Les anime ont cette force de pouvoir extrapoler les émotions, alors quand il y a de la romance dans le lot, c’est difficile de ne pas s’attacher. Un regard, des joues qui rougissent, une voix hésitante, tout est là pour nous faire flancher avec les protagonistes.

Loin de se limiter aux clichés adolescents, ces récits explorent aussi bien le deuil, l’amitié et la résilience que la passion. Certains font rire, d’autres brisent le cœur, mais tous rappellent la beauté de tomber amoureux.

Voici notre sélection JustWatch des 15 meilleurs anime de romance, entre classiques intemporels et pépites récentes qui redéfinissent le genre.

15. Toradora! (2008-2009)

Toradora! (25 épisodes) est un pilier de la comédie romantique. Ryuuji, au regard intimidant, mais au grand cœur, et Taiga, petite tornade imprévisible, concluent un pacte pour aider l’autre à séduire son crush. Ce qui commence comme un stratagème vire à une romance sincère et chaotique.

L’équilibre parfait entre humour et émotion en fait une référence. Idéal pour ceux qui veulent une romance drôle, mais touchante. Sa quinzième place dans ce classement risque de faire grincer des dents tant cet anime est populaire, mais s’il fait toujours partie des meilleurs et qu’il est difficile de lui trouver un défaut, il ne m’est pas vraiment resté en tête après son visionnage… Si vous avez aimé Lovely Complex (2007), vous y retrouverez le même mélange de comédie et de tendresse.

14. Je veux manger ton pancréas (2018)

Sorti en 2018 (1h48), Je veux manger ton pancréas est un film bouleversant. Le récit suit une lycéenne atteinte d’une maladie incurable, déterminée à vivre pleinement le peu de temps qui lui reste, et un camarade de classe réservé qui, malgré lui, devient son confident. Leur relation, construite sur des instants simples – des promenades, des conversations apparemment banales, des silences partagés – se transforme en un lien profond qui change à jamais leur façon de voir la vie.

Ce qui rend le film unique, c’est son équilibre entre mélancolie et joie de vivre. Plutôt que de se contenter d’arracher des larmes, il met en avant la beauté de l’instant présent et l’importance des rencontres. On y retrouve beaucoup de beauté dans la tristesse, et c’est une qualité qu’on retrouve dans Your Lie in April (2014). 

13. Nana (2006-2007)

Avec 47 épisodes, Nana explore les amours passionnés et destructeurs. L’histoire suit deux jeunes femmes partageant le même prénom mais menant des vies radicalement opposées. La première, Nana Osaki, est une chanteuse punk déterminée à réussir dans le monde de la musique, animée par une force brute et une volonté farouche. La seconde, Nana Komatsu, plus naïve et rêveuse, cherche avant tout la stabilité amoureuse et la chaleur d’un foyer. Leur rencontre les amène à partager un appartement à Tokyo, où leur amitié se développe.

Nana est une œuvre réaliste, sans fard, qui montre la beauté comme la cruauté des relations. Ces dernières peuvent être belles, toxiques, douloureuses, intenses et parfois tout en même temps. Parfaite pour ceux qui veulent une romance adulte. Si vous avez aimé Beck (2004-2005) ou Kids on the Slope (2012), vous retrouverez ce même réalisme.

12. Les Carnets de l’apothicaire (2023-)

Les Carnets de l’apothicaire (Kusuriya no Hitorigoto) (24 épisodes) propose une romance subtile au cœur d’une fresque historique. Maomao, apothicaire vive et rusée, est entraînée dans les intrigues du palais impérial. Sa complicité grandissante avec Jinshi, haut fonctionnaire charismatique, apporte une tension romantique au milieu des mystères.

Ce qui rend la série unique, c’est l’équilibre entre enquêtes, humour et nuances sentimentales. À conseiller à ceux qui aiment les intrigues raffinées et les romances lentes. Si Snow White with the Red Hair (2015-2016) ou Moribito (2007) vous ont séduit, vous serez emballés. 

11. Rascal Does Not Dream of Bunny Girl Senpai (2018)

Avec 13 épisodes et un film, Rascal Does Not Dream of Bunny Girl Senpai réussit à mélanger romance, fantastique et drame psychologique d’une manière singulière. L’histoire suit Sakuta, un lycéen au franc-parler un peu désabusé, qui croise Mai, une actrice célèbre touchée par un mystérieux « syndrome de la puberté » qui la rend invisible aux yeux des autres. Ce point de départ étrange sert à explorer des thèmes bien réels : l’isolement, la difficulté d’exister aux yeux du monde et l’impact des émotions adolescentes. Leur relation, née dans ce cadre décalé, se développe pourtant avec une sincérité surprenante et gagne rapidement en intensité.

Ce qui rend l’anime marquant, c’est la qualité de son écriture : des dialogues percutants, parfois teintés de cynisme, contrebalancés par des moments de vulnérabilité et de tendresse. Idéal pour ceux qui aiment les romances originales et introspectives. Si vous avez apprécié Steins;Gate (2011-2015), vous y retrouverez cette même atmosphère. 

10. Kaguya-sama: Love is War (2019-2023)

Kaguya-sama: Love is War (37 épisodes) détourne la comédie romantique en champ de bataille psychologique. Kaguya et Miyuki, secrètement amoureux, refusent de se déclarer et transforment chaque interaction en duel absurde. L’humour domine, mais laisse place à des instants de tendresse inattendus.

Cette série est idéale pour celles et ceux qui aiment les romances inventives et stratégiques comme  My Teen Romantic Comedy SNAFU (2013-2023). Mais Kaguya-sama: Love is War gagne sa place dans ce classement car il assume tout ce qu’il est : drôle et absurde. Parfois, tout est exagéré, des situations aux jeux des acteurs/actrices vocaux (qui sont remarquables, soit dit en passant), et ça fait un bien fou ! 

9. 5 centimètres par seconde (2007)

Sorti en 2007 (1h03), 5 centimètres par seconde de Makoto Shinkai est une méditation sur le temps et la distance, un film qui nous retourne le cœur. Le long métrage se déploie en trois segments qui suivent Takaki et Akari, deux amis d’enfance que la vie sépare peu à peu. Chaque chapitre illustre une étape de leur relation, de l’innocence des premiers sentiments aux regrets de l’âge adulte. Loin des romances idéalisées, Shinkai choisit de montrer la manière dont les rêves se heurtent aux réalités du quotidien et comment les sentiments, aussi sincères soient-ils, peuvent s’effacer sous le poids du temps. La bande originale poignante renforce encore cette atmosphère de nostalgie.

Chaque silence, chaque plan fixe sur un paysage enneigé ou une gare vide traduit cette impossibilité de revenir en arrière. C’est une œuvre qui s’adresse aux spectateurs sensibles aux récits contemplatifs et mélancoliques, où l’émotion passe autant par l’image que par les mots. Si Your Name (2016) est un hymne à l’espoir, 5 centimètres par seconde est son pendant plus sombre.

8. BLOOM - Kaoru Hana wa Rin to Saku  (2025-)

Adapté du manga de BLOOM (12 épisodes) illustre la douceur d’une romance lycéenne. Kaoruko, discrète et réservée, croise la route de Rintarō, franc et bienveillant. Leur relation avance par petits gestes et maladresses, offrant un portrait réaliste des premiers émois.

C’est une série parfaite pour ceux qui cherchent une romance tendre et sincère, loin des excès dramatiques. Dans BLOOM, on retrouve tous les éléments d’un bon anime romantique : ambiance lycéenne, amour impossible à première vue, et beaucoup de tendresse et de timidité. Si vous avez aimé Toradora! (2008-2009) ou Skip and Loafer (2023), vous serez conquis.

7. The Ancient Magus Bride (2017-2023)

Avec 48 épisodes, The Ancient Magus Bride (Mahō Tsukai no Yome) propose une romance atypique teintée de fantasy. On y suit Chise, une jeune fille brisée par l’abandon et le rejet, qui est achetée aux enchères par Elias, un magicien à l’apparence inquiétante, à la fois mentor, protecteur et futur époux. Leur relation, troublante et ambiguë au départ, évolue lentement vers un lien d’attachement sincère, où chacun apprend à comprendre l’autre et à combler ses blessures.

Ce qui distingue l’anime, c’est son atmosphère poétique et sombre, où chaque créature et décor semble chargés de sens. Idéal pour ceux qui aiment les romances métaphoriques et les univers riches. Si Spice and Wolf (2008-2009) ou Vivy (2021) vous ont séduit, vous y retrouverez la même profondeur. 

6. Yuri!! On Ice (2016-2017)

Avec 12 épisodes, Yuri!! On Ice a marqué un tournant en 2016. Yuri Katsuki, patineur en perte de confiance, retrouve espoir grâce à Victor, son idole devenu coach. Leur relation évolue en une romance sincère, représentée sans détour ni cliché. L’anime brille par ses chorégraphies animées et son authenticité.

On ne peut être que séduit par la fluidité des chorégraphies de patinage, l’animation soignée et dynamique, mais aussi par l’authenticité avec laquelle on explore la confiance, l’amour et la redécouverte de soi.  C’est un récit inspirant pour ceux qui aiment voir le sport devenir miroir des émotions. Si vous avez apprécié Free! (2013-2018) ou Given (2020), c’est une évidence. 

5. My Dress-Up Darling (2022)

My Dress-Up Darling (12 épisodes) surprend par sa fraîcheur. Wakana, passionné de couture mais réservé, croise Marin, une camarade extravertie fascinée par le cosplay. Leur relation, drôle et sincère, célèbre l’acceptation de soi et le respect des différences. Contrairement aux romances dramatiques, l’anime privilégie la complicité, l’humour, et une certaine joie qui fait du bien. 

C’est une série parfaite pour celles et ceux qui cherchent une romance moderne, pétillante et positive. Si vous avez aimé Horimiya (2021) ou Toradora! (2008-2009), vous y retrouverez la même tendresse. Dans un autre registre, des comédies romantiques comme Love, Simon (2018) ou 10 bonnes raisons de te larguer (1999) rappellent cette joie de se découvrir à travers l’autre.

4. Your Name (2016)

Sorti en 2016 (1h52), Your Name de Makoto Shinkai a bouleversé le monde entier. Mitsuha, fille de campagne, et Taki, lycéen tokyoïte, échangent mystérieusement leur corps. Ce qui commence comme une comédie devient une réflexion poignante sur le destin, la mémoire et l’urgence de l’amour.

L’animation somptueuse et la bande-son de RADWIMPS renforcent cette ode à l’émotion universelle. C’est le film parfait pour qui aime les romances où le temps et l’espace deviennent des adversaires. Si 5 centimètres par seconde (2007) vous a ému, vous ressentirez cette même mélancolie teintée d’espoir. Les cinéphiles aimeront Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) qui partage cette idée d’un amour menacé par l’oubli.

3. Clannad (2007-2009)

Avec Clannad et Clannad: After Story (47 épisodes), on atteint une intensité émotionnelle rarement égalée. Tomoya, lycéen désabusé, rencontre Nagisa, une camarade fragile mais lumineuse. Leur histoire dépasse vite la romance scolaire pour devenir une fresque sur le passage à l’âge adulte, la vie de couple et la famille.

Ce qui distingue Clannad, c’est sa volonté de montrer l’amour dans la durée, avec ses joies comme ses drames. C’est une série qui fait pleurer, mais qui célèbre aussi la beauté du quotidien et la force des liens. À recommander à ceux qui veulent une romance réaliste, sans artifices. Si vous avez aimé March Comes in Like a Lion (2016-2018), vous y trouverez la même sincérité.

2. Fruits Basket (2019-2021)

Avec ses 63 épisodes, Fruits Basket reste un monument. Tohru Honda, lycéenne optimiste malgré les épreuves, découvre le secret de la famille Sôma, maudite par le zodiaque chinois. Derrière la romance, c’est une fresque sur la guérison, la résilience et la famille choisie. Chaque personnage, qu’il soit blessé, maladroit ou en colère, bénéficie d’un développement rare.

La romance agit comme fil conducteur, elle se développe lentement mais sûrement, à l’image de l’histoire qui prend son temps et nous permet d’admirer l’évolution de chaque personnage et de chaque intrigue. Le manga est incontournable et je ne peux que vous le conseiller, car il vous permettra de remarquer la qualité de cette adaptation. On y retrouve toute la complexité de l’histoire, sa douceur, mais aussi sa noirceur. Si vous avez aimé Orange (2016) ou Lovely Complex (2007), vous retrouverez ce même équilibre entre douceur et gravité. Fruits Basket aurait pu arriver en première position de cette liste, mais c’était sans compter… 

1. You Lie in April (2014-2015)

Your Lie in April (22 épisodes) est un incontournable du genre. Kōsei, pianiste prodige traumatisé par la mort de sa mère, rencontre Kaori, une violoniste pleine de vie qui bouleverse son univers figé. Derrière cette renaissance musicale se cache une tragédie inévitable, donnant à chaque performance une intensité unique. L’anime se distingue par sa mise en scène de la musique comme langage des émotions, transformant chaque note en déclaration d’amour.

C’est une œuvre qui plaira à celles et ceux qui aiment les romances tragiques et inspirantes, où la beauté côtoie la douleur. Si Your Lie in April est tout en haut de cette liste, c’est grâce à ce que cet anime arrive à nous faire ressentir : on passe de l’espoir à la tristesse en une fraction de seconde, on pleure, on rigole, et on se laisse embarquer par cette histoire qui nous brise le cœur et nous fait aimer la vie. La musique est magnifique, les dessins sont remplis de joie et de lumière, et les personnages font un peu partie de nous le temps de l’anime et encore après. Si vous avez aimé Anohana (2011) ou A Silent Voice (2016), vous y retrouverez la même sincérité. Et si vous aimez la musique, alors le film Blue Giant (2023) ne pourra que vous séduire. 

