Hay algo profundamente dramático en el percatarse, de repente, de que todo lo que podía ir mal efectivamente ha salido por la auténtica culata. Y hay algo de farsa tristemente realista en la pésima gestión que suelen llevar las autoridades en los desastres del cine y las series.

La gravedad, el vértigo, han alimentado grandes dispositivos de acción audiovisual, como el biombo que Kathryn Bigelow ha montado en la reciente Una casa llena de dinamita (2025), donde un misil nuclear avanza directo hacia la Casa Blanca ante la mirada atónita –primero incrédula y luego perdida– de todo el cuerpo de Seguridad, incluidos los muy capaces Idris Elba y Rebecca Ferguson, que ante un final inevitable deben jugar la carta del “sacrificio necesario” y del “daño colateral”.

Pero la de Bigelow, que está sacudiendo todos los debates tras su estreno en Netflix, ha sido solo una de tantas películas y series que estos últimos diez años han prendido el desastre nuclear como mecha narrativa. Antes, hubo muchas más: desde grandes éxitos como la comedia negra ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) hasta perlas desconocidas, tales que la espeluznante Cuando el viento sopla (1986), una de las películas de animación que no deberías ver con criaturas. Aquí destacamos las cinco mejores de los últimos diez años, porque sólo mirando a la última década ya comprobamos qué tan cerca de casa caen las bombas de la ficción.

Shin Godzilla (2016)

Del japonés que mejor ha imaginado los mecha como puerta al absurdo humano, Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion, 1995) en colaboración con Shinji Higuchi, llega la mejor película sobre el desastre nuclear de los últimos diez años, y una de las más destacables dentro de toda la historia de Godzilla. Eso es porque antes que celebrar sin más la iconografía del enorme lagarto mutante, Shin Godzilla (2016) acierta en reducir la receta de la ficción kaiju en una receta minimalista.

Primero, ahonda en lo primitivo e imberbe que resulta el desastre, que Godzilla encarna entre costras de lava seca, supurando sangre caliente sobre las calles de la ciudad. Y luego, construye el peso de la narrativa sobre una sátira sin treguas alrededor de la burocracia y la incapacidad de reacción de un gobierno que no se decide, y no actúa a tiempo. Aunque el kaiju lleve implícito el signo nuclear, estos dos ingredientes son los que más lo acercan a la realidad que conocemos.

Los días (2023)

De otro grande del cine japonés, Hideo Nakata (El círculo, 1998) a cuatro manos con Masaki Nishiura, la miniserie Los días (2023) podría funcionar como episodio complementario al desastre de Shin Godzilla, pero ahora centrándonos en el componente humano de la ecuación. Protagonizada por los abanderados del cine nipón en el panorama internacional, Koji Yakusho y Ken Watanabe (y Fumiyo Kohinata, recurrente de Takeshi Kitano), los capítulos hacen una crónica tan detallada como dolorosa de los siete días críticos que siguieron al tsunami que golpeó la central nuclear de Fukushima en 2011.

En este tiempo, ingenieros, operarios y políticos debieron tomar decisiones imposibles frente a la incertidumbre total, unas arenas movedizas a todos los niveles que la serie reconstruye de forma muy japonesa –muy a lo Yoji Yamada, en Verano de una familia de Tokio (2017)–, es decir, siempre con el esfuerzo colectivo por bandera. Para convencernos de que incluso en las situaciones más precarias hay que buscar la mano ajena.

Hora de aventuras (2010)

Hora de aventuras (2010) parece, a primera vista, un subproducto infantil repleto de chistes absurdos y de colores brillantes. Pero de naíf, el fondo de la serie creada por Pendleton Ward, no tiene nada. Ambientada en la Tierra de Ooo, un mundo nacido tras la enigmática “Guerra de los Champiñones”, el día a día de Finn el humano y Jake el perro va desvelando ruinas ancestrales y criaturas mutantes que son restos de nuestra civilización extinta, que era el hogar de un Finn con lagunas en la identidad y la memoria.

Ahora, en muy raras ocasiones se deja aplacar la comedia por la melancolía: de forma radicalmente opuesta a las narraciones en presente de la catástrofe nuclear (Chernobyl) y sin caer en la referencia vacua de Fallout a nuestro tiempo, Hora de aventuras toma de la mano el espíritu juguetón del surrealismo y arranca a encadenar rimas sobre la ambivalencia de un mundo muy vivo, y muy raro. Quizás la más luminosa, aun desconcertante, de las ficciones nucleares.

Chernobyl (2019)

Ha sido ya tan aplaudida que poco queda decir para recomendarla. La miniserie creada por Craig Mazin (Los últimos de nosotros, 2023) y dirigida por Johan Renck (detrás de Breaking Bad) apuntaba sin dejarse un punto en las íes sobre la catastrófica cadena de errores humanos, negligencias burocráticas y sacrificios heroicos que marcaron la tragedia histórica de la central nuclear ucraniana. La crítica ha insistido mucho en cómo la precisión asfixiante nunca juega en detrimento del pulso narrativo de las tramas, y realmente este es un portento de atmósfera radioactiva. Chernobyl (2019) es un recordatorio de cómo la negación y el miedo pueden ser tan letales como el accidente mismo, y un retrato sombrío y profundamente humano. 

Ahora, y sé que esta es una opinión impopular, pero me distancia de la serie ver las caras de Jared Harris, Stellan Skarsgård y Emily Watson, en papeles del este de Europa. Es como cuando Penélope Cruz forjó un acento cubano irrisorio en La red Avispa (2020): no cuela.

Fallout (2024)

Aligerando el tono y lloviendo sobre mojado, te digo: si has jugado al Fallout 3 o 4, o al New Vegas, quieres ver cómo encara Fallout (2024), la televisión ha imaginado la Vault-Tec, la Hermandad del Acero, los necrófagos y los rifirrafes por la supervivencia en el páramo. Es el desastre nuclear vuelto Funkopop.

Una historia de aventuras detectivesca, en el juego la trama atómica que persigue Ella Purnell no era más que la excusa para salir a explorar, pero la adaptación de Geneva Robertson-Dworet y Graham Wagner nastante fiel en espíritu, tiene amputaciones, música country, chistes verdes y a Kyle Maclachlan. ¿Qué más quieres? Y lo demás es world-builiding sobre el fantástico mundo (de mierda) que el hongo nuclear nos dejó.

En los despachos de Hollywood, se toman decisiones más inverosímiles que el universo de samuráis galácticos, bebés verdes arrugados y babosas esclavistas, y esta es una de ellas. Adam Driver hizo público unos días atrás como Disney había rechazado la mejor idea que veremos en años para la franquicia de La guerra de las galaxias. 

El actor explicó que propuso a los ejecutivos de Lucasfilm y Disney volver a la saga con una nueva película alrededor de su personaje, Kylo Ren o Ben Solo. Además, admitió haber cerrado un primer pitch escrito con Steven Soderbergh, el responsable de éxitos unánimes de público y crítica como Ocean's Eleven. Hagan juego (2001) o Confidencial (Black Bag) (2024). Lo increíble es que Bob Iger dijo que no. Y acto siguiente, lanzó el muy tibio tráiler de Star Wars: The Mandalorian and Grogu (2026). Tómate una pausa para digerir esto.

¿Qué proponía Adam Driver para ‘The Hunt of Ben Solo’?

El proyecto llevaba por título The Hunt for Ben Solo y seguía la historia del enfant terrible de Han, en un regreso inesperado tras morir en brazos de Rey (Daisy Riley) en Star Wars: El ascenso de Skywalker (2019). El actor describió la película como un guion “hecho a mano y centrado en el personaje”, comparándolo con El imperio contraataca (1980): “Es uno de los mejores guiones de los que he sido parte”. Steven Soderbergh, por su parte, añadió: “Me encantó hacer esta película en mi cabeza. Sólo me sabe mal que los fans no puedan verla”. En el proyecto, además, figuraba el guionista Scott Z. Burns, colaborador habitual de Soderbergh en proyectos tan dispares como ¡El soplón! (2009) o The Laundromat: Dinero sucio (2019).

Por lo visto, tanto Dave Filoni como Carrie Beck y la misma jefa de Lucasfilm, Kathleen Kennedy, adoraron la idea y animaron a Adam Driver a presentarla hará unos meses a los altos ejecutivos de Disney, que tiene la última palabra sobre la saga.

¿Por qué ha rechazado Disney la idea de Adam Driver para ‘Star Wars’?

Así lo hizo. Bob Iger y Alan Bergman lo recibieron en los despachos, de donde salió con un “no”, sin más, por respuesta. Según Driver, la pareja rechazó el pitch alegando que “simplemente no veían cómo podía seguir vivo Ben Solo, y ya está”. Lo cual, amigas, huele a mala excusa. En la última película del canon principal de Star Wars, El ascenso de Skywalker, Palpatine volvía sólo porque sí. Y no es la única película de la franquicia con regresos inexplicables: Darth Maul sobrevivía a ser cortado por la mitad en La amenaza fantasma (2001) y en El libro de Boba Fett (2021) el cazarecompensas salía del Pozo de Sarlaac, donde había caído en El regreso de Skywalker. En definitiva, no les hubiera costado mucho encontrar una razón para devolver al hijo de Han Solo a la vida… Si nos mofamos con unanimidad del regreso de Palpatine, fue porque la película en la que aparecía era simplemente mediocre.

Por qué Disney se equivoca impidiendo el regreso de Ben Solo

Imagina qué podría hacer Adam Driver, un actor de solvencia probada en proyectos de alto presupuesto y voz autoral como Ferrari (2023) o Megalópolis: Una fábula (2024) creando desde cero una faceta desconocida para un personaje ofensivamente desaprovechado en el universo de Star Wars. Súmale las cuatro décadas de grandes películas de Steven Soderbergh, incluyendo una Palma de Oro en Cannes (fue el más joven en conseguirla) y estudios de personaje tan potentes como El asesino (2023).

Ahora piensa en los proyectos que sí está tirando adelante la factoría Disney, empezando por Mandalorian and Grogu de Jon Favreau o Star Wars: Starfighter, de Shawn Levy. Levy (Deadpool y Lobezno, 2024) y Favreau (El rey león, 2019) cosechan grandes taquillas, pero no sin invertir antes presupuestos desorbitados y nunca saliéndose de los caminos bien demarcados por las tendencias que ya triunfan o los cánones de las sagas adonde aterrizan.

Tampoco es que Steven Soderbergh sea el colmo del riesgo autoral, porque no olvidamos los revienta-taquillas de la trilogía de Ocean’s Eleven o de Una mujer audaz (2000). Pero por lo menos traería sangre nueva a un imaginario que lleva tiempo mostrando signos de agotamiento, entre series que –a excepción de Star Wars: Visions– acaban viéndose todas iguales. Aceptémoslo, no será la primera ni la última vez en que un estudio de Hollywood rechace una idea tentadora. El mes pasado, conocimos que Steven Spielberg había propuesto a los ejecutivos de Activision dirigir una adaptación de Call of Duty, y que dijeron que no. Será que no entendemos los secretos de la Fuerza, pero hay decisiones que no tienen mucho sentido.

Con el reciente éxito de Maintenance Required en streaming, era inevitable repasar las nuevas rom-coms que nos trajo el 2025. Aquí encontrarás toda la información para sumergirte en las nuevas comedias románticas que están llegando a plataformas como Netflix, Prime Video o Apple TV+. 

Desde enredos parisinos hasta romances en universidades británicas o encuentros inesperados que cambian vidas, estas historias mantienen vivo el espíritu del género. Algunas son ligeras y encantadoras, otras más melancólicas o reflexivas, por eso las he ordenado de menor a mayor encanto romántico, para enamorarte poco a poco de cada una.

10. French Lover (2025)

Empiezo la lista con French Lover porque tiene todo lo que buscamos en una rom-com con alma europea: encanto, imperfección y un romance que no depende de clichés. En esta película una estrella de cine en decadencia se cruza con una mujer corriente que intenta reconstruir su vida tras un divorcio. Es un título que recuerda a Un lugar llamado Notting Hill, pero con un tono más melancólico, más adulto, y menos “cuento de hadas”.Ideal para quienes disfrutan de las historias sobre personas reales, con cicatrices, que aún creen (aunque les cueste admitirlo) en la posibilidad de empezar de nuevo.

9. The Roses (2025)

Tengo que  confesar que aunque está en uno de los últimos puestos de la lista, The Roses es la que más captó mi atención desde que me enteré de su premisa. Es una comedia valiente que explora la fase menos idealizada del amor y se siente como una de esas películas que parecen predecibles hasta que no lo son. La historia gira en torno a una pareja que lleva años juntos y decide enfrentarse a la pregunta más temida: ¿y si el amor ya no alcanza? Si Historia de un matrimonio te pareció demasiado dolorosa y Separados demasiado superficial, The Roses encuentra un punto medio: romántica, sí, pero también brutalmente honesta. 

8. El otro París (2025)

En El otro París, una mujer se inscribe en un programa de citas convencida de que volará a París, Francia pero termina aterrizando en París, Texas y allí descubre un amor inesperado. Esta película representa ese tipo de rom-com ingeniosa y autocrítica que toma un cliché como “buscar el amor en la ciudad del romance” y le agrega una pizca de humor juvenil. Su premisa absurda me recuerda bastante a Emily in Paris, pero con un espíritu un poco más irónico al estilo (500) días juntos. Es ligera, fresca y perfecta para quienes disfrutan de las comedias donde el desastre inicial termina siendo lo mejor que podía pasar.

7. Mi amiga Eva (2025)

Lo que me gusta de esta película es cómo transforma la crisis en una forma de liberación. No busca el romance idealizado, sino uno vivido desde la experiencia y la duda. Tiene el aire maduro de No es tan fácil, pero con el toque más íntimo y contemplativo de Call Me by Your Name, aunque su visual y estética está muy lejos de ambas en comparación. Mi amiga Eva sigue a una mujer de cincuenta años que, durante un viaje de trabajo a Roma, se da cuenta de que quiere volver a sentir algo que hace tiempo perdió. De regreso a Barcelona, decide romper con la comodidad de su vida familiar y lanzarse al vértigo de empezar de nuevo. Para quienes han amado, perdido y vuelto a amar aquí van a encontrar una joya inesperada

6. My Oxford Year (2025)

Si quieres reírte pero también soltar algunas lágrimas, esta película basada en la novela de  Julia Whelan es justo para ti. My Oxford Year sigue a una joven becaria estadounidense que llega a Oxford dispuesta a concentrarse en su carrera política hasta que un profesor carismático se cruza en su camino. Es muy bella porque comienza como una comedia romántica universitaria y termina convertida en una meditación sobre la pérdida y la madurez. Si te emocionó Me Before You, aquí encontrarás el mismo tipo de amor contado con mucha sensibilidad. Es ideal para los que disfrutan del drama romántico con inteligencia emocional y escenarios de ensueño.

5. Splitsville (2025)

Creo que Amores compartidos es una de las comedias románticas más ingeniosas del año y una que seguiremos recordando en el futuro por ser absoluto caos. La premisa suena simple: un grupo de divorciados que se muda al mismo barrio para empezar de nuevo. Pero aquí hay mucho más humor ácido del que esperamos en una cinta de este estilo. Tiene un reparto lleno de carisma que incluye a Dakota Johnson  y diálogos afilados que siempre aprecio en el género.  La coloco aquí porque logra algo que pocas rom-coms contemporáneas consiguen, y es reírse del fracaso sin cinismo.

4. Oh Hi (2025)

Nunca pensé encontrarme con una película que sea básicamente la versión comedia romántica de Misery, pero aquí estamos y ¡vaya que sorpresa! En esta historia, Iris e Isaac intentan disfrutar de su primera escapada juntos, pero cuando la relación se tambalea, ella se aferra a la idea de que la frialdad de él es solo confusión. Su necesidad de salvar el vínculo la empuja a comportamientos cada vez más irracionales. Me gusta Oh Hi porque lleva la rom-com a su límite más incómodo donde el amor se convierte en obsesión. Tiene la ironía de Loca obsesión pero con un enfoque más íntimo y femenino. Es de esas películas que no te hacen suspirar, sino que te dejan pensando en los límites de lo que hacemos por no sentirnos solos, con muchas risas incómodas de por medio. 

3.  The Life List (2025)

Mi lista de deseos tiene todos los clichés que uno espera de una gran historia romántica pero ofrece algo más: una mirada tierna y esperanzadora sobre el paso del tiempo. La película sigue a una mujer que, tras la muerte de su madre, encuentra una lista de deseos que ella misma escribió cuando era niña. Decidida a cumplir cada punto, emprende un viaje que la transforma profundamente. Está en el top 3 porque logra equilibrar perfectamente el tono emotivo con la calidez del romance clásico. Es Come, reza, ama  con menos misticismo y más humor. Ideal para quienes disfrutan de las películas que te hacen llorar un poco y sonreír mucho, como Posdata: te quiero.

