

Cerramos esta lista con Flash, film dirigido por Andy Muschietti que gira en torno al superhéroe veloz de DC. En esta ocasión, Wonder Woman participa brevemente durante una escena de acción en la que debe ayudar a Batman (Ben Affleck) y Flash (Ezra Miller). 

La recurrencia en la aparición de Wonder Woman en otras producciones de personajes de DC reafirma su importancia dentro de la franquicia y la intención del estudio de continuar explotando el carisma de la superheroína. 

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A continuación, encontrarás todas las series y películas de Wonder Woman mencionadas en esta lista y las plataformas donde puedes verlas. Además, puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

La tercera temporada de El juego del calamar ha servido para confirmar el fenómeno global de la serie y para consolidar a un reparto de actores espectacular. 

A todos los puedes encontrar en nuevos proyectos, desde películas con altos presupuestos hasta series de corte más íntimo. Si te quedaste con ganas de verles más tiempo en pantalla y ver cómo se desenvuelven en otros registros, aquí te dejamos un repaso con las producciones dónde puedes encontrarlos.

Lee Jung-jae (Seong Gi-hun, jugador 456)

El actor Lee Jung-jae ha vivido un meteórico renacer a nivel internacional tras dar vida al personaje de Seong Gi-hun, interpretación por la que ganó un Emmy en 2022. 

Lee dio el salto a la dirección con Hunt. Caza al espía (2022), un thriller de espías que también protagoniza y que fue bien recibido en Cannes. Por otro lado, en 2024, se sumó al universo de Star Wars uniéndose a The Acolyte (2024), donde interpreta a un maestro Jedi (se trata de su primera producción en inglés). 

Lee Byung-hun (líder)

Tras encarnar al misterioso líder de El juego del calamar, Lee Byung-hun, uno de los actores más populares de Corea, sigue expandiendo su gran trayectoria en el mundo de la interpretación. Aparece en el film Concrete Utopia (2023), donde encarna a un líder de supervivencia en un Seúl arrasado. En Hollywood, participa en G.I. Joe (2009), Terminator Génesis (2015), The Magnificent Seven (2016), entre otras, demuestran su facilidad para integrarse en grandes producciones. 

Además, está preparando No Other Choice, comandada por el director Park Chan-wook, que promete ser uno de los thrillers coreanos más exitosos de los próximos años. 

Por otro lado, si quieres saber cómo ver las películas de G.I. Joe en orden (saga en la que aparece Byung-hun), te recomendamos leer esta guía completa.

Wi Ha-joon (Hwang Jun-ho, policía)

En el caso de Wi Ha-joon, el actor enamoró a los fans interpretando al policía Jun-ho, algo que tras el estreno de la serie le ha llevado a tener una agenda llena de éxitos. En el año 2021 protagonizó Midnight, un thriller en el que interpreta a un asesino en serie, confirmando su versatilidad para dar vida a personajes villanos. Luego sobresalió en Las hermanas (2022), una serie que tuvo gran impacto internacional, y en El peor de los males (2023), donde mostró un registro más oscuro. 

Por otro lado, participó en El monstruo de la vieja Seúl (2023), otra película de Netflix que lo ratifica como uno de los actores jóvenes más prometedores de Corea. 

Park Gyu-young (Kang No-eul)

Otro de los personajes más importantes de las últimas dos temporadas de la serie corrió a cargo de Park Gyu-young, quien interpretó a la guardiana Kang No-eul. Su interpretación la convirtió en una de las caras jóvenes más populares del audiovisual coreano. 

Después de salir en El juego del calamar, protagonizó Celebridad (2023), una serie producida por Netflix sobre las sombras de la fama digital; y también A Good Day to Be a Dog (2023), en la que mostró su don para la comedia romántica. 

Park Sung-hoon (Cho Hyun-ju)

El papel de Park Sung-hoon en El juego del calamar es uno de los más destacados, al interpretar a Cho Hyun-ju, un ex soldado transgénero. 

Aunque Sung-hoon se dio a conocer al gran público por su rol en My Only One (2018), también ha destacado en otras producciones como La gloria (2022), donde da vida a un villano inolvidable; y La reina de las lágrimas (2024), en la que muestra su lado más emotivo. 

Kang Ae-shim (Jang Geum-ja)

Puede que sea el personaje que más lágrimas ha provocado en la tercera temporada de la serie: la anciana Jang Geum-ja, interpretada por Kang Ae-shim, aportó grandes matices dramáticos a lo largo del concurso.

Ae-shim es una actriz de larguísima trayectoria que lleva décadas demostrando su talento ante las pantallas, con interpretaciones sólidas en producciones como Wonderland (2024), un film de ciencia ficción con un gran elenco; y Concrete Utopia (2023), donde coincide con el otro calamar Lee Byung-hun. 

Yim Si-wan (Lee Myung-gi)

Yim Si-wan ha sido otro de los actores cuya carrera se ha catapultado gracias a su aparición en la serie. Y es que fuera de El juego del calamar, Si-wan se ha convertido en uno de los actores jóvenes más polifacéticos de la interpretación coreana. 

Después de protagonizar Incomplete life (2014), serie dramática que arrasó en audiencia, logró consolidar su carrera con apariciones en The Attorney (2021) y Declaración de emergencia (2022), películas que destacaron por su registro dramático y su magnetismo en pantalla.

Jo Yu-ri (Kim Jun-hee)

El caso de Jo Yu-ri es diferente al de sus compañeros de reparto en El juego del calamar, ya que ella es conocida originalmente como cantante de K-pop en IZ*ONE. En la serie interpreta a Kim Jun-hee, un personaje con una gran carga emotiva en la tercera temporada. 

Tras el éxito de la ficción de Netflix, Yu-ri ha continuado con su carrera musical, con varios sencillos y colaboraciones, aunque también ha seguido dando pasos firmes en el mundo de la actuación. Protagonizó Mimicus (2022) y Break Up Probation, A Week (2020), donde mostró su facilidad para encarnar papeles románticos. 

Kang Ha-neul (Dae-ho)

El personaje interpretado por Kang Ha-neul, Dae-ho, también es muy importante en el devenir de la serie, sobre todo en su tercera temporada. A diferencia de muchos de sus compañeros, Ha-neul ya era una estrella antes de entrar en El juego del calamar.

Sus mejores trabajos se encuentran en Cuando la camelia florece (2019), un drama romántico con toques de thriller, y Midnight Runners (2017), una comedia llena de acción donde quedó demostrada su versatilidad. 

También participó en Olvidado (2017), un thriller psicológico que tuvo un buen desempeño en Netflix. 

Roh Jae-won (Nam-gyu, jugador 124)

Cerramos la lista con Roh Jae-won, que se sumó a la franquicia en la segunda temporada, y extendió su aparición hasta la tercera, dando vida a Nam-gyu, el jugador 124. 

Antes de El juego del calamar, Jae-won había trabajado en Una dosis diaria de sol, donde encarnó con delicadeza a un joven con problemas de salud mental; y en Doubt, una serie en la que interpretó a un policía repleto de matices. 

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La serie de El juego del calamar no solo revolucionó la ficción mundial con su historia y sus personajes, sino que también dejó grabados en la retina de millones de espectadores unos juegos tan crueles como adictivos. 

El hecho de transformar tradicionales juegos infantiles en auténticas trampas de muerte ha sido la seña de identidad de la saga, y con cada nueva entrega sus creadores han ido aumentando la apuesta con desafíos más brutales y perturbadores.

En esta guía hemos recopilado los retos más sanguinarios que aparecen en sus tres temporadas, ordenados por su nivel de crueldad dentro del concurso. Y lo más importante: ¡Sin spoilers!

Saltar la cuerda en el puente elevado (temporada 3)

En este juego de la tercera temporada, se transforma el clásico juego de saltar la cuerda en una trampa mortífera, obligando a los participantes a saltar sobre un puente estrecho y elevado. 

Cada salto en falso puede costarle la vida a cada jugador, y el miedo al vacío multiplica el pavor. El desafío exige mantener el ritmo de cada salto para coordinarlo con la aparición y desaparición del suelo bajo los pies, que no para de moverse.

Puente de cristal (temporada 1)

Se trata de una de las pruebas más icónicas de la primera temporada de la serie. En ella, los jugadores deben avanzar a saltos por una pasarela compuesta por paneles de vidrio. La parte macabra del juego es que algunos de estos paneles son capaces de sostener el peso de los participantes y otros no. 

Los participantes deben continuar por la pasarela sin saber qué cristal resistirá, con la presión de que un solo fallo puede ser definitivo.

Escondite mortal (temporadas 3)

La principal seña de identidad de El juego del calamar es reversionar clásicos juegos infantiles para convertirlos en trampas mortales, como avanzamos al principio. Uno de los más crueles es el escondite, que se presenta en la tercera temporada.

En esta versión retorcida del juego, los buscadores deben encontrar a los escondidos y matarlos. Si lo logran, seguirán en el juego. Si, por el contrario, son los escondidos los que logran seguir con vida después de la cuenta atrás, serán estos los que sigan jugando. 

El juego del calamar (temporada 1)

Se trata del juego clásico por excelencia del patio escolar en Corea del Sur, que aparte de poner nombre a la serie de Netflix, en la trama se ha convertido en duelo extremo. 

Este juego se desarrolla sobre un terreno dividido por zonas defensivas y ofensivas, donde cada paso está regulado y el contacto físico es parte esencial. La parte complicada reside en superar al rival en un espacio limitado y bajo normas estrictas. Perder, cómo no podía ser de otra manera, se paga con la muerte.

Luz roja, luz verde (temporada 2)

Puede que sea el juego más conocido y popular de todos los que se han visto en la serie. Se trata de una evolución del clásico juego de detenerse y avanzar. 

En la versión de El juego del calamar, los participantes deben moverse con sincronización con la señal de verde y quedarse inmóviles en rojo. Todo se rige por una muñeca gigante que detecta el movimiento de los concursantes. El más mínimo error puede costar la vida de cada participante.

Pan o lotería (temporada 2)

Si bien es cierto que este juego no tiene lugar dentro del concurso, sí que sirve para ilustrar uno de los momentos que invitan más a la reflexión en la serie. El juego invita a varias personas a elegir entre dos opciones simples: por un lado, está la barra de pan, que es alimento instantáneo; por la otra, un billete de lotería que aún está por jugarse.

La incertidumbre de cuál es la decisión correcta, y la imposibilidad de calcular riesgos, convierte este juego en un desafío lleno de dudas y ansiedad.

Piedra, papel, tijera + Ruleta rusa (temporada 2)

Otra mecánica que aparece en El juego del calamar, pero que no tiene lugar en el concurso, es el duelo clásico de piedra, papel o tijera, que más tarde se transforma en un juego de pura suerte con consecuencias mortíferas (una ruleta rusa con el cargador de una pistola). 

El resultado final depende de una combinación entre estrategia y azar, lo que añade un punto extra de crueldad.

Pentatlón de las seis piernas (temporada 2)

Volvemos al concurso, más concretamente a su segunda temporada, donde se da uno de los juegos de equipo más angustiantes de toda la serie. En este desafío, equipos de jugadores atados entre sí tienen que superar cinco pruebas encadenadas que ponen a prueba tanto su fuerza como su destreza. 

La presión procede de saber que el error de uno arrastra a todo el grupo a un final terrorífico, así que no hay mucho margen para fallos individuales.

Mingle (temporada 2)

Vendría a ser una especie de juego de la sillita, pero en este caso hay que ocupar habitaciones después de que una plataforma gire (y pare) al ritmo de la música. La particularidad es que no hay suficientes habitaciones para todos y que en ocasiones estás deben ocuparse en grupos de 2, 3 o más personas, quedando algunas fuera.

Persona que no entra en la habitación a tiempo o que no respeta el número de personas dentro, muere. Si bien el desafío no tiene un componente físico extremo, la presión psicológica es muy alta y las trampas están a la orden del día.

Juego de la galleta (temporada 1)

Tener muy buen pulso y algo de suerte eran elementos indispensables para superar el juego de la galleta de la primera temporada. En él, cada uno de los jugadores debía elegir una caja donde se encontraba una galleta con una forma dibujada (un triángulo, un círculo, un paraguas, etc.).

Con la ayuda de una aguja y su destreza, cada participante debía extraer la figura con cuidado de no romperla. Un juego con el que se pasan muchos nervios, sobre todo si se trata de una de las figuras complicadas.

Ddakji (temporada 1)

El primer juego de toda la serie es un clásico coreano: el ddakji, que consiste en golpear una pieza de papel para dar vuelta a la del rival. Aunque parezca una práctica inofensiva, lo cierto es que supone la puerta de entrada al infierno de El juego del calamar. 

Este juego también forma parte del pentatlón que te contábamos más arriba, ya que era una de las pruebas que se disputaba en el mismo.

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Cuando Jerry Siegel y Joe Shuster parieron al Hombre de Acero en 1938, probablemente no imaginaban que su alienígena nerd iba a dar tanto de sí en los cómics, ni muchísimo menos en el cine y la televisión. El salto del papel a la pequeña pantalla llegó más pronto de lo que imaginamos, con lo que las series han sido un buen sostén del personaje bastante antes de que las películas pusieran colorines al pijama azul y rojo. De los primeros seriales a las producciones actuales con presupuestos de escándalo, el kriptoniano ha ido sobreviviendo a modas y gustos, y en esta selección de JustWatch puedes ver dónde están disponibles en streaming.

1. Superman (1948)

El primer actor en ponerse el traje fue Kirk Alyn, y lo hizo en este serial de Columbia Pictures—no de Republic, como se cree por error—, que estableció la iconografía visual que nunca se ha abandonado: de la transformación en cabinas telefónicas a los efectos de vuelo, verlo en blanco y negro tiene su mística. El Superman de Alyn tenía la clásica mandíbula cuadrada perfecta para el papel en esta Superman, aunque su Clark Kent no engañaba ni al más bobo del Daily Planet. Quince capítulos de presupuesto ridículo pero con mucho encanto, además funcionaba tanto para críos como para padres, que podían disfrutar de la ambientación a lo cine negro de los 40 de las escenas del periódico.

2. Las aventuras de Superman (1952-1958)

George Reeves se impuso a Alyn en el imaginario popular con una de las series de Superman más generacionales. Con seis temporadas, Las aventuras de Superman creció mano a mano con la televisión estadounidense, cuando aún se estaba inventando el lenguaje y no todas las familias tenían una caja tonta. Su interpretación aplicaba una autoridad paternal bastante típica de los cincuenta, cuando los héroes eran cromos impolutos, no señores atormentados. Superman era bueno porque sí, y punto, no un extraterrestre enfadado que da miedo. Eso sí, los efectos especiales eran conseguidos con trucos de cámara sencillos, maquetas de cartón piedra, cables que se pueden ver si te fijas… la vía artesanal que le da un sabor entrañable. La muerte de Reeves en circunstancias turbias inspiró la curiosa Hollywoodland.

3. Superboy (1988-1992)

Mucho antes que Smallville, los niños de los ochenta vieron la adolescencia de Clark Kent en horarios de merienda, pero Superboy es como un recuerdo que ha quedado enterrado en el subconsciente colectivo. En esta, Gerard Christopher se puso la capa en la primera temporada y John Newton en el resto. Se rodaba en Florida, lo que le daba un aspecto visual peculiar muy de los ochenta, con estética de telefilme baratillo que, eso sí, daba lustre a los colores del traje, aunque el peso de las películas de Richard Donner no engañaba a los chavales. Sin embargo, al no tener pretensiones, se permitía experimentos narrativos con los que series más "serias" no se habrían atrevido. Tenía villanos delirantes como Bizarro o Metallo, que acercaban la serie a una especie de precedente estético de los Power Rangers lo que le ha ido dando estatus de culto, sobre todo a fans con nostalgia mal curada.

4. Lois y Clark: Las nuevas aventuras de Superman (1993-1997)

¿Cuatro temporadas centradas en el eterno baile romántico entre Lois y Clark? Cualquiera pensaría que era una mala idea, pero Dean Cain y Teri Hatcher hicieron que funcionara mucho mejor de lo que nadie esperaba. Relegando las aventuras superheróicas a un segundo plano, la química entre Hatcher, justo antes de Mujeres desesperadas y Cain, un Clark Kent menos patoso de lo habitual, era innegable, pero lo que muchos no recuerdan es que tenía una producción bastante elegante para los estándares de los noventa, con cierto barniz cinematográfico que luego tomaría fuerza en “la edad dorada” de la TV. Lois y Clark: Las nuevas aventuras de Superman funcionó muy bien hasta la última temporada, que ya se notaba que los guionistas no sabían muy bien que hacer tras la boda.