1984 a été une année riche en chefs-d’oeuvres et en classiques. Cette liste rassemble les meilleurs films sortis en 1984 qui ont marqué cette époque et continuent de captiver les cinéphiles du monde entier.

En 1984, le cinéma a offert une variété de genres et d'histoires inoubliables. "Ghostbusters" est devenu un phénomène culturel avec son mélange unique d'humour, d'action et de surnaturel, tandis que "Indiana Jones et le Temple Maudit" a ramené le célèbre aventurier sur grand écran avec son lot de péripéties exaltantes. "Karaté Kid" a conquis les cœurs avec son histoire inspirante d'un jeune garçon apprenant l'art du karaté. De son côté, "Footloose" a enflammé les écrans avec son ambiance rythmée et son message d'émancipation à travers la danse.

Les amateurs de science-fiction ont été transportés dans un futur dystopique avec "Terminator", tandis que "Le Flic de Beverly Hills" a offert une dose d'humour et d'action avec Eddie Murphy dans le rôle du flic intrépide Axel Foley.

Cette liste vous offre un aperçu des joyaux cinématographiques de 1984, une année qui a marqué l'histoire du cinéma. Que vous soyez nostalgique des classiques ou à la recherche de nouvelles découvertes, ces films sauront vous emporter dans un voyage cinématographique à travers la richesse et la diversité des films sortis en 1984, qui continuent de briller à travers le temps.

Découvrez une liste captivante des films basés sur l'intrigue intemporelle du Comte de Monte-Cristo, une histoire classique de vengeance, de trahison et de rédemption. Le personnage emblématique d'Edmond Dantès, créé par Alexandre Dumas, a fasciné des générations de spectateurs à travers le monde.

Au cœur de cette liste se trouve la mini-série "Le Comte de Monte-Cristo" réalisée par Denys de La Patellière en 1979, une adaptation encensée du roman classique de Dumas. Cette superbe œuvre télévisuelle met en scène Jacques Weber dans le rôle d'Edmond Dantès, le marin injustement emprisonné qui parvient à s'échapper et revient sous l'identité du mystérieux Comte de Monte-Cristo pour se venger de ses ennemis.

La mini-série de 1979 est une interprétation magistrale de l'intrigue complexe et palpitante du roman, capturant avec brio l'esprit de l'œuvre originale. Avec une attention minutieuse aux détails historiques et une distribution de talent, cette adaptation est devenue une référence incontournable pour les fans du Comte de Monte-Cristo.

Les adaptations du Comte de Monte-Cristo ont continué à travers les années, offrant des interprétations uniques et fascinantes de l'histoire. Que ce soit sous forme de drame historique ou de film d'aventure, chaque adaptation apporte une touche personnelle à cette saga intemporelle de justice et de rétribution.

En 2024, Alexandre de La Patellière, fils du réalisateur Denys de La Patellière, prend le relai avec Matthieu Delaporte pour réaliser une nouvelle adaptation du Comte de Monte-Cristo. Cette fois-ci, c’ests Pierre Niney qui incarne le héros Edmond Dantès, accompagné de Bastien Bouillon, Anaïs Demoustier, Anamaria Vartolomei ou encore Laurent Lafitte et Julien de Saint-Jean.

Plongez dans cette saga envoûtante de trahison et de rédemption avec cette sélection de films sur le Comte de Monte-Cristo. Suivez le périple du Comte alors qu'il se bat pour retrouver sa véritable identité et se venger de ceux qui ont détruit sa vie. Laissez-vous emporter par les rebondissements dramatiques et les moments d'émotion qui font de cette histoire un classique intemporel du cinéma.

Les bonnes comédies deviennent facilement cultes grâce à leurs punchlines mémorables et les moments de rire qu’on a envie de raconter à nos amis. Asterix & Obelix : Mission Cléopâtre en est le parfait exemple, avec la looongue réplique d’Otis qui reste dans les pensées de tout le monde dès qu’on dit “c’est une bonne situation ?”. Mais plus récemment, nous avons eu le droit à de nombreuses nouvelles comédies qui pourraient bien aussi devenir cultes. Que vous soyez amateurs de comédies romantiques, d’humour absurde ou de comédies d’action, nous vous avons préparé une liste qui a pour but de vous faire rire, ou au moins vous faire esquisser un large sourire si vous vous sentez tristes. 

On a énormément rigolé devant Le Chat Potté 2 : la dernière quête, même si on a tout autant frissonné et versé notre larme. Drunk nous a fait ressentir toutes les émotions possibles, y compris un rire intense, joyeux et presque une sensation de camaraderie avec les personnages principaux. Albert Dupontel s’est servi avec brio de notre colère et notre envie de tout renverser pour nous faire rigoler dans Adieu les Cons et Les Banshees d’Inisherin a réussi a mêler drame et comédie hilarante grâce au génie de Martin Mcdonagh. 

Les années 2020 ont été riches en comédies qui ont souvent ajouter une part de tristesse à tout cela, contrastant avec l’humour. Parfois, certains films nous faisaient rire jaune comme Sans filtre face à l’opulence ridicule de l’extra-richesse.

Souriez, riez, rigolez, soyez de bonne humeur, et faites des blagues. Si vous n’y arrivez pas, regarder des films, et votre humeur changera, vous fera traverser les journées difficiles grâce à des bonnes tranches de rire.

La liste des films "Blair Witch" vous plongera dans un monde de mystère et de terreur, avec des histoires palpitantes qui défient l'explication rationnelle. La franchise "Blair Witch" est célèbre pour son approche innovante du genre found footage, qui donne aux films une atmosphère réaliste et immersive.

Au cœur de cette liste se trouve le film original, "Le Projet Blair Witch", sorti en 1999, qui a été un énorme succès au box-office et a marqué les esprits des spectateurs avec son style unique et ses scènes effrayantes. Le film suit un groupe de jeunes cinéastes qui se rendent dans la forêt de Black Hill pour enquêter sur une légende locale de sorcière, mais se retrouvent piégés dans un cauchemar terrifiant.

Les suites de "Blair Witch" continuent d'explorer l'univers sombre et inquiétant de la sorcière de Blair, avec des intrigues qui se déroulent après les événements du film original. Chaque film apporte de nouvelles révélations sur la malédiction qui hante les bois de Black Hill et pousse les personnages à affronter leurs peurs les plus profondes.

Que vous soyez fan de films d'horreur ou simplement curieux de découvrir l'univers mystérieux de la sorcière de Blair, cette liste de films vous offrira des frissons et des sursauts garantis. Préparez-vous à une expérience cinématographique palpitante et inoubliable, car la sorcière de Blair ne vous laissera pas indifférent. Plongez dans l'horreur avec cette série de films terrifiants qui vous tiendront en haleine jusqu'à la dernière scène.

Will Smith est une véritable icône hollywoodienne qui a su conquérir le coeur du public avec sa polyvalence, mais surtout avec son charisme et son humour dont il a fait preuve au début desa carrière. L’acteur est né le 25 septembre 1968 et a débuté à l’écran avec la série devenue culte “Le Prince de Bel-Air”. Depuis lors, il est devenu l’un des acteurs les plus célèbres et les mieux payés d’Hollywood. 

Sa filmographie comprend une grande variété de rôles, allant des comédies aux drames en passant par les films d’action. Cette liste de film que nous vous présentons ici compte mettre en évidence certaines de ses performances les pus mémorables. Des blockbusters à succèscomme “Men in Black” et “Independance Day” aux drames émouvants comme “A la recherche du bonheur” et “Sept vies”. Sans nul doute, vous serez captivés par le talent indéniable de Will Smith. 

Cette liste vous offre donc l’occasion de vous plonger dans ses films, jusqu’à l’apothéose de carrière, l’oscar du meilleur acteur pour La Méthode Williams.

La bataille de Stalingrad est l’une des plus marquantes de la deuxième guerre mondiale sur le front russe. Il s’agit en fait d’une succession de combats de juillet 1942 à février 1943 entre les forces de l’URSS et celles du Troisième Reich. Les pertes de cette bataille sont immenses, et sont estimées à environ 1 130 000 soldats soviétiques et 760 000 soldats allemands et leurs alliés. Malgré ces pertes, cette bataille impressionnante s’est soldée par l’une des plus grandes défaites de l’armée allemande de cette deuxième guerre mondiale. Face à cet événement aussi historique que spectaculaire, il était évident qu’Hollywood et le cinéma mondial allaient s’emparer de plusieurs récits épiques qui ont marqué cette bataille. 

Jean-Jacques Annaud, le réalisateur français, a réalisé Stalingrad avec Jude Law dans le rôle principal. Il prend le rôle de Vassili, un sniper soviétique qui élimine les soldats allemands un par un, affaiblissant leurs forces et leur moral. Dans le même temps, il devient un vrai héro national, boostant la motivation des troupes de l’URSS. Mais, un jour, il fait face à un rival aux talents effrayants : un sniper du nom de König. 

Côté Russe, on peut citer le film lui aussi intitulé Stalingrad, réalisé par Fedor Bondarchuk et sorti en 2014 en France. Ici, l’amour est mis à l’honneur au milieu de cette bataille si sanglante. L’amour pour une jeune fille que des soldats veulent protéger à tout prix face à un assaut allemand.

Deux films présentent le côté allemand, où l’enfer régnait tout autant que côté Russe. Le premier, qui s’appelle sans surprise Stalingrad, montre l’armée allemande et sa 6e armée s’engager en URSS avec objectif de s’emparer de Stalingrad. Ils ne s’attendaient pas à tomber sur une résistance soviétique aussi acharnée et un hiver aussi rude et meurtrier. Un autre film allemand montre les horreurs de cette bataille du point de vue du troisième Reich. Cette fois-ci, le nom est plus évocateur : “Chiens, à vous de crever”, réalisé par Frank Wisbar en 1959, et tourné comme une vive critique des plans mégalomanes d’Adolf Hitler. Les soldats sont privés d’armes et de vivres, font face à un général qui obéit aveuglément à Hitler, et découvrent toute l’horreur des ambitions du Führer. Dans cet enfer, trois soldats redécouvrent des valeurs humaines qui avaient disparu de leur vie.

Kim Woo-bin est l’une des étoiles montantes du cinéma sud-coréen. Il a commencé dans le monde du divertissement en tant que mannequin, avant de se tourner vers la comédie et le cinéma. Sa carrière d’acteur a connu un succès fulgurant, et il s’est rapidement imposé comme l’un des acteurs les plus demandés de l’industrie du cinéma sud-coréen. 

Il a joué dans une multitude de films et séries à succès. Dès 2012, on a pu le voir à l’écran dans A Gentleman’s Dignity, et dans School 2013 l’année suivante. La même année il perce l’écran dans la très connu série The Heirs. Mais il s’est aussi fait sa place au cinéma dans Twenty en 2015 ou Alienoid en 2022. 

A travers cette liste, nous essayons de montre la carriète encore jeune de Kim Woo-bin, qui ne cesse de cumuler les succès en Corée du Sud et ailleurs.

C’est le moment de déployer le tapis rouge, et entrer dans un monde de strass, de paillettes et de glamour, mais surtout de bon cinéma avec les vainqueurs des Oscars 2023. La 95e cérémonie des Oscars a eu lieu le 13 mars au Dolby Theatre à Los Angeles avec le présentateur mondialement connu Kimmy Kimmel aux manettes de cette soirée. 

Le grand vainqueur de cette soirée est sans conteste “Everything Everywhere All at Once”, un film de science-fiction bizarre, fou, divertissant, avec des acteurs incroyables, mélangeant créativité débordante, absurdité et un scénario parfaitement écrit. Le film a été réalisé par Daniel Kwan et Daniel Scheinert (connus sous le nom des Daniels), et a dominé les catégories des Oscars les plus prestigieuses. Meilleur film, meilleur scénario, meilleur réalisateur, meilleure actrice et j’en passe. Michelle Yeoh est la première actrice asiatique à remporter l’Oscar de la Meilleure Actrice et marque ainsi l’histoire du cinéma. 

Cette cérémonie a aussi été celle des come-back. Celui de Brendan Fraser, d’abord, qui remporte l’Oscar du Meilleur Acteur grâce à sa formidable performance dans The Whale. Mais aussi le retour de Ke Huy Quan qui a ému la planète en remportant l’Oscar du Meilleur Acteur dans un second rôle pour “Everything Everywhere All at Once”. 

Cette 95e Cérémonie des Oscars a donc été remplie de rebondissements, de larmes de bonheurs et de discours émouvants. Sans plus attendre, voici la liste complète des vainqueurs des Oscars 2023.

Lee Min-ho est un des acteurs les plus populaires en Corée du Sud, et rayonne dans le monde entier, y compris en France. Il s’est d’abord fait connaître dans la série Boys Before Flowers en 2009. Rôle grâce auquel il a gagné le prix du meilleur nouvel acteur aux Baeksang Arts Awards. Depuis, il enchaîne les succès avec Personal Taste (2010), The Heirs (2013), Legend of the Blue Sea (2016) ou encore The King: Eternal Monarch (2020). Mais c’est dès 2011, avec la série City Hunter que Lee Min-ho est devenu très célèbre en France et s’est créé une véritable fan base dans l’hexagone. 