2. Materialists (2025)

Aquí viene una recomendación para quienes aman el glamour de El diablo viste de Prada pero aún así quieren un toque romántico más clásico. Materialists es una sátira moderna sobre el amor, el dinero y el deseo de tenerlo todo. La historia sigue a una “matchmaker” de élite en Nueva York que organiza citas para millonarios  hasta que se enamora de uno de sus clientes. Gran parte del atractivo de esta película es su directora Celine Song (la mente detrás de Vidas pasadas) y el elenco que incluye al trío Dakota Johnson, Chris Evans, y Pedro Pascal. Recomendada por ser un festín visual y emocional que confirma que la comedia romántica puede seguir siendo inteligente y chic por igual.

1. El Piloto (2025)

El primer puesto se lo lleva una comedia romántica que sabe hacer reír, incomodar un poco y dejarte al  final con el corazón blando. El Piloto mezcla humor rural, tensiones familiares y la típica química entre polos opuestos pero con una sensibilidad más europea, menos idealizada y más emocionalmente honesta. ¿De qué trata?  La vida de una mujer da un giro inesperado de la noche a la mañana cuando un arrogante piloto de globo aerostático se estrella contra su gallinero y termina convirtiéndose en su nuevo vecino. Si buscas una historia cálida sobre segundas oportunidades, heridas familiares y la belleza de los encuentros improbables, El Piloto entrega lo que promete.

Llega Halloween y quieres compartirlo con las generaciones jóvenes de tu familia, ¡enhorabuena! Podrás ver cómo se maravillan ante mitologías que a ti quizás ya no te impresionan tanto, “sustos” que ya no te dan mucho pavor y monstruos que hoy sólo ves como disfraces. Si aciertas, quizás estés formando nuevos apetitos cinéfilos, porque ¿qué engancha más que una buena película de terror en edad temprana?

En JustWatch nos hemos propuesto recomendarte algunas películas fantásticas que puedes compartir con toda la familia, con algunas directrices. Primero, nos hemos propuesto ser variados en lo que respecta al origen de las películas (no todo es Estados Unidos), a las edades recomendadas e ir un poco más allá de los años noventa, donde parece que quedan el resto de listas disponibles en internet. Conocer el cine clásico está en la base de cualquier dieta cinéfila futura, ¿no? En fin, vamos con esa guía de películas para ver este Halloween con familia.

Los mundos de Coraline (2009)

Henry Selick se demostraba el gran artífice de las películas de terror family-friendly ya en Pesadilla antes de Navidad (1993), y en Los mundos de Coraline quiso ir un paso más lejos: sin ninguna música de por medio, construiría un universo inquietante y fantasioso, bello y sin miedo a impresionar.

Pero Los mundos de Coraline es la gran olvidada del fantástico para toda la familia de principios de los 2000, lo cual es injusto: primero, porque el concepto es genuinamente terrorífico (un país de las maravillas donde para quedarte debes coserte botones por ojos), y segundo porque todo el aparataje estético de esta joyita en clay-motion resulta brillante, único y cuidado con un cariño máximo. Para pre-adolescentes iniciados y neófitos en el terror.

Los crímenes del museo de cera (1953)

Los crímenes del museo de cera es una fantástica forma de poner cara a Vincent Price, uno de los actores más icónicos del cine fantásticol, junto a Boris Karloff (aquí figura con El doctor Frankenstein). De hecho, podemos recomendar igualmente la genial El fantasma de la ópera con Lon Chaney, pero debéis aseguraros de acompañar bien el visionado de esta perlita sin diálogos. En fin, la película de André de Toth da un argumento a un lugar de por sí inquietante, un museo de cera (ni os acerquéis al remake con Paris Hilton, por favor).

Aquí, un artista loco, una bella inocente y un cuerpo de policías algo tontorrones son el trenecillo perfecto para quienes no estén tan acostumbrados a ver cine y terror. Además, el hecho de que se hiciera en un muy incipiente 3D (fue la primera película en color en rodarse así) puede servir para enseñar cómo el cine, ya en los años cincuenta, trataba de superar los límites de la pantalla pequeña. Para niños más jóvenes, o con mucho miedo.

El círculo (1998)

Ojo, El círculo (la japonesa) tiene clasificación PG-13 (para mayores de 13 años). Eso sí, aunque contiene algunos sobresaltos, no es demasiado para los niños con algo más de aguante. Simplemente, acompañad bien el visionado y preparaos para verles alucinar. Que los jóvenes de casa puedan descubrir una película como ninguna que hayan visto antes me parece suficiente para justificar el riesgo a asustarles de verdad.

Si no estáis muy seguros, pero queréis arriesgaros con algo que dé miedo, miedo, o podéis ir a la versión estadounidense, El grito (2004) con Sarah Michelle Gellar, o podéis apostar por nuestra siguiente candidata en la lista, Los otros de Alejandro Amenábar.

Los otros (2001)

Como El círculo pero ahora en madera de roble, Los otros es una obra fundacional. Yo descubrí cuánto podía sorprenderme, engancharme y dolerme una película con Los otros de Alejandro Amenábar. No es sólo el giro final, que también podéis encontrar en El sexto sentido (1999). Es toda la ambientación gótica, que resulta obnubilante y casi marea, sin dejarnos de la mano en ningún momento. Resulta tan fácil de seguir por un adulto, que sepa apreciar los arrebatos infanticidas de Nicole Kidman y el trasfondo de la Guerra Civil, como por cualquier joven (no niño, por favor), que disfrutará con una historia de fantasmas a lo montaña rusa, digna de todas las versiones de Otra vuelta de tuerca de Henry James. Hay algún jumpscare, así que es para pre-adolescentes con algo de estómago.

Pesadilla antes de Navidad (1993)

Al contrario que Los mundos de Coraline, Pesadilla antes de Navidad, la película que Henry Selick dirigió para el productor Tim Burton es, antes que nada, una comedia musical. Y sí, hay un Hombre del Saco que está cosido a base de insectos, una novia cadáver, un perro fantasma y una Ciudad Halloween, pero aquí imperan la comedia, las canciones y la festividad. Por lo tanto, la recomendamos si tenéis a criaturas muy pequeñas o con poco aguante para el terror.

Como pasa con Hotel Transilvania (2012) o La familia Addams (1991), podéis presentarla como introducción al imaginario fantástico para luego dirigiros a otros referentes de los arquetipos que aquí salen a la pista, del vampiro sibilino al inocuo monstruo de Frankenstein. Para niños más pequeños, o con mucho miedo.

El doctor Frankenstein (1931)

Cuando recomiendo El doctor Frankenstein, lo hago sabiendo que muchos relacionaréis una película en blanco y negro con un aburrimiento. Pero explica bien las bases científicas, filosóficas y humanas de este cuento fáustico y descubrirás un mundo nuevo a quienes te acompañen. La adaptación de James Whale con Boris Karloff tiene todo lo esencial en una buenísima fábula: un héroe incomprendido, una moraleja sobre la negligencia y un mundo fantástico.

Ahora, si veis que la paciencia no sobra en el contexto en el que la proponéis, podéis optar por Frankenweenie (2012), que no es lo mismo pero quizás apele mejor al estómago de los no-iniciados. Yo la compartiría con niños muy curiosos, especialmente hasta la adolescencia.

El viaje de Chihiro (2001)

Pienso qué tanto puede disfrutar una criatura de El viaje de Chihiro (2001), sobre todo si los disfraces de Halloween empiezan a parecerle infantiles. Al final, igual que Coco (2017) pero menos evidente, es una puerta perfecta para explorar qué otros imaginarios del fantástico hay más allá de los confines de Estados Unidos. El viaje de ida y vuelta de Chihiro al balneario de los dioses está zurcido a base de escenas de acción y de introspección, pero sobre todo de espíritus que les darán vueltas por la cabeza mucho después de que termine la película. Para cualquier criatura, siempre bien acompañada.

Hay tantas buenas películas de terror disponibles de manera totalmente gratuita y legal en plataformas, que el pánico seguramente nos sobrevenga al escoger una. De entrada, están todos los clásicos que son de visionado “obligatorio” para cualquier fan del terror: ya sean las arcadas que provoca El ciempiés humano (2009), una de esas “pruebas de fuego” para la cinefilia adolescente, o abuelos del terror actual como Nosferatu (1922), que ya no nos da tanto pavor pero deberías conocer para tener medida sobre todo lo que se construyó encima.

O en la liga de terrores modernos, también puedes ver de forma gratuita la Insidious (2011) de James Wan. En fin, que hay mucho donde escoger y, ante el advenimiento de Halloween, toca ser expeditivos. Así que esta guía quiere descubrir 10 joyas del cine de terror que no te harán pagar por el susto, ordenadas según el miedo que creo que dan y las posibilidades de que las conozcas.

Hush (Silencio) (2016)

Hush (Silencio) (2016) es simplemente una grandísima perla oculta al gran público y te hará olvidar la existencia de tu móvil a base de dosis de tensión mucho más elevadas que tu típico slasher. La película de Mike Flanagan explota el jumpscare efectivo porque tiene por protagonista a una escritora sorda en una cabaña en el bosque, que debe sobrevivir a los asaltos de un maníaco en medio de la noche. Por lo tanto, si ella no oye al asesino, nosotres tampoco… Hasta que lo vemos. Y cuando lo vemos, temblamos casi tanto como viendo los zombis de The Sadness.

De un blanco y negro casi tan lustroso como el de Una chica vuelve a casa sola de noche (2014), la gracia definitiva de esta joya se debe a que Kate Siegel, la protagonista escritora, es de veras muy inteligente y da guerra a la altura del atacante. Esto no es un espectáculo de “ver cuándo matan a la rubia tonta”, más bien al contrario. Aplaudimos cada estrategia de esta ahijada de Laurie Strode en La noche de Halloween (1978) como una genuina partida de ajedrez.

The Sadness (2021)

No dormí nada la noche que vi The Sadness (2021), tanto asusta. Digamos que tomas el cinismo extremo, la crudeza visual y el contexto urbano de Seoul Station (2016) de Yeon Sang-ho, del director de Train to Busan (2016), le añades dos cucharadas de la acción física que tanto saben ejecutar en el cine tailandés, diez cubos de sangre e inyectas la mezcla con terror puro, en vena. Porque aquí, a diferencia de los zombis tradicionales, los infectados conservan su inteligencia, pero están dominados por impulsos de crueldad extrema… Y sonríen. Auténtico horror.

De forma parecida a La matanza de Texas o Al interior, dos perlas extremistas repletas de cuerpos mutilados: no veas esta película cerca de personas sensibles.

Al interior (2007)

Decía: subiendo todas las apuestas de su hermanada Mártires (2008), esta hija prodigio del Nuevo Extremismo Francés demostró que en el país del pan y del queso también hay espacio para las entrañas desparramadas por entre la mugre y las baldosas. En esta home invasion, bien al contrario que en Hush (Silencio), la protagonista embarazada nunca tiene una posibilidad ante una intrusa con la peor de las intenciones.

Al interior (2007) lleva el horror visceral y psicológico hasta límites insoportables: nunca asistiremos (por suerte) a otra escena como la de la cesárea que la intrusa ejecuta sobre el cuerpo de su atacada, retratada con los borbotones de sangre desparramándose alegres. Reímos de los nervios.

Verónica (2017)

A la risa nerviosa también ataca Verónica (2017), una de las perlas recientes del cine de terror español que, junto con Cerdita de Carlota Pereda, demuestra que se puede ser profundamente castizo y no tener nada que envidiar a los homólogos estadounidenses. De hecho, la película de Paco Plaza podría ser Expediente Warren: The Conjuring (2013) del Vallecas de los ochenta.

Ambientada en un destartalado edificio dormitorio donde (sobre)vive una joven que huye con sus hermanos (Sandra Escacena, entregadísima), un eclipse va a invocar la presencia de todas las criaturas sobrenaturales que Verónica sí puede ver, así como tres simpáticas vecinas que por las noches leen, seguro, los cuentos de Lovecraft. Apariciones demoníacas, muchos jumpscares, una final girl que no duda en coserse las heridas con grapadora y la absoluta falta de vergüenza del maestro Paco Plaza aseguran un visionado divertidísimo.

Cure (1997)

Me he dado el lujo de incluir dos perlas japonesas en la guía, ambas del mismo período pero con dos estilos muy diferentes: Cure (1997) da fe del mal rollo absoluto que puede inducirnos una cámara, una habitación vacía y un rincón a oscuras. Yo, por lo menos, no he sido capaz de superar nunca el nivel de terror en voz baja del gran Kiyoshi Kurosawa en Cure, aunque Pulse (Kairo) (2001) se le acerque mucho en materia de espantos  “domésticos”.

En breve, un policía investiga una serie de asesinatos cuyas víctimas aparecen con una herida de arma blanca en forma de equis y cuyos culpables son personas totalmente normales, sin ningún motivo. Algo está influenciando a la gente para matar, y ese algo está más cerca que nunca.

El círculo (1998)

Muy sencillo: ves un vídeo, te llaman, descuelgas y mueres en siete días. Nos sabemos el argumento de El círculo (1998) gracias a las innumerables versiones y parodias que de ella se han estrenado, desde el notable remake estadounidense de The Ring (La señal) (2002) hasta Scary Movie: no hay dos sin 3 (2003). Sin embargo, igual que con Cure, hay algo de la seriedad absoluta con la que la niña del vídeo emerge lentamente del pozo, arrastrándose a ti, que vuelve esta película una fuente de pavor sin fecha de caducidad.

El terror japonés contemporáneo está redescubriendo todo el poder de los monstruos que habitan dentro de nuestras cañerías y aparatos de televisor, y que hoy se manifiestan en animes como Jujutsu Kaisen (2020) o Chainsaw Man (2022). El origen de toda esta negrísima fauna se encuentra en El círculo o en la posterior La maldición (The Grudge) (2002).

Mad God (2022)

El primer pase de Mad God (2022) en el Festival de Sitges fue una auténtica fiesta: espero que el visionado, colosal, no desmejore mucho en casa. No por nada el maestro de los efectos visuales Phil Tippett dedicó tres décadas a imaginar y recrear esta pesadilla en stop motion, que sigue el descenso de un explorador enmascarado por un infierno mecánico poblado de monstruos y ruinas dignas de los inframundos de Lovecraft o de los recovecos steampunk de Mad Max: Furia en la carretera (2015).

En plan viaje lisérgico al fondo de la noche, más de ambiente y de imaginería demoníaca que de sobresaltos, en esta guía sólo resulta comparable al mal rollo que despierta en El círculo, cuyas grietas a la realidad podrían conectar perfectamente con el infierno heavy metal de Phil Tippett.

La matanza de Texas (1974)

Leatherface cosechó su estatus de clásico a base de garfios, motosierras y cuchillos carniceros, y por el camino quedó una de las películas más desagradables de la historia. La matanza de Texas (1974) no es sólo la madre de todos los slashers actuales (Cerdita, Al interior, incluso el terror en la puerta de La noche de Halloween), sino que representa también una culminación que ha contado con pocas competidoras al mismo nivel de violencia.

Desde que el autoestopista loco se sube a la furgoneta del grupo de estudiantes, sabemos que la única forma de que no acaben todos muertos pasa por dar la vuelta atrás y tratarse con años de terapia y, sin embargo, Tobe Hopper nos obliga a presenciar su evisceración como si de la chimenea navideña del Netflix del infierno se tratara. Simplemente tremenda.

Cerdita (2022)

Junto con Verónica, Cerdita (2022) demuestra que el fantástico español está más vivo (y sobretodo coleando) que nunca. Si no conoces este slasher asado bajo el calor veraniego de las llanuras extremeñas, pegajoso y oloriento como las ronchas entre las piernas, ya puedes correr a comprobar cómo Carlota Pereda no se corta un pelo en la sangre ni en la crueldad. Nuestra protagonista, a quien los abusones del pueblo llaman “cerdita” por su sobrepeso, lo pasa tan mal en la película que la directora decidió dar el papel (adolescente) a una actriz de treinta años, la fantástica Laura Galán.

Cuando esta finalmente toma venganza (aunque no de la forma en que lo esperaríamos), aplaudimos con cuchillos por manos. Y nos zampamos una loncha de mortadela de las que la madre, Carmen Machi, corta a diario en su carnicería. Que aproveche, supongo…

Halloween III: El día de la bruja (1982)

Si alguien trata de convencerte de que las terceras partes nunca fueron buenas, enséñale Halloween III: El día de la bruja (1982). Auténtica película de culto, el cierre de la trilogía original de La noche de Halloween no tiene nada que ver con Michael Myers pero sí mira de frente al clima que luego daría lugar a clásicos del terror corporativo como Están vivos (1988), en la que unas gafas nos permiten ver los hilos de titiritero de un complot (alien) a nivel planetario.

Por el estilo va Halloween III: una empresa planea un sacrificio masivo usando máscaras y señales televisivas. Estrenada en plena era del pánico satánico y del auge del consumismo, conecta con el miedo al control mental y a los niños inquietantes. Que aunque no den miedo real, como sí lo hace La matanza de Texas, sí la sitúan como referencia evidente de perlas contemporáneas como La Hora De La Desaparición (2025).