5. Smallville (2001-2011)

Diez temporadas de un Superman que no podía volar ni ponerse el traje completo hasta el último episodio. Smallville fue una estrategia de Warner para rentabilizar sus propiedades de DC sin gastarse un dineral en efectos especiales. La solución era contar la prehistoria del Hombre de Acero, años de instituto, romances, vida de pueblo y chavales guapos, todo lo que se espera de una serie juvenil de cualquier época. Tom Welling hizo un Clark Kent angelical, pero Michael Rosenbaum como Lex Luthor fue la verdadera revelación de la serie, en un desarrollo de villano como el mejor amigo que se va corrompiendo que parece el Norman Osborn de las pelis de Spider-Man. Las apariciones de Green Arrow o Flash, crearon un universo compartido bastante antes de que Marvel o el Arrowverso lo pusieran de moda.

6. Krypton (2018-2019)

No es exactamente una serie sobre Superman, pero a ver qué hacemos con una sobre su abuelo si no aparece aquí. Krypton fue un experimento arriesgado por estar ambientada en un planeta que sabemos que va a explotar, Cameron Cuffe interpretaba a Seg-El en una especie de Juego de Tronos de ciencia ficción baratilla, un disparate producido por Syfy cuyo diseño de producción estaba bastante bien. Su drama político y la aventura no cuajaban del todo, pero los viajes temporales y las amenazas cósmicas te aseguraban un doctorado en continuidad DC y diplomacia kryptoniana. Solo duró dos temporadas porque resultaba bastante cara para el canal y la fiebre superheróica no daba para tanto.

7. Superman y Lois (2021-2024)

Es divertido pensar que Las nuevas aventuras de Superman tuvo esta secuela, con Tyler Hoechlin y Elizabeth Tulloch recogiendo el testigo ya con un Superman cuarentón lidiando con sus hijos adolescentes en plena pubertad. Superman y Lois formaba parte del Arrowverso pero subía bastante la apuesta de producción, con mayor madurez narrativa y efectos especiales de primer nivel. Se metía temas contemporáneos como el cambio climático, la desigualdad económica, o los desafíos de criar adolescentes en la era de las redes sociales, pero el declive del canal CW fue haciendo que los recortes hicieran inviable la continuidad de la serie, pero su cuarta temporada, con la familia de súpers al completo, molaba bastante y le dio un final muy digno.

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La tercera temporada de El Juego del Calamar (2021) marca un cierre retorcido y emotivo para una de las series más impactantes y exitosas de la década. Después de dos temporadas de tensión, violencia y crítica social afilada, esta nueva entrega no solo retoma el arco de Gi-hun, sino que lo lleva al límite, enfrentándolo a un juego final con un resultado desgarrador que ha sido recibido con distintas reacciones por parte de los fans pero que no ha dejado indiferente a nadie. La temporada final resuelve la mayoría de los cabos sueltos pero no todos. Nuestra guía presenta los 5 misterios que la temporada 3 respondió y 5 que se quedaron sin respuesta.

5 misterios resueltos por la temporada 3 del Juego del Calamar

El ganador final del juego

La gran incógnita de la temporada 3 de El Juego del Calamar—quién sería el último sobreviviente del Juego— se resolvió de manera completamente inesperada y simbólica. El ganador no es Gi-hun, como todos esperábamos, si no el bebé recién nacido de Jun-hee, quien había sido forzada a jugar embarazada. En el último juego, titulado “Sky Squid Game”, Gi-hun decide no matar a la niña. Este acto resalta el tema central de la temporada: el rechazo de la deshumanización del Juego. La decisión de premiar a un ser completamente inocente representa un mensaje de esperanza y ruptura con el ciclo de violencia que ha definido toda la serie. 

El destino de Gi‑hun

El destino de Gi-hun fue una de las grandes preguntas desde el final de la temporada 2 de El Juego del Calamar, y en esta tercera parte su camino llega a una conclusión trágica y heróica. Después de sobrevivir a múltiples pruebas físicas y psicológicas, llega al último juego acompañado por Myung-gi y el bebé recién nacido. Al enfrentarse al dilema de matar a la niña para sobrevivir, Gi-hun elige el camino del sacrificio, lanzándose al vacío. Con su acto final, Gi-hun no solo salva a la niña, sino que desafía las reglas del sistema entero. Sus palabras, “No somos caballos. Somos humanos”, resumen perfectamente su viaje a lo largo de toda la serie.

“El Líder” y la relación con su hermano

La relación entre los hermanos Hwang —“El Líder” In-ho y el expolicía Jun-ho— fue uno de los puntos más tensos desde la primera temporada de El Juego del Calamar, y aquí por fin tiene un desenlace, aunque parcial. Jun-ho, que había sobrevivido en la clandestinidad, reaparece para advertir a las autoridades e intentar terminar lo que comenzó en la temporada 1. In-ho, por su parte, lo deja ir porque, después de conocer a Gi-hun y verlo sacrificarse, ya no cree en el Juego, al menos, no como antes. Sin embargo, a pesar de que Jun-ho quiere saber por qué su hermano llegó a ser el Líder, la única respuesta que realmente obtiene es la confianza que deposita In-ho en él al entregarse al bebé de Jun-hee. 

La expansión del Juego

Una de las revelaciones de esta temporada es que el Juego se expande a otros lugares del mundo. El cameo de Cate Blanchett como una figura reclutadora en Estados Unidos confirma que el sistema se ha internacionalizado. Hay rumores de que Netflix está desarrollando spin-offs ambientados en otras partes del mundo, incluso se ha hablado abiertamente sobre la posibilidad de una versión americana con David Fincher como productor. Esto expande el universo de El Juego del Calamar y plantea nuevos retos. La globalización del Juego representa una evolución lógica del sistema y ofrece terreno fértil para nuevas historias.

La familia de Sae-byeok

Uno de los momentos más conmovedores de la temporada 3 de El Juego del Calamar es el cumplimiento del sueño de Sae-byeok: que su hermano menor Cheol pueda reencontrarse con su madre. Aunque Sae-byeok murió en la temporada 1, su sacrificio no fue en vano. En el epílogo, vemos la reunión entre madre e hijo gracias a una cadena de actos solidarios que empezaron con Gi-hun. Fue él quien, en honor a la memoria de Sae-byeok, puso a Cheol al cuidado de la madre de Sang-woo. El abrazo entre ambos le otorga sentido al sacrificio de Sae-byeok, cuya memoria sigue viva en aquellos que lucharon con ella. Es un cierre esperanzador entre tanto caos.

5 misterios no resueltos por la temporada 3 del Juego del Calamar

Los VIPs

Aunque durante la temporada de El Juego del Calamar vemos el funcionamiento interno del sistema y cómo los VIPs apuestan e interactúan con los organizadores del Juego, aún quedan muchas dudas sobre la financiación y estructura completa de esta red. ¿Quién proporciona la tecnología, seguridad y logística para montar el Juego a escala global? La serie no revela si hay actores estatales implicados, corporaciones encubiertas o si simplemente se trata de una élite global de millonarios desalmados. Es una de las piezas clave pendientes para completar el mapa de poder detrás del Juego.

El conflicto entre hermanos 

A pesar del momento en el que In-ho confía el bebé a Jun-ho, El Juego del Calamar temporada 3 no muestra una verdadera reconciliación entre ellos. No hay palabras, abrazos ni explicaciones. Solo una acción: la apertura del camino para que Jun-ho huya con el bebé. Este silencio puede interpretarse como un acto de redención por parte de In-ho, pero también deja muchas preguntas sin resolver. ¿Qué siente Jun-ho al ver a su hermano liderar un sistema tan cruel? ¿Piensa In-ho abandonar el Juego o seguirá dentro del sistema, dejando que su egoísmo lo guíe una vez más? La tensión sigue latente y, aunque el gesto dice mucho, no cierra del todo el capítulo entre ambos. 

El nuevo Líder

Aunque In-ho (“El Líder”) activa la autodestrucción de la isla y escapa, su destino posterior queda ambiguo. Al final de El Juego del Calamar temporada 3, lo vemos en Los Ángeles entregando el dinero a la hija de Gi-hun, pero no se revela si ha abandonado el Juego definitivamente o si aún tiene un rol en la red. Sin embargo, después de la forma en que conocer a Gi-hun lo cambió, no parece probable que él vuelva a formar parte del Juego. Y eso nos lleva a pensar en quién ocupará su lugar como líder operativo del Juego. La jerarquía detrás del sistema sigue envuelta en misterio. La falta de una figura clara de sucesión o control deja la estructura del Juego sin rostro, pero con el poder aún intacto.

El final del Juego

La destrucción de la isla representa una de las pocas victorias que vivimos en esta temporada de El Juego del Calamar. Sin embargo, la serie deja claro que el sistema completo no ha sido eliminado. Los VIPs más influyentes logran escapar, y el cameo de Cate Blanchett sugiere que hay nuevos centros de poder en otros países. La amenaza persiste, aunque debilitada. Pero, ¿la desaparición de la isla significa el final del Juego en Corea? Al fin y al cabo, Gi-hun se sacrificó precisamente para terminar con el Juego y, aunque la serie dejó claro que éste persiste, no sabemos si el sacrificio de Gi-hun logró alcanzar el objetivo de terminar el Juego, aunque sólo fuera en Corea. 

La identidad de la nueva reclutadora

Aunque El Juego del Calamar introduce a Cate Blanchett como una misteriosa reclutadora estadounidense, su personaje no tiene nombre ni historia. Solo aparece brevemente, insinuando que una nueva fase del Juego ya ha comenzado fuera de Corea. ¿Es ella la nueva líder? La falta de información sobre sus motivaciones impide ubicarla dentro del sistema. Sin embargo, su presencia sugiere que la historia vuelve al principio. Nuevo reclutador, nuevo Juego, nuevos jugadores. Este misterio introduce varias posibilidades sobre la expansión del universo de la serie, pero también deja muchas preguntas sin responder sobre lo que puede venir después.

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En Jurassic World: Renace (2025), alguien (fue David Koepp, guionista de casi toda la trilogía original) tuvo la idea de meter a todos los dinosaurios defectuosos genéticamente en una isla propiedad del laboratorio InGen. Una Australia de los dinosaurios, de la que escaparía el Distortus Rex, el saurio más feo y más espeluznante de la franquicia. En la nueva película, Scarlett Johansson, Mahershala Ali, Jonathan Bailey y Rupert Friend tendrán que enfrentarse a él, y a muchos dinosaurios modificados más. Por lo que es pertinente preguntarse: ¿Quienes son las otras reinas de la monstruosidad de la saga ‘Jurassic Park’? Los enumeramos, sin orden concreto, en esta simpática guía de JustWatch.

Velociraptor

El Velociraptor es el dinosaurio más aterrador de la franquicia Jurassic Park por su combinación de inteligencia, agilidad, poder y caza en grupo. Presente en todas las películas, ha demostrado su capacidad para cazar, engañar y atacar con brutal eficacia. Y si bien en Jurassic World (2015) conocíamos a Blue y su banda entrenada, nunca olvidamos el lado salvaje e impredecible de la tropa. Su mayor amenaza radica en su astucia, reflejando lo peor de la naturaleza humana: traición, violencia e inteligencia estratégica. Esta mezcla de poder e intelecto lo convierte en el depredador más memorable y temido de la saga.

Carnotauro

El demonio con sus dos cuernos, un dino-bulldozer. Cuando le conocimos en Jurassic World: El reino caído (2018), este monstruo rojo se presentaba saliendo de la bruma, con los ojos refulgentes, a punto de atacar. Aunque sea un bicho heavy metal con patas, lo más espantoso de esta criatura es que sabemos perfectamente que cuando persigue a una presa, no se detiene ante nada. Ah, y corre. Corre mucho. Aunque no haya tenido la trascendencia del T-Rex, este es el verdadero caos dinosificado.

Dilofosaurio

El Dilofosaurio, apodado “Mr. Escupitajos”, protagonizó una de las escenas más memorables de Jurassic Park (Parque Jurásico) (1993). Un momentazo icónico (no apto para miedosos) gracias al suspenso, la atmósfera y su diseño aterrador, incluido su volante colorido y su sonido sibilino, similar a una serpiente. Aunque su habilidad para echar veneno fuera una invención, el público la aceptó sin rechistar. Porque, ¿cómo no hacerlo? La escena en la que ataca a Nedry combinaba terror y justicia poética al presentar a un dinosaurio letal, pese a parecer inofensivo al principio. Pesadilla colorida. Por dinosaurios como este, nos gusta tanto la franquicia.

Mosasaurio

Creo que no es necesario explicar por qué esta ballena asesina es terrorífica. Su tamaño, de hasta 18 metros, y ferocidad consolidan a este hermanado de los delfines como una de las bestias más temibles de la saga. Inicialmente parte de una atracción acuática, pronto demostraría en Jurassic World (2015) que la naturaleza no puede ser amansada. Y si esperas escaparte de la isla en barco, amiga, lo llevas crudo. Cualquier criatura (humana o prehistórica) es comidilla para este pescador profesional, que encarna el terror submarino definitivo del mundo Jurassic Park. Lo sabe el pobre tiburón-pescadilla que engullía en su primera aparición.

Espinosaurio

El Espinosaurio explica perfectamente cómo va la evolución natural de Jurassic Park: hazlo grande, o no lo hagas. Fue un pelín traumático ver a este coloso destronar al T-Rex en Jurassic Park III (Parque Jurásico III) (2001)... Representaba la llegada de un depredador aún más aterrador, y aunque no lograse alcanzar el estatus legendario de sus compañeros, sí nos dio algún “ay, ay” memorable. A diferencia del Tiranosaurio, con sus bracitos inútiles (pobrecillos), el Espinosaurio tenía enormes garras y, para colmo, no se dejaba engañar por la quietud de sus presas. Aunque algunos fans echábamos de menos al viejo rey, se trata de un giro feroz y refrescante en la saga.

Indoraptor

Sadismo y barbarie educada. El Indoraptor era el villano perfecto para Jurassic World: El reino caído (2018). Astuto y con un toque cruel. Creado mezclando el ADN del Indominus Rex y de Velociraptor, este experimento genético combinaba lo peor de ambos mundos. Aunque no dependía de una manada, era tan letal por sí solo que realmente no necesitaba a nadie más para sembrar el terror. De inteligencia casi humana, se hacía el muerto o cazaba estratégicamente, y podía superar a cualquier presa con agilidad y brutalidad. El espectáculo estaba asegurado.

Tiranosaurio Rex

¡Es la reina del grito del mundo dino! El Tiranosaurio Rex original hizo historia en 1993, en Jurassic Park (Parque Jurásico) (1993). Desde entonces, ya para El mundo perdido: Jurassic Park (1997), se ha convertido en el dinosaurio más icónico de la franquicia. Tanto, que aunque haya compartido pantalla con otros colosos, siempre se ha mantenido como el Rey de los Dinosaurios, el favorito de la platea. Que ojo: también ha salvado el día en más de una ocasión, enfrentándose a raptores, al Indominus Rex y al olvido. Y pese a que parte de su brillo se haya desvanecido con los años, su estatus legendario sigue intacto. Es como Batman: sabemos que da miedo, le queremos igual.

Indominus Rex

El Indominus Rex fue el villano soñado (o la pesadilla absoluta, depende de cómo lo mires) de Jurassic World (2015). Creado con el ADN de un Tiranosaurio Rex, de un Velociraptor y otros reptiles, era enorme, astuto y capaz de camuflarse. A diferencia del T-Rex clásico, no servía quedarse quieto: este monstruo te veía, te olía y te cazaba sin piedad. Además, tenía la inteligencia para comunicarse con raptores y liderarlos. ¡Todo bien! En su debut, no cayó ni ante Blue, el T. Rex, los humanos armados y el Mosasaurio. Lo dicho, más y mejor. Brutal.

Giganotosaurio

Es, de entrada, gigantesco. Lo anuncia su nombre. Y malas noticias, lleva hambre.El terror que el Giganotosaurio ejercía contra los protagonistas de Jurassic World: Dominion (2022) era notable, y mira que cualquier cosa lo suficientemente grande como para plantarle cara al legendario T. Rex es aterradora de por sí. El Giganotosaurio tuvo una vida más corta que la de la mayoría de los pesos pesados ​​de la franquicia y se enfrentó al T.-Rex, aunque finalmente se quedara corto. Ahora, lo que al Giganotosaurio le falta en iconicidad, lo compensa con terror puro y duro.