En 2015, il est sorti du petit écran pour jouer dans un film, Gangnam 1970, pour lequel il a gagné le prix de l’Acteur le plus populaire dans un film aux Baeksang Arts Awards.

En plus d’être acteur, il est aussi mannequin et devient l’un des trois ambassadeurs de la marque Louis Vuitton en 2021, aux côtés de Sophie Turner et Tahar Rahim

C’est donc un acteur à la portée internationale que nous présentons ici. Voici une liste des meilleurs dramas dans lesquels il a joué. 

Peter Pan est apparu pour la première fois dans le roman Le Petit Oiseau Blanc, écrit par l’auteur écossais J.M. Barrie en 1902. Il réapparaît dans la pièce Peter Pan, ou le garçon qui ne voulait pas grandir en 1904, qui est elle-même adaptée en roman en 1911. Depuis, le personnage a connu des dizaines d’adaptations sur tous les supports, en livre, au théâtre, à la télévision, au cinéma… 

Niveau 7e art, chaque adaptation a apporté sa propre touche à ce conte. Parmi les plus célèbres, on trouve le classique dessin animé de Disney, “Peter Pan” sorti en 1953, qui a charmé des générations entières. 

Mais ce n’est pas tout. Avec “Hook”, en 1991, le réalisateur Steven Spielberg nous plonge dans une suite où l’enfant qui sommeille en Peter Pan doit faire face à son passé et à ce qu’il est devenu. Spielberg nous offre ici une version moderne de l’histoire, nous rappelant que l’insouciance et l’esprit de liberté et d’aventure ne sont jamais bien loin, même quand on grandit. 

2023 était l’année de la dernière adaptation en date avec “Peter Pan et Wendy” qui devait explorer les facettes sombres de l’univers du pays imaginaire. Mais le film sorti sur Disney+ a été un véritable flop. 

Pour passer en les mailles du filet des mauvaises adaptations, voici une liste allant du meilleur film Peter Pan, au pire.

Louis Jouvet a tout fait. Il était comédien, metteur en scène, directeur de théâtre, et même professeur au Conservatoire national supérieur d’art dramatique. Il est mort en 1951, mais il est toujours une référence dans le monde de la comédie et du divertissement. 

Aujourd’hui considéré comme une légende du cinéma français, il a laissé une marque indélébile grâce à ses performances inégalées et à sa présence charismatique à l’écran. On le retrouve dans le mythique film Hôtel du Nord de 1938. On peut aussi citer Quai des Orfèvres (1947), un thriller policier de qualité dans lequel Louis Jouvet incarne le commissaire Antoine et montre toute l’étendu de sa maîtrise du jeu d’acteur.

En bref, ces quelques films ne sont qu’un aperçu de sa grande carrière artistique et de la contribution exceptionnelle de Louis Jouvet au cinéma français. Son style unique et sa présence magnétique ont conquis les cœurs du public de l’époque et d’aujourd’hui. Au XXIe siècle, son héritage continue d’inspirer les nouvelles générations d’acteurs et de cinéphile à travers l’hexagone. Cette liste présente les films dans lesquels Louis Jouvet a joué dans l’ordre de sortie, pour célébrer sa belle carrière et rendre hommage à ce qu’il a apporté au cinéma français.

Il est bien difficile de ce que pourrait être un espace liminal, c’est tout et rien en même temps. C’est un espace de transition entre deux lieux, un espace en dehors du temps, dans lequel on ne reste pas. Un purgatoire, clos, la plupart du temps, duquel une ambiance bien particulière, étrange, inquiétante même, se dégage. 

Ces espaces ont commencé à faire le buzz sur les réseaux sociaux, le hashtag #LiminalSpace comptant des centaines de milliers d’abonnés sur Twitter, et des millions de vues sur TikTok. Ce concept a été mis en avant par la période covid, qui était une période liminale géante, un moment d’attente entre deux moments.

Un bon exemple d’espace liminal au cinéma est The Truman Show, avec ses ascenseurs, ses lieux cachés et le fameux escalier à la toute fin, rendant tout le lieu du film, un espace liminal. The Shining est l’autre exemple parfait pour cette catégorie, puisque les couloirs, le labyrinthe ou tout espace de transition sont au centre de l’intrigue. 

Nous avons essayé d’établir une liste de film dans lesquels il y a ces espaces liminaux qui donnent une atmosphère très particulière au film en général.

Lee Jong-suk est l’un des acteurs sud coréens les plus populaires dans son pays et à travers le monde. Il était sous les projecteurs déjà en 2005, alors qu’il n’avait que 16 ans et était top-modèle pour la semaine de la mode de Séoul. Depuis, il a joué dans certains des dramas coréens les plus connus mondialement. 

Des histoires d’amour touchantes aux thrillers intenses, notre sélection comprend certains des dramas les plus emblématiques et acclamés par la critique de la carrière de Lee Jong-suk. Découvrez School 2013, série qui l’a propulsé vers la gloire, ou encore le drama tendre et émotionnelle de “Pinocchio” où il prend le rôle d’un jeune reporter en quête de justice et de vérité. Romances, ou thriller, Lee Jong-suk aime varier les rôles comme le prouve celui qu’il a obtenu pour la série W - Two Worlds, un drama fantastique et énigmatique qui brouille les frontières entre réalité et fiction.

On le retrouve aussi dans While You Were Sleeping ou Doctor Stranger, deux dramas dans lesquels il a eu l’occasion de montrer sa palette d’acteur. C’est donc une liste présentant les meilleurs dramas de l’acteur sud coréen, pour découvrir ce genre de séries coréennes.

Il n’y a pas grand-chose de plus captivant qu’un bon film d’arts martiaux. Les combats parfaitement et minutieusement chorégraphiés et synchronisés ne cessent de nous émerveiller tant ils peuvent paraître d’une violence intimidante tout en étant d’une grâce incroyable. 

Ces films sont une véritable démonstration d’acrobaties et de maîtrise de techniques d’arts martiaux, et c’est ce que nous essayons de laisser transparaître avec cette liste. Certains films sont devenus des classiques du genre, traversant les âges et continuant d’inspirer les passionnés d’arts martiaux et les cinéphiles.  “Opération Dragon” et “Tigre et Dragon” sont devenus des références du genre, ainsi que “La 36ème Chambre de Shaolin” et “Ip Man”. Ce dernier met en scène le légendaire Donnie Yen qui a récemment pu montrer tous ses talents dans “John Wick : Chapitre 4”, un film hautement influencé par les films de Kung Fu. 

Les films d’arts martiaux ont leurs piliers, ces acteurs experts en arts martiaux connus à travers le monde. On pense à Bruce Lee, Jackie Chan ou encore Jet Li, qui ont transporté ce genre cinématographique au sommet du 7e art. 

Les films les plus populaires sont sûrement les films de Kung Fu, et pourtant il y a des petites pépites mettant en scène d’autres arts martiaux, et d’autres pays. C’est le cas d’Ong Bak, film incroyable, captivant, violent, terriblement efficace qui présente la Boxe Thaï à la perfection. C’est le cas aussi des films The Raid, films indonésiens, au budget restreint qui arrivent à montrer l’art martial du pays, le Pencak silat à travers des scènes d’une violence inouïe, mais très bien chorégraphiées et filmées. Le classement ne serait pas complet sans Kill Bill, film occidental certes, mais qui fait briller le Kung Fu sous le talent de Quentin Tarantino et de l’actrice Uma Thurman.

Que vous soyez amateurs de films d’arts martiaux ou novice dans le genre, notre Top 25 de films d’arts martiaux vous fera découvrir l’art martial lors d’une aventure cinématographique inoubliable.

Bollywood est un monde vibrant, musical, coloré, magique, avec des performances envoutantes et un mélodrame qui ont fait du cinéma indien un phénomène mondial. Des classiques intemporels aux blockbuster contemporains, ces films ont conquis le coeur du public du monde entier. 

Bollywood est sans conteste la plus grande industrie cinématographique du monde,  et est réputée pour ses séquences musicales et ses danse captivantes, avec des récits émotionnels et des personnages hors du commun. Notre liste essaie de représenter ce cinéma aussi riche que varié avec des films emblématiques qui ont marqué l’histoire du cinéma indience.

Vivez l’expérience de la romance et du drame avec des films tels que “DDLJ” (Dilwale Dulhania Le Jayenge) et  "Kabhi Khushi Kabhie Gham", qui continuer à être chéris et aimés par toutes les générations. De même pour "Baahubali” et son action palpitante qui a établi de nouvelles normes pour le cinéma indien.

Nous vous avons alors préparé une liste des films de Bollywood a voir pour vous familiariser avec ce cinéma encore trop peu connu en France, et qui promet pourtant des heures de divertissement.

Découvrez les films cultes qui transcendent les âges et les générations pour captiver les spectateurs du monde entier. Lorsqu’un film sort au cinéma, on ne sait pas s’il deviendra culte. C’est la popularité du film à travers le temps, et sa cohérence à travers les époques qui lui confèrent ce statut. Mais certains ingrédients sont indispensables : un scénario parfaitement écrit, une cinématographie remarquable et des performances captivantes. Mais, estimer qu’une œuvre est culte n’est pas vraiment de l’ordre du rationnel, car certains films sont aimés par leur qualité, mais aussi et surtout pour leurs défauts. 

Il y a les films classiques : le genre de films pour lesquels on va dire qu’on les a déjà vus, même si ce n’est pas vrai, de peur d’être ridicule. C’est le cas pour “Forrest Gump”, “Le Cercle des poètes disparus”, ou “Casablanca”. Ces films sont généralement des références incontournables du cinéma mondial et ont influencé des générations de cinéastes. 

Plongez aussi dans l’univers hilarant des comédies cultes comme “Astérix & Obélix : Mission Cléopâtre”, “La Cité de la Peur”, “RRRrrr” et Dikkenek. Ces films inoubliables nous ont fait rire aux éclats et sont devenus des incontournables. Ce sont des films qu’on se retrouve à citer constamment en soirée, tant leurs punchlines sont drôles et mémorables. 

Explorez les mondes fantastiques grâce à des films qui nous ont fait rêver à l’instar de “Star Wars”, ou “2001 et l’Odyssée de l’espace” et ont réussi à nous captiver grâce à un univers bien à eux. 

Chaque film de cette liste a apporté sa propre contribution au cinéma français, hollywoodien et mondial, définissant des genres, lançant des tendances et inspirant des générations de cinéastes. Que vous soyez cinéphiles chevronné ou un simple novice dans le cinéma, chacun de ces films peuvent être vus et revus.

Entre mondes parallèles, réincarnations improbables et quêtes surprenantes, l’Isekai s’est imposé comme l’un des genres les plus marquants de l’animation japonaise. Chaque série transporte ses héros – et nous avec eux – dans un univers où tout est à recommencer, entre apprentissage, affrontements et renaissances.

Dans ces anime, ce recommencement est souvent perçu comme une deuxième chance : de faire mieux, de vivre plus intensément, de mieux réussir. Mais parfois, c’est plutôt une malédiction, un piège duquel on aimerait s’extirper.

Pour explorer tout cela, JustWatch vous propose un classement des meilleurs anime Isekai récents, qui ont marqué le public par leur intensité, leur humour ou leur univers foisonnant.

10. The Rising of the Shield Hero (2019)

The Rising of the Shield Hero (62 épisodes sur 4 saisons) suit Naofumi, projeté dans un monde dans lequel il est l’un des quatre héros légendaires. Mais ses capacités sont limitées et son armement réduit à un simple bouclier… Ce point de départ le plonge dans l’isolement alors qu’il ne peut compter que sur lui-même pour survivre. Là où Moi, quand je me réincarne en Slime (2018) respire la camaraderie et l’humour, Shield Hero s’attarde sur la douleur, la trahison et la lente quête de rédemption, en faisant un récit beaucoup plus âpre.

Cette approche en fait un Isekai singulier, qui n’hésite pas à confronter son héros à la haine et au rejet avant de le laisser reconstruire sa dignité. La série séduira autant les amateurs de récits sombres comme Berserk (1997) ou Claymore (2007) que ceux qui apprécient les arcs de rédemption douloureux à la manière de Tokyo Ghoul (2014) ou L’Attaque des Titans (2013). La saison 1 est tout ce qu’on attend d’un Isekai et prend son temps pour adapter le manga que lequel elle est basée. Cependant, les deuxième et troisième saisons vont bien trop vite, des personnages apparaissent sans que l’on sache qui ils sont vraiment, et l’histoire a de plus en plus de trous qui cassent le rythme de l’anime. Un conseil, arrêtez-vous à la première saison. 

9. Konosuba: Sois Béni Monde Merveilleux! (2016)

Konosuba (33 épisodes sur 3 saisons) est une parodie irrésistible du genre, qui préfère tourner en dérision les codes de l’Isekai plutôt que de les glorifier. Kazuma, mort de façon ridicule, renaît dans un monde de fantasy accompagné d’alliées aussi charmantes qu’incompétentes, chacune multipliant les gaffes au lieu de sauver la situation. Cette inversion des attentes transforme chaque quête en farce et chaque combat en sketch, un ton qui tranche radicalement avec le sérieux de Mushoku Tensei (2021) ou la noirceur de Re:ZERO -Starting Life in Another World (2016).