Esta no es otra guía con las mejores películas sobre animales donde incluir todo lo que camina a cuatro patas y sin zapatos (en el enlace, os he incluido la nuestra, que tiene algunas perlas). No, esta lista pretende ser la radiografía de un fenómeno que desde hace meses viene inundando los catálogos de las plataformas, los programas de festivales y las carteleras. Eso es: las películas narradas desde el punto de vista de un animal. Obras que, por estar explicadas por un ser vivo no humano, no se parecen en nada a los dramas con personas.

Aquí encontraréis perros, burros, gallinas, gatos, vacas… Y alguna sorpresa, que os desvelaremos más adelante (seguid leyendo). El cielo es el límite, dicen, aunque no hemos incluído ninguna fábula que no esté explicada enteramente desde el punto de vista de un ser animado no humano. Por ejemplo, he tenido dudas al incluir Flow, porque aunque el gato negro protagonista es capital y omnipresente, la narración no cambia a través de la perspectiva del felino, como en Los chicos de la Nickel (2024) la voz narrativa sí modifica la historia que se cuenta

Good Boy: Confía En Tu Instinto (2025)

Good Boy: Confía En Tu Instinto (2025) ha sido el fenómeno del último Festival de Sitges, por varias razones. Una, que en 75 minutos consigue explicar una historia de posesiones genuinamente terrorífica. Dos, que su protagonista Indy (el golden retriever del director Ben Leonberg y de su pareja y productora de la película, Kari Fischer) se ha demostrado un actor más que solvente.

Tres, que la suma de las partes no lleva a una película claustrofóbica, como sería de esperar por las limitaciones de su argumento: al final, el perro del protagonista es más inteligente que la media de las final girls típicas del género de la cabaña en el bosque y, cuando el mal acecha, procura huir de él. Igual que Flow, un mundo que salvar, Good Boy: Confía en tu instinto funciona como gran película, además de como gran fábula sobre nuestro mejor amigo.

EO (2022)

Junta la perspectiva de un asno con la perspectiva de un autor y tienes la película de Jerzy Skolimowski que revolucionó el Festival de Cannes. EO (2022) toma la premisa piadosa de Al azar, Baltasar (1966), en la que un burro crecía rodeado de niños pequeños para encontrarse de adulto ante los malos tratos y los trabajos más ruines de los humanos, pero sube la apuesta metafísica.

Ahora no son los ojos compasivos de Robert Bresson quienes miran al burrito, sino el burrito que ve cómo su realidad se tiñe y se distorsiona por la crueldad. Y cuya mirada quizás pueda enseñarnos algo sobre este mundo que vemos y creemos conocer. Compartió parrilla en Cannes con Vaca de Andrea Arnold, que no llega a las cotas aleladas de misticismo pero que tampoco tiene ningún pelo en la lengua.

Hen (2025)

Ahora visualiza cómo se mueve una gallina: a saltitos, simpática, ladeando la cabeza entre curiosa y ofendida. La protagonista de Hen (2025) es la única competidora a la altura de la expresividad de Indy en Good Boy, corriendo de un lado para otro cual Buster Keaton de la comedia animal en un road trip que la llevará del matadero a la casa de un abuelo de Heidi.

Pero la película que la sigue, el debut de György Pálfi, no es solamente mono. Es más: a partir de los treinta primeros minutos, cuando la gallina ya no corre peligro de que se la coman, es cuando a su alrededor –sin que la bicha se dé demasiada cuenta– empiezan a ocurrir las desgracias. Y es que Pálfi aprovecha para hacer una panorámica de los conflictos políticos de Grecia (desde la crisis de los refugiados hasta las mafias locales), a través de los ojos incomprensivos de una gallina. Ojo: como Vaca, Hen te dejará tocado.

Vaca (2022)

Vaca (2022) es, de entrada, una promesa dura pero en ningún caso traicionera. En el documental de Andrea Arnold, seguiremos a una vaca desde que entra en una explotación ganadera hasta que acaba sus días allí. En planos obtusos sobre su espalda, siempre cercando sus ojos (la cámara, como si fuera una mosca), acompañamos a la vaca en la que sabemos una vida corta pero muchísimo más compleja de lo esperado.

Especialmente, porque los pasajes en los que la cineasta la sumerge trascienden lo humanamente emocional. Al contrario que en Flow, cuesta mucho acotar a una experiencia antropológica lo vivido en Vaca, entre el videoclip y el slow cinema. Eso es porque ninguno de nosotros sentiría nada igual en una granja. Si el cine no es un gran ejercicio de imaginación…

Flow, un mundo que salvar (2024)

Es la más clásica y conocida de las presentes animaladas, pero resultaría insultante no incluir los esfuerzos narrativos de este Arca de Noé mudo y cien por cien libre de humanos. Flow, un mundo que salvar (2024) ganó el Oscar animado por acercarse a los pasos claves de la vida con la sensibilidad que los ojos de un gato, el compañero más cariñoso si se lo respeta. Y su éxito hizo que las adopciones a gatitos negros aumentaran en España.

Gustará a quienes aplaudisteis Robot salvaje como nueva imprescindible en el canon de la animación para toda la familia, aunque su gentileza no tenga nada que ver con la línea cruel del resto de integrantes de la lista (a excepción de la simpatía irresistible del perro de Good Boy, paradójicamente).

Presencia (2025)

Y aquí me permito dos excepciones, porque la cosa no acaba en plumas y zarpas si andáis buscando una película que se cuente diferente y más allá del punto de vista humano. Presencia (2025) de Steven Soderbergh nos enseñó que una historia de mansión encantada puede convertirse en un drama intimista si la cuenta el fantasma que mora en la casa. Presencia apuesta por enseñar todo lo que en una familia perfecta queda debajo de la alfombra, incluso lo más desagradable.

Demuestra así que el punto de vista es capital a la hora de definir los sujetos, y se une a perlas indie del género fantástico que han convertido los motivos más gastados del fantástico en excusa para explicar otra cosa: por ejemplo, cómo De Naturaleza Violenta (2024) nos hacía acompañar a un Mike Myers en un viaje lento, a ratos sangriento y sobre todo precioso por los bosques de la América profunda.

Goma (2010)

Otro experimento formal parecido a Presencia, aunque de tono mucho más cercano a la tradición 100% slasher de De naturaleza violenta, Goma (2010) nos pone en “los ojos” de un neumático asesino. Y luego, Quentin Dupieux/Mr. Oizo pone a su rueda a rodar por entre moteles de carretera, mientras esta va reventando las cabezas de quienes se cruzan en su camino.

Como Good Boy, Goma es una fiesta de puro alma fantástica. Sin ninguna vergüenza a la hora de acercarse al género, con un extra de violencia y velocidad que sólo puede imaginarse con unas rayas de alguna sustancia ilegal. El visionado perfecto para una tarde de cerveza y palomitas. Placeres humanos con olor a gasolina.

Si tuviéramos que elegir a una actriz española que haya logrado una carrera internacional, coherente y arriesgada, con toda probabilidad el nombre de Penélope Cruz sería el más pronunciado. 

Desde su debut adolescente hasta su consolidación como musa de Pedro Almodóvar y estrella de Hollywood, Cruz ha sabido moverse entre el drama, la comedia y el musical con una naturalidad que pocas actrices poseen. Su magnetismo, su expresividad y su capacidad para mezclar fragilidad y fuerza la han convertido en una figura única.

Si eres fan de la actriz, en esta guía de Justwatch repasamos las 10 mejores películas de Penélope Cruz, ordenadas por año de estreno, para descubrir cómo se convirtió en una de las actrices más admiradas de la industria.

Jamón, jamón (1992)

La película que lo cambió todo. Con apenas 18 años, Penélope Cruz debutó en Jamón, jamón, la fábula erótica de Bigas Luna que también lanzó la carrera de Javier Bardem (y que también es una de sus mejores películas). Su papel de Silvia, una joven atrapada entre el deseo y la frustración, refleja la mezcla de inocencia y sensualidad que definió al cine español de los 90.

La interpretación de Cruz, aunque aún instintiva, tiene una fuerza que anticipa la actriz en la que se convertiría. Frente a la energía física de Bardem, ella aporta vulnerabilidad y fuego interior. 

La película, exagerada y simbólica, puede verse como la semilla de lo que luego desarrollaría Almodóvar en Volver: el retrato de una mujer rodeada de hombres que la desean pero que son incapaces de comprenderla. Jamón, jamón no es solo el comienzo de su carrera, es el primer aviso de su poder magnético.

Abre los ojos (1997)

En Abre los ojos, dirigida por Alejandro Amenábar, Penélope interpreta a Sofía, una joven que se convierte en el ancla emocional de un hombre que pierde el control entre la realidad y el sueño. Su interpretación es delicada, casi etérea, pero también firme: representa la idea de la mujer que salva, que ilumina, que da sentido.

Comparada con Vanilla Sky, que es el remake estadounidense donde Cruz repite papel, su trabajo en la versión original resulta más genuino y conmovedor. Amenábar juega con los reflejos del amor y la identidad, y Cruz brilla en esa ambigüedad entre lo real y lo idealizado. 

Si en Jamón, jamón representa el deseo, Abre los ojos constituye la esperanza. Una evolución clara hacia la actriz más madura que veríamos en Todo sobre mi madre.

Carne trémula (1997)

El mismo año, Pedro Almodóvar le dio a Cruz uno de sus primeros papeles dentro de su universo cinematográfico: el de Isabel, una joven madre que da a luz en un autobús en plena noche madrileña. Aunque su aparición es breve, su presencia es clave: es el origen del drama sobre el que gira la película.

En Carne trémula, Penélope demuestra que puede llenar la pantalla incluso con pocos minutos. Su dulzura contrasta con la tensión sexual y moral que domina el resto del filme, algo que la emparenta con su rol en Madres paralelas, donde también es el eje emocional de una historia colectiva. 

Frente al erotismo de Jamón, jamón, aquí emerge su capacidad para transmitir ternura pura, sin artificio.

Todo sobre mi madre (1999)

Con Todo sobre mi madre, Cruz entra de forma definitiva en la familia Almodóvar y alcanza la consagración ante la crítica. Interpreta a Rosa, una monja inocente y luminosa que se convierte en símbolo de compasión en un mundo roto. Su actuación es contenida, sin dramatismos, pero cargada de humanidad.

La película (ganadora del Óscar a Mejor Película Internacional) es un canto a la maternidad, a la pérdida y a la empatía, donde Cruz representa la fe ingenua frente al dolor. 

Si Carne trémula mostraba su ternura, aquí la eleva a un nivel mayor. En comparación con Volver, donde su personaje se defiende del mundo, en Todo sobre mi madre lo abraza. Es una de las actuaciones más puras y luminosas de su carrera.

Todos los caballos bellos (2000)

En Todos los caballos bellos, Penélope Cruz da el salto al cine estadounidense junto a Matt Damon, en un drama romántico ambientado en el México rural de los años 40. Aunque la película de Billy Bob Thornton no alcanzó el éxito esperado, Cruz ofrece una interpretación elegante y trágica como Alejandra, una joven marcada por el amor imposible y las convenciones familiares.

Su trabajo recuerda al de Winona Ryder en La edad de la inocencia: ambas mujeres atrapadas entre el deber y el deseo. Frente a la espontaneidad del cine de Almodóvar, aquí Cruz explora el clasicismo, el tempo lento, la mirada nostálgica. 

Puede que la película no esté entre las más brillantes de su filmografía, pero fue crucial para abrirle las puertas de Hollywood y para demostrar su versatilidad cultural y lingüística.

Volver (2006)

Volver merece mención especial como punto de inflexión en su filmografía. Con esta película, Cruz alcanzó la cima de su colaboración con Pedro Almodóvar y recibió su primera nominación al Óscar.

Su interpretación de Raimunda, una mujer que carga con los secretos de su familia mientras lucha por salir adelante, es monumental. Combina la fortaleza de una heroína clásica con la humanidad de una vecina de barrio. 

Penélope brilla en cada plano, como lo haría Sophia Loren en Dos mujeres o Giulietta Masina en La strada. Frente al desenfreno de Vicky Cristina Barcelona, aquí domina la serenidad y la verdad. 

Es el papel que la consolidó como actriz total.

Vicky Cristina Barcelona (2008)

Woody Allen encontró en Penélope Cruz una fuerza impredecible, una actriz capaz de incendiar la pantalla sin perder precisión. En Vicky Cristina Barcelona, Cruz interpreta a María Elena, una pintora inestable y apasionada que vuelve a irrumpir en la vida de su ex marido (otra vez Javier Bardem). Su personaje es pura electricidad: cada gesto es arte y locura a la vez.

Gracias a este papel ganó el Óscar a Mejor Actriz de Reparto, y no por casualidad. Cruz dota a María Elena de un caos encantador que recuerda a Anna Magnani en La rosa tatuada o a Gena Rowlands en Una mujer bajo la influencia. 

Frente a la serenidad de Volver o la sobriedad de Madres paralelas, aquí se desata de manera completa. Es el arquetipo de la mujer libre, excesiva y herida: un torbellino de emociones.

NINE (2009)

En el musical NINE, inspirado en 8½ de Fellini, Penélope interpreta a Carla, la amante del director Guido Contini (Daniel Day-Lewis). En un reparto repleto de estrellas (Marion Cotillard, Nicole Kidman, Judi Dench), su sensualidad y vulnerabilidad la convierten en una de las figuras más memorables del largometraje.

Su número musical, “A Call from the Vatican”, es pura teatralidad: una mezcla de deseo y tristeza que recuerda a las divas del Hollywood clásico. 

Comparada con Vicky Cristina Barcelona, aquí canaliza la pasión a través de la danza y la música, demostrando su control absoluto del cuerpo y la voz. Aunque la película no tuvo el impacto esperado, Cruz brilla con un magnetismo que trasciende la pantalla.

Asesinato en el Orient Express (2017)

En la adaptación dirigida por Kenneth Branagh del clásico de Agatha Christie, Penélope Cruz interpreta a Pilar Estravados, una versión reinventada del personaje original. Su actuación es sobria y misteriosa, muy distinta al histrionismo de Vicky Cristina Barcelona o la emotividad de Volver.

Lo más interesante de Asesinato en el Orient Express es cómo Cruz aporta una gravedad silenciosa, una espiritualidad contenida que la separa del resto del reparto. Aunque el film tiene un tono coral, su presencia destaca precisamente por no buscar el protagonismo. 

Es un ejemplo de madurez interpretativa: la actriz que ya no necesita demostrar nada, solo habitar el personaje.

Madres paralelas (2021)

Pedro Almodóvar y Penélope Cruz volvieron a encontrarse en Madres paralelas, una película que aborda la maternidad, la memoria histórica y la identidad femenina con una sensibilidad extraordinaria. 

Su interpretación de Janis, una fotógrafa que descubre un secreto devastador, es casi con toda probabilidad la más compleja y emocional de su carrera reciente.

Cruz ganó la Copa Volpi en Venecia y fue nominada al Óscar por su interpretación. Su actuación equilibra fragilidad y coraje, mezclando lo íntimo con lo político, como lo haría Cate Blanchett en Blue Jasmine. 

En comparación con Todo sobre mi madre, aquí la maternidad ya no es símbolo de pureza, sino de lucha. Madres paralelas confirma que Cruz no solo es una gran actriz española, sino una de las más importantes a nivel mundial.

Porque el gran invento del siglo XXI fue que podías tener todo el cine disponible en tus manos sin arruinarte con tus mil suscripciones a plataformas, la guía que hoy te propongo es más necesaria que nunca. Y especialmente, porque este otoño viene cargado de buenos estrenos de ciencia ficción en las carteleras, desde el Frankenstein de Guillermo del Toro (disponible en Netflix el 7 de noviembre) al relanzamiento de Regreso al futuro cuarenta años después de su estreno.

Mientras tanto, hay muchísima ciencia ficción disponible legalmente en plataformas y tanta otra por la que no es necesario pagar ni un centavo. Si disfrutas el género, hoy te recomiendo diez muy buenas películas en clave sci-fi (también muy variadas) pero que puedes ver gratis, ya mismo. Además, te las ordeno de mejor a peor. ¿Vamos?

Stalker (1979)

En la zona prohibida, un guía conduce a dos hombres hacia una habitación que concede los deseos más íntimos. Stalker (1979), del mítico cineasta ruso Andréi Tarkovski, es una meditación sobre la fe, la desesperanza y el poder del anhelo humano en un viaje totalmente diferente a nada que hayas visto antes. Digamos, una película que lleva al fallo el músculo de tu cerebro.