Distortus Rex

El Distortus Rex es una aberración, el resultado de un intento fallido de crear a un Tiranosaurio Rex, criado por International Genetic Technologies durante su investigación sobre hibridogénesis artificial de especies animales. No destriparemos cómo aparece en Jurassic World: Renace (2025) pero sí que tiene sis extremidades (un par de patas traseras y cuatro brazos); dos grandes en la parte delantera y un par de unos más pequeños, parecidos a los de los Tiranosaurios normales. El pobre se encuentra entre el T-Rex y la beluga, y es feo, feo hasta el agravio.

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Tras el trágico final de la tercera temporada de El Juego del Calamar (2021), donde Gi‑hun muere para salvar al bebé de Jun‑hee, muchos nos preguntamos cómo la serie podría continuar sin su protagonista central. Su muerte no sólo cierra un ciclo, sino que siembra la semilla de nuevos personajes, conflictos y de unos nuevos Juegos. La serie ha demostrado su capacidad para reinventarse manteniendo la tensión, violencia y la crítica social, y una cuarta temporada podría expandir el universo con nuevas perspectivas, locaciones y peligros. Nuestra guía presenta 10 modos en los que El Juego del Calamar puede continuar con una temporada 4 tan brutal como impredecible.

La hija de Jun-hee

El inesperado final convierte al bebé de Jun‑hee (jugadora 222) en el símbolo del sacrificio de Gi-hun. El Juego del Calamar temporada 4 puede seguir su crecimiento bajo la tutela de Jun‑ho y, quizá, del Líder, In‑ho. Convertida en la heredera simbólica de los Juegos, es posible que ella se rebele y decida luchar para acabar con ellos definitivamente, tomando el manto de Gi-hun. Al fin y al cabo, teniendo cerca a In-ho no le resultaría difícil averiguar lo necesario para hacerlo. Incluso, quién sabe, puede que In-ho decidiera ayudarla. Esta trama desplazaría el eje central de la supervivencia al de la reconstrucción.

El detective Jun‑ho 

Si la hija de Jun-hee puede liderar la lucha contra los Juegos en una hipotética temporada 4 de El Juego del Calamar, sin duda, Jun-ho la ayudaría con su misión. Su papel como padre de la pequeña y su conocimiento interno del sistema lo convierten en el candidato ideal para hacerlo. Con una motivación personal más fuerte que nunca, ya que para él no sólo se trataría de enfrentarse a su hermano, si no de proteger a su hija, Jun-ho podría convertirse en el aliado perfecto, usando su experiencia como infiltrado y su pasado con In-ho para derribar a la organización desde dentro. Sería un giro natural y muy emocionante. 

La expansión de los juegos 

El cameo de Cate Blanchett reclutando jugadores en Nueva York al final de la tercera temporada de El Juego del Calamar marca un giro. La temporada 4 puede ambientarse en EEUU o incluso, Europa, donde la organización puede tener sedes con sus propios juegos y reglas. Esto permitiría tanto reinventar los Juegos como explorar diferentes formas de hacer crítica social, sin que deje de ser la esencia de la serie. Esta expansión mundial también sería una oportunidad perfecta para introducir nuevos personajes y un tono distinto, manteniendo la esencia del peligro mientras se abre el universo.

Los VIPs en el centro de la historia

Hasta ahora, los VIPs han sido sombras grotescas al margen del conflicto principal. Pero tras la muerte de Gi-hun y el revuelo generado por los últimos juegos, una cuarta temporada de El Juego del Calamar podría centrarse en parte en su mundo. A través de esta trama, podríamos descubrir quiénes son, cómo logran salirse con la suya y cómo se enfrentan a las amenazas que hacen peligrar su mundo y su diversión. Incluso podríamos ver sus alianzas y rivalidades. Esto abriría paso a una historia más política al estilo de Succession (2018) o House of Cards (2013).

Nuevos juegos, nuevas reglas

Después del escándalo y la caída de la sede coreana, la organización de los Juegos necesita reestructurarse. La temporada 4 de El Juego del Calamar puede introducir nuevas reglas para intentar evitar que las infiltraciones, sabotajes y rebeliones que vimos a lo largo de la serie vuelvan a suceder. Incluso puede que los Juegos sean más brutales o incluso transmitir la idea de elección: ¿prefieres jugar solo o con un grupo?, ¿traicionar o confiar? Estas nuevas dinámicas permitirían que volvamos a sentir esa tensión del “todo o nada” de la misma manera en la que la sentimos en la temporada 1, pero con giros más complejos y consecuencias aún más fuertes.

Una nueva jugadora 

Si no es la hija de Jun-hee, puede que El Juego del Calamar presente a una mujer como protagonista principal en la temporada 4. Una nueva participante con un pasado criminal o que entra a los juegos voluntariamente buscando redención o incluso venganza. Esta figura rompería con la inocencia y bondad de Gi-hun, planteando dilemas más grises desde el comienzo. ¿Puede alguien moralmente cuestionable convertirse en una esperanza? Este enfoque también permitiría mostrar cómo diferentes contextos sociales generan distintos vínculos con el sistema: no todos comienzan el Juego por necesidad, algunos lo hacen por elección, por impulso o incluso por morbo. Una antiheroína podría ofrecer una lectura más cruda y despiadada del Juego y del espectador.

El dilema de In-ho 

In-ho, el Líder, queda en una posición de poder frágil tras el sacrificio de Gi-hun y la reaparición de su hermano Jun-ho. Si bien en temporadas anteriores fue el rostro impasible del sistema, en El Juego del Calamar temporada 4 esto podría cambiar. Puede que se enfrente a un dilema: continuar liderando los Juegos para proteger al bebé y a Jun-ho desde dentro, o dinamitarlo todo y enfrentar las consecuencias. Su lucha interna lo convierte en alguien atrapado entre la fidelidad al orden que ayudó a mantener y el afecto residual por su familia, junto con la creencia—gracias a Gi-hun—, de que puede que siga existiendo algo de luz entre tanta oscuridad. Su destino podría inclinar el futuro de la serie hacia la redención o hacia el cinismo más brutal.

La reinvención del Juego 

En una maniobra desesperada para sobrevivir al caos, en El Juego del Calamar temporada 4 los organizadores podrían “legalizar” los Juegos en ciertos países: convertirlos en un reality extremo con cámaras transmitiendo en directo a una audiencia global, muy al estilo Los Juegos del Hambre (2012). Esta evolución reflejaría el consentimiento como fachada del horror. La crítica ya no sería solo a los ricos y privilegiados, sino al público que acepta y consume violencia si viene bien empaquetada. La próxima temporada podría explorar el papel de la audiencia y de los algoritmos que deciden qué muerte es más viral o qué concursante se merece vivir. La serie se transformaría así en una parábola aún más actual y provocadora sobre la deshumanización moderna.

El legado de Gi-hun 

Aunque Gi-hun ha muerto, su figura puede adquirir un peso aún mayor como mártir en El Juego del Calamar. En la cuarta temporada, su historia podría conocerse a través de Jun-ho o la hija de Jun-hee. Y su sacrificio podría inspirar a otros para acabar con el Juego, exponiendo públicamente lo que antes era secreto. La memoria de Gi-hun no solo serviría como motivación, sino como un símbolo para que otros terminen lo que él comenzó en Corea. Si existen los VIPs, ¿por qué no la resistencia? Si Gi-hun nos enseñó algo, es que acabar con el Juego no es imposible. 

El regreso de personajes inesperados

Con el foco fuera de Gi-hun, en El Juego del Calamar temporada 4 hay espacio para recuperar figuras que quedaron en las sombras. ¿Sobrevivió algún jugador que creíamos muerto? ¿Hay familiares o aliados de las víctimas que ahora quieran justicia? Incluso podríamos ver a ex jugadores convertidos en reclutadores, forzados por deudas o amenazas, al estilo de In-ho. Esta temporada puede servirse del vasto elenco de personajes secundarios para tejer una historia coral, donde cada pieza tiene su motivación y su historia de pérdida. Estos regresos ayudarían a cerrar historias y abrir otras nuevas, además de mostrar que el trauma de los Juegos persiste, incluso para quienes lograron salir con vida.

¿Dónde puedo encontrar online la temporada 3 de El Juego del Calamar?

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La fama de Jonathan Bailey se disparó gracias a Netflix y a internet. Tras trabajar durante años en la televisión británica, su paso por Los Bridgerton le hizo popular en todo el mundo. El actor ha sabido aprovechar la oportunidad que le ha brindado participar en algunas de las series más populares y prestigiosas de los últimos tiempos para fichar por dos de las franquicias cinematográficas más deseadas: El mago de Oz y Jurassic Park. Su actitud irónica ante las cámaras ha ayudado a que su imagen sea viral en redes sociales. 

En esta lista repasamos los grandes momentos de su carrera, ordenados de mejor a peor.

Broadchurch (2013)

Broadchurch es una de las grandes obras maestras de la televisión reciente. Esta serie de suspense fue el proyecto revelación de Olivia Colman y cuenta nada menos que con dos Doctor Who en su reparto: David Tennant y Jodie Whittaker. La trama arranca con el asesinato de un niño en una pequeña ciudad costera de Reino Unido. Alec Hardy, un prestigioso detective caído en desgracia, termina allí investigando el caso con la ayuda de una agente que conoce a todos los vecinos, Ellie Miller. Jonathan Bailey interpreta a un joven y ambicioso periodista local, que es además sobrino de la policía de la zona, interpretada por Olivia Colman. Tras la impactante primera temporada, la serie logra continuar la historia de este lugar en otras dos tandas de episodios que mantienen muy bien el tipo.

Compañeros de ruta (2013)

Con la miniserie Compañeros de ruta, Jonathan Bailey tuvo la oportunidad de tomar riesgos interpretativos y adentrarse en un personaje más complejo. Jonathan Bailey protagoniza junto a Matt Boomer un intenso romance homosexual en una ficción que hilvana con gran habilidad hechos históricos con esta trama de ficción. Tim y Hawk se conocen en la Washington de la era McCarthy y del siniestro Roy Cohn. Los dos jóvenes inician un romance clandestino que dura décadas, a pesar de que sus formas de ver la vida son muy distintas. La Guerra de Vietnam, los movimientos hippies y disco de los setenta y la crisis del sida de los ochenta transcurren al tiempo que estos dos hombres se separan y reencuentran a lo largo del tiempo.

Wicked (2024)

Wicked es la precuela literaria de El mago de Oz. Cuenta el origen de dos de los personajes secundarios más icónicos de la historia original: Elphaba, la Bruja mala del Oeste, y Glinda, la Bruja buena del Sur. Luego, la historia se convirtió en un musical muy exitoso en los escenarios de Londres y Nueva York y, más tarde, en una duología cinematográfica. Jonathan Bailey interpreta en las películas al príncipe Fiyero, un tipo en principio algo egocéntrico y despreocupado que cierra el triángulo amoroso entre las dos protagonistas, interpretadas por Ariana Grande y Cynthia Erivo. El personaje del británico no se aleja mucho del que interpreta en la serie Los Bridgerton.

Un océano entre nosotros (2018)

En esta película basada en hechos reales, Jonathan Bailey vuelve a interpretar a un joven y ambicioso periodista que es de gran ayuda al veterano reportero Rodney Hallworth. Un océano entre nosotros, protagonizada por Colin Firth y Rachel Weisz, cuenta la historia del empresario Donald Crowhurst, veterano del Ejército británico y navegante aficionado, que en 1968 intenta sanear sus finanzas participando en la Golden Globe Race, una competición que consistía en navegar alrededor del mundo sin paradas, para obtener un suculento premio. Mientras, su mujer intenta salir adelante sola y con dos hijos. El protagonista hace unas pocas de trampas en su viaje y ahí están los periodistas para descubrir el engaño.

Jurassic World: El renacer (2025)

Desde que Steven Spielberg estrenara Parque Jurásico en los años noventa, la franquicia inspirada en la novela de Michael Crichton no ha parado de crecer. Tras las primeras películas, la trilogía inicial de Jurassic World confirmó a Chris Pratt como una estrella de cine de primer nivel. Quizá el reinicio de la historia, con nuevos personajes, haga lo mismo con Jonathan Bailey. En Jurassic World: El renacer, el actor británico da vida al doctor Henry Loomis, un paleontólogo sin experiencia en misiones cuyos conocimientos son de gran ayuda para la protagonista, la agente de la CIA interpretada por Scarlett Johansson.

Los Bridgerton (2020)

Cuando a Jonathan Bailey le llegó el guión de una serie de época producida por Shonda Rimes, la creadora de Anatomía de Grey, que estaba preparando Netflix, a punto estuvo de ni siquiera intentar pelear por el papel. En esos momentos el actor ya tenía mucho trabajo en teatro, haciendo dramas y musicales, y no se veía con la energía suficiente para una serie de televisión. Pero se presentó al casting de Los Bridgerton, logró el papel y se convirtió en Anthony Bridgerton, el hijo mayor de la familia protagonista, que asume el liderazgo tras la muerte de su padre, encargándose de proteger a su familia y de encontrar a una mujer con la que casarse. Sin los matices y el encanto que aporta Jonathan Bailey, el personaje podría resultar bastante antipático ante los ojos de la audiencia.

Leonardo (2011)

Antes de todos estos triunfos, Jonathan Bailey ya era un rostro habitual en la televisión británica, aunque por lo general aparecía en roles secundarios. Uno de sus primeros papeles protagonistas fue en la serie Leonardo, que durante dos temporadas contó la juventud del artista Leonardo Da Vinci. De nuevo se encarga de un personaje de época, en esta serie de aventuras ambientada en la Florencia del siglo XV. Su pandilla de adolescente también son gente bastante conocida para la audiencia: un rico heredero, Lorenzo de Medici; una aprendiz de manipulador, Maquiavelo; y una joven llamada Lisa.

Las mejores películas de Jonathan Bailey

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Con el Superman (2025) de James Gunn al caer, nos damos cuenta de que el imaginario kryptoniano ha estado tradicionalmente muy limitado a las (pocas) adaptaciones cinematográficas de imagen real estrenadas sobre el defensor de Metrópolis. Cuando, claro, hay vida mucho más allá del Superman de Christopher Reeves (1978) o del de Henry Cavill en El hombre de acero (2013) y el Snyderverse. Y como en el caso Batman, su hermanado oscuro de DC, la animación ha dado buenísimas adaptaciones de los cómics originales. Así que en la siguiente guía de JustWatch os proponemos las diez mejores películas animadas con Superman por protagonista, en un orden aproximado de preferencia.

Superman vs. La Élite (2012)

¿Puede Superman, la bondad indiscutible, ser un personaje interesante en tiempos de antihéroes? En la adaptación de Joe Kelly y Michael Chiang sobre What's So Funny About Truth, Justice & the American Way?, nos enfrentamos a un dilema. Los villanos no temen a Superman y se radicalizan, porque saben que no los matará. La Élite se ve a sí misma como la próxima generación de superhéroes, cuyo estilo de lucha contra el crimen se ajusta más a las sensibilidades modernas. En el fondo, sólo matan a inocentes y perpetradores por igual. ¿Es justicia? Superman vs. La Élite (2012) es una historia crucial para comprender qué hace de Superman el mejor superhéroe de todos los tiempos.

La muerte de Superman - Parte 2: el reinado de los superhombres (2019)

Para quienes no teman a la tristura, la secuela de La muerte de Superman (2018) retoma la acción después de que Doomsday acabara con la vida del Hombre de Acero. En La muerte de Superman - Parte 2: el reinado de los superhombres (2019), el mundo ha tratado de sustituir el lugar de Superman con héroes de reemplazo, entre quienes se incluyen el clonado Superboy kriptoniano, el héroe autodidacta Steel, un inquietante Superman cíborg (de naturaleza violenta) y el misterioso Erradicador. Mientras unos se pelean, Lois Lane lidia con la pérdida y el duelo. Sin spoilers, pero atención al look elegante y oscuro de Superman, un inconfundible corte de pelo estilo mullet de los noventa.

Superman viaja al sol (2011)

El cómic en que se basa Superman viaja al sol (2011), el All-Star Superman (2003-2005) de Grant Morrison, Frank Quitely y Jamie Grant, sigue siendo uno de los mejores de toda la franquicia. En lugar de mostrar a Superman luchando contra extraterrestres y seres de otras dimensiones, la versión All-Star de Superman mira a los conflictos internos del superhéroe durante sus últimos meses de vida, preguntándose qué siente un sol al apagarse. Y cómo acompañar a la Humanidad cuando sabes que eres su única salvación sin dudas. No la colocamos en primer sitio porque, al durar 76 minutos (el estándar antiguo para determinada animación), la película deja fuera muchas de las historias importantes del cómic, como el arco brutal de Bizarro.