Loin des histoires sombres comme Shield Hero ou Overlord (2015), Konosuba dynamite le genre avec un humour absurde et des dialogues qui n’ont rien à envier à la folie comique de Gintama (2006). Comme One Punch Man (2015), il déconstruit son héros en le rendant ironique et désabusé, mais profondément attachant. C’est un Isekai comique qui rappelle aussi la fantaisie excentrique de The Devil is a Part-Timer! (2013) et qui prouve qu’on peut rire tout en s’attachant sincèrement à un groupe de personnages mémorables. Le reste du classement est moins drôle, mais plus marquant ! 

8. Grimgar : Le Monde des cendres et de fantaisie (2016)

Grimgar (12 épisodes) suit un groupe de jeunes sans mémoire projetés dans un monde inconnu, où la survie devient le seul objectif tangible. Les dessins semblent enfantins, et pourtant, il s’agit ici d’un anime où chaque pas, chaque combat maladroit et chaque perte marquent profondément les protagonistes, rappelant que l’Isekai peut aussi être une méditation sur la fragilité humaine.

Pour les amateurs d’Isekai poétiques et contemplatifs, on peut le rapprocher de L'Odyssée de Kino (2003) ou de Made in Abyss (2017), qui partagent cette même capacité à transformer la douleur et la beauté en un voyage introspectif. Ici, nous faisons face au problème opposé de celui rencontré avec Shield Hero : l’anime s’arrête trop tôt. Une saison et c’est fini, alors qu’on en redemande et que le sentiment d’une histoire totalement finie n’est pas vraiment là.

7. Overlord (2015)

Overlord (52 épisodes sur 4 saisons) suit Momonga, joueur prisonnier de son avatar de seigneur mort-vivant. Devenu Ainz Ooal Gown, il prend goût à son rôle et se lance dans une conquête implacable, où puissance et manipulation deviennent son quotidien. Overlord adopte un ton cynique et brutal, avec un anti-héros charismatique.

Batailles grandioses et humour noir font de cet anime une œuvre très divertissante à regarder, proche de Death Note pour ses jeux de pouvoir. Overlord s’impose comme l’Isekai de la toute-puissance corrompue, un récit hypnotique et dérangeant. Il complète parfaitement des récits plus lumineux comme Slime, mais séduira surtout ceux qui apprécient les ambiances oppressantes à la Berserk ou les intrigues stratégiques rappelant Code Geass (2006). Dans le même genre je ne peux que conseiller de regarder Sword Art Online (2012) où le personnage principal se retrouve lui aussi coincé dans un jeu vidéo. Cet anime avait fait sensation à sa sortie avec une première saison de haute qualité, mais s’est malheureusement essoufflé au fil du temps. 

6. No Game No Life (2014)

No Game No Life (12 épisodes) suit Sora et Shiro, deux prodiges du jeu vidéo transportés dans un monde où tout se décide par des compétitions. Leur talent intellectuel et leur complicité fraternelle deviennent les clés pour naviguer dans un univers flamboyant, où chaque défi est une nouvelle règle à inventer. L’esthétique ultra-colorée et le rythme effréné offrent un contraste total avec les tons graves et introspectifs de Mushoku Tensei ou Re:Zero, faisant de cette série un véritable feu d’artifice visuel et narratif.

No Game No Life privilégie la malice et l’ingéniosité, rappelant les duels stratégiques de Death Note (2006), mais avec la folie visuelle d’un Kill la Kill (2013). La série plaira aux amateurs de récits qui transforment chaque affrontement en spectacle d’intelligence et de créativité. Les personnages ne sont pourtant pas très profonds et leur développement est assez limité, mais le but ici est de divertir et de surprendre, en étant décalé, intelligent et parfois assez absurde. C’est logiquement que l’anime se place en sixième position alors que le reste du classement présente des titres qui marquent plus profondément. 

5. Moi, quand je me réincarne en Slime (2018)

Moi, quand je me réincarne en Slime (48 épisodes) raconte l’histoire de Satoru, un homme ordinaire qui renaît sous la forme inattendue d’un slime, une espèce de substance visqueuse. Ce point de départ volontairement absurde ouvre la voie à une aventure qui alterne humour et batailles spectaculaires. Peu à peu, ce héros improbable se transforme en bâtisseur d’un royaume où diplomatie et alliances comptent autant que la force brute. La série jongle entre moments légers et combats, offrant un équilibre qui séduit autant les novices que les spectateurs aguerris du genre.

Comparé aux deux anime suivants, Slime adopte une approche presque optimiste, misant sur la bienveillance et la stratégie. C’est un Isekai plus lumineux qui rappelle Fairy Tail (2009) ou One Piece (1999). C’est l’un des titres les plus accessibles de cette liste, mais son aspect grand public ne lui fait pas défaut. On en redemande, grâce à une histoire bien écrite, un ton rafraîchissant et une animation qui en met plein les yeux.

4. Re:ZERO -Starting Life in Another World (2016)

Re:Zero (50 épisodes) suit Subaru, propulsé dans un monde inconnu où il découvre qu’il revient systématiquement à la vie après chaque mort, le forçant à continuellement recommencer. Cette boucle infernale le confronte à des dilemmes psychologiques et émotionnels puissants, où la souffrance devient un outil narratif aussi cruel que fascinant. Le spectateur vit avec lui chaque désespoir, chaque échec, chaque sacrifice, jusqu’à ce que la frontière entre héroïsme et malédiction se brouille.

Re:ZERO est une véritable surprise, car on ne s'attend pas à tant de violence. Plus sombre que Mushoku Tensei, l’anime s’impose par sa brutalité. On pense à Steins;Gate (2011) pour l’ingéniosité de ses paradoxes temporels et à Berserk (1997) pour la noirceur de son atmosphère. Là où Slime respire la chaleur et la camaraderie, Re:Zero nous enferme dans la solitude, la peur et le désespoir. La série rejoint ainsi la lignée des récits où l’angoisse psychologique prime, qui plaira sûrement aux fans de Tokyo Revengers (2021). Sa boucle temporelle n’est pas sans rappeler le film Edge of Tomorrow (2014) avec Tom Cruise. C’est un anime pour celles et ceux qui recherchent dans l’Isekai non pas l’évasion, mais une plongée brutale dans les tréfonds de la survie et de la douleur.

3. Mushoku Tensei: Jobless Reincarnation (2021)

Mushoku Tensei (23 épisodes) suit un homme au plus bas, qui, après s’être fait renverser par une voiture, renaît dans un monde magique en gardant les souvenirs de son ancienne vie. Réincarné dans le corps d’un enfant, il est doté d’un immense potentiel et est bien décidé à faire quelque chose de sa nouvelle vie. On le voit développer sa magie dans un univers où les arcs narratifs foisonnent, et l’animation sublime donne une ampleur rare à cette fresque.

Il faut l’avouer, le genre de l’Isekai est saturé, et il est difficile pour un anime de s’y faire une place. C’est pourtant ce qu’a réussi à faire Mushoku Tensei en adoptant un rythme plus lent, et en misant sur une profondeur psychologique inattendue. Contrairement à No Game No Life, plus extravagant, ou à Konosuba: Sois Béni Monde Merveilleux! (2016), qui détourne les codes avec humour, Mushoku Tensei assume un ton grave et introspectif, préférant la profondeur émotionnelle aux gags ou à l’excentricité visuelle. Là où Re:Zero (2016) s’appuie sur la douleur répétée et la fatalité, Mushoku Tensei trouve sa force dans la reconstruction et l’intimité de ses personnages. L’anime plaira aussi aux fans de Fullmetal Alchemist: Brotherhood (2009), pour celles et ceux qui aiment les anime qui prennent leur temps avec une histoire qui se développe sous plusieurs angles. 

2. Le Garçon et la Bête (2015)

Le Garçon et la Bête ( 119 minutes) de Mamoru Hosoda raconte l’histoire de Ren, un jeune garçon livré à lui-même qui trouve refuge dans un monde fantastique peuplé de bêtes humanoïdes. Pris sous l’aile d’un maître bourru et imparfait, il apprend non seulement à combattre mais aussi à grandir, à accepter ses failles et à se forger une identité entre deux mondes. Hosoda privilégie ici un ton initiatique, mêlant aventure, humour et émotion brute.

Ce film rappelle Les Enfants loups, Ame & Yuki (2012), lui aussi réalisé par Mamoru Hosoda, pour son intimité et le parcours de Chihiro dans un imaginaire foisonnant. C’est un Isekai lumineux et émouvant, à la fois accessible et profond, qui illustre à merveille la capacité du cinéma d’animation japonais à transformer une fable fantastique en réflexion universelle sur la famille et l’identité. Ne passez pas à côté de ce film qui aurait pu facilement être premier s’il n’y avait pas un mastodonte du cinéma d’animation japonais face à lui. 

1. Le Voyage de Chihiro (2001)

Le Voyage de Chihiro (125 minutes) est considéré comme un chef-d’œuvre intemporel et ne pouvait que se trouver sur la plus haute marche du podium. Le film suit Chihiro, une jeune fille qui bascule dans un univers peuplé d’esprits après être entrée dans un mystérieux bain public. Contrairement aux séries qui déploient des dizaines d’épisodes pour construire leurs mondes, Miyazaki condense ici l’émerveillement, la peur et la poésie en un seul long métrage, où chaque rencontre – de l’énigmatique Sans-Visage au majestueux Haku – devient un jalon initiatique.

Difficile de comparer l’œuvre de Miyazaki au reste du classement car le registre est bien différent. Chihiro nous rappelle la force de l’émerveillement avec une douceur qui contraste avec la brutalité d’autres Isekai. Comme Alice au pays des merveilles (1951), il plonge dans l’absurde et le merveilleux, mais avec la mélancolie et la délicatesse d’un Made in Abyss (2017). On pourrait aussi le rapprocher de Your Name (2016) pour sa dimension initiatique et sa réflexion sur la construction de soi. Plus qu’un conte, c’est une expérience sensorielle et émotionnelle qui réussit à nous transporter entièrement en 2h de temps qui semblent s’étirer sur de longs jours. 

Le Petit Nicolas appartient tout d’abord aux colonnes d’un journal Belge en 1955, intitulé Le Moustique, il passe ensuite dans les pages du journal Sud-Ouest, dans lequel le conte illustré est publié toutes les semaines. Puis, il est passé à la littérature avec des recueils de nouvelles publiés dans les années 1960 écrits par le légendaire René Gosciny et illustrés par Jean-Jacques Sempés. Ces histoires racontent les aventures d’un jeune homme dans un milieu urbains, où humour , amourettes, école et les copains sont des sujets fréquemment abordés. 

Le succès est retentissant et les livres du Petit Nicolas sont devenus des classiques de la littérature jeunesse. Etonnant donc de ne pas voir d’adaptation au cinéma pendant de longue années. Mais Laurent Tirard, compte bien réparer cette erreur et réalise en 2009 un film appelé Le Petit Nicholas co écrit par Grégoire Vigneron et Alain Chabat. Maxime Godart interprête le jeune homme et est entouré de Kad Merad et Valérie Lemercier qui prennent le rôle des parents. L’accueil est excellent, c’est un carton au box-office, et la critique est plutôt bonne pour ce film. Les années passent et les choses changent puisque cinq ans après, une suite sort au cinéma, appelée Les Vacances du Petit Nicolas, mais cette fois-ci avec Mathéo Boisselier dans le rôle titulaire du Petit Nicolas. Malgré un accueil plutôt mitigé cette foi-ci,en 2021 le troisième opus, Le Trésor du Petit Nicolas sort en salles. Cette-fois-ci, tout change, exit Laurent Tirard, c’est au tour de Julien Rappeneau de prendre le flambau pour réaliser le troisième film. Une fois de plus, ce n’est pas le même acteur qui interpête Nicolas, c’est au tour d’Ilan Debrabant d’incarner le jeune homme, entouré de Jean-Paule Rouve et Audrey Lamy.

Puis arrive 2022 et la sortie du Petit Nicolas : Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux ? un film d’animation franco-luxembourgeois qui rend hommage à René Goscinny (dont la voix est Alain Chabat) et Jean-Jacques Sempé (Laurent Lafitte), et raconte l’histoire de la création du Petit Nicolas (joué par Simon Fallu). Le style d’animation fait honneur à celui de Sempé, et la vie des deux auteurs est racontée à travers le personnage tant aimé des français. La critique est très positive, d’autant plus que le film a reçu le préstigieux Cristal du long métrage au Festival Internation du film d’animation d’Annecy 2022.

One Piece a maintenant plus de 25 ans, et ni le manga ni l’anime ne sont finis, grâce à un Eiichirō Oda qui ne semble jamais manquer d’imagination et qui, Arc après Arc, réussi toujours à nous surprendre. L’histoire suit les aventures et les ambitions de Monkey D. Luffy, qui après avoir mangé un fruit du démon, a un corps avec les propriétés du caoutchouc. Il sillonne mers et océans avec son équipe de pirates, les Chapeaux de Paille, à la recherche du One Piece, le trésor ultime qui lui permettra de devenir le roi des pirates. 

Ce One Piece a été laissé par Gold D. Roger, un pirate légendaire, tout au bout de ce qui est appelée la Grand Line, un océan immensément vaste étiré du Nord-Ouest au Sud-Est. La route est longue, semée d’obstacles, d’autres pirates ultra-puissants, et de la Marine, chargée d’arrêter les pirates (dont Luffy et son équipage). A chaque aventure, One Piece et ses camarades s’approchent de ce trésor, et chaque étape représente un Arc dans l’anime. 