Estrenada en plena Guerra Fría, refleja la desilusión y la desconfianza hacia el progreso científico entendido como único camino al progreso. En realidad, cuenta lo mismo que la genial Metrópolis de Fritz Lang: que el ser humano puede perderse por el deseo. Pero aquí no hay máquinas ni fuegos artificiales. De forma parecida al viaje de Solaris (también de Tarkovski), la opulencia es existencial y sacra. Vamos, es ver una película como quien entra en una catedral vacía.

Halloween III: El día de la bruja (1982)

Si alguien trata de convencerte de que las terceras partes nunca fueron buenas, enséñale Halloween III: El día de la bruja (1982). Auténtica película de culto, el cierre de la trilogía original de La noche de Halloween no tiene nada que ver con Michael Myers pero sí mira de frente al clima que luego daría lugar a clásicos del terror corporativo como Están vivos (1988), en la que unas gafas nos permiten ver los hilos de titiritero de un complot (alien) a nivel planetario.

Por el estilo va Halloween III: una empresa planea un sacrificio masivo usando máscaras y señales televisivas. Estrenada en plena era del pánico satánico y del auge del consumismo, conecta con el miedo a la viralidad que Cronenberg ya atisbaba en Rabia, aunque aquella apostaba directamente por el body horror y aquí la cosa va de control mental y niños inquietantes.

Mad God (2022)

Aún recuerdo la experiencia absolutamente fascinante del primer pase en sala de Mad God (2022), en el Festival de Sitges. Espero que el visionado, colosal, no desmejore mucho en casa. No por nada el maestro de los efectos visuales Phil Tippett dedicó tres décadas a imaginar y recrear esta pesadilla en stop motion, que sigue el descenso de un explorador enmascarado por un infierno mecánico poblado de monstruos y ruinas dignas de los inframundos de Lovecraft o de los recovecos steampunk de Mad Max: Furia en la carretera (2015).

En plan viaje lisérgico al fondo de la noche, en esta guía solo resulta comparable a la melancólica Psiconautas, los niños olvidados, que también emplea la animación para explorar el detritus de las noches. Pero creedme que el infierno de Phil Tippett sí es heavy metal.

Armageddon (1998)

¿Y tú, lloraste con Armageddon (1998)? Porque yo sí, y aunque hoy la película de Michael Bay se lee en clave de comedia –y como para no hacerlo–, yo la recuerdo como una experiencia conmovedora de verdad. El director de Pearl Harbor (2001) utiliza la catástrofe para despertar un patriotismo flagrante made in A-ME-RI-CA en esta epopeya donde un grupo de mineros debe salvar la Tierra de un asteroide. La idea sí es risible, pero también (y esa es la magia de Bay) hace la mejor de las películas de desastres del Hollywood de los noventa.

Infinitamente superior a la muy parecida Moonfall. Impacto lunar (2022), Armageddon es puro exceso visual, un ejemplo del cine de acción que sustituye el miedo nuclear por el apocalipsis celeste y que, como Plan 9 del espacio exterior, es preferible ver con una pizca de ironía. O eso, o con pañuelos cerca.

Palm Springs (2020)

La ciencia ficción “da que pensar” pero también puede ser divertidísima. Y aunque sabemos que siempre aborda miedos en presente, nos sorprende cuando toca tan de cerca a la actualidad como Palm Springs (2020). En uno de los grandes éxitos de la historia del Festival de Sundance, Andy Samberg y Cristin Milioti hacen de dos invitados atrapados en un bucle temporal que reviven eternamente una boda en el desierto.

En clave de comedia romántica volvemos al subgénero iniciado por Atrapado en el tiempo, añadiendo humor millennial y existencialismo posmoderno. Porque hoy quizás es más común tener crisis porque no sabes cómo dejar de comer triste delante del ordenador que porque la Vida ya no tiene Un Sentido. Aunque ello no te exima de ver Stalker de Tarkovski.

Metrópolis (1927)

La madre de todas las películas aquí listadas, no merece estar tan abajo en la guía pero supongo que la conoceréis de sobras. Si no, vais a flipar con los trucos de esta abuelita sci-fi mañosa. En Metrópolis (1927) Fritz Lang crea una ciudad futurista donde los obreros trabajan bajo tierra mientras los poderosos dominan desde las alturas.

Metrópolis es la catedral del cine expresionista alemán, hija del clima de desigualdad e industrialización de entreguerras. Su imaginería influenció desde el urbanismo nocturno de Blade Runner hasta las masas de clones de La guerra de las galaxias (1977), y comparte con Mad God la absoluta fascinación que despierta en quien descubre el universo faraónico que Lang orquestó, una Gotham futurista donde nadie queda a salvo de las garras del Estado opresor.

Psiconautas, los niños olvidados (2015)

Si Metrópolis es un cuento oscuro pero que aún da pie a rebelarse, la brillante Psiconautas, los niños olvidados (2015) simplemente no encuentra ninguna luz al final del túnel. Ahora, nadie negará que junto con Unicorn Wars y con Decorado, ahora en carteleras, es de las películas más espectaculares que la animación española ha producido nunca. Alberto Vázquez recrea los dibujos más oscuros que una criatura pueda parir para retratar un mundo postindustrial sin esperanza.

Psiconautas nacía en una España poscrisis, pero la falta de perspectivas y las alucinaciones surrealistas que acompañan a la depresión son hoy perfectamente vigentes. De hecho, la película aboga por el anti-escapismo porque nos asegura que ni en un mundo de ositos y ratoncitos adorables podemos escapar de la miseria y los complots apocalípticos.

Plan 9 del espacio exterior (1959)

No recomendaremos la aclamada “peor película de la historia del cine”, pero igual que Metrópolis o Stalker son visionados cinéfilos básicos, tienes que ver –sí o sí– el Plan 9 del espacio exterior de Ed Wood (1959). Por si has vivido fuera del planeta Tierra y no sabes de qué te hablo: el film cuenta cómo unos extraterrestres intentan detener la autodestrucción humana resucitando a los muertos.

Pero este plan, que de por sí no tiene mucho sentido, queda aún menos explicado por una película fabricada con los pies, que por suerte hoy se ha revisitado como un símbolo del cine de culto y la pasión amateur. Digamos que aspiraba a ser un Ultimátum a la Tierra (2008) pero acabó siendo el The Room (2003) del cine de ciencia ficción.

Rabia (1977)

No sé si es peor ver Rabia (1977) esperando encontrar una historia de vampiros, o todo lo contrario. Cuando vi esta perla temprana de David Cronenberg, que anticipa el terror clínico y la obsesión por la Nueva Carne que luego lo encumbrarían gracias a La mosca (1986), me la habían vendido como la evolución natural del vampirismo ligado al sexo, y me cuadró. También me mareó y me inquietó como pocas películas de zombis antes. Pero me cuadró.

Rabia sigue las andadas sangrientas de una mujer infectada tras una operación experimental, cuyo nuevo cuerpo provoca un apetito sexual incontrolable pero también… La rabia, literal. La película respira toda la paranoia de los años setenta: la obsesión incontrolada por el “progreso” médico, la represión del deseo y la fragilidad del organismo humano como campo de batalla. Y te aseguro, no hay minero fornido de Michael Bay que pueda luchar contra el Mal que llevamos dentro.

La caja Kovak (2006)

Si las ollas mentales de Cube (1998) y las paranoias sociales de El hoyo (2019) tuvieran un hijo, ese sería La caja Kovak (2006). En este thriller psicológico de Daniel Monzón, escrita por Jorge Guerricaechevarría (El día de la bestia), un escritor de ciencia ficción despierta en un hotel remoto donde se producen una serie de suicidios al son de una misteriosa melodía. 

Y no digo más, porque hay que entrar en la película como el ratón que avanza por un laberinto en sus títulos de crédito, o como quien entra en el primer episodio de la serie Perdidos, sin intuir la orografía imaginaria que Monzón planeó al detalle. A día de hoy, la cinta sigue despertando teorías en Internet. Yo no me la perdería.

Nada delata más el paso del tiempo que darse cuenta que el universo de Dora la exploradora lleva más de 20 años acompañándonos. Con su mochila, su mapa y una curiosidad infinita, se convirtió poco a poco en uno de los personajes más influyentes de la animación infantil. Desde su debut allá por el año 2000, la pequeña aventurera bilingüe le enseñó a millones de niños a lanzarse a la aventura, resolver problemas y por sobre todo atreverse a preguntar.

Con el estreno de Dora y la búsqueda del Sol Dorado en el 2025, la saga demostró que su magia educativa y aventurera sigue más viva que nunca. Desde series derivadas, especiales, películas y una versión en acción real, esta franquicia lo tiene todo. ¿Qué mejor oportunidad para repasar todas sus películas y series en orden? A continuación te cuento cómo se conectan entre sí y dónde puedes verlas desde España en las principales plataformas de streaming.

Dora la exploradora (2000-2019)

Esta fue la serie que lo empezó todo. El original Dora la exploradora de Nickelodeon presentó por primera vez en el 2000 a Dora Márquez, una niña bastante intrépida que invitaba a los pequeños espectadores a resolver acertijos y vivir aventuras mientras aprendían inglés junto a un mono llamado Botas. Infaltable también su mochila y su mapa. No exageramos cuando decimos que fue una revolución en la televisión educativa: cada episodio rompía la cuarta pared, convirtiendo al público en parte activa del viaje. Algo que hasta ese momento no era normal de ver en TV. Una serie con 8 temporadas pensada para preescolares y primer ciclo escolar que hasta el día de hoy sigue contando con una extensa base de fans. Si quieres adentrarte en este mundo, empieza por aquí.

Go, Diego, GO! (2005-2011)

Este fue el primer gran spin-off del universo de Dora. Aquí Diego, su primo, se convierte en protagonista de su propia serie como explorador y defensor de los animales. En vez de resolver acertijos, Go, Diego, Go! se centra en la acción y la ecología, con misiones de rescate y un relato mucho más dinámico. Comparada a la serie original, esta es más apropiada para un público de entre 5 y 8 años de edad. Con 7 temporadas y un tono tanto emocional como educativo, es ideal para aquellos que quieren ver más del universo de Dora, incluyendo su familia y entorno. Creo que destaca por que aunque refuerza el componente latino y familiar de la saga, muestra mucho más la importancia de la cooperación.

Dora y sus amigos (2014-2019)

Aquí nos encontramos con una Dora más grande y moderna que llega a la ciudad de Playa Verde. Sin su mochila mágica ni su mapa, ahora cuenta con un grupo de amigos con quienes resuelve problemas de su comunidad. Esta serie de tan solo 3 temporadas tiene una enfoque más musical y retrata temas como la amistad, la diversidad y el liderazgo. Se nota que es una serie que busca acompañar a su audiencia en el crecimiento, dando un paso hacia el público preadolescente. A  su favor tiene que busca modernizar la fórmula y lo logra sin perder la energía positiva de la original. Si quieres ver a una Dora en un entorno mucho más social y cantar con ella, Dora y sus amigos es una buena opción dentro de la franquicia.

Dora y la ciudad perdida (2019)

EL 2019 fue un año muy importante para el universo de Dora, y es que aquí es cuando se dio el salto al cine en acción real. En Dora y la ciudad perdida, Dora (interpretada por la actriz Isabela Merced) es una adolescente que decide dejar atrás la selva para estudiar en la gran ciudad, pero pronto se ve envuelta en una expedición para rescatar a sus padres y descubrir una antigua civilización en el proceso. Si te gustan películas como Indiana Jones, esta aventura aunque está muy lejos de alcanzar esa calidad o impacto cultural, si combina muy bien el humor familiar con guiños nostálgicos para quienes crecieron con la serie. Si Dora y sus amigos representaban el crecimiento de la exploradora, este film nos muestra una Dora aún más madura y autosuficiente. La curiosidad, el optimismo y el trabajo en equipo se mantienen intactos como siempre.

Dora: ¡Di hello a la aventura! (2024)

Más de veinte años después de su estreno, Dora regresó a su formato clásico con una serie animada esta vez en 3D. Con una estética moderna y retomando la interacción directa con el espectador busca cautivar a nuevas generaciones como supo lograrlo en sus comienzos. Podría decirse que es un reboot, pero funciona igual de bien para padres nostálgicos. ¿Buscas un show educativo para niños de preescolar pero con un ritmo más rápido y cinematográfico que la versión del 2000? Entonces Dora: ¡Di hello a la aventura! es exactamente a tu medida.

Dora: aventuras mágicas en el reino de las sirenas (2025)

Aventuras mágicas en el Reino de las Sirenas incluye cuatro episodios donde Dora y Botas regresan al océano para rescatar un tesoro perdido y ayudar a una sirena atrapada por un hechizo. El largometraje presenta una historia más ligera y mágica, perfecta para el público infantil. Tiene un estilo visual lleno de color, nuevas canciones y comparte el mismo mensaje que el resto de la saga: la curiosidad y la empatía pueden cambiar el mundo. Frente a Sol Dorado, que apuesta por la acción real y la mitología, Aventuras mágicas en el Reino de las Sirenas recupera ese tono más fantástico y musical de la serie clásica. Tal vez no sea extremadamente popular, pero para los más pequeños garantiza una hora de diversión y aprendizaje sin igual. 

Dora y la búsqueda del Sol Dorado (2025)

Para los que quieren una película de Dora más ambiciosa y madura, este título es perfecto ya que está dirigido a un público familiar y juvenil. Dora y la búsqueda del Sol Dorado es una secuela directa de la película de 2019 vuelve a reunir a Isabela Merced como Dora, esta vez en una aventura aún más épica y misteriosa. La trama es la siguiente: La joven exploradora viaja junto a Diego y un grupo de arqueólogos para encontrar una estrella dorada capaz de restaurar el equilibrio del mundo natural. Aquí se acercan un poco más al espíritu aventurero de Indiana Jones o La Búsqueda. Combina muy bien acción, mitología latinoamericana y temas ecológicos, convirtiéndose en la entrega más cinematográfica de la saga. Para mi, que no crecí con la serie original, esta merece una oportunidad, incluso aunque no sepas nada de esta franquicia. 

Sí, tú también eres un poco culpable. Las horas de debate que ha dado Sirāt (2025) la han convertido en un tema ineludible en casi cualquier reunión de amigos o familiares cinéfilos. Tanto, que si no la has visto seguramente andes un poco harto de tanto cuchicheo y de la repetidísima sentencia: “Tienes que verla”. De hecho, metería la mano en el fuego de que esta película de autor desconocido con reparto de actores naturales no estaría hoy tan arriba en nuestros rankings semanales si no fuera por el fenómeno social en el que se ha convertido. Seguramente la nominen al Oscar a Mejor Película Internacional sólo por lo explosivo de las conversaciones que se generan a su alrededor.

Pero Sirāt no ha sido la única que ha removido el caldero del discurso popular estos años. ¿Cómo son y qué comparten las películas de las que nos ha parecido “obligatorio” opinar en estas últimas décadas? En JustWatch os proponemos un recorrido por algunas de las más saltonas, desde principios del siglo con Irreversible de Gaspar Noé hasta la muy reciente La sustancia, que motivó un tipo totalmente opuesto de discusión cinéfila.

Sirāt (2025)

Sirāt (2025) vive en una polarización extrema, ya sea por el exceso de declaraciones místicas de Óliver Laxe o la absurdidad de los giros de la película. La cuestión es que el trance en el desierto que España ha seleccionado para competir en los Oscars lleva desde el Festival de Cannes, donde ganó el Premio del Jurado, siendo objeto de las discusiones más apasionadas.

En forma, el cineasta gallego no propone nada que en Mimosas (2016) no descubriera ya: un viaje al fondo del desierto en el que vamos desnudándonos hasta purgarnos, literalmente. Sin embargo, la guillotina de Juego de Tronos sigue teniendo un gran atractivo comercial y, como veremos en fenómenos como el de Irreversible, nos deleitamos en el sufrimiento de los demás. De lo único que no se está debatiendo alrededor de esta clara candidata a los Oscars 2026 es de la calidad de la música de Kanding Ray.

Barbie (2023)

La versión de Greta Gerwig no enfrentó a dos bandos tan claros en la palestra pública, porque no resultaba tan habitual encontrar a alguien que no la defendiera en medio del revuelo que Barbie (2023) y Oppenheimer (2023) levantaron aquel verano. Tanto éxito tuvo la que recaudara más de mil millones en la taquilla internacional que Gerwig ya está trabajando en adaptar las nuevas películas de la saga Narnia (2026). Si la añado a la guía, en realidad, es porque no haber visto Barbie aquel verano significaba caer en el ostracismo absoluto. Por primera vez en mucho tiempo, era vergonzante no haber ido a una sala de cine (sin mencionar toda la parafernalia de vestirse de rosa).

Barbie, como La sustancia, fue el producto de un cine concebido como evento que consumir con dresscode y palomitas. Y las críticas que se han levantado desde entonces contra la película –empezando porque es el producto de una gran corporación que “tuitea” alegre en nombre del feminismo– atinan al contemplar que lo de menos, en el julio de Barbie, fue el cine.