Superman: El último hijo de Krypton (1996)

Los noventa fueron una época dorada para las series animadas. Superman: La serie animada (1996) a menudo se olvida por la de Batman, aunque es igual de buena. Su arranque, de hecho, se estrenó como el telefilm que aquí recomendamos, y que os recomendamos si os encandiló la serie de Superman de los Hermanos Fleischer (1941). Lo mejor de Superman: El último hijo de Krypton (1996) es el tiempo que regala a los últimos días y la marcha de Jor-El de Kriptón y el espacio de lujo que da a Brainiac, reinventado como una IA avanzada, un villano bastante marginado en el resto de adaptaciones que hoy pide su sitio.

Superman: Sin límites (2013)

Bastante fiel a Superman: Brainiac, una de las sagas de referencia de la era moderna del Hombre de Acero, de Geoff Johns y Gary Frank, su adaptación a cine ha sido demasiado ensombrecida por El hombre de acero (2013), coetánea. De hecho, aquí Matt Bomer interpreta a Superman, y demuestra lo que le habría aportado al personaje en la película de Zack Snyder, por la que compitió (y perdió) contra Henry Cavill. En Superman: Sin límites (2013), la historia es bastante sencilla: Brainiac invade la Tierra, y depende de Superman y de Supergirl evitar que añada la Tierra a su colección privada. Pero la calidad de la animación y el Super-tándem son de lo mejor que el héroe ha dado.

Superman: El hombre del mañana (2020)

Tras el cierre del Universo Cinematográfico Animado de DC con Liga de la Justicia Oscura: La Guerra Apokolips (2020), Superman: El hombre del mañana (2020) daba inicio a una nueva era animada a la que tampoco se ha dado la suficiente atención. Y sí, es una historia de orígenes. ¡Pero! Este es un giro moderno a la típica historia de origen, como la smash burger para la completa de toda la vida. Superman aquí vive como un perrito pidiendo ser aceptado en un mundo lleno de intolerancia y prejuicios. Y no contamos con las apariciones de Detective Marciano, Parásito y Lobo, él mismo.

Superman: Hijo rojo (2020)

Ya no nos sorprende, en los tiempos que corren, encontrar a una versión malvada de un superhombre. Nos hemos acostumbrado a sátiras como INVENCIBLE (2021) o The Boys (2019). Pero demos la vuelta al Bien y al Mal contemplándolos simplemente como ideologías: aquí Superman tiene valores que difieren de los ideales estadounidenses tradicionales que rigen la mayoría de las versiones del Hombre de Acero. En Superman: Hijo rojo (2020) la nave de Superman se estrelló en la Unión Soviética en lugar de Kansas, por lo que el hijo de Kriptón ahora defiende el Kremlin. ¿Pero un hombre nace o se hace? ¿Y quién es Clark Kent para Superman? Como el fantástico cómic original, al menos da para una buena conversación.

La muerte de Superman (2018)

La primera película animada que se acreditó oficialmente bajo los estudios de animación de DC es La muerte de Superman (2007), adaptando el icónico cómic de Dan Jurgens, Jerry Ordway y Louise Simonson, entre otros. Pero aquella película era francamente mediocre (en presupuesto y en habilidad narrativa), por lo que solemos recomendar la nueva versión de 2018, La muerte de Superman (2018) guionizada por Peter J. Tomasi. Esta vez, Doomsday se siente como una amenaza verdaderamente trascendental, casi matando a Wonder Woman en su primera aparición. La batalla entre Superman y aquella bestia parda tiene ahora mucho más espacio para respirar y, bueno, ya sabéis cómo acaba.

Batman y Superman: La Batalla de los Super hijos (2022)

Uf, ¿una película sobre los super nepobabies de Batman y Superman y además en CGI? Pues calla, que el tándem que forman el ingenuo Jonathan Kent y el nervioso Damian Wayne, de enemigos a compañeros mútuamente admirados, funciona y marcha bien. Ellos son las nuevas estrellas, con Superman y Batman en segundo plano. Además, aquí encontramos a un Starro bastante más amenazador que el de James Gunn en El Escuadrón Suicida (2021). Batman y Superman: La Batalla de los Super hijos (2022) demuestra que la animación de DC para toda la familia tiene aún mucha vida por delante.

Superman/Batman: Enemigos públicos (2009)

Es posible que nos hayamos obsesionado con hacer luchar a Batman contra Superman, cuando la pareja suele ser más entretenida cuando trabajan juntos. En argumento, la hora de metraje de Superman/Batman: Enemigos públicos (2009) da para un giro sabroso a este tándem: Lex Luthor se ha convertido en presidente y ha convencido a las masas de que es una persona diferente. En realidad, lo que pretende es incriminar a Superman por la muerte de Metallo y acaba ofreciendo una recompensa de mil millones de dólares por su cabeza. Además, Kevin Conroy borda el doblaje de Batman, igual que el Clark Kent de Tim Daly, por lo que vale la pena ver la película solo por la química entre ambos.

¿Dónde puedo ver más películas animadas de Superman?

Para descubrir más películas disponibles en España con el Hombre del Mañana por protagonista, incluyendo candidatas a nuestra lista como Superman: Brainiac ataca (2006), La muerte de Superman (2007) o Superman/Batman: Apocalipsis (2010), consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

La franquicia Jurassic Park (1993) y su continuación Jurassic World (2015) no sólo nos han regalado dinosaurios espectaculares, sino también muertes inolvidablemente sangrientas. A lo largo de 7 películas, los humanos han cometido errores fatales en la isla Nublar, Sorna y más allá… y los dinosaurios han cobrado su precio. Desde ataques brutales y desmembramientos hasta devoraciones en grupo, la saga ha subido el nivel de violencia con cada entrega. Nuestra guía recopila las muertes más espantosas y memorables de toda la saga, escenas que se quedaron en nuestras mentes tanto por lo gráfico como por el shock que generaron en todos nosotros. 

Donald Gennaro (Jurassic Park)

Una de las muertes más icónicas de toda la franquicia. El abogado Donald Gennaro intenta escapar del T. rex escondiéndose en un baño… sin paredes. Lo que sigue es un momento brutal y casi cómico en el que el dinosaurio lo arranca del inodoro y lo devora de un bocado. Steven Spielberg combinó tensión, ironía y gore para crear una muerte tan impactante como memorable. Fue el primer gran recordatorio de que en Jurassic Park (1993) nadie está a salvo, y que los dinosaurios no respetan ni la arquitectura ni a los oportunistas.

Eddie Carr (El mundo perdido: Jurassic Park)

En El mundo perdido: Jurassic Park (1997), el ingeniero y héroe accidental Eddie Carr muere al intentar salvar a sus compañeros. Su noble acto termina en tragedia cuando dos T. rex lo arrancan del vehículo y lo parten por la mitad. La escena es larga, tensa y dolorosa de ver: el sonido de los huesos y el grito final lo convierten en una de las muertes más brutales de toda la saga. Es un recordatorio cruel de que incluso los más valientes pueden terminar en las fauces de un depredador. Esta muerte elevó el nivel de violencia gráfica de la secuela.

Dieter Stark (El mundo perdido: Jurassic Park)

En una de las escenas de El mundo perdido: Jurassic Park (1997), el despiadado cazador Dieter Stark se separa del grupo para hacer sus necesidades, pero termina siendo el almuerzo de un grupo de Compsognathus. Lo que empieza como una mordida inofensiva termina en una escena perturbadora donde las pequeñas criaturas lo acorralan, lo atacan en grupo y lo matan fuera de plano. El sonido de sus gritos y el charco de sangre posterior son suficientes para imaginar lo peor. Una muerte lenta, dolorosa e inquietante que demuestra que hasta los más pequeños pueden matar.

Udesky (Jurassic Park III)

La muerte de Udesky en Jurassic Park III (2001) es tan retorcida como inteligente. Los velociraptores lo usan como carnada, hiriéndolo sin matarlo para atraer a los demás humanos. Cuando Amanda se acerca, cree que aún está vivo, pero al moverlo, un raptor salta del árbol y la escena se torna terrorífica. Aunque no se muestra directamente su final, el hecho de que los dinosaurios hayan ideado una trampa demuestra su evolución y hace que esta muerte destaque por su ingenio cruel más que por su sangre. Una escena breve pero muy efectiva.

Zara Young (Jurassic World)

Posiblemente la muerte más cruel e innecesariamente larga de toda la franquicia. En Jurassic World (2015) Zara, la asistente británica de los niños, es secuestrada por un Pteranodon, lanzada al aire, zambullida en el agua y finalmente devorada —junto al ave— por el Mosasaurio. Todo ante la mirada horrorizada del público. Aunque no era un personaje particularmente agradable, su muerte fue exagerada, cruel y casi cómica por la cantidad de veces que fue atacada antes del final. Muchos la consideran excesiva… y precisamente por eso es inolvidable.

Vic Hoskins (Jurassic World)

El jefe de seguridad que quería militarizar dinosaurios recibe su merecido cuando el velociraptor Delta lo embosca en el laboratorio en Jurassic World (2015). Su muerte no es la más sangrienta visualmente hablando, pero sí es violenta y realmente satisfactoria. La escena transmite la rapidez y precisión letal del raptor, que lo destroza en segundos. Además, simboliza el fracaso de quienes creen que pueden controlar la naturaleza con fines militares. Hoskins pensó que tenía el control hasta el último segundo… y terminó como muchos otros en esta lista: como el irresistible aperitivo de una de las criaturas a las que quería controlar.

Eli Mills (Jurassic World: El reino caído)

El villano de Jurassic World: El reino caído (2018) Eli Mills muere de forma irónica y brutal. Después de liberar sin querer al Indoraptor mientras intenta recuperar un hueso de Indominus Rex, es arrastrado, aplastado y devorado por el Tyrannosaurus rex, con la ayuda de un Carnotaurus. Su muerte simboliza la caída del capitalismo extremo y el castigo merecido por jugar con la genética sin escrúpulos. La escena mezcla acción, venganza y brutalidad, y se convierte en uno de los finales más satisfactorios de un antagonista en la franquicia. Y, seamos sinceros, nadie lloró su muerte. Al contrario, todos la celebramos.

Ken Wheatley (Jurassic World: El reino caído)

En Jurassic World: El reino caído (2018), Wheatley comete el error clásico de todo cazador arrogante: quitarle un diente a una criatura viva. Cree haber sedado al Indoraptor, pero el dinosaurio está muy despierto y lo deja acercarse… solo para arrancarle el brazo de un mordisco. Lo que sigue es una masacre rápida y espeluznante. La escena muestra lo inteligente y cruel que puede ser el Indoraptor, y cómo el exceso de confianza de Wheatley le termina costando muy caro. Es una de las muertes más gráficas de toda la saga y una lección clara: no toques lo que no entiendes.

Lewis Dodgson (Jurassic World: Dominion)

El regreso de Dodgson, el hombre detrás del famoso frasco de crema de afeitar, en Jurassic World: Dominion (2022) termina de forma poética. Queda atrapado en el túnel del tren y muere devorado por tres Dilophosaurus, las mismas criaturas que mataron a Dennis Nedry. Aunque la escena no es tan gráfica como otras, tiene un fuerte peso simbólico y ofrece un cierre narrativo perfecto. El sonido del chillido de los dinosaurios y la silueta de su muerte bastan para dejar huella y que no puedas quitarte esa imagen de la cabeza. Nunca. Un guiño sutil al pasado, aderezado con un poco de justicia jurásica.

LeClerc (Jurassic World: Renace)

Uno de los momentos más espeluznantes de Jurassic World: Renace (2025) ocurre cuando LeClerc (Bechir Sylvain), miembro del equipo de Duncan, junto con sus compañeros, está intentando recuperar un huevo intacto de dinosaurio…sólo para terminar en las fauces de uno. Esta es una de las escenas más impactantes y tensas de la película, y representa perfectamente el tono más oscuro de esta entrega, ya que la escena no escatima en detalles mientras vemos a LeClerc devorado por enorme dinosaurio volador justo cuando pensó que había logrado escapar. Es una de las muertes más gráficas de toda la franquicia.

¿Dónde puedo encontrar online las franquicias de Jurassic Park y Jurassic World?

Para descubrir todas las películas de las franquicias Jurassic Park y Jurassic World y ver las muertes más espantosas de ambas franquicias consulta la guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, edad y puntuación. ¡Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias!

¿Es un avión? ¿Es un pájaro? ¡No! Es la guía de JustWatch para poner orden a todas las películas de Superman y en qué orden deberías verlas, suponemos, para prepararte por el estreno de la versión de Superman de James Gunn. Como el kryptoniano de Jerry Siegel y Joe Shuster lleva ya ochenta años volando con su millares de homónimos y no se trata de arrastraros al infierno de Bizarro, o de poneros a prueba como lo haría un auténtico Lex Luthor, os echaremos una mano. Esta es la lista de películas que han tenido al Hombre de Acero por protagonista, en orden cronológico (que no de estreno). Os lo dijimos, venimos a haceros la vida fácil.

Superman (1978)

Nadie esperaba el hito en que se convirtió la película de Christopher Reeve. No, en tiempos de Taxi Driver y denostación del cómic. Pero la historia se presta al milagro y Superman (1978) se convirtió en un hito. Con historia de Mario Puzo, autor de El Padrino, música de John Williams y unos efectos especiales impresionantes, abrió el camino para el cine de superhéroes que vendría después. Richard Donner trabajó junto al equipo de animación y al director de fotografía Geoffrey Unsworth, que había hecho 2001: Una odisea del espacio, para recrear algunos de los descubrimientos visuales de aquella en el inicio de la película. El resultado es espectacular, y aquella historia de origen presentó por primera vez al gran público al villano Zod (Terence Stamp) y a Lex Luthor (Gene Hackman). Es una imprescindible.

Superman II (1980)

La producción de Superman II ya estaba en plena marcha antes del estreno de la primera Superman, porque había más dinero que hacer que tiempo del que se disponía (un clásico). Por ello, el ausente Richard Donner acabaría siendo destituido antes de acabar el rodaje y fue reemplazado por Richard Lester (que luego estrenaría Los Tres Mosqueteros). Eso llevaría a las dos versiones, con Superman II: El montaje de Richard Donner (2006), para una secuela complicada (por decir algo). El director de fotografía Geoffrey Unsworth también murió antes de rodar, entre otros tantos problemas de producción… Casi tantos como los que daban los pueñeteros villanos kriptonianos y Lex Luthor.

Superman III (1983)

Superman III (1983) merece la pena ser recordada como una curiosidad ligera y algo cómica, será por haber fichado al monologuista Richard Pryor como Gus Gorman, un torpe genio de la informática. Eso sí, Christopher Reeve regresa como Clark Kent y es especialmente memorable una secuencia donde un Superman malvado y corrupto se enfrenta a su yo bueno. A diferencia de las películas anteriores, esta tercera entrega fue dirigida por Richard Lester, conocido por su estilo juguetón e irreverente (¡Qué noche la de aquel día!). Tampoco repite el Lex Luthor de Gene Hackman, sustituído por Robert Vaughn entra como el malvado industrial Ross Webster.

Superman IV: En busca de la paz (1987)

La era de Christopher Reeve terminó regular. La última entrega del actor como Superman, Superman IV: En busca de la paz (1987), encuentra al Hombre de Acero luchando contra las armas nucleares en plena Guerra Fría. Mientras Superman se propone desnuclearizar a la humanidad, su archienemigo Lex Luthor (otra vez Gene Hackman), escapa de prisión y crea al Hombre Nuclear (Mark Pillow), un soldado que funciona con energía solar, la pila de Krypton. El estudio Cannon Films decidió recortar en presupuesto y los efectos de la tijera son notorios... A decir verdad, nadie la esperaba y nadie la apreció realmente. No hasta el día de hoy, así que probad suerte.

Superman Returns: el regreso (2006)

¡Qué tanto marcó el regreso de Superman nuestras infancias! Superman Returns: el regreso (2006) ignoraba la continuidad de las últimas dos películas y se erigía como secuela espiritual Superman II, por lo que puedes saltarle Superman III y IV para continuar aquí. En esta ocasión, Superman regresa a la Tierra después de un viaje de cinco años para ver lo que queda de Krypton, solo para descubrir que Lex Luthor (Kevin Spacey) ha sido liberado de la prisión en su ausencia y está tramando algo. Casi 400 millones de taquilla, frente a un presupuesto de 200, lo convirtió en un fenómeno cultural brutal aunque no fuera lo suficientemente rentable para iniciar otra saga. Brandon Routh como hijo de Krypton todavía es celebrado, especialmente para quienes vivieron la Crisis de DC en Tierras Infinitas.