Chacun de ces Arcs changent complétement du précédent, avec une géographie, des personnages et une histoire différente, tout en gardant l’histoire principale en toile de fond. Les fans de One Piece ont tous leurs Arcs narratifs préférés et ceux qu’ils aiment un peu moins, alors on a essayé de répertorier les 10 meilleurs, ceux qui font l’unanimité auprès des fans de Mugiwara no Luffy. Il y a ceux qui ont marqué Luffy à jamais, comme “La guerre au sommet” (Impel Down et Marineford) où il s’associe avec certains des pirates les plus puissants pour faire face à toute la force de la Marine pour sauver son frère Ace. Il y a des Arcs à l’ambiance si particulière qu’on ne peut que les aimer, comme Thriller Bark, où ceux qui forgent l’équipage comme Water Seven ou Alabasta.

Réduire l’animation japonaise à quelques titres paraît impossible tant elle regorge de chefs-d’œuvre. Mais certains anime ont su dépasser le statut de simple divertissement pour devenir des œuvres majeures, capables de marquer des générations, d’influencer la culture mondiale et de redéfinir les standards narratifs.

Qu’ils soient récents ou plus anciens, ces anime partagent un point commun : ils continuent de faire battre le cœur des spectateurs, de susciter des débats et de rallumer des passions des années après leur diffusion. Justwatch vous propose sa sélection des 22 meilleurs anime de tous les temps, entre sagas fleuves et bijoux intimistes.

Frieren (2023-)

Frieren (Sousou no Frieren) compte actuellement 29 épisodes et s’impose déjà comme l’un des plus beaux anime de fantasy de la décennie. L’histoire reprend après la victoire d’un groupe de héros contre le Roi Démon. Mais Frieren, mage elfe quasi immortelle, réalise que ses compagnons humains sont voués à disparaître. L’anime explore alors le temps qui passe, le deuil et l’importance des souvenirs.

Ce qui le rend unique, c’est son ton contemplatif, entre aventure et mélancolie, sublimé par une réalisation d’une élégance rare. Plus qu’un récit de fantasy, Frieren est une méditation sur la mémoire et les liens qui transcendent la mort. À conseiller à ceux qui aiment les atmosphères lentes, poétiques et introspectives, dans la lignée de Mushishi (2005-2014) ou Vivy (2021). Les amateurs de récits philosophiques apprécieront aussi Le Tombeau des lucioles (1989) pour sa sensibilité, ou des séries comme Made in Abyss (2017-), qui mêlent exploration et réflexion sur l’existence.

Fullmetal Alchemist: Brotherhood (2009-2010)

Avec 64 épisodes, Fullmetal Alchemist: Brotherhood est sans conteste l’un des anime les plus complets et aboutis jamais créés. L’histoire des frères Edward et Alphonse Elric, marquée par leur tentative ratée de ramener leur mère à la vie grâce à l’alchimie, se déploie dans une fresque épique où quête personnelle et enjeux géopolitiques s’entremêlent. Chaque arc monte en puissance, porté par une galerie de personnages inoubliables, des Homonculus aux compagnons d’armes des frères.

Ce qui rend la série intemporelle, c’est sa capacité à mélanger humour, action explosive et moments de pure émotion, le tout soutenu par une narration d’une précision chirurgicale. C’est un anime qui s’adresse autant aux néophytes qu’aux spectateurs aguerris, car il incarne parfaitement ce que le médium peut offrir : spectacle, réflexion et émotion réunis. À conseiller à ceux qui aiment les grandes fresques comme L’Attaque des Titans (2013-2023) ou Code Geass (2006-2008), mais aussi aux amateurs de récits universels façon Le Seigneur des Anneaux (2001-2003).

Hunter x Hunter (2011-2014)

Hunter x Hunter (148 épisodes) est une fresque magistrale du shōnen. On y suit Gon, un garçon parti sur les traces de son père disparu, qui devient Hunter pour découvrir le monde. Derrière ce point de départ classique se cache une œuvre incroyablement riche, capable de surprendre à chaque arc. Le Tournoi de la Tour Céleste installe les bases du combat stratégique, l’arc Yorkshin plonge dans les bas-fonds du crime, et l’arc Chimera Ants est l’un des plus sombres jamais écrits dans un shōnen.

Yoshihiro Togashi dépasse ici les codes habituels du genre pour explorer la psychologie, la cruauté et l’évolution humaine. Cet anime est à la fois un divertissement haletant et une réflexion sur la nature du pouvoir. Parfait pour ceux qui cherchent une œuvre longue et exigeante, où rien n’est jamais prévisible. Les amateurs de récits d’apprentissage pourront aussi apprécier Fullmetal Alchemist (2009-2010) ou One Piece (1999-), tandis que les fans de thrillers narratifs trouveront un écho dans Monster (2004-2005).

Steins;Gate (2011-2015)

Composé de 24 épisodes (+ 1 OAV et un film), Steins;Gate est l’un des anime de science-fiction les plus marquants. Rintarō Okabe, étudiant fantasque et autoproclamé savant fou, découvre par hasard la possibilité d’envoyer des messages dans le passé via un micro-ondes bricolé. Ce qui commence comme une comédie décalée vire progressivement au thriller haletant, où chaque choix menace de détruire ce qu’il aime.

L’anime est un mélange unique d’humour, de tension et de drame, porté par une écriture brillante et des personnages attachants. Kurisu et Mayuri incarnent deux pôles émotionnels qui donnent tout son poids à l’histoire. C’est une série parfaite pour ceux qui aiment les récits complexes et émotionnellement puissants. Si vous avez apprécié Erased (2016) ou The Tatami Galaxy (2010), vous y retrouverez une intensité encore plus marquée.

Parasite : La Maxime (2014-2015)

Parasite : La Maxime (24 épisodes) adapte le manga culte de Hitoshi Iwaaki avec une efficacité redoutable. Shinichi, lycéen ordinaire, voit sa main infectée par un parasite extraterrestre. Devenu malgré lui l’hôte de Migi, il se retrouve pris dans une guerre entre humains et créatures infiltrées…

Ce qui distingue l’anime, c’est son mélange d’horreur viscérale, de questionnements philosophiques et de scènes d’action tendues. Derrière les combats sanglants se cache une réflexion sur l’évolution, la survie et l’éthique. L’anime réussit à faire de son atmosphère glauque une étude brillante de la nature humaine. Lorsque l’on a fini de le regarder, on ne peut s’empêcher de se poser des questions existentielles sur notre identité, notre humanité, notre existence. Idéal pour qui aime les récits sombres et intelligents, dans la lignée de Tokyo Ghoul (2014) mais avec une profondeur plus marquée. Et pour prolonger cette expérience, vous pouvez vous tourner vers des films comme Silent Voice (2016) pour l’émotion ou Perfect Blue (1998) pour l’aspect psychologique, ainsi que des anime sombres tels que Ergo Proxy (2006) ou Texhnolyze (2003). Côté séries occidentales, X-Files (1993-2018) ou Black Mirror (2011-) peuvent séduire les amateurs de fictions dérangeantes et réflexives.

Demon Slayer (2019-2024)

Demon Slayer (ou Kimetsu no Yaiba pour les puristes) compte 55 épisodes répartis en plusieurs saisons, et deux films (Le Train de l’Infini et La Forteresse Infinie) devenu un phénomène mondial. On y suit Tanjiro, jeune garçon dont la famille est massacrée par des démons et dont la sœur Nezuko est transformée en créature. Sa quête de guérison et de justice l’entraîne dans un récit rythmé par des combats d’une beauté visuelle rarement égalée.

L’animation signée Ufotable repousse les limites du médium, chaque affrontement devenant un véritable spectacle. Mais derrière cette virtuosité se cache aussi une émotion sincère, des personnages attachants et un univers cohérent. C’est l’anime parfait pour ceux qui veulent découvrir la nouvelle vague du shōnen. Si vous avez aimé Jujutsu Kaisen (2020-), Bleach (2004-2023) ou encore Blue Exorcist (2011), vous serez conquis par son mélange de dark fantasy et d’émotion. 

Violet Evergarden (2018)

Avec 13 épisodes et un film, Violet Evergarden est une œuvre d’une délicatesse bouleversante. L’histoire suit Violet, ancienne enfant-soldat incapable d’exprimer ses sentiments, qui devient « poupée de souvenirs » : elle écrit des lettres pour ceux qui ne savent pas trouver les mots. Chaque épisode est une histoire indépendante, où Violet découvre un aspect de l’amour et de l’humanité.

La réalisation signée Kyoto Animation est somptueuse, chaque plan ressemblant à une toile. C’est une série qui parle du deuil, de la reconstruction et de la naissance de l’émotion chez une héroïne marquée par la guerre. À conseiller à ceux qui veulent une romance dramatique et introspective. Si Your Lie in April (2014-2015) ou Anohana (2011) vous ont ému, cet anime vous bouleversera tout autant. On peut aussi rapprocher son atmosphère à des films comme Her (2013) de Spike Jonze ou Call Me by Your Name (2017), qui explorent avec justesse la fragilité des sentiments humains.

Mushishi (2005-2014)

Mushishi (46 épisodes répartis sur deux saisons et plusieurs OAV) est une expérience unique dans l’animation japonaise. On y suit Ginko, un homme capable de percevoir les mushi, des créatures invisibles proches de l’essence de la vie. Chaque épisode est une histoire indépendante, construite comme un conte poétique et souvent mélancolique.

L’anime se distingue par son rythme lent, son atmosphère contemplative et son animation subtile qui sublime la nature. C’est une œuvre qui s’adresse à ceux qui veulent un anime apaisant mais profond, plus proche d’une méditation que d’une aventure classique. Si vous avez été emporté par Frieren (2023-), Mushishi est un passage obligé.

One Piece (1999-)

Avec plus de 1100 épisodes (et encore en cours), One Piece est la saga ultime du shōnen. Luffy et son équipage voguent à travers les mers à la recherche du One Piece, le trésor qui fera de lui le roi des pirates. Derrière son humour et ses combats déjantés, l’anime brille par la richesse de son univers, ses arcs narratifs ambitieux et son message universel sur la liberté et l’amitié.

Chaque île est un monde en soi, et chaque personnage secondaire peut marquer durablement. C’est un investissement colossal, mais chaque minute passée en mer avec Luffy et ses amis vaut l’aventure. Si vous avez aimé Naruto (2002-2007) ou Dragon Ball Z (1996-2003), One Piece est incontournable. 

L’Attaque des Titans (2013-2023)

L’Attaque des Titans / Shingeki no Kyojin s’étend sur 87 épisodes et s’impose comme l’anime le plus marquant de la dernière décennie. Dans un monde assiégé par des titans dévoreurs, Eren, Mikasa et Armin se battent pour leur survie avant de découvrir des vérités qui dépassent l’entendement.

La série se démarque par son intensité dramatique, ses retournements de situation et sa réflexion politique et philosophique. L’animation impressionnante et les musiques épiques participent à faire de chaque bataille un moment de cinéma. C’est une œuvre idéale pour les amateurs de récits sombres et imprévisibles, dans la veine de Game of Thrones (2011-2019). 

Haikyu!! (2014-2020)

Avec 85 épisodes répartis sur quatre saisons et plusieurs films, Haikyu!! a redonné ses lettres de noblesse à l’anime de sport. L’histoire suit Shōyō Hinata, passionné de volley, et son rival/partenaire Tobio Kageyama. Ensemble, ils transforment leur équipe en une véritable force.

Ce qui fait la force de l’anime, c’est sa capacité à retranscrire l’adrénaline d’un match tout en développant des personnages attachants, qu’ils soient sur ou en dehors du terrain. Chaque point devient une épopée, chaque victoire un triomphe collectif. Idéal pour celles et ceux qui cherchent un récit motivant et dynamique, même sans réel intérêt pour le volleyball. Si vous avez aimé Yuri!! On Ice (2016-2017) ou Kuroko no Basket (2012-2015), vous vibreraz pour Haikyu!!.

Monster (2004-2005)

Monster (74 épisodes) est un thriller psychologique glaçant adapté du manga de Naoki Urasawa. On y suit le docteur Tenma, chirurgien brillant qui choisit de sauver la vie d’un enfant au lieu d’un politicien. Ce choix bouleverse sa vie, car l’enfant devient un tueur en série. Dès lors, Tenma se lance dans une traque angoissante pour réparer sa faute…

Ce qui distingue Monster, c’est sa narration méthodique, presque clinique, et son exploration des dilemmes moraux. Loin des shōnen classiques, c’est une œuvre adulte, réaliste et dérangeante. À recommander aux spectateurs qui aiment les thrillers psychologiques et les récits sombres, dans l’esprit d’un roman noir. Les amateurs de drames policiers et de séries comme True Detective (2014-) ou d’anime tels que Ergo Proxy (2006) et Psycho-Pass (2012-2019), qui recherchent des récits méthodiques et moralement ambigus, trouveront ici un écho puissant. On peut également rapprocher Monster de films comme Zodiac (2007) ou Se7en (1995).

Your Lie in April (2014-2015)

Your Lie in April (22 épisodes) reste l’un des anime les plus émouvants de sa génération. Kōsei, prodige du piano traumatisé par la mort de sa mère, retrouve l’envie de jouer grâce à Kaori, violoniste solaire et imprévisible. Mais leur relation est marquée par une vérité cruelle qui donne à chaque note une intensité poignante.

Ce qui rend la série inoubliable, c’est sa manière de transformer la musique en langage des émotions, transformant chaque performance en déclaration d’amour. À conseiller à ceux qui cherchent une romance tragique et inspirante. Si tu as aimé Violet Evergarden (2018) ou Silent Voice (2016), c’est un incontournable.