La vida de Adèle (2013)

La vida de Adèle (2013) arrancó su recorrido en Cannes con la pata coja, porque gran parte de la crítica alabó las tres horas largas de melodrama sobre las primeras veces en el amor, el dolor y el deseo (y ganó la Palma de Oro), pero otra parte de la opinión pública (y ha crecido con el tiempo) hizo notar la mirada notoriamente masculina que organiza película, especialmente en las escenas de sexo lésbico. Entre aquellas voces, figuraba incluso la de Jul Maroh, autora de la novela gráfica original.

Poco después, algunos miembros del equipo denunciaron un ambiente de trabajo cercano al “acoso moral”, y las propias protagonistas, Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos, afirmaron que trabajar con el director Abdellatif Kechiche fue una experiencia horrible, casi abusiva. La experiencia es similar a la de revisitar la violación de Irreversible o de El último tango en París (1972); y no, no hay manera de no tener una opinión al respecto.

Irreversible (2002)

Hay películas que nacieron para epatar. Y autores, como Gaspar Noé, con el don de ofender a cada título que estrenan: desde la eyaculación en 3D de Love (2015) hasta el infanticidio de Climax (2018). Eso sí, Irreversible (2002) es probablemente la más polémica de todas. Narrada del revés, sigue los pasos de una noche traumática en París.

Decir que la película dividió sería quedarse corto: alrededor de 200 personas abandonaron la proyección en el Festival de Cannes, y desde entonces muchos la han criticado por su representación gratuita de la violencia, con una larga violación en un final físicamente insoportable. Otros, en cambio, abrazan el cinismo como objeto artístico válido en sí mismo, casi necesario. La comparan con A Serbian Film (2010), hoy censurada en un puñado de países y que llegó en varias ocasiones a los juzgados… Aunque a mí parecer, no resulta tan chocante como la pintan las opiniones exaltadísimas que se formaron a su alrededor.

Star Wars: Los últimos Jedi (2017)

No todo el ruido mediático está justificado, y en mi opinión (ya que debemos opinar) hay muchas instancias en las que el grueso de fans simplemente se giran de espaldas a cualquier salida de lo inmediatamente conocido. Si en 2017 habías visto Star Wars: Los últimos Jedi y sólo te había parecido pasable o bien, no se te ocurriera publicar nada en redes sociales, donde la octava entrega de la saga era el único tema de conversación posible.

Pero aquí la opinión no venía de la crítica cultural o de las circunstancias problemáticas del rodaje: eran los memes los que triunfaban. Había quien se reía de los pectorales de Adam Driver, quien se mofaba de la gratuidad del fin de la trama de Palpatine y un ejército de fans reposteando montajes románticos, fuera de tono, de Poe Dameron y Kylo Ren. Antes del “evento Barbie” y antes de cerrar de forma templada con Star Wars: El ascenso de Skywalker (2019), así se hablaba el fandom en estado puro.

La sustancia (2024)

Derivan de la cultura meme que describimos sobre Star Wars: Los últimos Jedi, y se nutren del ruido mediático generado por lo memorable de las imágenes de Irreversible. Son películas pensadas para resultar inmediatamente icónicas, recortables y compartibles; virales. La sustancia (2024) es una de ellas: con los litros de sangre vertida y una estética fría pero saturada, muy “A24”, pide a gritos ser comentada. Y así fue.

Pasó algo parecido con Saltburn (2023), con escenas de una gratuidad irónica explicable sólo en un contexto social en que la publicidad la hacemos quienes opinamos de manera pública, usuarios rasos, influenciadores y críticos a la par. Opina mucho y trabajarás para otros.

El verano en que me enamoré es un fenómeno de tal magnitud que es imposible que solo vean la serie los espectadores adolescentes. La ficción de Prime Video es uno de los éxitos del año. Por eso, si ya has terminado su recién emitida tercera y última temporada, te recomiendo otras 10 series del género Young Adult para ver a solas o en familia.

Merlí (2015)

Es un clásico de la televisión española. Merlí profundiza con empatía y sin exageraciones en los problemas de los adolescentes a través de la relación que un profesor de Filosofía tiene con sus alumnos de instituto. El naturalismo en la interpretación de Francesc Orella como el referente adulto de estos chicos eleva el tono de la serie. Menos edulcorada que otra de las ficciones españolas de esta lista, Pulseras rojas, y que la propia El verano en que me enamoré, es tan educativa como Con amor, Víctor.

Yo nunca (2020)

Mindy Kaling, estadounidense de ascendencia hindú, se ha convertido en la voz de una generación de espectadores racializados. En The Mindy Project era la protagonista, siendo su propia versión de Carrie Bradshaw. Pero en Yo nunca se inspira en sus recuerdos para contruir un coming of age que rompe con mucha gracia los estereotipos de la comunidad sudasiática en Estados Unidos y también con algunos de los tópicos en torno a la adolescencia. Asuntos como el duelo prematuro y las tensiones culturales de los estadounidenses de segunda generación están tratados con mucha dignidad, hasta el punto de servir a los espectadores adultos como guía para tratar este tipo de asuntos con los más jóvenes. De nuevo, Con amor, Victor, resuena en esta ficción. Y de nuevo es un visionado con más capas que El verano en que me enamoré, que también cuenta con una creadora asiático-estadounidense, Jenny Han.

Mi vida con los chicos Walter (2023)

Una huérfana se muda de Nueva York a una zona rural acogida por la familia Walter, que ya tiene 10 hijos. Entre tantas posibilidades, es imposible que no nazca un triángulo amoroso a lo One Tree Hill o Dawson crece. Mi vida con los chicos Walter, a pesar del título y mi sinopsis, sabe explorar muy bien sus tramas secundarias y también sus temáticas. La protagonista, Jackie, no solo está preocupada por echarse novio, sino que crece en muchos otros aspectos de su vida. Es una buena alternativa a El verano en que me enamoré.

Maxton Hall (2024)

La industria alemana quería apuntarse un tanto a nivel internacional a través de una serie juvenil y lo ha conseguido con Maxton Hall a través de Prime Video. Inspirada en un éxito literario young adult, no destaca por su originalidad, con una premisa que ya hemos visto en Élite. Protagonista de origen humilde entra en una exclusiva escuela a través de una beca ganada con su esfuerzo académico, un término que sus millonarios compañeros de clase desconocen. Un puntazo de la serie es que haya grabado en uno de esos castillos alemanes a lo Disney. Y es el éxito en habla no inglesa más potente de su plataforma en toda su historia, así que  no vamos a negar a los espectadores jóvenes que tengan sus propios culebrones. Este tiene garantizado al menos tres temporadas. En la estela de las estadounidenses de esta lista The O.C. y One Tree Hill.

Friday Night Lights (2006)

Aunque tiene muchas menos cosas en común con El verano en que me enamoré que otros títulos, sitúo a Friday Night Lights en la mitad alta de la tabla porque es de largo la mejor serie de la lista. Está basada en la novela homónima ganadora del Pulitzer y como adaptación está a la altura del texto. Una pequeña ciudad tejana sacudida por la crisis vive el deporte como si fuera una religión. El equipo de fútbol americano del instituto recibe por tanto una presión inusual. Pero sus jóvenes integrantes ya tienen bastante con ser adolescentes. De su lado está el entrenador que cuida de ellos más allá del campo de juego. Guiones sobrios, tramas exquisitas, personajes bien perfilados con independencia de su edad y la valentía de renovar a casi todo su elenco para no tener que convertirse en un culebrón hacen de esta serie de cinco temporadas todo un clásico. Es como Merlí, pero en los vestuarios del instituto en vez de en sus aulas.

Con amor, Víctor (2020)

Como ocurrió antes con su película matriz, titulada Con amor, Simón, esta historia romántica puede que no sea inolvidable, pero es imprescindible al convertirse en la primera de este género interpretada por un adolescente gay. Con amor, Víctor busca glamurizar el asunto con sexo y drogas ni relega a la comunidad LGTBI+ al rol secundario, como sí ocurre en El verano en que me enamoré, anque se esfuerce en integrar personajes bisexuales y no binarios que no tenían presencia en las novelas originales. El antecedente claro de Heartstopper, también en esta lista.

The O.C. (2003)

En un subgénero como el de las series young adult, The O.C. es un clásico, aunque se estrenara en 2003. De nuevo chico pobre termina acogido por una familia rica y viviendo en un barrio de élite, en este caso en Orange County. El reparto de la serie, tanto el adulto como el juvenil, es fantástico. Combina a personajes villanos culebronescos con esa fórmula infalible de la literatura clásica (clásica de verdad) como Orgullo y prejuicio. Solo que en este caso no tenemos claro quién es el Darcy de la historia, el chico malo que se ablanda al encontrar el amor. Puede serlo Ryan, el chico de barrio que se muestra sensible y entrañable desde el principio, o Marissa Cooper, esa niña pija que, si no fuera por su clase social, tendría una ficha policial más larga que la de los conflictivos familiares de Ryan. Una versión edulcorada y juvenil de Melrose Place que luego ha inspirado a relatos como el de Maxton Hall.

Heartstopper (2022)

Como decía, en la ficción televisiva Con amor, Víctor caminó para que Heartstopper pudiera correr. De hecho, Heartstopper se hace más compleja porque son dos jóvenes gays protagonistas, cada uno de ellos con sus circunstancias y sus diferencias. Es como si el dulce protagonista de Con amor, Víctor se enamorara de uno de los personajes de Friday Night Lights y fuera correspondido. Además, esta serie es muy cuidadosa en respetar la esencia del webcómic en el que se inspira. De nuevo, no es tan excesiva como Élite o Euphoria y navega más cerca de las aguas de El verano en que me enamoré.

Pulseras rojas (2011)

La serie española Pulseras rojas es un young adult muy particular, porque ocurre en la planta de un hospital donde intentan aferrarse a la vida pacientes de entre 8 y 17 años. Es un relato de amistad como lo es Merlí que, aunque a veces resulta un poco cursi, emocionó al propio Steven Spielberg, quien produjo una versión estadounidense, The Red Band Society que no supera a la original española. Más trágica y profunda que El verano en que me enamoré.

One Tree Hill (2003)

Los primeros años 2000 fueron la era dorada de las series juveniles y en esa época nació One Tree Hill, prima hermana de The O.C. Dos chicos viven en el mismo pueblo pero sus existencias son muy diferentes, a pesar de que hay algo que les une. Son hijos del mismo padre. En la adolescencia, sus vidas se cruzan de varias formas diferentes. Diferencias de clase social, complejo triángulo amoroso, el deporte (en este caso el equipo de baloncesto del instituto) como telón de fondo… La longeva serie de nueve temporadas conecta con muchos títulos de esta lista, pero es más superficial que El verano en que me enamoré o Friday Night Lights.

Pocos actores españoles han logrado una carrera tan sólida, versátil y universal como la de Javier Bardem. Desde sus inicios con Bigas Luna hasta su consagración en Hollywood, Bardem ha transitado por todos los registros posibles: el drama social, la comedia negra, el thriller psicológico y el cine de autor más introspectivo. Su capacidad para transformarse, su magnetismo en pantalla y su dominio del silencio lo convierten en uno de los intérpretes más potentes del cine actual.

En esta guía de Justwatch repasamos las 10 mejores películas de Javier Bardem, ordenadas por año de estreno, para descubrir cómo se convirtió en uno de los rostros más respetados de la industria cinematográfica.

Jamón, jamón (1992)

El salto a la fama de Javier Bardem llegó de la mano de esta explosiva fábula erótica dirigida por Bigas Luna, donde compartió pantalla (y química) por primera vez con Penélope Cruz. 

En Jamón, jamón, Bardem interpreta a Raúl, un joven obrero que simboliza la virilidad ibérica en una historia de pasiones, celos y deseo carnal.

La película es un retrato exagerado y simbólico de la España posmoderna, donde aún lidiamos con algunos clichés. Su tono recuerda al surrealismo provocador de Almodóvar, pero con una mirada más carnal y menos sofisticada. La actuación de Bardem destila energía física y brutalidad, rasgos que luego refinaría en Carne trémula o No es país para viejos. 

Aquí no hay sutileza: hay instinto puro.

Carne trémula (1997)

En Carne trémula, Pedro Almodóvar le da a Bardem un papel mucho más complejo: el de un policía parapléjico atrapado entre el deseo, la culpa y la venganza. Frente al erotismo salvaje de Jamón, jamón, aquí aparece un Bardem más contenido, más matizado en el aspecto emocional.

La película combina el melodrama almodovariano con un tono noir que recuerda a otros filmes del director como Los abrazos rotos o La mala educación, y muestra a un actor que ya no solo impresiona por su físico, sino por su capacidad para transmitir vulnerabilidad. 

La interpretación de Bardem se sostiene en los silencios, en las miradas que duelen. Es el momento en que deja de ser una promesa y empieza a ser un intérprete serio, de fondo y de forma.

Éxtasis (1997)

En el mismo año de Carne trémula, Bardem protagonizó Éxtasis, un thriller existencial dirigido por Mariano Barroso. En él interpreta a Rober, un joven marginal que busca redención a través del engaño y la identidad robada. 

La película, aunque menos recordada, es esencial para entender el Bardem de finales de los 90: magnético, oscuro y carismático incluso en la ambigüedad moral.

Su interpretación aquí puede verse como un puente entre sus papeles más físicos y los más introspectivos. Si en Carne trémula había dolor, en Éxtasis hay desesperación. Es un personaje tan complejo como los que luego interpretaría en Biutiful o Antes que anochezca. 

La película comparte cierta melancolía con Trainspotting, pero desde un realismo mucho más seco y español.

Antes que anochezca (2000)

Antes que anochezca marca el momento en que Bardem conquistó Hollywood. Dirigida por Julian Schnabel, la película narra la vida del poeta cubano Reinaldo Arenas, encarnado por Bardem, quien ofrece una de las interpretaciones más valientes de su carrera.

Con una transformación física y emocional, construye un personaje que combina sensibilidad y rabia ante la represión. Es un trabajo que recuerda a Milk de Sean Penn o a Philadelphia de Tom Hanks por su compromiso humano y político. 

Bardem recibió su primera nominación al Óscar y demostró que podía borrar cualquier frontera lingüística. Si Los lunes al sol era su lado terrenal, Antes que anochezca es su alma.

Los lunes al sol (2002)

Con Los lunes al sol, Fernando León de Aranoa consolidó a Bardem como el rostro del cine social español. Su Santa es un obrero desempleado que, entre el humor y la resignación, simboliza a toda una generación golpeada por la precariedad.

Bardem brilla sin necesidad de impostar nada. Su interpretación es muy humana, una mezcla de ironía y tristeza que recuerda a los protagonistas de Ken Loach o incluso a los antihéroes de Full Monty. 

Es un papel con el que no busca brillar, sino representar a las personas que pasaron por lo mismo. Frente a la intensidad de Antes que anochezca o Biutiful, aquí domina la contención y la verdad. Es uno de sus trabajos más naturales y entrañables.

Mar adentro (2004)

Ganadora del Óscar a Mejor Película Internacional, Mar adentro supuso una cima emocional en la carrera de Bardem. Dirigida por Alejandro Amenábar, cuenta la historia real de Ramón Sampedro, un hombre tetrapléjico que lucha por el derecho a morir de manera digna.

La interpretación de Bardem es pura contención y serenidad, con una voz que parece venir desde lo más profundo del alma. La película, poética y luminosa, contrasta con la oscuridad de Biutiful, aunque ambas tratan la muerte como una forma de amor. 

En comparación con Mi pie izquierdo de Daniel Day-Lewis, Mar adentro demuestra que el sufrimiento también puede tener belleza. Es imposible no conmoverse ante su mirada.

No es país para viejos (2007)

El papel que convirtió a Javier Bardem en leyenda. En No es país para viejos, de los hermanos Coen, interpreta al asesino Anton Chigurh, una figura casi mitológica del mal. Su corte de pelo y su tono monocorde se volvieron icónicos, pero lo que realmente impresiona es su calma inhumana.

Bardem ganó el Óscar al Mejor Actor Secundario, y su personaje se convirtió en uno de los villanos más memorables del cine moderno, comparable al Hannibal Lecter de El silencio de los corderos o al Joker de El caballero oscuro (uno de las mejores películas sobre el personaje de Joker). 

A diferencia de sus papeles anteriores, aquí no hay redención ni ternura: solo destino y violencia. Un Bardem despojado de humanidad, y por eso resulta inolvidable.

Biutiful (2010)

Dirigida por Alejandro González Iñárritu, Biutiful es una de las películas más devastadoras de la carrera de Bardem. Interpreta a Uxbal, un padre enfermo que intenta asegurar el futuro de sus hijos mientras se hunde en la marginalidad.

Su actuación es un tour de fuerza emocional, comparable a la de Al Pacino en El Padrino III o a la de Benicio del Toro en 21 gramos. La cámara lo sigue como si fuera su conciencia, y cada gesto, cada respiración, transmite agotamiento y amor. 

Es el reverso espiritual de Mar adentro: si allí pedía morir, aquí se aferra a la vida con las uñas.