El hombre de acero (2013)

La primera película de Superman post-El caballero oscuro (2008), El hombre de acero era una película 100% dirigida por Zack Snyder, autor de Watchmen o 300. Ralentís, negros oscurisimos y Henry Cavill como un Superman conflictuado, muy darks. La primera historia de la película de origen desde el Superman de 1978 (por eso puede ser otra puerta de entrada) mira al mundo de Lois Lane y Lex Luthor con un extra de realismo que ha envejecido así asá. No olvidaremos a Michael Shannon como el villano Zod, la banda sonora de Hans Zimmer y los efectos visuales realmente potentes. Planeada como la primera entrega del Snyderverse, donde las cosas no acabaron yendo como esperábamos.

Batman vs Superman: El amanecer de la justicia (2016)

Batman vs Superman: El amanecer de la justicia (2016) es la muy ambiciosa secuela de El hombre de acero, también dirigida por Zack Snyder. Snyder metía toda la carne en el asador: estaban Aquaman (Jason Momoa), Batman (Ben Affleck), Cyborg (Ray Fisher), Flash (Ezra Miller), Lex Luthor (Jesse Eisenberg) y Wonder Woman (Gal Gadot). El conflicto era realmente interesante: ¿dejamos libertad absoluta al Dios kryptoniano? Mientras, Superman es acosado por su archienemigo Lex Luthor, quien manipula a Batman antes de desatar a Doomsday, una abominación alienígena, en Metrópolis. Y la cosa acaba con un enorme pegote de CGI. Una homónima versión del director técnicamente mejora la película con treinta minutos más. Buscadla.

Liga de la Justicia (2017)

Superman no tiene por costumbre acabar con buen pie sus eras. Zack Snyder tuvo que abandonar el proyecto y Joss Whedon, que llegaba con su tono más ligero de Vengadores, asumió el cargo para terminarlo. Entre re-escrituras chistosas (no lo son) y el mostacho eliminado con CGI de Henry Cavill, Liga de la Justicia (2017) acaba siendo un pegote extraño. Si le sumamos el comportamiento abusivo de Whedon en el set, junto con las acusaciones de mala conducta de varios miembros del reparto, la sombra se extiende hasta donde abarca la vista. Por suerte para los fans, La Liga de la Justicia de Zack Snyder (2021) se estrenaría al cabo de poco.

Black Adam (2022)

Esta es una parada opcional pero curiosa. Black Adam (2022) ocupa un lugar relevante en la bio cinéfila de Superman, con una infame escena postcréditos como la última vez que vimos a Henry Cavill en la piel del Hombre del Mañana. Black Adam (Dwayne Johnson) es recibido por Amanda Waller (Viola Davis), quien advierte por holograma a Adam que no abandone su casa en Kahndaq o enviará a alguien “de otro planeta” tras él. De repente, el dispositivo es destruido desde las sombras. Es Cavill, o Superman, cuyas últimas palabras son: “Black Adam. Deberíamos hablar”. Lo comentamos, Superman es el personaje de DC con finales menos ceremoniosos de la historia.

Superman (2025)

A finales de 2022, James Gunn y Peter Safran fueron nombrados responsables de DC Studios, y Gunn anunció un reinicio completo del Universo DC en el cine. La primera película será Superman (2025), escrita y dirigida por él, con un bastante desconocido David Corenswet como protagonista. Tras los retrasos por las huelgas de actores y guionistas, el rodaje acabaría arrancando apenas meses atrás, y hoy llega como la película del verano de 2025. Esta nueva versión no cuenta otra historia de origen, sino que introduce a Superman en un mundo donde ya existen otros superhéroes, como Mister Terrific (Edi Gathegi), Hawkgirl (Isabela Merced), Metamorpho (Anthony Carrigan) o Guy Gardner (Nathan Fillion). Rachel Brosnahan y Nicholas Hoult son Lois Lane y Lex Luthor, respectivamente.

¿Dónde puedo ver todas las películas de Superman?

Para descubrir todas las películas (y las series) disponibles en España protagonizadas por el Hombre del Mañana, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Verás, por ejemplo, que nos hemos dejado en el saco recomendar Super/Man: The Christopher Reeve Story (2024) por estar muy cogida con pinzas, así que puedes recuperarla.

Además, puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Ricky Gervais nunca se imaginó que, en vez de abrir una oficina, había abierto una multinacional con sedes repartidas por todo el mundo: The Office se ha convertido en un fenómeno global. Aunque la versión americana es la más conocida, hay muchas más. En esta lista te contamos cuáles son, y en qué plataformas puedes verlas. 

The Office (2001-2003)

No cabe duda de que, con la primera The Office –co creada junto a Stephen Merchant– Ricky Gervais tuvo un golpe de genio: ahí supo rentabilizar su humor sardónico, incómodo y provocador a partir de la idea de las relaciones ambivalentes que desarrollamos con nuestros superiores jerárquicos, que pueden ser objeto de secreta mofa. Gervais encarnó a David Braint en catorce míticos episodios, aunque más adelante también recuperó el personaje en algunos cortos, y un par de secuelas, Learn guitar with David Brent (2013) y David Brent: Life on the road (2016). 

Stromberg (2004-2012)

Antes de que llegara la célebre versión americana, los alemanes ya habían copiado la idea en Stromberg, una serie que llegó a los 46 episodios, e incluso derivó en una película homónima, Stromberg -The Movie (2014), a modo de epílogo. Creada por Ralf Husman, y protagonizada por Christoph Maria Herbst, en la piel de Stromberg, seguía la misma estética documental, con sus zooms y sus planos de gente que no quiere que la filmen, e iba incluso más lejos en la radiografía del típico oficinista sexista, incorrecto y perezoso, que en este caso también es perfectamente alopécico. 

The Office (2005–2013)

En la versión americana de The Office, Steve Carell era Michael Scott, el jefe de a mítica oficina suburbana de la empresa papelera Dunder Mifflin al frente de la cual aguantó hasta 142 episodios, sólo superado por la química entre John Krasinski y Jenna Fisher que se mantuvo efervescente a lo largo de 188 episodios. Es decir, la versión americana de The Office tuvo muchísimos más que la idea original, de la que Greg Daniels, creador de la serie, se apropió dándole un toque más blanco y entrañable. De lo contrario, ¿quién hubiera aguantado tantos episodios en aquella oficina? 

Le bureau (2006)

Los franceses no podían ser menos, aunque se conformaron con Le bureau, una miniserie de apenas seis episodios, a mayor gloria de François Berléand, el jefe de esta nueva oficina papelera en la periferia de París que también sigue soltero y hace todo lo que puede para salir de la crisis de la mediana edad, intentando parecer más joven y a la moda, estereotipando a sus empleados cuando trata de hacerse el simpático, y haciendo ridículo de todas las maneras posibles. Una creación de Nicolas Charlet y Bruno Lavaine, famosos por doblar películas americanas en irreverente francés. 

La job (2006)

La versión del Canadá francés, La job, podría parecerse bastante a la alemana, por lo menos si nos fijamos en su protagonista, interpretado por el también alopécico Antoine Vézina, que en la serie responde al nombre de David Gervais (sic). No pasó de los trece primeros episodios, casi como la original, porque tuvo muy mala prensa. Lejos de convertirse en un fenómeno, fue vista como un festival de vulgaridad y mal gusto en el que no cabía la distancia irónica.

La ofis (2008)

The Office acabó abriendo sucursal en LATAM con la chilena La ofis, que duró una única temporada de doce episodios, pero fue muy bien recibida gracias a la labor de Luis Gnecco (Neruda), un nuevo jefe que ejerce de patoso social con sus empleados. Un bruto con buen corazón que, desde su inconsciencia, puede llegar a tener comportamientos sexistas o incluso xenófobos, a costa de su empleado peruano, encarnado por Marcelo Valdivieso. Una de las mejores versiones, considerada como una serie de culto por los aficionados oficinistas del cono sur. 

Kontoret (2012–2013)

La versión sueca de The Office se tituló Kontoret y llegó a tener dos temporadas, con algunas variaciones en la fórmula del mockumentary oficinista: en vez de presentar nuevos personajes al público sueco, recurrieron a otra sitcom de éxito comprobado, Solsidan, donde Henrik Dorsin interpretaba a Ove Sundberg, un personaje secundario –el típico vecino entrometido, también alopécico y mega-sonriente– que acabó encontrándose al frente de esta sucursal. Duncan Cooper, productor de la BBC, dijo que no podía parar de reír, y eso que no tiene ni idea de sueco. 

Kancl (2014)

La versión checa de The Office se tituló Kancl, y duró una temporada, en la que modernizaron el material de oficina, evacuando los faxes, y metiendo más ordenadores. Václav Kopta interpreta al jefe de lo que sigue siendo una empresa papelera, ahora situada en la pequeña población de Brno, donde precisamente tiene su base la cadena checa que produjo la serie, llegando a hacer todavía más indistinguible la fina línea que separa la realidad de la ficción en este nuevo falso documental, ya que se rodó en las oficinas de la propia cadena. 

The Office (2022–2023)

Mientras corren rumores de una posible versión china, The Office ya llegó a Arabia Saudita, corazón del mundo islámico. Curiosamente, aparecen mujeres con burka y otras con el rostro descubierto. El extravagante e infantil, pero en el fondo bondadoso, jefe de la oficina se llama Malik Al-Tuwaifi, y le da vida Saleh Abuamrh, un hombre con bigote que podría ser el más apuesto de toda la colección. Como en otras versiones, buscará cualquier excusa para matar el aburrimiento.  

The Office (2024)

La versión australiana de The Office que protagoniza Felicity Ward es la primera de toda la franquicia que tiene una directora femenina: ¡Los tiempos están cambiando! Las mujeres pueden ser jefas tan desastrosas como los hombres. Y sin embargo las cuestiones de género no son el elemento principal de esta versión que tiene tantos fans como detractores. También se ha distinguido por poner sobre la mesa la espinosa cuestión del teletrabajo, que se plantea ya desde el primer episodio. 

¿Dónde puedo ver las diferentes versiones de The Office y otras series similares?

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Desde que las franquicias de Jurassic Park (1993) y Jurassic World (2015) llegaron a los cines no volvimos a ver a los dinosaurios como simples fósiles. En nuestra pantalla, estas criaturas cobraron vida con fuerza, inteligencia e incluso personalidad. Algunos de estos dinos nos hicieron soñar con tener unos pequeños bebés Triceratops en el jardín—estamos seguros de que con un poco de paciencia serían una compañía ideal—, mientras que otros nos convencieron de nunca, jamás, participar en un experimento de clonación genética. Nuestra guía presenta los 5 peores dinosaurios que no desearíamos que nos comieran y los 5 que querríamos como mascota.

Los 5 dinosaurios que no desearías que te comieran

Indominus Rex 

La peor pesadilla creada por el hombre. Diseñado genéticamente para ser más grande, más fuerte y más inteligente que cualquier otro depredador, el Indominus Rex es la culminación de todo lo que está mal con la ambición científica. Este híbrido de Jurassic World (2015) no solo puede camuflarse y engañar a sus presas, sino que también mata por diversión. No actúa por necesidad, sino por sadismo. Ser comido por el este dinosaurio sería una experiencia prolongada y aterradora, porque probablemente jugaría contigo primero. Si hay un dinosaurio con el que no quieres estar encerrado, es este. Olvida correr: este monstruo siempre va un paso por delante.

Spinosaurio 

Aunque el T. rex es el rostro clásico del terror jurásico, fue el Spinosaurio quien verdaderamente nos traumatizó en Jurassic Park III (2001). Desde su irrupción brutal hasta su victoria inesperada contra el mismísimo Rexy, este coloso bípedo demostró ser aún más salvaje y territorial. Con una mandíbula alargada diseñada para atrapar presas tanto terrestres como acuáticas, el Spinosaurio te cazaría con furia y sin piedad. Es ágil, fuerte y absolutamente imparable cuando se enfada. Morir entre sus fauces sería brutal y rápido, pero no lo suficientemente rápido como para evitar el terror puro de verlo acercarse.

Dilofosaurio 

Al principio, este dinosaurio puede parecer inofensivo. Es pequeño, camina solo y mueve la cabeza con curiosidad. Pero cuando despliega su cola y escupe veneno paralizante, sabes que ya no hay escapatoria. Si Jurassic Park (1993) nos enseñó algo es que el Dilofosaurio es el asesino más traicionero del parque: no necesitas hacerlo enfadar, solo estar en el lugar equivocado en el momento equivocado. Lo vimos en acción con Dennis Nedry, y fue espeluznante. Morir a manos (o mejor dicho, fauces) de este dino no solo sería doloroso, sino humillante. Una muerte lenta, tóxica y seguramente acompañada de su chillido agudo. Lo último que oirías.

Mosasaurio 

El terror del océano. Aunque no es técnicamente un dinosaurio, el Mosasaurio es una de las criaturas más impactantes de la franquicia. Este titán marino hace que cualquier tiburón luzca como un pez dorado. En Jurassic World (2015) se roba la atención en cada aparición: devorando un tiburón como si fuera un snack, o saltando del agua para engullir al Indominus Rex. Y en Jurassic World: Renace (2025) no se queda atrás. Ser comido por un Mosasaurio sería una sentencia inmediata. Estás nadando tranquilamente y, en un instante, eres tragado sin previo aviso. No hay gritos, no hay escape, solo oscuridad y la presión del océano cerrándose sobre ti.

Velociraptor 

Los Velociraptores no necesitan ser gigantes para ser mortales. Lo que los hace verdaderamente aterradores es su inteligencia y su capacidad para trabajar en equipo. En Jurassic Park (1993), vimos cómo acechan, planean emboscadas y hasta abren puertas. Morir a manos de un raptor no sería cuestión de fuerza bruta, sino de una cacería calculada. Primero te observan, luego te rodean y, cuando menos lo esperas, atacan todos a la vez. Su precisión es quirúrgica. La muerte no llega de inmediato, sino tras segundos de pánico absoluto mientras intentas pensar como ellos… y siempre pierdes.

Los 5 dinosaurios que querrías como mascota

Braquiosaurio 

Uno de los momentos más icónicos de Jurassic Park (1993) es cuando el Dr. Grant ve por primera vez a un Braquiosaurio. Con su cuello altísimo y movimientos tranquilos, esta criatura irradia una calma casi mágica. Son herbívoros, sociables y parecen disfrutar de la compañía humana. Tener uno como mascota sería como convivir con un árbol viviente, uno que te saluda con la cabeza y podría ayudarte a cosechar manzanas del árbol más alto. Claro, necesitarías un campo enorme y toneladas de vegetación diaria, pero la ternura que inspira compensa cualquier esfuerzo. No hay criatura más majestuosa.

Bebés Triceratops 

Imagina un cachorro con cuernos y armadura, como un bulldog prehistórico. Así son los bebés Triceratops: adorables, robustos y con una energía imparable. Aunque los adultos pueden ser territoriales, los pequeños son juguetones y curiosos. Vimos su dulzura en Jurassic World: Campamento Cretácico (2020) y en algunas escenas de Jurassic World (2015). Con el entrenamiento adecuado, podrían ser tan leales como un perro… aunque con una fuerza capaz de volcar coches. Perfectos para paseos épicos (si tienes un prado a mano) y para mantener alejados a intrusos. Eso sí, prepárate para una factura veterinaria nivel jurásico.

Compsognathus 

Estos diminutos dinosaurios tienen fama de problemáticos, y con razón. En grupo pueden ser peligrosos, pero un “Compy” solitario bien alimentado y domesticado podría ser una mascota divertida y muy activa. Son como una mezcla entre un periquito, un gato travieso y un velociraptor en miniatura. Traviesos pero entrañables. Como vimos en El mundo Perdido: Jurassic Park (1997) o Jurassic World: El Reino Caído (2018), les encanta explorar, trepar y curiosear. Son fáciles de alimentar, aunque difíciles de controlar si los pierdes de vista. Su tamaño los hace ideales para espacios pequeños, siempre y cuando puedas resistir sus travesuras. Con suerte, no te morderá… demasiado.