Kids on the Slope (2012)

Kids on the Slope (12 épisodes) est une perle intimiste réalisée par Shinichirō Watanabe. L’histoire se déroule dans les années 1960 et suit trois lycéens réunis par leur passion pour le jazz. Entre romances, amitiés et désirs contrariés, l’anime capte l’essence de l’adolescence.

Ce qui rend cette série unique, c’est sa bande-son sublime composée par Yoko Kanno et ses scènes musicales animées avec un réalisme impressionnant. Loin des grandes fresques, c’est une histoire humaine, tendre et parfois douloureuse, qui parle de musique autant que d’amour et d’amitié. Idéal pour les spectateurs en quête d’une œuvre intimiste et élégante. On retrouve un peu cette ambiance insouciante et mélomane qu’on a tant aimé dans l’anime Beck (2004-2005). Pour les amateurs de cinéma, on peut le rapprocher de Whiplash (2014) et Blue Giant (2023).

Chainsaw Man (2022)

Chainsaw Man (12 épisodes pour la première saison) est l’un des phénomènes récents de l’animation. On suit Denji, jeune homme fauché qui fusionne avec son chien-démon-tronçonneuse pour devenir un chasseur de démons. L’anime se distingue par son mélange de violence débridée, d’humour noir et de vulnérabilité émotionnelle.

Denji n’est pas un héros classique : il veut une vie simple, faite de plaisirs basiques. Mais dans ce monde brutal, chaque combat est une lutte pour conserver son humanité. C’est une série à recommander aux spectateurs qui aiment les récits crus et déjantés, dans la lignée de Devilman Crybaby (2018). Pour prolonger l’expérience, des séries comme The Boys (2019-) peuvent séduire par ce même mélange d’ultra-violence et de cynisme grinçant.

Naruto (2002-2007)

Avec 220 épisodes pour Naruto et 500 pour Naruto Shippuden, la saga de Naruto Uzumaki est une fresque incontournable. Orphelin rejeté par son village, il rêve de devenir Hokage, chef respecté de sa communauté. Derrière les combats épiques et les techniques spectaculaires, la série aborde la solitude, l’acceptation et la persévérance.

Les arcs majeurs – examen Chûnin, combat contre Pain, guerre des ninjas – ont marqué des millions de fans. Plus qu’un shōnen, Naruto est un récit sur la résilience et l’importance des liens. À voir absolument si vous aimez les grandes sagas riches en personnages et en émotions. Dans un registre similaire, les amateurs de récits d’aventure et d’amitié trouveront un écho dans Hunter x Hunter (2011-2014) ou One Piece (1999-). 

Jujutsu Kaisen (2020-)

Jujutsu Kaisen compte actuellement 47 épisodes sur deux saisons, et s’impose comme l’un des meilleurs shōnen modernes. Yuji Itadori, lycéen ordinaire, voit sa vie basculer lorsqu’il avale un doigt maudit appartenant à Sukuna, le Roi des Fléaux. Devenu son hôte malgré lui, Yuji intègre l’école d’exorcisme où il se forme aux côtés de compagnons hauts en couleur et sous l’œil du charismatique Satoru Gojo. La série séduit autant par ses combats spectaculaires que par son équilibre entre humour, noirceur et émotion.

Au-delà de l’action, Jujutsu Kaisen explore la valeur de la vie, la peur de la mort et l’importance de choisir sa voie malgré l’adversité. C’est une série à recommander aux amateurs de dark fantasy et de récits nerveux. Si vous avez aimé Demon Slayer (2019-2024), vous y retrouverez la même intensité dramatique.

Death Note (2006-2007)

Death Note (37 épisodes) est une œuvre culte qui a redéfini le genre du thriller psychologique dans l’animation. Light Yagami, lycéen brillant, découvre un cahier aux pouvoirs terrifiants : écrire un nom suffit à tuer la personne. Commence alors un duel intellectuel d’anthologie contre L, un détective excentrique prêt à tout pour l’arrêter.

Ce qui rend Death Note unique, c’est sa tension constante et son exploration du pouvoir absolu. Chaque épisode est un jeu d’échecs où la morale s’efface devant l’ambition. Idéal pour ceux qui aiment les récits sombres et stratégiques. Si vous avez apprécié Se7en (1995) ou Mindhunter (2017-2019), vous serez conquis. Côté anime, Psycho-Pass (2012-2019) et Erased (2016) prolongent ce même mélange de suspense et de réflexion.

Code Geass: Lelouch of the Rebellion (2006-2008)

Avec 50 épisodes, Code Geass: Lelouch of the Rebellion reste une référence majeure. Dans un monde où l’Empire de Britannia domine la planète, Lelouch Lamperouge, prince déchu, reçoit un pouvoir surnaturel : le Geass, qui lui permet d’imposer sa volonté à quiconque croise son regard. Il se lance alors dans une croisade pour renverser l’empire et bâtir un monde meilleur, sous le masque de Zero.

La force de Code Geass réside dans sa complexité morale : jusqu’où peut-on aller pour changer le monde ? C’est un récit qui séduira les amateurs de stratégies, de dilemmes et de retournements de situation spectaculaires. Si on aime Death Note (2006-2007), on y retrouve la même intensité psychologique. Les amateurs de grandes fresques politiques pourront aussi apprécier des séries comme House of Cards (2013-2018) ou des films comme V pour Vendetta (2006).

Cowboy Bebop (1998-1999)

Cowboy Bebop (26 épisodes) est un classique de l’animation japonaise. Suivant les aventures de Spike Spiegel et de son équipage de chasseurs de primes dans un univers rétrofuturiste, la série mélange jazz, science-fiction et western. Chaque épisode est conçu comme une petite histoire indépendante, explorant les thèmes de la solitude, de la rédemption et des choix passés qui hantent les personnages.

Sa réalisation stylisée et sa bande-son signée Yoko Kanno en font un anime culte qui a marqué plusieurs générations et influencé de nombreux créateurs, jusqu’à Hollywood. Ce mélange de désinvolture et de gravité, de scènes d’action fulgurantes et de silences mélancoliques, en fait une œuvre unique qui transcende les genres. Si vous avez aimé des films comme Blade Runner (1982), vous y retrouverez la même mélancolie teintée d’action. On peut aussi le rapprocher de séries comme Firefly (2002-2003) pour son équipage atypique ou de films comme Ghost in the Shell (1995) pour son univers rétrofuturiste et existentiel.

Trigun (1998)

Trigun (26 épisodes) est un classique du space western animé. On y suit Vash the Stampede, un tireur légendaire au passé mystérieux, poursuivi pour les destructions qui jalonnent sa route. Mais derrière ses airs de clown maladroit, Vash est un pacifiste qui cherche à protéger les innocents dans un monde désertique et violent.

Entre humour, action et drame, Trigun explore la valeur de la vie humaine et le poids de la culpabilité. C’est un anime parfait pour ceux qui aiment les récits de cow-boys solitaires à la Cowboy Bebop (1998-1999), mais aussi pour les amateurs de westerns classiques comme Impitoyable (1992).

Les Carnets de l’Apothicaire (2023-)

Les Carnets de l’Apothicaire est une série récente comptant actuellement 24 épisodes. Elle suit Maomao, une jeune apothicaire vive et observatrice, qui se retrouve malgré elle embarquée dans les intrigues du palais impérial chinois. Grâce à son savoir médical et son esprit affûté, elle résout des mystères tout en naviguant dans un monde de complots et de traditions.

L’anime brille par son mélange d’enquête, d’histoire et de subtilité psychologique, offrant un portrait rare d’une héroïne intelligente et indépendante. C’est une œuvre qui parvient à concilier suspense, atmosphère historique et finesse d’écriture, tout en proposant une immersion dépaysante dans une époque rarement abordée en animation. 

Les zombies sont simples. Tout ce qu’ils veulent, c’est manger, et de préférence de la chaire humaine et fraiche. Il ne faut pas y voir de la méchanceté, mais simplement de la “survie” pour un humain qui a été et qui n’est plus. Ils sont aussi fascinants car ils nous mettent en plein visage quelque chose dont on ne veut pas parler, l’un des grands tabous de notre société : la mort. Nous passons notre temps à vouloir savoir ce qu’il y a après la mort, et le pire cauchemar serait sans doute ça : mort-vivant. Le premier film de zombies date d’il y a plus de 80 ans, avec White Zombie de 1932, mais c’est le légendaire George A. Romero qui a popularisé le genre avec Night of the Living Dead. Ses films sont gravés dans le marbre de l’histoire du film de zombies, mais aussi dans l’histoire du cinéma en général, car on lui attribue souvent à lui seul la popularité des films de ce sous-genre. 

Souvent, le zombie est une métaphore pour quelque chose de plus large, le symbole d’une culture en pleine désintégration à l’heure où le monde entier est interconnecté. Mais encore plus souvent, un zombie n’est bel et bien rien qu’un zombie : une créature qui déambule dans les rues d’une ville déserte à la recherche de chair fraiche. Et cela nous rappelle aussi que l’on ressemblera aussi à ça un jour. Si vous débutez dans le genre ou vous voulez redécouvrir certains des meilleurs films de zombie, cette liste est pour vous!

Que serait Demon Slayer sans Nezuko, L’Attaque des Titans sans Mikasa, Naruto sans Sakura ou Chainsaw Man sans Power, One Piece sans Nami ? Pas grand chose. Les personnages féminins sont primordiaux dans les mangas et animes et apportent toujours énormément à l’histoire, lorsqu’elles ne sont pas elles même les protagonistes. 

Avec les années, les personnages féminins paraissent devenir plus forts et avoir de moins en moins le rôle de support émotionnel ou physique. Il est vrai que souvent, la femme dans l’anime est représentée comme étant plus faible, mais avec un très fort caractère qui recadre les héros masculins pour qu’ils puissent devenir le plus fort possible. Le meilleur exemple est probablement Nami dans One Piece, ou Sakura dans Naruto. Dans d’autres anime, la femme est reléguée au rôle de femme au foyer qui doit être parfaite à tout moment. Spy x Family arrive parfaitement à jouer là-dessus avec Yor Forger qui prend le rôle de la femme parfaite en apparence, et qui est pourtant l’une des assassines les plus talentueuses de la planète. 

Aujourd’hui, Mikasa botterait facilement les fesses d’Eren en duel, Nezuko pourrait arracher le bras de son frère et de plus en plus d’anime ont pour protagoniste une femme ultra puissante. Et ça, on aime, car cela permet d’avoir des mangas et des animes de plus en plus passionnants, avec une représentation des genres de plus en plus équitable, même s’il y a toujours beaucoup de progrès à faire. 

• Mikasa Ackerman : L’Attaque des Titans

• Nezuko Kamado : Demon Slayer 

• Violet Evergarden : Violet Evergarden

• Sasha Braus : L’Attaque des Titans

• Nami : One Piece

• Power : Chainsaw Man

• Makima : Chainsaw Man

• Nobara Kugisaki : Jujutsu Kaisen

• Akame : Akame Ga Kill! 

• Yumeko Jabami: Kakegurui

• Motoko Kusanagi : Ghost In The Shell

• Yoko Littner : Gurren Lagann

• Kurisu Makise : Steins; Gate

• Ryuko Matoi : Kill la Kill

• Revy : Black Lagoon

• Hange Zoë : L’Attaque des Titans

• Faye Valentine : Cowboy Bebop

• C.C. : Code Geass

• Rias Gremory : High School DxD

• Rem : Re: Zero

• Yor Forger : Spy x Family

• Kaori Miyazono : Your Lie in April

• Biscuit Kruger : Hunter x Hunter

• Mitsuri Kanroji : Demon Slayer

• Claire : Claymore 

• Nico Robin : One Piece

• Kiryuin Satsuki : Kill la Kill

• Isabella : The Promised Neverland

Les héros masqués sont partout au cinéma et à la télé. Si nombreux que parfois, on ne peut même plus se souvenir de qui ils sont, de leurs noms, ou de leurs pouvoirs quand ils en ont. Avec Marvel et DC on a même le droit à des multivers pour compliquer les choses. 

Il fut un temps où tout était bien plus simple. Lorsque l’on voyait un homme masqué, avec une cape et une épée, ça ne pouvait être qu’un seul héro : Zorro. Il sort tout droit des comics de 1919 écrits par Johnston McCulley et a par la suite marqué l’histoire du cinéma. Il a influencé les héros masqués d’aujourd’hui, nous a fait découvrir la Californie d’autre fois et nous a fait bien rigoler avec le Sergent Garcia. Nous avons été nombreux et nombreuses à faire un grand Z du bras dans les airs, mimant une épée dans nos mains. 

Il existe plus de 50 adaptations des histoires de notre chevalier masqué. Nous avons donc choisi les meilleures adaptations pour découvrir ou redécouvrir le personnage de Zorro.

Alors que la 94ème cérémonie des Oscars a été marqué par le fait que l’académie a décidé de couper du direct la présentation de 8 catégories, de belles victoires sont tout de même à mettre en lumière. A la présentation Amy Schumer, Regina Hall et Wanda Sykes ont cochés toutes les cases, enfin presque toutes. Avec quatre des cinq nominés pour la meilleure musique originale, le public a vu se succéder Béyoncé, Billie Eillish et son frère Finneas, Reba McEntire et le casting du film d’animation Disney, Encanto.