Skyfall (2012)

En Skyfall, Bardem se puso en la piel del villano Raoul Silva, uno de los enemigos más carismáticos de James Bond. Su interpretación, mezcla de ironía, dolor y sadismo, elevó el estándar de los antagonistas en la saga.

A diferencia de la frialdad absoluta de Chigurh en No es país para viejos, Silva tiene una humanidad retorcida, casi shakesperiana. Su duelo con Daniel Craig recuerda a la tensión entre el Joker y Batman, o incluso al enfrentamiento entre Hannibal Lecter y Clarice Starling. 

Bardem aporta un toque de tragedia personal que convierte al villano en un espejo del propio Bond. Pocos actores podrían dotar de tanta profundidad a un personaje de un blockbuster.

El buen patrón (2021)

Casi tres décadas después de Jamón, jamón, Javier Bardem volvió a trabajar con Fernando León de Aranoa en una sátira sobre el poder y la hipocresía empresarial. En El buen patrón, interpreta a Blanco, un empresario paternalista y manipulador que representa la España del éxito vacío.

Bardem está brillante, moviéndose entre la comedia y el drama con una naturalidad que recuerda al Jack Nicholson de Mejor… imposible (una de las mejores películas de comedia). 

Es el reverso moderno de Los lunes al sol: si allí era un obrero sin futuro, aquí es el patrón que juega con las vidas de los demás. Su sonrisa es tan seductora como peligrosa. Una muestra de que, incluso después de conquistar Hollywood, Bardem sigue volviendo al cine español para mostrar de qué está hecho.

Entre tantas secuelas, remakes y universos compartidos que dominan los servicios de streaming principales, a veces lo único que necesitamos es una buena y breve historia de amor. Por eso, me pareció el momento ideal para repasar esas películas románticas que puedes ver gratis en streaming desde tu sofá. Títulos que tuvieron su momento dorado o quizás pasaron desapercibidos, pero que siguen teniendo todo lo que amamos del género: buena química, humor, nostalgia e incluso una pizca de drama.

Mi selección recorre todas las fases del amor: desde el torpe y absurdo de Llegaron juntos, hasta el romántico y clásico de Planes de boda; pasando por el que nos obliga a replantearnos la vida en Antes del anochecer o ese tan real que duele en Todos los días de mi vida. Algunas te harán reír, otras te romperán un poco el corazón, pero todas tienen algo en común: te recuerdan por qué vale la pena seguir creyendo en el amor.

Llegaron juntos (2014)

Si las comedias románticas tradicionales te parecen demasiado predecibles o empalagosas, Llegaron juntos puede ser el antídoto perfecto. Esta película fue dirigida por David Wain y protagonizada por Amy Poehler y Paul Rudd, dos grandes comediantes de la época. Está al inicio de la lista porque el romance que presenta no es típico ni ultra serio. Esta película no intenta enamorar a la audiencia, en cambio se burla con cariño de todas las convenciones del género. Si te gustan las historias donde transforman el cliché en algo exagerado al punto de lo absurdo como ¿En qué piensan las mujeres?, no te pierdas Llegaron juntos.

Abajo el amor (2003)

En 2003 Peyton Reed nos regaló una fantasía retro de colores pastel, vestuarios impecables y un sentido del humor igual de elegante que ridículo. Abajo el amor está protagonizada por Renée Zellweger y Ewan McGregor, y  reimagina las comedias románticas de los años 60 al estilo Confidencias de medianoche pero esta vez desde una mirada moderna y feminista. Esta historia no llega a los primeros puestos de mi ranking porque la conexión emocional entre los protagonistas queda en segundo plano frente a lo estético. Sin dudas visualmente es un festín y el guión es sorprendentemente ingenioso, es ideal para amantes del cine clásico, o para los que adoran las películas con una estética fuertemente marcada como las de Wes Anderson. 

Algo pasa en Las Vegas (2008)

¿Prefieres las comedias románticas con ritmo rápido, personajes que se odian antes de enamorarse y un toque de caos absoluto estilo Recién Casados? Aquí te propongo otra del estilo también con Ashton Kutcher pero esta vez haciendo dupla con Cameron Diaz. Algo pasa en las vegas es caótica, exagerada y sorprendentemente romántica. La película arranca con una boda impulsiva en Las Vegas y una herencia millonaria que obliga a dos completos opuestos a convivir como pareja. Se gana un puesto en esta lista porque es perfecta para quienes quieren reírse sin pensar demasiado, algo que siempre apreciamos de las comedias románticas.  No tiene la sofisticación de The Holiday ni la melancolía de Antes del amanecer, pero sí una alta dosis de energía contagiosa.

La vecina de al lado (2004)

Aquí llega la recomendación más polémica de este compilado. La vecina de al lado es una película algo olvidada de los 2000, que queda a medio camino entre comedia juvenil y romance improbable. Protagonizada por Emile Hirsch y Elisha Cuthbert, cuenta la historia de un chico tímido que se enamora de su vecina sin saber que ella tiene un pasado bastante más atrevido de lo que imagina. Aunque su tono es más coming-of-age que romántico puro, la elegí porque tiene una ternura inesperada que la separa de otras pelis del estilo American Pie. Si creciste con cintas como 10 razones para odiarte, tienes que darle una oportunidad a La vecina de al lado.

Planes de boda (2001)

Si buscas algo para ver poco rebuscado, Planes de boda es para ti. Esta historia incluye vestidos de novia, coincidencias imposibles y Jennifer Lopez en su era dorada junto a Matthew McConaughey en su fase de galán de rom-com. Esta historia trata sobre una organizadora de bodas que, por supuesto, termina enamorándose del novio de una de sus clientas. Si, tiene todos los clichés del género: guión predecible, química evidente y una puesta en escena que roza lo esotérico. Pero también es un recordatorio de por qué estas películas nos atraen tanto: el amor, aunque improbable, siempre parece posible. Ideal para quienes disfrutan de títulos como Un lugar llamado Notting Hill o comedias como 27 vestidos.

Palm Springs (2020)

Cuando pensábamos que las comedias románticas ya no podían reinventarse, llegó Palm Springs para demostrarnos lo contrario. Tiene ritmo ágil, un guión brillante y el  toque ideal surrealista que  la convierten en una de las mejores comedias románticas de la última década

¿Te intriga? Esta historia mezcla bucles temporales al estilo Atrapado en el tiempo con una buena dosis de humor existencial y la química inesperada de Andy Samberg y Cristin Milioti. Me sorprendió porque logra ser divertida, filosófica y romántica sin caer en cursilerías. Si te ha gustado la serie The Good Place o películas un poco más serias como ¡Olvídate de mí!, es ideal para ti. 

Amor y otras drogas (2010)

Ahora nos vamos a una historia más sensual y melancólica que la típica rom-com a la que estamos acostumbrados. Pongo aquí Amor y otras drogas porque representa ese punto medio entre el cine romántico comercial y las historias más adultas del género. Además combina muy bien romance, drama y crítica social. En esta historia un carismático representante farmacéutico conoce a una mujer que padece Parkinson y lo que empieza como una relación sin compromisos se transforma en algo mucho más complejo y emocional. La recomiendo a quienes disfrutaron de Closer: llevados por el deseo o Corazones rotos, donde se muestra un amor más crudo y con todas sus imperfecciones. Le doy un punto extra por la química magnética de Gyllenhaal y Hathaway.

Antes del anochecer (2013)

No podía faltar en esta lista este clásico y tercera entrega de la trilogía de Richard Linklater. Antes del anochecer al igual que Antes del amanecer y Antes del atardecer, es una joya del cine romántico moderno. En la última película de la saga, nos reencontramos con Jesse y Celine, quienes ya no viven el amor idealizado de la juventud, sino la realidad de una pareja que lleva años junta, con hijos, rutinas y heridas que el tiempo no ha borrado. Creo que merece uno de los primeros lugares de esta lista porque condensa lo que pocas películas logran: la madurez emocional del amor real. ¿Te han gustado títulos como Historia de un matrimonio o Blue Jay? Entonces esta película seguro te atrapará.

Todos los días de mi vida (2012)

Esta es una de esas películas que redefinieron el romance trágico en los 2010. Todos los días de mi vida es realmente preciosa y está inspirada en hechos reales. En esta historia, conocemos a Paige, quien después de un accidente de coche pierde la memoria y su marido debe intentar que se enamore de nuevo. Simple, directa pero emocionalmente demoledora.

Si es bueno saber que tiene algunos clichés, pero se los dejamos pasar por su honestidad emocional que la separa de otras del estilo Querido John (también protagonizada por Channing Tatum). Si admiras la actuación de Rachel McAdams o películas como El diario de Noa, te encantará. Y si necesitas una buena excusa para llorar con estilo, esta película lo logra sin pedir permiso ni perdón.

Australia (2008)

Llegamos a mi favorita de este compilado. Australia es una mezcla de romance clásico, drama histórico y aventura cinematográfica a gran escala. Está dirigida por Baz Luhrmann y sus protagonistas son Nicole Kidman y Hugh Jackman. Su trama es la siguiente: una aristócrata británica que viaja al interior del país, termina formando un inesperado vínculo con un ganadero local. No quiero revelar mucho porque realmente merece la pena, pero si es  bueno que sepas que retrata una relación marcada por la pasión, el conflicto y un telón de fondo que incluye la Segunda Guerra Mundial. La recomiendo por ser el tipo de experiencia que combina épica y emoción, más cercana a El paciente inglés que a una comedia romántica tradicional. ¡No te la pierdas gratis en streaming!

El Festival de Sitges sirve cada año para descubrir, en bandeja de plata, películas fantásticas de factoría indie a las que no podrías llegar que de ninguna otra manera. Más allá de los éxitos consagrados, que en 2025 aplaudieron al Scott Derrickson de Teléfono negro 2 y a Guillermo del Toro por Frankenstein, el festival es una madriguera gustosa a los nombres más desconocidos de cualquier género fantástico, las bien-llamadas películas de culto.

Los cinéfilos hardcore acudimos religiosamente, aun con el cansancio físico que eso supone; al final, Sitges es entrar en una muy bien provista tienda de chuches. Pero gracias a las puertas que nos abren las plataformas de streaming, estas perlas pronto estarán accesibles y que, por lo tanto, vale la pena recomendar al gran público. Porque no, no creo que conozcas la gran mayoría de las películas de terror indie que te recomiendo a continuación…

Buffet Infinity (2025)

Ha sido el bombazo absoluto de las sección Noves Visions, dedicada a nuevos directores. Podemos leerla como heredera espiritual de El último late night (2024), otro éxito indie donde presenciábamos la llegada del Anticristo a través de un programa en directo en televisión, pero Buffet Infinity sube las apuestas y nos propone contar cómo los extraterrestres gentrifican (y luego invaden y destruyen) un pacífico pueblo dormitorio de Estados Unidos a través exclusivamente de los anuncios que se pasan en televisión.

Y ya sabéis que la publicidad estadounidense puede ser tan imaginativa como trash como las mejores películas de serie Z. Divertidísima caída en espiral hasta el fondo del subconsciente de Ronald McDonald, fatal/ideal para los amantes del “come hasta reventar”.

Transcending Dimensions (2025)

Si pudiera volver virgen a una sola sesión de cine, sería la de Transcending Dimensions. Toshiaki Toyoda mezcla en su película la negritud existencial y metafísica absoluta de los confines del universo de 2001: una odisea del espacio (1968) con los estallidos de violencia del noir japonés de Kiyoshi Kurosawa, Cure (1997) al frente, y los violentos dioses del sintoísmo. Luego, lo riega todo de la absurdidad divertidísima del cine de ninjas, abrazando el espíritu del mejor Hitoshi Matsumoto (Big Man Japan).

No quiero que entiendas el aluvión de referencias que acabo de desplegar, como Toyoda no quiere que veas un sentido a su película. Sólo date cuenta de que Transcending Dimensions llega para zarandearte entre volantazos de guion, personajes icónicos y situaciones realmente memorables. Igual que Buffet Infinity, esta es una película que no olvidarás en mucho tiempo.

Bokshi (2025)

En Bokshi tenemos a un grupo de mujeres algo brujas, todas con sus mochilas bien cargadas de trauma, que desafían los espíritus de un bosque profundo mientras tantean los límites de lo que es empoderamiento femenino o directamente posesión infernal. Pero si llegas a la versión de El ritual (2017) del cineasta indio Bhargav Saikia esperando terror del duro, puede que te decepciones.

El gran atractivo de Bokshi justamente pasa por mezclar una pizca de terror folk, con dos cucharadas de melodrama queer adolescente y agitar el cóctel para llegar a una Carrie: un extraño presentimiento (1976) pero de culebrón televisivo. Hecha con presupuesto cero y sin miedo alguno a pisar una boñiga estridente, se convierte en el trenecillo de la bruja más extremo y divertido que puedas imaginar, sólo comparable en esta guía con las barbaridades de La hermanastra fea.

Decorado (2025)

Puede resultar ofensivo llamar “desconocida” a la nueva película de Alberto Vázquez, autor de la película de animación española más viral de la historia en TikTok, Unicorn Wars (2022)... Pero tengo la triste certeza de que en la calle nadie esperará la fantástica Decorado (2025), una nueva caída a los infiernos de un animalillo perdido por un mundo cruel.

Una fábula que se emparenta con los thrillers mind-fuck de los años noventa (El club de la lucha), Decorado quizás sea la mejor película de Vázquez porque da a su ratoncillo protagonista una pareja cariñosa, un proyecto vital y esperanzas de mejora, antes de ir arrebatándoselo todo a cuchilladas de paranoia y a golpes de realidad. Tan espectacular en lo visual como las anteriores, entre criaturas nocturnas que ni las de Noche de Urkijo, vale la pena verla en el cine. Aunque te advierto: saldrás de la sala con el estómago revuelto.

Exit 8 (2025)

Imagina ver una película como si jugaras a descubrir las ocho diferencias en un periódico. En Exit 8 (2025), Genki Kawamura se propone absorber toda tu atención durante una hora y media con una premisa cruel: un tipo cualquiera queda atrapado en un transbordo de metro y tiene que identificar las diferencias en un anodino tramo de baldosas para lograr avanzar y quizás encontrar una salida. Un videojuego al que tú participas, espectador, al lado del personaje protagonista (en cómo trata de construir una experiencia, se acerca a la genial Good Boy).

La película es, antes que terrorífica, del todo inquietante: al fin y al cabo, de jumpscares hay un puñadito pero todo el mundo conoce en sus carnes la angustia que levantan los fluorescentes y los pasillos subterráneos. Y antes que nada, resulta divertida a más no poder.

La hermanastra fea (2025)

La hermanastra fea (2025) de Emilie Blichfeldt ha ganado el premio a Mejor Película del festival pero hace largos días que llevamos reivindicándola. Primero, como la versión realmente desagradable de La sustancia (2024): porque, si bien la de Fargeat echaba chorros de sangre, la relectura de esta debutante noruega sobre el cuento de la Cenicienta acerca el horror corporal (ella lo llama beauty horror) a los abusos que diariamente infligimos sobre nuestro cuerpo para presumir.

Y es que Blichfeldt ha recopilado todas las operaciones estéticas reales del siglo XVIII (incluyen narices rotas, dedos amputados y una tenia que ni el mejor Ozempic) para escribir un cuento simpático sobre cómo una chica cualquiera puede acabar convirtiéndose en un monstruo espeluznante y horroroso en nombre del amor (en eso, se parece a la igualmente recomendable –aunque mucho más seria– La virgen de la tosquera). Muy divertida, muy escatológica.

Noche (2025)

Paul Urkijo demostró en Errementari: el herrero y el diablo (2018) que en los humedales más oscuros de la montaña pueden arraigar aún nuestras pesadillas. Igual que Robert Eggers en La bruja (2015), Urkijo plantea para su regreso a los aquelarres de la Euskadi antigua en Noche (2025) una pieza atmosférica, que más que asustar pretende despertar a los demonios del medievo fantástico que aún habitan dentro de nuestro inconsciente colectivo.

Estructurada como cuento de crecimiento con elementos de rape and revenge, Noche recuerda a Bokshi porque te asegura que no volverás a caminar tranquilamente a solas por el bosque, pero al mismo tiempo celebra que la sombra siga siendo cómplice para un feminismo atávico.

Shelby Oaks (2025)

No te esperes para la primera película del crítico Chris Stuckmann un nuevo Lago Mungo (2009), es decir, un found footage de puro mal rollo. Sólo los primeros quince minutos de Shelby Oaks (2025) son de metraje encontrado: el resto sigue a una mujer normal y corriente mientras se interna en el corazón de una Ohio ultrarreligiosa, que apesta a madera podrida, en busca de su hermana desaparecida. Y de veras, cuánto se agradece la falta de famoseo en una cinta de terror.