Ankylosaurio 

Con su cuerpo acorazado y su cola en forma de mazo, el Ankylosaurio es la mascota ideal para quienes quieren protección con estilo. Vimos en Jurassic Park III (2001) que es como un armadillo blindado de tamaño dinosaurio. Un tanque que querrás abrazar sin dudarlo. Tranquilo y herbívoro, este animal prehistórico no busca pelea, pero si alguien te molesta, bastará un golpe de su cola para poner las cosas en orden. Además, su aspecto robusto y su andar torpe lo hacen entrañable. No es el más rápido ni el más expresivo, pero su presencia imponente lo convierte en el mejor compañero para quien necesite sentirse seguro en todo momento.

Parasaurolophus

Con su larga cresta hueca que actúa como una trompeta natural, el Parasaurolophus no solo es hermoso, sino también fascinante. Como vimos en Jurassic Park (1993) o Jurassic World: Dominion (2022), sus sonidos únicos, que parecen cantos melódicos, le dan un aire pacífico y casi espiritual. Son sociables, se mueven en manadas y no representan una amenaza para los humanos. Tener uno en casa sería como tener un ciervo prehistórico que se comunica con melodías. Solo necesitarías mucho espacio para que pudiera correr libremente. A cambio, ganarías un compañero elegante, tranquilo y capaz de llenar tu jardín con una sinfonía jurásica.

¿Dónde puedo encontrar online las franquicias de Jurassic Park y Jurassic World?

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Dennis Villeneuve es el hombre que ha relanzado las sagas de Blade Runner y Dune [aquí puedes encontrar un listado de las mejores películas de su carrera y dónde verlas]. Y ya se sabe que será el director de la próxima película de James Bond. Tras está confirmación, se han desatado los rumores sobre qué actor interpretará al agente secreto, tomando el testigo de Daniel Craig.

A principios de 2025, Amazon MGM Studios pagó 1.000 millones de dólares a los históricos dueños de los derechos de la franquicia, los Broccoli. La empresa de Jeff Bezos, dueño también de Prime Video, toma el control de la saga. Su siguiente entrega, que sucederá a Sin tiempo para morir de 2021, se calcula que se estrenará en 2028. Lo que parece casi seguro es que James Bond seguirá siendo un hombre. Según Variety, los responsables de la franquicia están interesados en un actor británico de menos de 30 años. Estos son los tres candidatos principales para hacerse con el papel si esa premisa se cumple. También mencionamos a los tres nombres que llevan tiempo sonando, pero que han perdido fuerza en las apuestas. 

Tom Holland

El actor ha mostrado interés en ser James Bond. Teniendo en cuenta que es uno de las estrellas más populares en esa franja de edad (y que su pareja la actriz Zendaya podría ser una perfecta chica Bond para la generación Z), su nombre se coloca bien alto en las apuestas. En otro momento, el haber sido ya cara de una franquicia como Spider-Man le hubiesen restado puntos ante el clasicismo y sobreprotección que los Broccoli mantenían en torno a la saga. Pero, teniendo en cuenta que es Amazon la que decide a partir de ahora, ese no sería un problema para contratar a Tom Holland para el rol.

Jacob Elordi

Interpretar a Elvis Presley para Sofia Coppola en Priscilla y el fenómeno Saltburn, precisamente un éxito del catálogo de Amazon Prime Video, han convertido a Jacob Elordi en el actor del momento, después de triunfar en televisión con Euphoria (junto a Zendaya). Hay un pequeño pero: es australiano y no británico. La saga de James Bond ya tuvo a un actor australiano interpretando al agente 007 y no funcionó. Fue George Lanszeby y solo lo fue durante una película. Aun así, no parece que para Amazon, como decimos, sea un problema, al ser más laxa en estos asuntos que lo que lo han sido hasta ahora los Broccoli.

Harris Dickinson

Es el menos conocido de los tres candidatos favoritos, pero encaja a la perfección en los requisitos que se buscan para el papel de James Bond. En su día, Daniel Craig también era un actor de cine independiente cuando se convirtió en el agente 007 y su paso por la franquicia ha sido tan exitosa que se ha extendido más de lo esperado. Para empezar, Harris Dickinson ya ha mostrado sus dotes de espía en otra celebrada saga cinematográfica, la de Kingsman y ha destacado en festivales de cine con El triángulo de la tristeza. El problema que puede tener el actor para ser James Bond es de agenda. Ha fichado por la tetralogía de The Beatles que dirige un antiguo director de James Bond, Sam Mendes. Interpreta a nada menos que a John Lennon.

Aaron Taylor-Johnson

Aaron Taylor-Johnson lleva toda la vida ante la cámara. También interpretó a John Lennon en Nowhere Boy y se convirtió en estrella gracias a las dos películas de Kick Ass. El actor británico ha participado en varios títulos del Universo Cinematográfico Marvel (UCM) como Pietro Maximoff, por lo que sabe lo que es participar en cine de acción. El hecho de que acabe de firmar un acuerdo publicitario con la marca de relojes Omega, la oficial en la muñeca de James Bond, le siguen acercando al personaje. El problema es que para cuando se estrene la película de James Bond de Dennis Villeneuve ya tendrá casi 40 años. Si no logra el papel principal, siempre puede ser un fantástico villano Bond, tras el enorme rango dramático que ha demostrado en películas como la sórdida Animales nocturnos.

Henry Cavill

Otro actor que lleva la mitad de su carrera sonando como posible James Bond es Henry Cavill. De hecho, el actor llegó al casting final para sustituir a Pierce Brosnan en Casino Royale, pero su juventud, entonces tenía 22 años, hizo que Daniel Craig fuera el elegido. Desde entonces, heredó otro icónico personaje, el de Superman, al que interpretó hasta 2021. Y ha aparecido en varias películas de espías, como Argylle, Misión Imposible: Fallout y Operación U.N.C.L.E. De nuevo la edad puede alejarlo del papel para el que parece haber nacido, porque para 2028 estará cerca de los 50 años.

Idris Elba

Se ha vuelto a descartar la posibilidad de que el nuevo James Bond del siglo XXI sea otra cosa distinta a hombre y heterosexual, pero el público reclama a Idris Elba como el nuevo agente 007 desde hace años. Hubiese sido el primer actor negro en la historia de la saga. Su popularidad subió como la espuma interpretando a otro particular agente de la ley, Luther, en una de las series británicas más exitosas de los últimos años. Como le ocurre a Henry Cavill, el hecho de que Daniel Craig se haya mantenido en el personaje varios años más de lo esperado, llegando a extender su contrato inicial, ha hecho que quizá sea demasiado tarde para que Idris Elba herede el papel.

Películas en las que aparecen algunos de los actores candidatos a ser James Bond

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Desde su debut en los cómics en los años 40, el personaje de Green Lantern se ha erigido como uno de los superhéroes más complejos y multifacéticos del mundo DC. A lo largo de los años, Linterna verde ha sido protagonista de historias que exploran el sacrificio y la lucha por el equilibrio en la humanidad. 

Este contexto ha inspirado numerosas adaptaciones al cine y a las series, que recogemos y ordenamos en esta guía, para que puedas seguir sus andanzas de forma cronológica.

Linterna verde: Primer vuelo (2009)

Esta película de animación gira en torno a los orígenes de Hal Jordan como Green Lantern. Después de recibir el anillo de poder de manos de Abin Sur en Linterna Verde: Primer vuelo, Hal es llevado a Oa, donde aprende a utilizar sus nuevas habilidades bajo el entrenamiento de Linterna Superior Sinestro, quien luego se convierte en el villano principal del film. 

Se trata de un título perfecto para introducirse en el mundo de los Green Lantern Corps y entender cómo funcionan sus dinámicas. Christopher Meloni (Doce monos) es el encargado de prestar la voz al personaje principal.

Linterna Verde: Caballeros Esmeralda (2011)

El segundo título de la lista es Linterna Verde: Caballeros Esmeralda, que se compone de una serie de relatos entrelazados y explora la historia detrás de varios miembros de los Green Lantern Corps mientras entrenan bajo la supervisión de nuestro querido Hal Jordan. 

De esta manera, conocemos en profundidad el recorrido de personajes como Kilowog, Laira y Mogo. Y ese es su principal reclamo: dar voz y contexto a unos papeles secundarios que rara vez reciben atención en otras historias de superhéroes.

Por cierto, si lo tuyo son las películas de superhéroes, te recomendamos leer nuestra guía titulada Todas las películas que debes ver antes de Vengadores: Doomsday y donde encontrarlas online.

Green Lantern (Linterna verde) (2011)

Primera y única película de acción real hasta la fecha sobre el personaje de Linterna Verde. Green Lantern está protagonizada por Ryan Reynolds, que encarna a Hal Jordan, y narra el origen del héroe y su lucha contra Parallax. 

Si bien la prensa especializada criticó su guión y sus efectos especiales, lo cierto es que el film ofrece una visión interesante de Oa y los Green Lantern Corps. El elenco lo completan actores como Blake Lively, Peter Sarsgaard y Mark Strong, este último bastante alabado por su interpretación de Siniestro.

Si te gustan las películas protagonizadas por Ryan Reynolds, te recomendamos leer nuestra guía Las mejores películas de Ryan Reynolds: por qué verlas y dónde encontrarlas online.

La Liga de la Justicia: La paradoja del tiempo (2013)

Aunque esta película de animación no está completamente centrada en el personaje de Linterna Verde, lo cierto es que este desempeña un rol importante en el film, que adapta el famoso arco de Flashpoint. 

La Liga de la Justicia: La paradoja del tiempo muestra un mundo alternativo donde el contexto es terriblemente malo, y donde Hal Jordan nunca llegó a convertirse en Green Lantern. Esta situación muestra la importancia del personaje en el universo DC y cómo su ausencia afecta al curso de los acontecimientos. 

Green Lantern: Cuidado con mi poder (2022)

En Green Lantern: Cuidado con mi poder, la trama nos pone ante una situación no vista previamente en los largometrajes: la película sigue a John Stewart, un exmarine que recibe el anillo de Linterna Verde tras el fallecimiento de Hal Jordan. 

El film de animación da la oportunidad a los nuevos fans de conocer al personaje de John, quien siempre ha sido uno de los favoritos de los cómics y las series animadas. Aldis Hodge (One Night in Miami…) es el actor encargado de darle voz al personaje de John.

La Liga de la Justicia: Guerra (2014)

En el caso de La Liga de la Justicia: Guerra, hablamos de una historia que está basada en los cómics del primer arco de la liga New 52 Justice League, en el que los superhéroes luchan contra Darkseid para evitar el Apocalipsis.

Hal Jordan es una de las piezas clave en el equipo. Además, su dinámica con Batman y Flash añade toques de humor al conflicto contra el villano. El actor Justin Kirk (Succession) es el encargado de doblar el personaje de Green Lantern. 

Liga de la Justicia Oscura: La Guerra Apókolips (2020)

Muy buena recepción logró Liga de la Justicia Oscura: La guerra de Apókolips, que es la continuación de La Liga de la Justicia: Guerra. Algunos, incluso, aseguran que se trata la mejor película del DC Universe desde La Liga de la Justicia: La paradoja del tiempo. 

En este film, el personaje de Hal Jordan tiene un rol secundario, pero la lucha de los Lantern Corps frente a las fuerzas de Darkseid es uno de los puntos álgidos del largometraje. En este caso es Roger Cross (Trapped) el encargado de dar voz a Linterna Verde. 

Linterna verde: La serie animada (2011)

26 episodios y 3 temporadas respaldan la buena adaptación de Linterna verde: La serie animada, una ficción de animación desarrollada por Bruce Timm, que explora las aventuras de Hal Jordan.

Aunque es cierto que la serie se canceló de forma prematura, la trama logra profundizar en el carácter del protagonista y el apartado técnico brilla gracias a una animación CGI innovadora para su año de estreno. Josh Keaton (Juez y jurado) es el actor encargado de ponerle voz a Green Lantern en esta serie.

Superman: Hijo rojo (2020)

Muy interesante la trama que se desarrolla en Superman: Hijo rojo, en la que se juega con una realidad alternativa en la que el bebé Kal-El nace en la Unión Soviética en lugar de en Estados Unidos, por lo que Superman se convierte en un icono de los valores soviéticos.

Con este particular contexto, el papel de Green Lantern, además de secundario, lo pone a luchar junto a los Lantern Corps frente a este Superman comunista. En la película es Sasha Roiz (El día de mañana) el encargado de prestar su voz para representar a Hal Jordan. 

Legends of the Superheroes (1979)

Damos un salto atrás en el tiempo para cerrar la lista con esta miniserie de televisión que tan solo consta de dos episodios especiales de acción real que agrupa a varios héroes del universo DC, entre los que destacan Batman, Robin, Wonder Woman y, por supuesto, nuestro querido Green Lantern. 

El actor Howard Murphy da vida a Hal Jordan en Legends of the Superheroes, una serie que combina comedia con aventuras ligeras. 

Y si aparte de la Liga de la Justicia también disfrutas del universo de los Vengadores, te recomendamos que leas nuestra guía Películas similares a Avengers: alternativas al grupo de superhéroes de Marvel.

¿Dónde puedo encontrar online todas las películas y series de Green Lantern?

En la lista que te compartimos abajo, aparecen todas las películas y series de Green Lantern, así como las plataformas online en las que puedes encontrarlas. 

Vale, sólo hay dos largos de Los increíbles, la saga de superhéroes vintage de Pixar, pero también hay algunos cortos, episodios de series y una tercera entrega prevista para 2026. En este artículo, te desvelamos cómo encajan en la línea temporal de la franquicia, y en qué plataforma puedes encontrarlas. 

Mr. Increíble y amigos (2005) 

Mr. Increíble y amigos, una parodia de cartoon barato de sábado por la mañana, dirigido por Roger Gould e inspirado en la serie Clutch Cargo, emitida entre 1959 y 1961, se sitúa en los años de gloria, antes o después del prólogo ambientado en 1947 de Los Increíbles, ya que se supone que es animación dentro de la animación, una serie inspirada en las hazañas de los superhéroes como Mr. Increíble, Frozone y el Sr. Skipperdoo, emitida en su propio mundo. La trama es muy Guerra Fría: hay que proteger “el mundo libre” de los ataques de la Sra. Lightbug, una villana filo-comunista. 

Los Increíbles (2004) 

Los increíbles, la película con la que Brad Bird nos presentó a esta familia de superhéroes con aroma retro-futurista arrancaba con un flashback que nos llevaba a 1947, cuando Bob Parr, alias Mr Increíble, y Elastigirl, más adelante conocida como Helen Parr, se conocían. Pero el grueso de la acción transcurría quince años después, concretamente en mayo de 1962, cuando los años de gloria han quedado atrás, y los súpers –humanos dotados con poderes especiales– se ven forzados a llevar vidas anodinas, después de haber tenido que retirarse de la acción debido a las denuncias acumuladas por daños colaterales. 

Jack-Jack ataca (2005) 

El pequeño de la familia tuvo que nacer entre 1960 y 1961, y Jack-Jack ataca, corto dirigido por Brad Bird, puede considerarse como una escena eliminada de la primera película, ya que originalmente se pensó para formar parte de ella, y se desarrolla teóricamente en la misma franja temporal, aunque adelanta uno de los ingredientes de la secuela, cuando Jack Jack descubre sus superpoderes mientras se supone que Kari, la canguro, cuida de él. Finalmente, se acabó por darle forma de corto de cinco minutos de duración y se incluyó en la primera edición del DVD de la película. 

Los increíbles 2 (2018)

Los acontecimientos de Los increíbles 2, una tardía, pero todavía más espectacular, secuela arrancaban apenas tres meses del final de la primera entrega, en octubre de 1962. Los Parr siguen hundidos en el anonimato y viviendo en un motel. Helen recibe sin embargo una oferta del sector privado para hacer campaña en vistas a que los “súpers” puedan regresar legalmente a la acción. Mientras tanto su moderno marido se queda en casa, ocupándose de los niños, y lidiando con Jack-Jack, cuyos peligrosos superpoderes empiezan a manifestarse cada vez con más fuerza. 

Tita Edna (2018) 

Tita Edna, un corto de cinco minutos de duración dirigido por Ted Mathot, transcurre durante los acontecimientos de la segunda película. Es el momento en el que Bob Parr decide acudir a Edna, que ha diseñado todos los trajes de la familia, para que le haga uno al pequeño e indomable Jack-Jack. Para ello, Edna se dedica a examinar los superpoderes de bebé, que no para de hacer de las suyas. Visualmente impagable, no es más que un mero paréntesis en la evolución de la trama. 