Beaucoup de première ont eu lieu pendant cette soirée, alors que deux femmes représentaient ouvertement la communauté LGBT pour la première fois avec la nomination de Kristen Stewart pour son rôle dans Spencer, et Ariana DeBose avec une nomination de meilleure actrice dans un second rôle pour West Side Story. Troy Kotsur, quant à lui, est devenu le premier homme sourd à être nominé pour sa performance dans le film CODA. Beaucoup attendaient avec impatience la remise des statuettes dans le camp des services de streaming, avec cette année Netflix et Apple TV+ nominés pour l’oscar du meilleur film. C’est une aussi une première dans l’histoire des Oscars, alors que deux couples sont respectivement nominés dans différentes catégories : d’un côté Pénelope Cruz pour Madre Parralelas et Javier Bardem pour Hollywood 1953, et de l’autre Kirsten Dunst et Jesse Plemons tous deux dans le film de Jane Campion, Power of the Dog.

La saga Star Trek va bien plus loin qu’une simple trilogie, mêlant des films, mais aussi des séries, revenant dans le passé au sautant dans le futur, le scénario est quelques fois compliqué à suivre. Est-ce que Gene Roddenberry aurait un jour pu imaginer qu’en créant Star Trek, cet univers deviendrait une pierre angulaire de la science-fiction telle que nous la connaissons aujourd’hui ?

La série originale Star Trek est sortie en 1966, 57 ans plus tard, de nouvelles séries sont créées, accompagnées de nombreux films, et cette aventure spatiale n’est pas près de s’arrêter. 

Avec des centaines d’heures de télévisions, un scénario s’entremêlant sous la forme de plusieurs séries (et films), il est souvent difficile de savoir par où commencer son visionnage. Nous allons ici nous intéresser plus particulièrement aux séries télés. Très peu pour nous les visionnages dans l’ordre de sortie, nous vous avons préparé un ordre chronologique qui sera parfait pour découvrir l’univers ou le redécouvrir. Cependant, il faudra prendre en compte les films qui n’apparaissent pas sur cette liste, ainsi que quelques événements se passant à la fin des séries Discovery et Voyager qui ne colle pas impeccablement avec la chronologie des événements. Néanmoins, les événements les plus importants qui ont créé la Fédération, ainsi que le plus célèbre duo de science-fiction : Kirk et Spock. Plusieurs univers et chronologie sont possibles en prenant compte les différentes timelines ou le Mirror Universe.

Quatre films composent la saga L’Arme Fatale avec Richard Donner (Superman : The Movie) à la réalisation et Mel Gibson accompagne de Danny Glover dans les rôles principaux. Cette franchise a connu un succès international qui a évidemment mené la Fox à créer une série du même nom qui a débuté en 2016. 

L’Arme Fatale, c’est avant tout une histoire de bromance entre Martin Riggs et Roger Murtaugh, deux détectives du LAPD (Los Angeles Police Department. Cette bromance a été créée par Shane Black qui a été le scénariste du premier L’Arme Fatale sorti en 1987. Après lui, le réalisateur restait le même, mais les scénaristes changeaient régulièrement. Pourtant, chacun des quatre films a su conserver le charme de cette série de film. Série de film qui devait pourtant faire face à une très rude concurrence car les années 80 et 90 baignaient dans les films d’action avec Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone et Bruce Willis. 

Le secret d’une bromance si parfaite : les opposés s’attirent. mel Gibson interprête Martin Riggs, un policier tête brulée qui n’a peur de rien, qui pleure la mort de sa femme, et qui n’en a que faire des règles qui ne font que le ralentir. Danny Glover joue son partenaire dans la police, Roger Murtaugh, père de famille vieillissant et qui se passerait bien de toute l’action apportée par Riggs. Ils se chamaillent, ils sont rarement d’accord, mais l’alchimie est là et fait tout le succès des quatre films.

Dès la sortie du film La Momie en 1999, Rick O’Connell et la brillante bibliothécaire Evelyn ont marqué un public sous le charme de l’aventure que proposait le film. C’était le début d’une saga qui a marqué le cinéma d’action-aventure et la carrière de Brendan Fraser. Il y a certains acteurs, qui lorsque l’on dit leur nom, on pense tout de suite à un personnage qu’ils ont joué. Mark Hamill est Luke Skywalker, Daniel Radcliffe est Harry Potter, Harrison Ford est Indiana Jones (ou Han Solo, évidemment), et bien Brendan Fraser a été pendant des années le courageux Rick O’Connell. Aujourd’hui l’acteur est surtout connu pour son Oscar du meilleur acteur qu’il a eu en 2023 grâce au film The Whale. 

Fun fact : La Momie est à l’origine un film d’horreur datant de 1932. Mais en 1999, le réalisateur Stephen Sommers a décidé de faire un remake de ce long-métrage et s’éloigner autant que possible du genre de l’horreur pour plonger dans l’action-aventure qui faisait la gloire du cinéma des années 1990.  Dans le premier film, Rick O’Connell se rend à Hamunaptra, la Cité des Morts, où il réveil accidentellement le grand prêtre Égyptien Imhotep. Les combats contre la momie sont intenses et les risques élevés, puisque Imhotep veut anéantir l’humanité. Rien que ça.

Les films de Sommers se concentrent donc moins sur l’horreur et plus sur l’aventure épique et la romance entre les deux personnages principaux, tout en incorporant des touches d’humour et des séquences d’actions à couper le souffle. Le succès du film La Momie de 1999 a donc eu pour conséquence deux autres entrées dans la saga, mais aussi un spin-off Le Roi Scorpion en 2002 avec Dwayne ‘The Rock’ Johnson et enfin un ultime reboot en 2017 avec Tom Cruise en tête d’affiche qui n’a malheureusement pas eu l’effet escompté.

Le Ocean’s Eleven que nous connaissons tous et toutes est en fait un remake d’un film des années 1960. Mais la version mettant en scène George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon et Julia Roberts est celle qui a propulsé la saga Ocean’s sur le devant de la scène. Rien d’étonnant avec un casting aussi incroyable. 

Maintenant, les films Ocean’s sont la référence des films d’arnaque et de braquage. Est-ce qu’on pourrait dire qu’Inception est le Ocean’s Eleven du subconscient ? On vous laisse juger. Dans les quatre premiers films, tout tourne autour du personnage qui donne son nom au titre, Danny Ocean, joué par George Clooney (c’est Frank Sinatra, himself, qui avait ce rôle dans les années 1960). Danny Ocean est talentueux, intelligent, mais il sait surtout parfaitement s’entourer avec une équipe composée à la perfection pour ses braquages. 

La série de films est donc très vite devenue culte dans le monde entier, et ce grâce à une recette qui marche : un bon scénario, un casting hollywoodien qui ferait la Une de tous les magazines, de l’humour, de l’esprit, et des braquages à première vue impossibles, mais qui finissent toujours par réussir. 

Bref, on vous laisse avec la liste des cinq films (y compris celui avec Frank Sinatra), pour vous plonger dans le beau regard George Clooney.

Plongez dans un monde où surnaturel et l’horreur règnent en maîtres avec la saga “Insidious”. Depuis sa première sortie en 2010, cette franchise de films d’horreur a captivé les spectateurs amateurs de frisson du monde entier grâce à son mélange unique de suspense, de jump scares et de paranormal. On doit les deux premiers films au légendaire réalisateur de l’horreur James Wan avec un scénario signé Leigh Whannell, à qui l’on doit une expérience cinématographique terrifiante et captivante. 

L’histoire se déroule autour de la famille Lambert, qui se retrouve confrontée à des phénomènes paranormaux terrifiants et à des forces maléfiques qui menacent de les détruire. Des êtres démoniaques aux esprits vengeurs, chaque film explore un aspect différent du monde sombre et mystérieux d’Insidious. Les personnages emblématiques, tels que la médium Elise Rainier, jouée par Lin Shaye, apportent une profondeur supplémentaire à l’histoire et deviennent des figures clés de la franchise.

2023 marque l’année de sortie du film Insidious : The Red Door, le cinquième opus, et les débuts de Patrick Wilson derrière la caméra, en plus de continuer dans son rôle de Josh Lambert. 

Pour vous faire frissonner comme il se doit, voici la liste des films de la saga Insidious.

Classer les films d’animation Disney avec objectivité est impossible tant ils sont liés aux souvenirs d’enfance et aux émotions ressenties. Alors, soyons transparents : cette liste est purement subjective et ne plaira peut-être pas à tout le monde, et ne vous étonnez pas de ne pas voir les petits bijoux de Pixar, car ce classement ne se concentre que sur les films produits par Disney. 

Évidemment, certains classiques ne peuvent qu’être en haut du classement. C’est le cas pour Pinocchio, ce film de 1940 qui nous a fait aimer le garçon au nez qui s’allonge et son fidèle compagnon, Jiminy Cricket. C’est le cas aussi pour Le Roi lion qui a su émouvoir la planète et donner ses lettres d’or à Disney. 

Disney, c’est aussi des films d’animation 3D poétiques et magnifiques qui nous peignent une fresque des différentes cultures du monde. Encanto, la fantastique famille Madrigal met la Colombie à l’honneur avec ses couleurs. Vaiana, la légende du bout du monde nous transporte en Polynésie, son histoire et ses légendes.

Le classement ne serait pas complet sans le court métrage Paperman. Un court métrage produit par Disney, qui mélange magie, romantisme et poésie.

2021 était une année très particulière, car les salles obscures ré-ouvertes pouvaient à nouveau briller grâce à des films magnifiques. Il y en avait pour tous les goûts, pourtant, la fréquentation au cinéma était en berne. La pandémie faisait peur, aller au cinéma n’était plus dans les habitudes des gens, le masque était obligatoire, alors les salles étaient vides.

Pour trouver les meilleurs films de 2021, il ne fallait pas regarder le box-office. Celui revient, comme toujours, aux films de superhéros, qui ont d’ailleurs créé la surprise pour certains comme Spider-Man : No Way Home.

Mais 2021 a aussi, et surtout, été l’occasion de voir des pépites dont on se souviendra un long moment. On pense alors à Drive My Car, Titane, Dune, Le Sommet des Dieux, Sound of Metal ou encore The Power of the Dog. D’autres touchent en plein cœur et laissent une cicatrice digne du grand cinéma. C’est le cas pour Nomadland qui raflé une belle partie des Oscars 2021, ou The Father qui a valu la statuette d’or à Anthony Hopkins.

Le Festival International du Film de Cannes 2022 célébrait sa 75e édition, mais aussi son retour à la normale. Le tapis rouge n’a pas été déroulé en 2020, et le festival a été décalé à l’été en 2021. Cette année-là, la croisette a donc pu retrouver de sa superbe, Cannes a pu redevenir, le temps de quelques jours, le nombril du cinéma mondial, les acteur·rice·s, réalisateur·rice·s et tous les professionnels du cinéma ont pu se retrouver pour célébrer l’art et la créativité. 

Ce 75e Festival de Cannes a vu Vincent Lindon à la présidence du Jury. Acteur monumental pour l’hexagone, il a réussi à marquer la cérémonie d’ouverture par un discours poignant et engagé. "Pouvons-nous faire autre chose qu'utiliser le cinéma, cette arme d'émotion massive, pour réveiller les consciences et bousculer les indifférences ? Je ne l’imagine pas ! Que la puissance évocatrice et la profondeur des œuvres des grands cinéastes, n’influent pas sur la marche du monde. Je ne l’imagine pas non plus !” s’est-il exprimé avant d’être applaudi par une salle émue et convaincue. 

Comme chaque année, le festival a vu ses salles obscures éclairées par des films incroyables, créatifs, subversifs, faisant un pas de côté pour montrer des nouveaux chemins au cinéma. La Palme d’Or a été accordée à l’un d’entre eux. Sans Filtre de Ruben Östlund, film moqueur envers les bassesses de la nature humaine, où l’ultra-richesse rencontre l’absurdité, les nantis perdent leurs privilèges, l’obsession de l’image se confronte à son inutilité. 

Mais le Festival de Cannes se caractérise par sa multitude de prix, récompensant les diverses professions, mais aussi la créativité, le goût pour un cinéma différent. 

• Sans filtre de Ruben Östlund (Palme d’Or)
• Close de Lukas Dhont (Grand prix)
• Stars at Noon de Claire Denis (Grand prix)
• Decision to Leave de Park Chan Wook (Prix de la mise en scène)
• Les Bonnes Etoiles (Prix d’interprétation masculine pour Song Kang-ho)
• Les Nuits de Mashhad d'Ali Abbasi (Prix d’interprétation féminine pour Zar Amir Ebrahimi)
• La Conspiration du Caire de Tarik Saleh (Prix du scénario)
• EO de Jerzy Skolimowski (Prix du jury)
• Les Huit Montagnes de Felix Van Groeningen et Charlotte Vandermeersch (Prix du jury)
• War Pony de Riley Keough et Gina Gammell (Caméra D’or)
• Les Pires de Lise Akoka et Romane Guéret (Prix Un certain regard)
• La Montagne de Thomas Salvador (Prix SACD de la Quinzaine des réalisateurs)

Mais aussi, en compétition et hors compétition : 

• Aftersun de Charlotte Wells
• Moonage Daydream de Brett Morgen
• Coupez ! de Michel Hazanavicius
• Armageddon Time de James Gray
• Les Crimes du futur de David Cronenberg
• Tori et Lokita de Jean-Pierre et Luc Dardenne
• La Femme de Tchaïkovski de Kirill Serebrennikov
• Top Gun : Maverick de Joseph Kosinski
• Elvis de Baz Luhrmann
• The Natural History of Destruction de Sergei Loznitsa

Après plusieurs mois interminables de pandémie, la fermeture des lieux de cultures et plus spécialement la fermeture des salles de cinémas, il y avait de quoi être positif et aller de l’avant en 2022 !