Yo la catalogaría de comfy horror: Stuckmann nunca pretende subvertir las fórmulas de cada subgénero que toca (viejas locas, manicomios de noche, posesiones demoníacas…), sino sacar lo mejor de cada uno de ellos. Así que Shelby Oaks, como Good Boy, acaba siendo una película con mucha alma; un caramelito para quien ame el fantástico y quiera más, y más sangriento. ¿Sabías que Neon la compró e invirtió sólo para que pudieran rodar todas las escenas gore que el presupuesto inicial de Kickstarter no podría pagar?

La virgen de la tosquera (2025)

La primera adaptación de Mariana Enríquez en veinte años (adapta El carrito y el cuento homónimo) es, además, una fantástica película. En clave del realismo claustrofóbico de Lucrecia Martel (La ciénaga), La virgen de la tosquera (2025) sigue las andadas de una Carrie del conurbano que ve cómo el chico del que anda enamorada se le escapa de las manos.

Así que recurre a la magia negra. Total, no faltan entrañas y maldiciones en el universo que la directora Laura Casabé exprime sobre la Argentina real y violenta de antes de la crisis de 2001. Así que, de manera parecida a los aquelarres de Noche, La virgen de la tosquera acaba siendo tanto una alegoría sobre el malestar real de un país, como una historia de brujas enfurecidas… Con razón. Para sentirte las manos sucias y la mente liberada.

Good Boy: Confía En Tu Instinto (2025)

Y vaya fenómeno, el de Good Boy: Confía En Tu Instinto (2025)... En 75 minutos, el director Ben Leonberg y su pareja (y productora de la película) Kari Fischer cuentan una fantástica historia de posesiones, genuinamente terrorífica, pero desde un punto de vista interesante de verdad. Como veréis en nuestra guía de películas narradas desde la perspectiva de un animal, Indy (el golden retriever de Fischer y Leonberg) resulta un actor más que solvente.

Además, Good Boy no cae en la claustrofobia o la inverosimilitud que el punto de vista de un perro anticipa, sino más bien al contrario: es el instinto de Indy el perro el que lo convierte en una aventajada final girl, que huye cuando toca y, eso sí, trata de salvar a su mejor amigo humano. Podría verse en un programa doble con Shelby Oaks, o con la mucho más reconocible V/H/S Halloween (2025), con las que comparte un amor incondicional por el género.

Pocas cineastas han logrado construir un universo tan reconocible como Nancy Meyers. En sus películas, los espacios son tan importantes como los personajes, los conflictos se resuelven con humor, y la epifanía emocional viene acompañada de una taza de infusión caliente. Con la reciente noticia de que Apple TV+ prepara una miniserie inspirada en The Holiday, no pude evitar volver a pensar en el inconfundible toque de Meyers. Aunque la directora no está involucrada en este proyecto, su sello es tan fuerte que resulta imposible imaginar una versión sin su estilo.

Por eso he querido repasar todas sus películas en orden de estreno. Desde los clásicos familiares de los 90 hasta sus comedias románticas más recientes, este recorrido demuestra que el cine de Meyers es puro refugio emocional: elegante, luminoso y siempre capaz de hacernos sentir en casa.

El padre de la novia (1991)

Nancy debutó como guionista en esta comedia familiar sobre un padre (interpretado por el gran Steve Martin) que se enfrenta a la idea de que su hija se case. En El padre de la novia ya podemos ver su característico estilo: hogares acogedores, emociones transparentes y conflictos que se resuelven entre risas y lágrimas. Es curioso ver como esta historia comparte mirada con futuras películas de Meyers, donde se habla de los vínculos intergeneracionales y la necesidad de aceptar el cambio. En mi opinión El padre de la novia es ideal para los que disfrutan películas como Señora Doubtfire, papá de por vida o Mi Chica. Un clásico imperdible para una tarde de domingo en casa.

Tu a Londres yo a California (1998)

Siete años más tarde, Meyers debutó como directora con Tu a Londres yo a California, una de mis películas favoritas y versión moderna del clásico de Disney. En esta historia tenemos a dos gemelas separadas al nacer (ambas interpretadas por una joven Lindsay Lohan) quienes intentan reunir a sus padres divorciados. La película tiene un diseño visual que parece sacado de un tablero de Pinterest (¿quién no ha soñado con visitar la bella casa de Elizabeth o el viñedo de Nicholas?). Si buscas la ternura y optimismo de The Holiday pero con la inocencia mágica de Disney, esta película te encantará tanto como a mi.

¿En qué piensan las mujeres? (2000)

Si adoras las comedias del 2000 como Mentiroso Mentiroso o El diario de Bridget Jones, seguramente encuentres ¿En qué piensan las mujeres? Igual de entretenida. Esta comedia es sobre un publicista machista que, tras un accidente, empieza a escuchar los pensamientos de las mujeres. Más comercial que sus otras obras, pero con el ingenio y el ritmo típicos de Meyers. Podríamos compararla con The Intern, que salió años después, ya que ambas retratan hombres fuera de su zona de confort que aprenden a escuchar. Si bien muchos de los chistes de esta película no envejecieron tan bien, sigue siendo una cinta ideal para desconectar la mente y disfrutar con la buena química de sus protagonistas.

Cuando menos te lo esperas… (2003)

La brillante y talentosa Diane Keaton protagoniza junto a Jack Nicholson una de las comedias románticas más originales de su tiempo. En esta historia ella es una escritora independiente; él, un eterno soltero y poco a poco se van acercando por circunstancias extraordinarias. Me gusta porque tiene un equilibrio de temas como el deseo, humor y autodescubrimiento en una etapa de la vida que Hollywood suele pasar por alto.

Como cada proyecto de Nancy Meyers, la parte visual juega un papel primordial. Una soñada casa en los Hamptons, los platos de porcelana, la luz filtrada por las cortinas, todo forma parte del lenguaje emocional. Si buscas una historia de amor madura con mucho estilo, o si eres fan de Cuando Harry encontró a Sally, no te pierdas esta comedia.

The Holiday (2006)

Llegamos a una de mis favoritas de Nancy, y es que The Holiday tiene un lugar especial en mi corazón y en la maratón anual de películas navideñas junto a Love Actually. Cameron Diaz y Kate Winslet interpretan a dos mujeres que intercambian casas (y destinos) durante Navidad. Una está agotada emocionalmente, la otra busca sentido. Ambas encuentran amor y propósito al otro lado del mundo. No se me ocurre una película que represente tan bien la sensación de taparse con una manta y beber una taza de té bien caliente. Ideal para los que aman las historias feel-good, los paisajes nevados y los romances inesperados.

No es tan fácil (2009)

Si algo sabe hacer muy bien Meyers, es demostrarnos que el amor a los 50 puede ser tan caótico como a los 20, solo que con mejores copas de vino y cocinas más grandes. Aquí Meryl Streep, Alec Baldwin y Steve Martin protagonizan una comedia sobre segundas oportunidades, deseos y madurez emocional. No es tan facil es el paso siguiente para quienes disfrutaron Cuando menos te lo esperas… Si aún no la has visto y quieres entender un poco más su tono, es una combinación del humor elegante de El club de las primeras esposas con las epifanías y encanto visual de Bajo el sol de la Toscana.

El becario (2015)

Una de las últimas películas que dirigió Nancy Meyers fue El becario, donde Robert De Niro interpreta a un viudo que se convierte en becario de una joven emprendedora (interpretada por Anne Hathaway) en una empresa de moda. Si bien esta no tuvo la repercusión que tuvieron otros de sus proyectos, y la calidad de la película no es sobresaliente, si es un buen retrato sobre la empatía, la reinvención y la amistad encontrada en los lugares menos pensados. Considero que es su película más floja, porque se aleja de la estética a la que la directora supo acostumbrarnos. Aunque si te ha gustado El diablo viste de Prada pero te ha parecido algo despiadada, no te pierdas El becario que es su versión más humana y optimista, sin nada de cinismo. 

Tom Holland se ha convertido en uno de los actores más reconocidos y admirados de su generación. Conocido sobre todo por su papel como Spider-Man en el UCM, su carrera aporta más interpretaciones más allá del papel arácnido. Desde que sorprendió al mundo en su debut con Lo imposible hasta producciones independientes como Pilgrimage, Holland ha demostrado que se adapta a registros que abarcan desde el blockbuster más taquillero hasta el drama más íntimo.

En JustWatch hemos preparado este ranking con sus 10 mejores películas, ordenadas de peor a mejor. Además de repasar sus interpretaciones, comparamos cada film con otros títulos para entender mejor qué lugar ocupan dentro de su filmografía , mientras nos preparamos para una nueva actuación como Spider-man.

Lo imposible (2012)

Con Lo imposible, Tom Holland debutó en el cine a los 16 años y dejó claro que tenía un futuro enorme. La película, dirigida por J.A. Bayona, narra una tragedia real con el tsunami sufrido por Tailandia en 2004 desde la perspectiva de una familia española. 

Holland interpreta al hijo mayor, atrapado en la catástrofe junto a Naomi Watts y Ewan McGregor. Su actuación combina vulnerabilidad y determinación, transmitiendo con realismo el horror y la esperanza en medio del desastre.

Es inevitable compararla con 127 horas de Danny Boyle: ambas retratan la supervivencia humana frente a circunstancias extremas, aunque la de Holland destaca por una crudeza más coral. Este debut ya anticipaba su capacidad de cargar con papeles dramáticos exigentes, algo que más tarde reafirmaría en Cherry.

Locke (2013)

Aunque su papel en Locke es muy pequeño, vale la pena mencionarlo porque demuestra que Holland empezaba a ser tenido en cuenta en grandes proyectos. La película, protagonizada magistralmente por Tom Hardy, se desarrolla en tiempo real dentro de un coche y Holland da voz al hijo del protagonista.

Recuerda a Última llamada de Joel Schumacher, ya que ambas suponen ejercicios de tensión en espacios reducidos, aunque aquí la carga dramática recae casi en exclusiva sobre Hardy. Si bien el aporte de Holland es breve, confirma cómo incluso en papeles secundarios sabe dejar huella.

Por cierto, si eres fan del protagonista de Última llamada, tenemos una guía con las 10 mejores películas y series de Tom Hardy, así que te recomendamos echarle un ojo.

Captain America: Civil War (2016)

El debut de Tom Holland como Spider-Man se produjo en Capitán América: Civil War, y fue un auténtico terremoto para los fans de Marvel. Aunque apenas aparece unos minutos, la frescura que le dio al personaje lo convirtió en uno de los grandes atractivos de la película. 

Su Spidey es más juvenil y humano que el de Tobey Maguire o Andrew Garfield, lo que le permitió ganarse a toda una nueva generación de seguidores.

En comparación con el universo de DC, su irrupción recuerda al Batman protagonizado por Christian Bale con Batman Begins frente al de Michael Keaton: un regreso fresco, diferente y necesario. Sin duda uno de los mejores papeles de Christian Bale.

Z, la ciudad perdida (2016)

En Z, la ciudad perdida, Holland se puso bajo las órdenes de James Gray para interpretar a Jack Fawcett, hijo del explorador británico Percy Fawcett (Charlie Hunnam). La película, de tono épico y melancólico, narra la obsesión del padre por encontrar una ciudad perdida en la Amazonia.

El rol de Holland no es el central, pero aporta un contrapunto emocional en el conflicto familiar. Tiene paralelismos con Apocalypse Now, porque ambas hablan de la obsesión y de cómo la selva devora a los hombres, aunque esta lo hace desde un realismo histórico. 

Su actuación en este largometraje demostró que podía moverse en un cine de autor más reposado, alejado del mundo Marvel.

El guardián de la reliquia (2017)

En El guardián de la reliquia, Tom Holland viaja a la Irlanda del siglo XIII para interpretar a un joven monje que acompaña a otros en la misión de transportar una reliquia sagrada. Es una película oscura, de ritmo pausado y violencia descarnada, donde comparte cartel con Jon Bernthal.

La película recuerda a El nombre de la rosa por su atmósfera monástica y su mezcla de fe y brutalidad. Holland sorprende por su intensidad en un registro muy distinto a su papel como Spider-Man: más silencioso e introspectivo. Es una de esas obras que muestran su versatilidad y su capacidad para adaptarse a diferentes registros.

Spider-Man: Homecoming (2017)

La primera película en solitario de Holland como el trepamuros fue Spider-Man: Homecoming. Bajo la dirección de Jon Watts, el film muestra a un Peter Parker más adolescente y cercano que nunca, lidiando con los problemas del instituto y las responsabilidades de ser un héroe.

Salvando las distancias, tiene un aire a Kick-Ass, ya que ambas mezclan humor adolescente con acción de superhéroes, pero Holland le añade un toque de ingenuidad que funciona a la perfección. 

Además, su química con Robert Downey Jr. como mentor es uno de los grandes aciertos de esta entrega, que consolidó a Holland como el Spider-Man definitivo.

Por cierto, si además de las películas te gustaría saber dónde encontrar más historias sobre este superhéroe de Marvel, te recomendamos visitar nuestra guía con las mejores series de Spider-Man hasta la fecha.

Vengadores: Infinity War (2018)

En Vengadores: Infinity War, el papel de Holland no es el más protagonista, pero sí uno de los más memorables. La escena de su desaparición en brazos de Tony Stark (“Mr. Stark, I don’t feel so good…”) se convirtió en un momento icónico del cine de superhéroes.

El film me teletransporta a El Imperio Contraataca, donde ambas películas se construyen sobre un tono oscuro, dejando al espectador con un vacío emocional. Holland consiguió, con apenas unas frases, que millones de fans llorasen en las salas. Una muestra de su capacidad para elevar incluso escenas breves al nivel de momentos legendarios.

Por cierto, si buscas alternativas a los superhéroes de Marvel, te recomendamos visitar nuestra guía con películas similares a los Vengadores.

Avengers: Endgame (2019)

En Vengadores: Endgame, el regreso de Spider-Man es breve pero decisivo. Su reencuentro con Tony Stark y su participación en la batalla final son momentos cargados de emoción. Aunque no es la película más destacada de Holland, sí supone un cierre perfecto a la relación mentor-discípulo que había construido con Iron Man.

Recuerda mucho a El retorno del Rey, ya que ambas funcionan como conclusiones monumentales a sagas corales. Holland, en medio de un reparto gigantesco, consigue brillar y aportar su identidad al espectáculo visual.

Spider-Man: Lejos de casa (2019)

Con Spider-Man: Lejos de casa, Holland demostró que podía sostener al héroe en solitario sin la figura de Iron Man. La película mezcla acción y comedia adolescente con un villano de lujo: Mysterio, interpretado por Jake Gyllenhaal.

Es fácil encontrar similitudes con Doctor Strange, ya que ambas juegan con ilusiones y realidades distorsionadas. Holland brilla mostrando a un Peter Parker que empieza a cargar con la responsabilidad de ser “el sucesor” de Tony Stark, en un papel mucho más maduro y emocional que el que muestra en Homecoming.

Spider-Man: No Way Home (2021)

Spider-Man: No Way Home es, sin duda, la cima de la carrera de Tom Holland hasta ahora. La película se convirtió en un fenómeno cultural al reunir a tres generaciones de Spider-Man: Maguire, Garfield y el propio Holland. Pero más allá del fan service, lo que hace grande al film es cómo convierte a su protagonista en el Spider-Man más completo y trágico de todos.

Viéndola te acordarás de Logan, ya que ambas cierran ciclos y llevan a sus héroes a un nivel emocional inédito previamente. Holland logra una interpretación que combina dolor, sacrificio y madurez, confirmando que su Spider-Man no es solo el más joven, sino también el más humano.

Cada Halloween se disparan el consumo de películas de terror y también las búsquedas de sus títulos. Es un género con cada vez más ramificaciones y más estilos. Si no sabes qué elegir para montarte una noche de terror, qué mejor prescriptor que el usuario de JustWatch.

En esta lista repaso las 10 películas de terror más reclamadas en nuestro buscador. Ha quedado una selección bastante ecléctica, así que hay propuestas para todos los gustos.

Los pecadores (2025)

Decía que cada vez hay más subgéneros dentro del terror y uno de los más exitosos es el del Afroamerican Horror. En Los pecadores, el cineasta indie Ryan Coogler abraza el estilo de Jordan Peele. Aunque el miedo mezclado con comentario social, como en Nope y Nosotros, no es el único ingrediente de este alambicado relato ambientado en el Estados Unidos profundo de los años 30. 

Dos gemelos regresan a su pueblo natal para resetear sus vidas, pero lo que se encuentran está más cerca de Abierto hasta el amanecer que de un dulce hogar. Te podrá gustar más o menos su mezcla de estilos, pero desde el punto de vista técnico y artístico, desde la dirección de actores, las interpretaciones, el sonido, los efectos visuales…, esta película es un portento. En ese aspecto se asemeja a otro título de la lista, el Nosferatu de Robert Eggers.

Vicious (2025)

Dakota Fanning es una treintañera que no tiene claro hacia dónde va su vida. Una misteriosa mujer le regala una caja que termina siendo un infierno para ella, porque encierra una fuerza maligna que le exige entregarle algo que necesita, algo que ama y algo que odia. A pesar de su trama sobrenatural, buena parte del terror que inspira Vicious es psicológico. 