Día de tareas... al estilo de Los Increíbles (2021)

Día de tareas es el sexto episodio de la serie Palomitas Pixar, dirigido por John Barillaro. A lo largo de dos minutos, vemos a los Parr entregados a todo tipo de tareas domésticas. Jack-Jack, que todavía es un bebé no para de duplicarse para ayudarse a sí mismo en la tarea de recoger sus juguetes. Al mismo tiempo, tanto Dash como su padre fracasan en su intento de impostar una familia media suburbana: Dash acaba cortando un seto, cuando estaba utilizando los rayos láser de su hermano pequeño para podar el césped, mientras que Bob intenta en vano dos veces poner en marcha la barbacoa. 

Pizza Night (2024)

El furor causado por La LEGO película (2014) –una obra maestra–, derivó en un sinfín de productos que relacionaban, en el caso del corto de cinco minutos Pizza Night, la marca Pixar con el juego de construcción. El cuarto videojuego basado en Los increíbles salió en 2018 con personajes de Lego, y la serie Lego Pixar Bricktoons se estrenó en 2024, con un micro-episodio, el tercero, dedicado a la familia Parr en el que afrontan su misión más difícil: preparar la cena. 

Galletita ñam ñam (2021)

Otro episodio de apenas dos minutos de la antología Palomitas Pixar: Galletita ñam ñam es el décimo y último de la primera temporada. La dirección corre a cargo de Jae Hyung Kim, y la premisa no puede ser más básica: ¿Quién se hará con la última galletita? A medianoche, a los Parr siempre les entra un poquito de hambre. Bob vislumbra que sólo queda una, pero cuando está a punto de hacerse con ella, se da cuenta de que su hijo Dash ha sido más rápido que él.

Los increíbles 3 (2026) 

Oficialmente confirmada en la D3 de 2024, tiene tráilers en circulación en los que se anuncia para “el año que viene”. En ellos vemos que ha pasado como un lustro: Jack-Jack ya es un niño pequeño enfundado en un traje azul, mientras que Dash y Violeta ya son adolescentes. Aunque el argumento de esta nueva producción que también dirigirá Brad Bird permanece bajo llave, vemos que habrá saltos temporales importantes hacia adelante, ya que también se puede apreciar a los Parr ya casi ancianos, y con los hijos adultos, preparados para Los increíbles 3. 

¿Dónde puedo ver más películas de Pixar?

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Aunque no sea lo mismo que Scream, el slasher Sé lo que hicisteis el último verano también se ha convertido en estandarte de una generación de fans, catapultando a sus cuatro protagonistas, Jennifer Love Hewitt, Sarah Michelle Gellar, Ryan Phillippe y Freddie Prinze Jr., quienes se convirtieron en rostros muy familiares del terror adolescente de finales de los noventa. Casi tres décadas después, el estreno de la secuela legado Sé lo que hicisteis el último verano nos pica la curiosidad sobre qué camino han tomado en Hollywood, y ahora es el momento perfecto para repasar qué ha sido de los actores en esta guía JustWatch, que también indica dónde puedes encontrar sus trabajos más recientes en las plataformas de streaming.

Jennifer Love Hewitt (Julie James)

Jennifer Love Hewitt es una de las actrices más queridas de su quinta. Tras el éxito de Sé lo que hicisteis el último verano, la tejana demostró que era mucho más que una estrella para teens. Su papel como Melinda Gordon en Entre fantasmas le permitió explorar un registro diferente, interpretando durante cinco temporadas a una mujer capaz de comunicarse con los espíritus de los muertos, un fenómeno televisivo que la llevó a trabajos más maduros como The Client List, donde ya mostraba una faceta más adulta y alejada de su imagen juvenil. Recientemente, su participación en 9-1-1, una serie sobre emergencias, ha certificado que es una cara que se resiste a abandonar su puesto en la televisión contemporánea.

Sarah Michelle Gellar (Helen Shivers)

Sarah Michelle Gellar es probablemente quien más haya trascendido además de su papel en Sé lo que hicisteis el último verano, convirtiéndose en un icono del género gracias a la pizpireta Buffy, la cazavampiros. Su heroína adolescente, que luchaba semana a semana contra las fuerzas del mal, moldeó todo lo que podía dar una protagonista femenina en el terror y la fantasía, lo que la llevó a una transición al cine con proyectos ambiciosos como Crueles Intenciones o Southland Tales. En los últimos años ha vuelto a la televisión con The Crazy Ones, junto a Robin Williams, con quien mostró su habilidad para la comedia, y de ahí ha estado mantenido una presencia constante en el mundo de las series, donde, tras Wolf Pack ahora volverá a meterse en el papel de Buffy Summers.

Ryan Phillippe (Barry Cox)

Ryan Phillippe tuvo un crecimiento como actor muy destacable tras su colaboración con Paul Haggis en Crash, aquella controvertida ganadora del Óscar a mejor película que exploraba las complejidades raciales y sociales de Los Ángeles. Después pasó nada menos que a trabajar con Clint Eastwood en Banderas de nuestros padres, en la que mostró una capacidad dramática que le llevaría a otros muchos papeles. En los últimos años, la televisión ha sido su espacio de confort en proyectos como Shooter, donde interpreta a un francotirador retirado que se ve envuelto en una conspiración gubernamental, también ha regresado al terror, aunque triunfa actualmente en la serie Motorheads: Amantes de la velocidad.

Freddie Prinze Jr. (Ray Bronson)

Freddie Prinze Jr. se convirtió en el novio ideal de América a finales de los noventa y principios de los 2000, protagonizando algunas de las comedias románticas más recordadas de la época. Su química con Rachael Leigh Cook en Alguien como tú convirtió su enredo amoroso en un éxito que se mantuvo tres semanas de número uno en la taquilla norteamericana. Su matrimonio con Sarah Michelle Gellar ha llevado a la pareja a ser una de las más queridas y estables de Hollywood, quizá por repetir juntos en Scooby-Doo o por su decisión de priorizar la vida familiar sobre sus carreras. Actualmente su pasión es el doblaje, prestando su voz a personajes en series animadas como Star Wars Rebels, donde interpreta a Kanan Jarrus, aunque también es activo en la producción.

Johnny Galecki (Max Neurick)

Aunque Johnny Galecki tenía un papel bastante secundario en Sé lo que hicisteis el último verano, su carrera posterior ha convertido su casi cameo en una aparición estelar en retrospectiva. Tenemos nada menos que a Leonard Hofstadter de The Big Bang Theory, uno de los actores de televisión mejor pagados del mundo, enamorado de Julie. Su papel en la célebre comedia ayudó a convertirla en una de las sitcoms de más éxito de la historia, pero antes, Galecki ya había demostrado su talento en Roseanne, donde interpretó al novio de Darlene durante varias temporadas, incluidas las del exitoso revival de la serie, Los Conner.

Anne Heche (Missy Egan)

La trayectoria de Anne Heche estuvo marcada por su presencia particular—menuda y con pelo corto—, diferente al típico canon, que la distinguió en Donnie Brasco junto a Al Pacino y Johnny Depp, demostrando su capacidad para sostener escenas junto a algunos de los actores más respetados de Hollywood. Su cénit estuvo en Seis días y Siete noches, en la que su química con Harrison Ford carburaba una de las comedias de aventuras más populares de los noventa. Después, su participación en series como Chicago P.D. la convirtieron en una presencia común en la televisión contemporánea, aunque brilló como madre de Dahmer en la estupenda Mi amigo Dahmer, antes de conocer un triste final en 2022, pese a que seguía trabajando en muchos proyectos.

Muse Watson (Ben Willis)

Nada sería lo mismo sin el aterrador pescador con impermeable amarillo y gancho como arma. Ben Willis es uno de los villanos más icónicos del slasher de los 90 y fue Muse Watson quien le puso su inconfundible rostro. El actor no se conformó con una sola aparición y regresó un año después en Aún sé lo que hicisteis el último verano, sin embargo, su carrera se extendió más allá del terror adolescente, siendo un rostro familiar de la televisión estadounidense, haciéndose inmortal en Prison Break, en la que interpretó, el veterano preso conocido como D.B. Cooper. También apareció en muchos policíacos como NCIS, donde dio vida a Mike Franks.

Bridgette Wilson (Elsa Shivers)

Bridgette Wilson interpretó a Elsa Shivers, aunque ya había destacado antes de Sé lo que hicisteis el último verano con Mortal Kombat (1995), donde interpretó a Sonya Blade, uno de los personajes más populares del videojuego. Wilson continuó trabajando en Hollywood durante los primeros años 2000, participando en producciones como Riesgo Extremo junto a Matt LeBlanc, y Prohibido enamorarse (Shopgirl), con Steve Martin y Claire Danes. Luego fue reduciendo poco a poco su actividad profesional tras contraer matrimonio con el tenista Pete Sampras, priorizando su vida familiar sobre su carrera cinematográfica.

Rasool J'Han (Deb)

Aunque su aparición en Sé lo que hicisteis el último verano fue breve, Rasool J'Han destacó como Deb, uno de los personajes secundarios que se recuerdan por ser una de las pocas personas de raza negra en el reparto. J'Han se especializó en pequeños papeles durante los años 90 y 2000, logrando que sus personajes aportaran autenticidad pese a tener poco tiempo en pantalla. Aunque no se prodiga demasiado, ahora acaba de aparecer en la miniserie Generación 2009.

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La británica Andrea Arnold, directora de Fish Tank y Bird, ha sido reconocida por renovar el socialismo británico, y llevarlo a un lugar más empático, preciosista y pop. Pero también está detrás de series que igual ni te imaginas... En esta lista, te mostramos dónde poder encontrar, o no, las obras más representativas de una carrera que cumple 20 años de éxitos.

Wasp (2005)

Wasp es el corto por el que se llevó el Oscar ya la presentaba como la gran esperanza del nuevo cine social británico. Era el retrato de una madre soltera (Nathalie Press) con cuatro niños hambrientos a su cargo que intenta tener una cita con un hombre, dejándolos en un parking mientras acude a su romántico reencuentro. Como en sus otros dos cortos, Milk (1998) y Dog (2001), trata la vida en los márgenes de la sociedad británica, aunque sin caer en el miserabilismo, más bien aportando una nota de empatía y optimismo. 

Red Road (2006)

Red Road se llevó nada menos que el premio del jurado de Cannes por este primer largo concebido a partir de una ocurrencia de Lars Von Trier, el concepto Advance Party, según el cual tres realizadores debían llevar a cabo una película en un mismo paisaje, los arrabales de Glasgow, y a partir de una misma serie de personajes. Sólo se produjo Donkeys, de Morag McKinnon, después de la oscura y perturbadora ópera prima de Andrea Arnold, donde una vigilante de seguridad (Kate Dickie) se obsesiona con un hombre, relacionado con su traumático pasado, al que reconoce a través de las cámaras. 

Fish Tank (2009)

También premiado en Cannes, Fish Tank, el segundo largo de Andrea Arnold fue el que consolidó su estilo como una reconocible marca de fábrica que renovó un cierto realismo hasta la fecha capitalizado por figuras algo trasnochadas como Ken Loach. Aquí sigue los pasos de una adolescente rebelde (Katie Jarvis) del extrarradio de Essex, y la confronta al nuevo novio de su madre (Michael Fassbender, en la película que lo lanzó definitivamente) en una historia de rivalidad donde la crudeza social es rebajada con un cierto preciosismo en la fotografía y en las metáforas. 

Cumbres borrascosas (2011)

Arnold sorprendió con una adaptación de Cumbres borrascosas, el gran clásico de Emily Brönte que nada tenía que ver con sus precedentes, rompiendo con la acartonada idea de “película de época”, con un ojo puesto en Bresson y el otro en la cámara nerviosa de los Dardenne, y centrándose en los aspectos más esenciales de la obra. Es decir, la historia de amor imposible entre Cathy y un Heathcliff de color, amén de retratar las inclemencias de vivir, de nuevo, en la periferia de la sociedad, aunque esta vez en Yorkshire y a mediados del gélido siglo XIX. 

Transparent (2015-17)

Paralelamente al rodaje de American Honey, Andrea Arnold también hizo las Américas dirigiendo dos episodios de la segunda temporada de la serie creada por Joey Soloway para Amazon, concretamente Oscilate, el octavo, y el último, Grey Green Brown & Copper: fue la encargada de reunir a los tres hijos de la transexual Maura Pfefferman (Jeffrey Tambor) en uno de los momentos más epifánicos de Transparent, cuando aparecen bañándose en la piscina de la familia desestructurada. Salió tan bien que Arnold volvió a fichar con Solloway en los octavos episodios de la tercera y cuarta temporada. 

Mis experiencias sexuales con Dick (2016)

Arnold se reencontró con Solloway para dirigir la mitad de los ocho episodios de esta serie que la segunda había creado, junto a Sarah Gubbins, a partir de la novela autobiográfica de Chris Kraus, interpretada por Kathryn Hahn, que también venía de Transparent. En un polvoriento pueblo de Texas se forma un triángulo amoroso cuyos vértices son el marido de la susodicha (Griffin Dunne) y el escritor maldito (Kevin Bacon), a cuyo seminario se han inscrito. Entendida como un manifiesto feminista, Mis experiencias sexuales con Dick muestra sin tapujos cómo distintas mujeres lidian con su sexualidad. 

American Honey (2016)

El salto definitivo al cine indie americano fue American Honey, una road movie por la América profunda protagonizada por Shia LaBeouf, que se llevó otro premio del jurado en Cannes, aunque no fue tan bien recibida por la crítica. En parte por su duración, que se va a los 160 minutos, y también porque el estilo de Arnold queda diluido en esa iconografía americana de moteles de carretera vista en cientos de películas. Como en sus anteriores obras, los protagonistas vuelven a ser jóvenes desangelados entre los que la cámara se mueve como si fuera uno más de la pandilla. 

Big Little Lies (2019)

La serie protagonizada y producida por tres de las actrices más poderosas de Hollywood –Nicole Kidman, Reese Witherspoon y Laura Dern–, Big Little Lies, tuvo a Andrea Arnold tras la cámara a lo largo de toda una inesperada segunda temporada. David E. Kelley, su creador, se vio obligado, por aclamación popular, a prolongar las desventuras de estas mujeres suburbanas, tirando de material inédito de Liane Moriarty. No fue sin embargo una buena experiencia para Arnold, que vio cómo su trabajo fue adaptado, en la sala de montaje, al estilo de Jean-Marc Vallée, director de toda la primera temporada. 

Vaca (2022)

Quizás como reacción a sus decepcionantes experiencias en Hollywood, Arnold decidió volver a casa y rodar un documental sobre una Vaca de granja industrializada, contado en primera persona. Explotada, exprimida hasta la última gota por un sistema que escapa a su comprensión, Luma es una anti-heroína más en el universo femenino de Arnold. En su mirada melancólica, se refleja todo el universo de la directora, siempre a favor de los oprimidos, acariciándolos con su lírica visual salpicada de canciones bonitas y momentos de gran ternura.  

Bird (2024)

Arnold volvió a centrarse en una adolescente del más precario extrarradio, encarnada por la debutante Nykiya Adams, que tiene como díscolo padre a un Barry Keoghan cubierto de tatuajes y empeñado en sacar el máximo rendimiento económico de las babas lisérgicas de un sapo. En ese mundo precario, hace su aparición, cual ángel o amigo imaginario, Bird, un hombre pájaro interpretado por el ubicuo Franz Rogowski. De nuevo, lo que podría ser un deprimente realismo social, se tiñe, en busca de la epifanía, de un cierta lírica gracias a la cuidada fotografía o a canciones como el hit de Fountaines D.C..

¿Dónde puedo ver más películas y series de Andrea Arnold?

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A veces uno se encariña mucho con una serie y, de repente, la cadena que la emite decide cancelarla para sorpresa de todos sus fans. Aunque puedas pensar que siempre tiene que ver con sus datos de audiencia, no siempre es así: hay multitud de razones por las que una serie es cancelada, algunas bastante sorprendentes.

En esta guía hemos recopilado 10 casos de buenas series que se cancelaron muy pronto después de su emisión, además de las plataformas de streaming donde las puedes encontrar.

Twin Peaks (1990)

Se trata de una de las mejores series de todos los tiempos, creada por David Lynch y cancelada por su caída en los datos de audiencia después de que se resolviese el misterio de la trama principal. 2 temporadas y 30 capítulos es lo que duró Twin Peaks en la ABC. La trama nos cuenta cómo un agente del FBI llega a la pequeña localidad montañosa de Twin Peaks para investigar el asesinato de una joven. A medida que comienza a interrogar a todos los habitantes de la zona, se dará cuenta de que la mayoría de ellos esconden oscuros secretos.