Même si le coronavirus avait encore un impact clair sur l’industrie du cinéma, les productions ne se sontpas totalement arrêtées pour autant, pour nous offrir une année riche en émotions dans les salles obscuresde l’hexagone. Cette année-là, il y en avait pour tous les goûts, autant à travers les films français queles films internationaux : en passant par nos inspecteurs préférés dans Maigret ou dans Mort sur le Nilavec Hercule Poirot, ou des super-héros qui reviennent dans de nouveaux opus Marvel comme Thor ou Black Panther. Il y a aussi eu ces filmsfrançais retraçant par exemple la vie légendaire de Simone Veil ou l’histoirejudiciaire haletante dans le film Goliath.

Voici les 20 films qui étaient les plus attendus en 2022 :

Trouver la meilleure série télévisée de l’histoire du petit écran n’est pas une tâche facile, mais quelques séries sortent clairement du lot. Il fut un temps où les séries télévisées étaient considérées comme un médium moins important et plus léger que le cinéma, son grand rival. Les choses ont bel et bien changé, et beaucoup suggèrent que les séries TV sont maintenant à leur apogée, nous serions dans l’âge d’or des séries. Mais dans l’histoire des séries, certaines ont battu des records assez incroyables.

Le Seigneur des Anneaux : Les Anneaux de Pouvoir en aura mis plein la vue aux téléspectateurs avec des images bluffantes et des effets spéciaux impressionnants. Mais tout ceci a coûté extrêmement cher à Amazon Prime Video puisque le service de streaming devait débourser pas moins de 58 millions de dollars par épisodes !

Modern Family, The Big Bang Theory, Euphoria et Friends, bien que n’ayant rien en commun, battentle même record : celui de l’actrice la mieux payée par épisode. Sofia Vergara (Modern Family), Kailey Cuoco (The Big Bang Theory),Zendaya (Euphoria) puis Jennifer Aniston,Courteney Cox et Lisa Kudrow (Friends) ont toutes gagnées 1 million de dollars par épisode. Ce salaire était moindre lors des premières saisons, mais au furet à mesure que les séries gagnaient en popularité, les salaires augmentaient aussi.

Doctor Who… entendre ce nom donnerait desf rissons à tout geek fan du Docteur (David Tenant et Matt Smith forever). Si cette série est aussi populaire, c'est aussi car c’est la série de science-fiction qui est diffusée depuis le plus longtemps. Eneffet, le premier épisode date de 1963 !

Game of Thrones aura battu de nombreux records, comme l’une des séries les plus piratées. Pour combattre le téléchargement illégal, la série a été diffusée presque partout dans le monde. Alors que 173 pays ont pu voir l’épisode 5 de la saison 2, Game of Thrones est devenue la série la plus diffusée à travers le globe.

Squid Game est devenue un véritable phénomène de société. La première saison de la série coréenne a d’ailleurs été le plus gros succès à sa sortie pour une série Netflix.

Ted Lasso, cette série sur un club de deuxième division du football anglais est devenue incontournable. Les personnages sont touchants, la philosophie optimiste de la série donne le sourire, l’intrigue est attachante. Pas étonnant que ce soit la comédie qui ait reçu le plus de nominations aux Emmy Awards.

Plus Belle la Vie ne peut être ignorée. Même si la série marseillaise n’a pas battu les records des séries américaines, ses chiffres sont titanesques. Avec 4 665 épisodes ont été diffusés, 3 232 acteurs et 58 000 figurants qui sont apparus au Mistral et un record d’audience de 6,8 millions de téléspectateurs en 2008, Plus Belle la Vie a gravé son nom dans le marbre de l’audiovisuel français.

Sherlock, cette série britannique dans laquelle on peut voir l’immense talent de Benedict Cumberbatch dans la peau du détective le plus connu de la planète,bat le record du personnage de fiction le plus adapté à l'écran : 254 films et séries, pour le plus grand bonheur des fans du locataire du 221B Baker Street.

M*A*S*H une sitcom américaine datant de 1972 devenue culte, a fini en beauté en étant la série dont le dernier épisode a été le plus vu de l’histoire.106 millions de téléspectateurs ont regardé le grand final aux États-Unis !

Si vous êtes un amateur de films qui vous tiennent en haleine jusqu'à la fin, alors vous savez que les thrillers sont faits pour vous. Un bon film du genre ne sera jamais passé de mode. Les émotions fortes, la tension palpable, l'attachement aux personnages et la curiosité insatiable, sont les résultats d’un thriller réussi avec un scénario bien ficelé.

Car ce sont bien toutes ces émotions que tout thriller qui se respecte est censé nous faire ressentir. David Fincher, réalisateur de Seven, Fight Club ou Gone Girl, en est le parfait exemple. Des très gros plans pour vous plonger dans les détails, une tension narrative qui monte crescendo, une utilisation subtile des couleurs et des émotions... Tout est là pour vous immerger. Manier l’art du thriller n’est pas chose aisée, mais quand c’est bien fait, le film nous marque à jamais.

Nous avons concocté pour vous une liste de 50 films qui repoussent les limites du genre et vous laissent sans voix. Préparez-vous à frissonner d'inquiétude, à être pris au dépourvu et à être transporté dans des histoires aussi intenses que captivantes. Ne manquez pas l'occasion de découvrir ou redécouvrir ces chefs-d'œuvre du cinéma.

Ah l’amour ! C’est beau, ça fait des papillons dans le ventre, ça passionne, ça fait sourire, pleurer… on aime ! Mais les films d’amour tombent souvent dans le piège de la niaiserie, alors est-il possible de faire un bon film romantique ? Bien entendu ! Eternal Sunshine of the Spotless Mind en est le parfait exemple. Un film qui explore l’amour jusque dans sa douleur la plus profonde couplé avec un style artistique époustouflant, puis une performance de Jim Carrey et Kate Winslet qui marque à jamais les esprits romantiques et torturés.

D’autres films assument le pathos, les larmes, le niais, et malgré tout, ça marche. On pense à N’oublie jamais  (The Notebook), où s’enlacer sous la pluie n’a jamais été aussi romantique et larmoyant que quand c’est Rachel McAdams dans les bras de Ryan Gosling.

Voici une sélection des histoires d’amour qui ont marqué le cinéma : les robotiques avec Wall-E ou Her, les passionnelles jusque dans la chaire pour Bones and All, les poétiques comme Edmond ou Roméo + Juliette , ou même musicales à la Moulin Rouge ! ou La La Land.

Les Liaisons dangereuses, roman épistolaire de référence dans la littérature française, publié en 1782 et écrit par Pierre Choderlos de Laclos, explore les vices et passions de deux nobles lors du siècle des Lumières. Ce livre est composé de 175 lettres que s’échangent une multitude de personnages, mais quatre d’entre eux (Valmont, Marquise de Merteuil, Mme de Tourvel, Cécile de Volanges) écrivent 128 des 175 lettres du roman.

C’est un roman où rien n’est laissé au hasard, analysant en profondeur la psychologie des personnages, des libertins qui manipulent et de leurs victimes. Difficile donc de retranscrire un roman épistolaire, sans dialogue direct, avec une finesse d’analyse psychologique aussi élevée. Pourtant, Stephen Frears l’a fait avec talent dans son adaptation de 1988.

Le réalisateur britannique a parfaitement su donner un rythme sobre et maitrisé à son film pour mettre en valeur un casting exceptionnel. Glenn Close est époustouflante de méchanceté, de manipulation et de froideur dans la peau de Marquise de Merteuil. John Malkovich a su retranscrire toute l’ambiguïté de son personnage,le Vicomte de Valmont. Comme Mme de Merteuil, le personnage utilise la séduction pour son plaisir, pour manipuler, et arriver à ses fins, mais il a une faiblesse : il tombe amoureux. On peut aussi venter le talent d’Uma Turman, (18 ans à l’époque), dans le rôle de la naïve Cécile de Volanges, et du jeune Keanu Reeves incarnant le chevalier Dancerny. Sans oublier, bien entendu, Michelle Pfeiffer dans la peau de Madame de Tourvel.

Dans la liste des adaptations de ce livre Ô combien classique de la littérature française, nous pouvons relever Sexe intention. Une adaptation moderne et américaine de l’histoire de Choderlos de Laclos, sortie en 1999, qui a réussi à moderniser l’intrigue et les personnages tout en gardant une dimension psychologique qui a fait le succès du film à la fin des années 1990.

Les Anglais ont l’agent 007, en France, nous avons OSS 117. De René Coty au Général de Gaulle, Hubert Bonisseur de la Bath est un agent fidèle à son président. Toujours le mot (presque) juste, un talent (et une chance) incroyable, une âme anti-nazi qui ferait pâlir Indiana Jones, un esprit rempli de bonté (et surtout de préjugés) envers les autres pays, OSS 117 fait honneur à l’humour français et à sa blanquette.

Un personnage littéraire créé en 1949

OSS 117, c'est avant tout un personnage de fiction créé par Jean Bruce en 1949, repris par son épouse après sa mort, puis par ses enfants. S’il a tout d’un James Bond, il a pourtant été créé 4 ans plus tôt. Il est le héros de 88 livres pendant lesquels OSS 117 se bat contre les nazis, les Russes, les Chinois, les différentes mafias et autres malfaiteurs. Dans les livres et premiers films, il est agent secret au service des Américains. Il passe au service de la France lors des adaptations cinématographiques de Michel Hazanavicius avec le désormais indétrônable Jean Dujardin.

OSS 117 au cinéma

1957 marque le début de l’agent secret au cinéma avec OSS 117 n’est pas mort de Jean Sasha. Le réalisateur André Hunebelle prend ensuite la main jusqu’en 1968.

Avec OSS 117 Le Caire, nid d’espions, Michel Hazanavicius a propulsé le personnage créé en 1949 sur le devant de la scène. Porté par le sourire narquois de Jean Dujardin, Hubert Bonisseur de la Bath est devenu une manière pour le réalisateur de rendre hommage aux années 1950 et 1960. Hazanavicius respecte les codes de réalisation de ces années-là et demande à Jean Dujardin de s’inspirer d’Eddie Constantine et Sean Connery. Ajoutons à cela un humour moqueur, noir, subtile parfois, exagéré d’autres fois, rempli d’autodérision d’une France d’après-guerre, et l’ère Michel Hazanavicius ne pouvait être qu’un franc succès.

Cette liste commence par l’ère Michel Hazanavicius et Nicolas Bedos avec Jean Dujardin, puis revient dans le temps pour explorer les films des années 1960

La plus grande difficulté avec une comédie, c’est de la rendre intemporelle. On se souvient tous de films qui nous ont fait hurler de rire il y a plusieurs années, et qui ont perdu de leur superbe aujourd’hui. Mais parfois, il y a des pépites, comme Le Dîner de Cons, qui faisaient rire la France en 1998 et la fait toujours autant rigoler plus de 25 ans plus tard.

Puisque le rire est façonné par le contexte, il est tout autant difficile de rendre un film drôle internationalement. Est-ce qu’Astérix & Obélix : Mission Cléopâtre, référence du film comique pour beaucoup de Français, ferait rire un Allemand ou un Anglais ?Difficilement, sûrement. Pourtant, Intouchables, àl’humour plus universel, a ému et diverti le monde entier. Puis il y a l’humour américain où le gag est omniprésent, l’humour britannique qui mélange traits d’esprit et absurde, ou bien l’humour belge qui n’est plus à présenter.

En bref, faire une liste des films drôles n’est pas chose aisée, mais chez JustWatch, on aime la difficulté. Avouons aussi qu’il est indispensable de connaître ce genre de film : “Avoir la ref” nous permet de briller en soirée, et faire rire nos amis, car la plupart des films de la liste sont des ressources sans fin en punchlines toutes plus drôles les unes des autres.

Cette liste compile des films de plusieurs époques et plusieurs pays, aux humours très différents. Si vous avez un petit coup de mou, que la déprime toc à votre porte, allumez la télé, regardez un des 60 filmslistés, et reprenez le sourire.

Les documentaires ouvrent les esprits et parfois les yeux, ils peuvent être politiques, musicaux, beaux,prenants, terrifiants. Ils capturent la tristesse de l’humain, mais aussi sa joie, son combat, ses espoirs. Ils crient à la beauté de l’environnement, mais aussi à l’injustice du monde. Ils racontent des histoires des plus simples aux plus grandioses, des plus banales aux plus influentes, en leur donnant la même importance.

Difficile de passer à côté de Navalny : l'homme que Poutine n'a pas réussi à tuer le documentaire ayant reçu l’Oscar du Meilleur film documentaire 2023 et racontant la tentative de meurtre sur Navalny, le principal opposant à Poutine, empoisonné en août 2020. Difficile aussi d’ignorer Retour à Reims (fragments)de Jean-Gabriel Périot et son César du Meilleur film documentaire, plus intime, proche du peuple, contant l’histoire du monde ouvrier.

Cette liste, non exhaustive, dans le désordre, tend à représenter l’immense variété de documentaires. Des plus terribles comme Nuit et Brouillard, à ceux porteurs d’espoir comme Allons enfants ou Demain, en passant par des fresques de la nature et du monde comme Samsara et Planète bleue.