En 2017, Showtime lanzó Twin Peaks: The Return, 18 episodios que continúan la historia original 25 años después y que la crítica catalogó como una obra maestra.

Hannibal (2013)

Muchas películas y series han llevado al personaje del Dr. Hannibal Lecter a la pantalla. Este personaje creado por el novelista Thomas Harris, ha sido interpretado principalmente por Anthony Hopkins en el cine y por Mads Mikkelsen en la serie Hannibal.

En relación a esta última, la NBC decidió cancelarla después de tres temporadas por sus bajos datos de audiencia, a pesar de que la prensa especializada la alababa. 

La historia cuenta cómo un analista del FBI, que tiene la capacidad de empatizar con asesinos y psicópatas, recurre a la ayuda del psiquiatra Hannibal Lecter para intentar comprender la mente compleja del asesino en serie que persigue.

Deadwood (2004)

Muchos se tiraron de los pelos cuando HBO decidió no renovar Deadwood por razones presupuestarias. Una decisión que cuesta más entender si nos atenemos a las buenas críticas que cosechó la ficción y a la retahíla de premios que logró con sus 3 temporadas y 36 episodios.

La historia se ambienta en el último cuarto del siglo XIX de los Estados Unidos, justo en la época de la fiebre del oro, mostrando las luchas por el poder de un grupo de personas muy heterogéneo.

Veronica Mars (2004)

El caso de Veronica Mars es muy similar a los descritos anteriormente: una serie con una base de fans muy leal, buenas críticas, bastantes premios… Pero insuficiente para que The CW Network le diera una cuarta temporada. La ficción protagonizada por Kristen Bell nos dejó 3 entregas y 72 episodios. La trama se sitúa en Neptune, una lujosa zona de California, donde los ricos y poderosos son los que imponen las reglas. Sin embargo, Veronica Mars, una joven y perspicaz detective, está decidida a resolver sus más oscuros misterios.

Los fanáticos de la serie financiaron a través de Kickstarter la película Veronica Mars, recaudando más de 5 millones de dólares.

Mindhunter (2017)

Igual de sorpresiva fue la cancelación de Mindhunter por parte de Netflix, que pausó la serie por los altos costes de producción y otros proyectos más prioritarios para David Fincher, quien estuvo involucrado en la dirección de muchos de los episodios de la serie.

En Mindhunter se profundiza en los comienzos de los análisis de perfiles criminales en el FBI, con una propuesta más anclada en el plano psicológico. La serie es una adaptación del libro Mind Hunter: Inside FBI’s Elite Serial Crime Unit, obra de Mark Olshaker y John E. Douglas. 

Roma (2005)

La serie Roma logró combinar con habilidad la seriedad de la época y los hechos históricos reflejados con el lado más superficial y comercial propio de este tipo de producciones. Sus dos temporadas arrasaron en los premios técnicos de los Emmy, pero empujaron a la HBO a cancelarla debido a los altos costos de producción (los primeros 12 episodios costaron 100 millones de dólares).

Su trama se sitúa medio siglo antes del nacimiento de Cristo, momento en el que Roma se erige como la ciudad más importante y poderosa del mundo, y donde el régimen político es la República.

El exorcista (2016)

Si bien Fox aguantó la emisión El exorcista durante dos temporadas y 20 episodios, luego decidió cancelarla debido a los bajos datos de audiencia. La crítica, eso sí, la alabó, y los fans de la historia original apreciaron la expansión del universo de la película.

La serie sigue a dos hombres muy diferentes que tratan de poner fin a la posesión demoníaca que está atormentando a una familia. Está creada por Jeremy Slater, quien también desarrolló Caballero Luna para Disney+.

Glow (2017)

Seguimos con las series de éxito que sufrieron cancelaciones con Glow, la producción distribuida por Netflix que emitió 3 temporadas y 30 episodios antes de que la plataforma de streaming la sacase de circulación. ¿El motivo? Complicaciones logísticas derivadas de la pandemia.

La serie logró varias nominaciones a los Premios Emmy, casi todas para Betty Gilpin, que dejó un gran sabor de boca por su interpretación del personaje Debbie Eagan. 

Glow retrata como en la ciudad de Los Ángeles, en los años 80, un grupo de chicas se terminan convirtiendo en luchadoras populares.

The Get Down (2016)

Solo 11 episodios se sostuvo The Get Down antes de que Netflix decidiese cortarla de raíz ante su presupuesto descontrolado y sus grandes problemas de producción. En la serie se muestra la ciudad de Nueva York a finales de los años 70, con una gran decadencia y problemas económicos. En ese contexto, un grupo de jóvenes, a través de los bailes callejeros y el breakdance, encontrarán una forma de expresarse que cambiará sus vidas para siempre.

La única temporada de la serie está dividida en dos partes.

Sense8 (2015)

Netflix tiene un largo historial de series canceladas como has podido comprobar, así que no podíamos cerrar esta lista de éxitos efímeros sin nombrar a Sense8, otra de las ficciones que el gigante del streaming decidió cortar antes de tiempo. En este caso, la compañía canceló la serie creada por las hermanas Wachowski (responsables de la saga Matrix) por los altos costes de producción, a pesar de la buena recepción por parte de público y crítica especializada.

La historia narra la vida de ocho personas de distintas partes del planeta que, después de una trágica muerte, se encuentran conectados mental y emocionalmente.

¿Dónde puedo ver online estas 10 series que cancelaron muy pronto?

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Aunque muchos asocian los largometrajes de anime con películas más enfocadas en las temáticas de acción y de comedia, lo cierto es que existen muchos títulos más emocionales y tristes que pueden hacerte llorar con sus tramas.

Para que puedas comprobarlo de primera mano, en Justwatch hemos recopilado en esta guía las 10 películas de anime más tristes que te romperán el corazón después de verlas (te recomendamos verlas con unos pañuelos cerca).

La tumba de las luciérnagas (1988)

La factoría japonesa Ghibli nos ha dado obras de arte como La tumba de las luciérnagas, un film que a pesar del tiempo que ha pasado desde su estreno, continúa siendo uno de los más emocionales del mundo del anime.

Su trama nos sitúa en la Segunda Guerra Mundial, con dos chicos que son hijos de un oficial de la marina japonesa y viven en Kobe. Un día, en medio de un bombardeo, ambos no llegan al búnker donde los espera su madre, a la que luego encuentran herida en la escuela, que se ha convertido en un hospital improvisado.

Colorful (2010)

La historia que nos trae Colorful comienza cuando un alma llega al purgatorio. En ese instante, un niño le da la bienvenida y le anuncia que tendrá una última oportunidad de limpiar sus pecados y convertirse, de esa manera, en uno de los resucitados. Para lograr eliminar estos pecados, deberá reencarnarse en un joven de 14 años que se había suicidado, y entender los motivos que le llevaron a hacerlo. 

El largometraje se basa en la novela homónima de Mori Eto.

Quiero comerme tu páncreas (2018)

Pocos títulos más llamativos que el de la película Quiero comerme tu páncreas, que aunque pueda parecer propio de una película de zombies, lo cierto es que trata sobre una historia de amor. En ella, un introvertido estudiante de secundaria encuentra un libro en el hospital que resulta ser el diario de una compañera de clase que sufre una enfermedad degenerativa en su páncreas.

A medida que pasan tiempo juntos, y él comienza a entender las penurias que ella pasa, entre ambos irá surgiendo una amistad muy especial.

Millennium Actress (2002)

La historia que nos cuentan en Millennium Actress trata sobre una mujer que treinta años atrás fue la estrella más famosa del cine japonés. Sin embargo, desapareció sin saberse muy bien por qué. Años más tarde, uno de sus grandes admiradores, que además es realizador de documentales, viaja hasta el refugio de montaña en el que vive para entrevistarla y hacerle las preguntas que siempre quiso.

El creador de la película es Satoshi Kon, quien ha realizado otros títulos de anime en su filmografía como Tokyo Godfathers o Paranoia Agent.

5 centímetros por segundo (2007)

Otro de los nombres propios del anime en Japón es Makoto Shinkai, creador de 5 centímetros por segundo, una película para hincharse a llorar como si no hubiese un mañana. El film nos cuenta la historia de Takaki Tono y Akari Shinohara, un chico y una chica que tras graduarse de la escuela primaria, emprenden caminos diferentes a pesar del amor mutuo que sentían. Hasta que un día Tataki decide ir a ver Akari en medio de una tormenta de nieve.

La película se separa en 3 historias: Extracto de Flor de Cerezo, Cosmonauta y 5 centímetros por segundo.

A Silent Voice (2016)

El film de anime A Silent Voice es la adaptación del manga homónimo escrito e ilustrado por Kensuke Ushio. La película estuvo nominada como mejor largometraje de animación en el Festival de Sitges de 2017. La trama gira en torno a una estudiante de primaria que tiene sordera y que, tras cambiarse de escuela, comienza a sufrir acoso escolar por parte de sus nuevos compañeros, entre los que está Ishida. Años después, Ishida busca la redención de sus malos actos.

El jardín de las palabras (2013)

En el caso de El jardín de las palabras no hablamos de un largometraje, sino de un mediometraje, ya que el film tiene una duración de 46 minutos. La trama de la película tiene lugar durante la temporada de lluvias en Japón, en el mes de junio. Ahí un aprendiz de zapatero de nombre Takao se encuentra dibujando zapatos en un jardín cuando conoce a una mujer mayor que él. Tras ese primer encuentro, ambos seguirán reuniéndose y fortaleciendo su relación a medida que pase el tiempo.

Your Name (2016)

Otros de los films de anime destacados de los últimos años, premiado en el Festival de Sitges y en la gala de los Premios de la Academia Japonesa, es Your Name, creado por Makoto Shinkai (también responsable de 5 centímetros por segundo).

En este anime romántico, Taki y Mitsuha descubren un día que durante el sueño se han intercambiado sus cuerpos. Lo que comienza siendo un contexto raro y molesto, termina generando entre ambos un vínculo que poco a poco se convierte en amor.

En el bosque de la luz de las luciérnagas (2011)

Obra de Takahiro Omori (Samurai Flamenco), En el bosque de la luz de las luciérnagas centra su historia en Hotaru, una chica que se pierde en un bosque en el que, según cuentan, habitan muchos fantasmas. Entonces se le aparece Gin, un joven que la embauca con su mirada pero al que ella no se atreve a tocar por miedo a que pueda desaparecer.

En el bosque de la luz de las luciérnagas se basa en el manga creado por Yuki Midorikawa Hacia el bosque de las luciérnagas.

El cuento de la princesa Kaguya (2013)

Cerramos la lista con otra de las películas de anime destacadas producida por Studio Ghibli (estuvo nominada al Óscar como mejor largometraje de animación) que se basa en el cuento El cuento del cortador de bambú, aunque se tituló El cuento de la princesa Kaguya. La historia cuenta cómo una pareja de ancianos campesinos encuentran a una niña en medio de unas cañas de bambú y deciden adoptarla. Con el paso de los años, se convertirá en una mujer hermosa pretendida por los hombres más poderosos del lugar.

El creador de El cuento de la princesa Kaguya es el mismo que el de La tumba de las luciérnagas: Isao Takahata.

¿Dónde puedo encontrar online estas 10 películas de anime tristes?

En la lista que te compartimos abajo, aparecen todas las películas de anime que te mencionamos anteriormente, así como las plataformas online en las que puedes encontrarlas. 

Adorado en festivales de cine internacional como el de Cannes y el de Locarno, el director español Albert Serra ha alcanzado su pico más alto de polémica con el estreno del documental Tardes de Soledad, centrado en la tauromaquia y, en concreto, en el torero peruano Andrés Roca Rey.

Pero las ficciones marcianas que alimentan la filmografía de Albert Serra, muchas de ellas de corte histórico, también han dejado con la boca abierta a los espectadores y a los críticos de cine, incluso a los más acostumbrados a ver cine experimental. En esta lista repasamos sus siete mejores películas, ordenadas de mejor a peor.

La muerte de Luis XIV (2016)

Drama histórico de escenario único. La muerte de Luis XIV es uno de los hitos experimentales de Albert Serra. Esta obra tan conceptual, en torno a la predominancia de muerte en nuestras vidas, nos recuerda que el cineasta es además artista, de los que exponen obras audiovisuales en museos. La película, de financiación francesa, muestra la lenta agonía del rey más grande de la historia del país galo, que aparece en esta ficción (aunque sea fiel a los hechos históricos) rodeado de sus más fieles súbditos mientras se encuentra postrado en su cama del palacio de Versalle

Tardes de soledad (2025)

Cuando parecía que Albert Serra ya no podía dar más que hablar, lo consiguió más que nunca. Este retrato de un torero en activo, el peruano Andrés Roca Rey, no es necesariamente un alegato taurino ni tampoco animalista. Trades de soledad explota dos de los códigos esenciales de esta tradición, que son el misterio y el profundo sentido de la estética, y también intenta reivindicar el pundonor animal. La película documental se llevó la Concha de Oro, el máximo galardón del festival de cine de San Sebastián. Se trata de algo poco común para las propuestas de no ficción.

Honor de cavalleria (2006)

Esta versión libérrima de El Quijote de Miguel de Cervantes recurre a actores no profesionales y también a actores conocidos por el público objetivo de Albert Serra, ya que suelen intervenir en varios de sus trabajos. 

En Honor de cavalleria aparecen el cantante y actor Albert Pla, además de Lluís Carbó y Lluís Serrat, que desde esta película se convirtieron en rostros habituales de las obras de Albert Serra. Es una de sus películas más marcianas. Y eso es decir mucho, teniendo en cuenta lo experimental de su cine. No intenta ser un relato histórico, sino crear sensaciones en el espectador a partir de datos conocidos.

Pacifiction (2023)

Pacifiction gustó mucho en el festival de cine de Cannes. Y, esta vez, cuenta con una estrella liderando el reparto: el francés Benoit Magimel. Aunque sigue siendo fiel a sus formas, Albert Serra explora aquí un arco narrativo algo más convencional, un político, un rumor y una intriga que construyen la tensión del relato.

En la isla de Tahití, en la Polinesia Francesa, el Alto Comisario de la República es un hombre que parece tener todo bajo control, con mano férrea pero amable. Se mueve igual de bien entre el poder como en los bajos fondos, lo que le permite tener muy bien tomado el pulso al territorio.

Historia de mi muerte (2013)

Durante dos horas y media, Historia de mi muerte construye con una sucesión de escenas aparentemente cotidianas la transición entre el siglo XVIII, el del racionalismo, la sensualidad, y el principio del siglo XIX, la época del romanticismo, el oscurantismo y la violencia. Albert Serra recurre a dos famosas figuras para personificar ambos mundos: Casanova y Drácula.

En una Francia hedonista, ilustrada y corrupta, un marqués vive en un pequeño pueblo rodeado de bosques. Es conocido por sus espectaculares conquistas sexuales. Sin embargo, con la llegada de un conde, la atmósfera se torna oscura y opresiva hasta provocar un extraño final.

Liberté (2019)

Otro icono del cine europeo, el galán austriaco Helmut Berger, se enrola en uno de los marcianos dramas históricos de Albert Serra, Liberté. Esta vez, el relato se sitúa en el siglo XVIII, muy poco antes de la Revolución Francesa. Entre Potsdam y Berlín, una serie de personajes exploran el libertinaje en Alemania en un relato que no se apoya en un conflicto narrativo claro. Son Madame de Dumeval, el Conde de Tesis y el Duque de Wand. Buscan un lugar seguro donde continuar sus prácticas licenciosas. Y fijan su mirada en un grupo de novicias y su convento.

El canto de los pájaros (2008)

El cine de Albert Serra suele ser muy exigente con el espectador, y esta recreación bíblica de la llegada de los Reyes Magos, en la que el director solo usó luz natural, es una de las más pide la atención de la audiencia. O, al menos, que tenga sus sentidos completamente abiertos a la poética del director durante la más de hora y media que dura El canto de los pájaros. Una selección de imágenes desordenadas dan lugar a un mensaje que no es precisamente aleatorio y que ata el cielo y la tierra a la existencia humana, la más mundana y también la más espiritual. Pero, hay que reconocer que su estructura está más cercana al videoarte que a los relatos que generalmente nos han contado de este pasaje bíblico.

Dónde ver las mejores películas de Albert Serra

Aunque es un cineasta de lo más alternativo, hay plataformas de streaming que programan las películas de Albert Serra. Te mostramos un listado con sus mejores largometrajes.