Su inquietante tono entre lo cotidiano (o incluso lo anodino) y el miedo más primario recuerda mucho a uno de los éxitos de esta temporada, Hereje, que también está en esta lista.

Hereje (2024)

Además del cine independiente en general, la productora A24 ha renovado el género de terror reciente. Hereje, lo ejemplifica muy bien y se hermana con otros títulos de la compañía, como MaXXXine y Bring Her Back. En Hereje, dos jóvenes misioneras que predican la fe a puerta fría, como antiguamente se vendían las enciclopedias, se meten en la casa equivocada. La tensión está construida a la perfección y tiene el talento hitchcockiano de hacerte pasar miedo con los detalles más mundanos. 

Hugh Grant está fantástico en un rol bastante más oscuro de lo que nos tiene acostumbrados. A diferencia de otras películas de terror, Hereje cuenta con grandes y extensos diálogos y construye una atmósfera perturbadora, como la de Los pecadores, pero que en este caso gira en torno a la fe religiosa, y al mal más genuino.

Nosferatu (2024)

El cine primigenio, al estilo del horror mudo de F.W. Murnau, encaja a la perfección en la filmografía de Robert Eggers, que ya jugó con las reglas del blanco y negro en El faro. Por eso, que el director se decidiera a recrear el mito de Nosferatu resulta de lo más lógico y maximiza hasta lo imposible todos los recursos que le ha ofrecido Hollywood para crear su primera película de gran presupuesto. 

Eggers profundiza como ningún director antes en la simbología y la estética vampírica y mantiene un nivel estético y técnico que en esta lista solo le empata Los pecadores de Ryan Coogler.

Un lugar tranquilo 2 (2021)

Después de lograr algo tan difícil a estas alturas como es sorprender al espectador, John Krasinski decidió retomar la historia de Un lugar tranquilo tal y donde lo dejó. Un matrimonio con tres hijos vive en medio del bosque en absoluto silencio, para evitar que los monstruos ciegos de origen alienígena que los rodean puedan detectarlos y asesinarlos. 

En Un lugar tranquilo 2 es la hija mayor la que toma el protagonismo en un relato que acierta al tomar el tono postapocalítico de dos éxitos recientes: la serie The Walking Dead y el videojuego The Last of Us, luego convertido en serie. Que Milicent Simmons, la joven actriz que interpreta a Regan, salte al primer plano del relato acerca la película a Alien. Asfixiantes como Los pecadores aunque, evidentemente, sin la música como poderoso elemento narrativo.

La sustancia (2024)

Otro subgénero que demuestra la versatilidad del cine de terror y su capacidad de estar siempre conectado con la actualidad es el del body horror. La película de Coralie Fargeat, La sustancia, es una oscura, y desatada crítica al edadismo, el culto al cuerpo y la misoginia social. Su largo (muy largo) metraje incluye momentos memorables y metafóricos, como que la versión joven del personaje de Demi Moore, Margaret Qualey, nazca literalmente de su columna vertebral. 

Aunque se inspire en clásicos de David Cronenberg como La mosca, la espiral en la que se adentra la protagonista doble de esta historia de terror recuerda a una película más reciente, que está en esta lista, Vicious.

It Follows (2014)

It Follows es una de esas películas que no arrasó en su momento, pero que con el tiempo se convirtió en un clásico de culto. El hecho de que esté a punto de estrenarse su secuela, They Follow, hace que haya escalado bastantes puestos en el ránking de búsquedas de JustWatch España. La trama, chica que se enfrenta al terror sobrenatural transmitido por vía sexual justo la noche que pierde su virginidad, juega con un tópico del cine de terror del que tanto se reía Scream, también en esta lista: las scream queens tienen que ser castas y puras. 

It Follows evidencia con su estilo que rinde homenaje a las películas de terror de los años 80 y su protagonista, Maika Monroe, derrocha carisma. Si no conocías esta película, que sepas que es muy recomendable para tu noche de terror particular.

Men. Terror en las sombras (2022)

Tras Warfare y Civil War, Alex Garland es uno de los directores de moda. Quizá es la razón por la que los usuarios de JustWatch han impulsado las búsquedas de su filmografía anterior, entre la que se encuentra Men. Terror en las sombras. Una mujer se retira a la campiña inglesa a curar sus heridas tras una tragedia personal, pero allí no encuentra precisamente cobijo. 

Con esta película, Alex Garland demuestra que sabe construir atmósferas incómodas y desconcertantes desde hace tiempo. Aunque seguramente sea la película más floja de su filmografía, sigue siendo interesante como abraza el surrealismo dentro de una oportuna conversación social, la del machismo como pandemia social.

Eden Lake (2008)

Michael Fassbender y Kelly Reilly componen la muy atractiva pareja protagonista de Eden Lake, que parece una película romántica ambientada en un bucólico lago hasta que un grupo de adolescentes más rebeldes de lo habitual deciden hacérselo pasar muy mal. Y a partir de ahí no hay tregua ni para el espectador ni para los pobres personajes principales. 

Este terror intergeneracional a lo ¿Quién puede matar a un niño?, película muy anglosajona de Chicho Ibañez Serrador, resulta tanto o más vigente en la actualidad como lo era en 2008, cuando se estrenó Eden Lake. Su relato sobre el mal por el mal recuerda también a Hereje.

Scream (1996)

Scream es el gran clásico de terror que nació de homenajear y parodiar a los clásicos de terror. Contra todo pronóstico, ha logrado construir una franquicia bastante sólida, pero que en principio no supera a esta primera película de Wes Craven. Indudablemente se inspira en el terror slasher de Halloween. Ojalá Jamie Lee Curtis hiciera un cameo en algún momento de la saga. 

Es irónica como La sustancia y recurre con inteligencia a los lugares comunes como It Follows. Entre sus logros, además de ser genuinamente divertida, está el de plantear una conversación metarreferencial sobre el género de terror y sus espectadores. Un icono pop en toda regla cuyas seis primeras entregas te pueden dar para un largo maratón de cine de terror esta noche de Halloween.

Hay muchísimas películas de terror que te hacen saltar del susto mientras las ves y luego están esas escenas que no solo te sorprenden, sino que se instalan en algún rincón de la mente para siempre, reapareciendo en los momentos más inesperados. A veces no son las más sangrientas ni las más explícitas, sino las que sugieren, las que dejan huecos que la imaginación llena sola, las que tocan una fibra emocional y se graban a fuego. 

Se acerca Halloween y me parece una gran oportunidad para compartir los 10 momentos del cine de terror que más se quedaron conmigo, ordenados de menor a mayor intensidad para que vayas construyendo la tensión poco a poco. Algunas de estas películas me hicieron taparme los ojos, otras me hicieron pensar demasiado, pero todas lograron lo que el buen terror siempre busca: quedarse en la memoria mucho después de los créditos finales. ¡Aquí vamos!

El final de la directora Drake en The Faculty (1998)

Para muchos millennials, el inicio de la adolescencia estuvo marcado por maratones nocturnas de terror con cintas sacadas del videoclub del barrio. Y en esa época para mi The Faculty se ganó un lugar especial por su originalidad y su elenco estelar. Está dirigida por Robert Rodriguez, y combina muy bien el espíritu sarcástico de Scream con la paranoia sci-fi de Invasión de los ultracuerpos. La historia sigue a un grupo de estudiantes que descubre que sus profesores ya no son del todo humanos, y a partir de ahí, el instituto se convierte en un campo de batalla. 

Nunca olvidaré la escena con la que comienza la película: la directora, interpretada por Bebe Neuwirth, intenta escapar del entrenador del equipo (Robert Patrick) solo para ser apuñalada por otra profesora. Es un arranque seco, violento, y absolutamente perfecto para dejarte en claro que algo anda muy mal desde el minuto uno.

Los efectos de la deshidratación en The hole (2001)

La primera vez que vi The Hole no supe apreciar la sutileza del terror psicológico que proponía, pero hay una escena que se me quedó grabada para siempre: el cruel deterioro físico por deshidratación. La película sigue a un grupo de adolescentes británicos que decide esconderse en un viejo búnker subterráneo para pasar unos días de fiesta, hasta que descubren que están atrapados sin salida. Todo ocurre en un espacio cerrado, húmedo y silencioso, donde la tensión crece con cada respiración. No hay monstruos, solo el paso del tiempo devorándolos lentamente. 

Si te gustan películas como Enterrado, seguramente te interese darle una oportunidad a The Hole. El realismo casi documental, sumado a un giro final inesperado, hace que The Hole no sea solo una historia claustrofóbica, sino una experiencia que se queda contigo para siempre.

Ivy y Lucius en El Bosque (2004)

De todas las películas de M. Night Shyamalan, El bosque es la que más me marcó por su belleza silenciosa. Ambientada en una aldea rodeada por un bosque prohibido, la historia parece una fábula sobre criaturas acechando en la oscuridad, pero en realidad es una reflexión sobre el miedo y el precio de proteger la inocencia. Tiene una atmósfera única, una fotografía preciosa y una banda sonora igual de buena.

La escena que siempre vuelve a mi mente es aquella en la que Ivy, ciega, extiende la mano hacia el vacío mientras la criatura se aproxima, y Lucius llega justo a tiempo para salvarla. Podría decirse que es más romántica que aterradora, pero también es una de las más inolvidables del cine de Shyamalan. Me encanta cómo logra convertir lo sobrenatural en algo profundamente humano.

El final de Lamb (2021)

Lamb es una de esas películas que te desconciertan más por lo que callan que por lo que muestran. Gran parte de su atractivo es que está ambientada en los paisajes desolados de Islandia. La historia sigue a una pareja que vive aislada en su granja y cuya rutina se ve alterada por un suceso extraño. A primera vista parece un drama rural, pero bajo su aparente calma se esconde algo profundamente inquietante.

El final, sin revelar nada, me dejó con una sensación difícil de sacudir. Es una mezcla de tristeza, desconcierto y admiración. Es de esos desenlaces que no buscan asustarte, sino sorprenderte y hacerte pensar. Si El bosque se apoyaba en la fe y The Hole en la desesperación, Lamb se mueve entre ambas. Tiene un ritmo lento con fotografía hipnótica y un silencio casi religioso que crea esa atmósfera que no necesita sobresaltos. Aquí basta una mirada, un gesto o un sonido en la distancia para dejarte completamente paralizado.

La fiesta de cumpleaños en Señales (2002)

M. Night Shyamalan tiene la costumbre de dejar en mi memoria grandes momentos de sus películas. Señales sigue a un ex sacerdote (interpretado por Mel Gibson) que vive con sus hijos en una granja donde comienzan a aparecer misteriosos círculos en los cultivos. Una de las razones por las cuales Señales me parece fantástica, es por como Shyamalan logra convertir una historia de invasión extraterrestre en un relato sobre la fe, la pérdida y la esperanza.

La escena de la fiesta de cumpleaños, cuando vemos por primera vez a una de las criaturas en un video casero, para mi es completamente inesperada y un horror en estado puro a plena luz del día. Años después, sigo recordando ese plano: el silencio, la cámara temblorosa y el estado de shock que deja de regalo.

El revientapechos en Alien, el octavo pasajero (1979)

Si hay una escena que definió para siempre el terror en la ciencia ficción, es la del “revientapechos” en Alien, el octavo pasajero. El momento en que Kane, aparentemente recuperado, se sienta a comer con la tripulación y, un segundo después, el alien emerge brutalmente de su pecho sigue siendo una de las secuencias más impactantes que he visto en el cine. No importa cuántas veces la vuelva a ver: la tensión, el silencio previo y la incredulidad en los rostros del resto de la tripulación siguen poniéndome la piel de gallina.

Años después, Alien: Covenant llevó esa misma idea corporal a otro nivel. La muerte de Ledward, con la criatura desgarrando su espalda desde adentro, es una evolución igual de perturbadora que dio origen a los “revientaespaldas”.

La famosa esquina en El proyecto de la bruja de Blair (1999)

En El proyecto de la bruja de Blair no hay monstruo, no hay casi sangre, ni una sola aparición clara. Pero me enseñó que el miedo más puro nace de lo que no ves. Solo un chico quieto, de espaldas, en una esquina. Recuerdo la primera vez que llegué a ese final: el temblor de la cámara, los gritos fuera de foco, el sonido de algo arrastrándose en la oscuridad. Y entonces, ese plano. Silencio. Terrorífico, durante días no podía sacarme esa imagen de la cabeza.

Parte de la razón por la que esta escena quedó grabada en mi memoria y en la de toda una generación, es la manera en que la película fue presentada al mundo. En su momento, el estudio tuvo la brillante (y retorcida) idea de promocionarla como si fuera material real encontrado en el bosque. Aunque después supimos que no lo era, para quienes la vimos de niños, esa ilusión bastó para hacerla infinitamente más perturbadora. 

La revelación de John en Saw Juego macabro (2004)

Tenía catorce años cuando vi Saw por primera vez, y creo que nunca volví a ver una película de terror igual. Esa escena final, con la revelación de John Kramer levantándose del suelo, me dejó completamente helada. No grité, no pestañeé, solo me quedé inmóvil intentando entender lo que acababa de pasar. 

A lo largo de la franquicia, tuvimos muchos momentos tan gore como perturbadores, pero el final de la primera película en mi opinión no tiene comparación. Además de ser inolvidable, es uno de esos momentos del cine que redefinieron el género. No solo por el impacto visual, sino por la forma en que reorganiza toda la historia en cuestión de segundos. 

La revelación de Samara en The ring (2002)

Hay imágenes que se te quedan grabadas como una cicatriz, y para mí una de ellas es la de Samara saliendo del televisor en The Ring. Nunca volví a mirar un televisor del mismo modo. Ese paso lento, el parpadeo distorsionado, la lluvia cayendo dentro del living. ¡Escalofriante! El horror no venía del susto inmediato, sino de lo inevitable: sabías que no había escapatoria, que lo que estaba viendo el personaje lo estabas viendo tú también.

Hoy después de parodias como Scary Movie me río, pero en 2002, cada vez que el teléfono sonaba después de ver una peli, hacía falta valor para responder.

Voces del más allá en La cuarta fase (2009)

La cuarta fase me aterrorizó de una forma distinta a cualquier otra película de esta lista. Tanto así que solo pude verla una vez y fue suficiente para quedarse para siempre en mi memoria. Esta es otra de esas películas que tuvo un impacto enorme por jugar con el formato documental, supuestos archivos reales, las entrevistas, el tono clínico de Milla Jovovich, todo se siente demasiado real. Pero lo que más se quedó conmigo no fue una imagen, ni un monstruo, sino un sonido. Ese momento en que escuchamos por primera vez la voz del alien diciendo “Yo soy Dios” sigue siendo de los más perturbadores que recuerdo. 

Ya sea que crecieras viendo Las Supernenas o las hayas descubierto gracias a los memes y la nostalgia de Cartoon Network, este trío de superheroínas nunca pasa de moda. Creada por Craig McCracken, la franquicia combina azúcar, especias y muchas cosas bonitas con acción, villanos inolvidables y una sorprendente dosis de crítica social. Desde la serie original de los 90 hasta el reboot más reciente y una película para cines, hay más contenido del que muchos recordamos. Y, como todos necesitamos recordar nuestra infancia de vez en cuando, especialmente cuando no falta demasiado para que la navidad llame a nuestra puerta, aquí están todas las películas y series de Las Supernenas, en orden. Prepara las palomitas… y mucha Sustancia X.

Las Supernenas (1998–2005)

Aquí empezó todo. Las Supernenas (1998-2005) se emitió en Cartoon Network y duró seis temporadas y nos conquistó con sus heroínas adorables, tono irreverente y algunos personajes intrigantes a los que nunca vimos la cara. Pétalo, Burbuja y Cactus se volvieron iconos al enfrentarse a villanos como Mojo Jojo, Él y otros tan absurdos como imborrables. Todos queríamos ser como ellas de niños porque tenían superpoderes chulos, se enfrentaban a villanos, vivían aventuras…pero, sobre todo, porque no tenían miedo. 

Personalmente, siendo una niña tímida a la que le costaba enfrentar el día a día, eso me daba fuerza para poder hacerlo. La mezcla de acción y humor de los dibujos los convirtió en una joya única: perfecta para niños, pero también inteligente para los adultos, parecido a El Laboratorio de Dexter (1996). Cada episodio está lleno de referencias pop, guiños sarcásticos y una energía caótica que sigue brillando hasta hoy y que es mucho mejor que cuando lo intentaron replicar en Las Supernenas (2016-2019). Es el punto de partida obligado para cualquiera que quiera conocer este universo. Y mi favorita.

Las Supernenas: la película (2002) 

Las Supernenas: la película (2002) sirve como precuela de la serie original y narra el origen del trío y sus primeros días en Townsville y cómo su hogar termina por verlas como una amenaza. Es más seria que la serie, pero conserva el encanto caótico que caracteriza a las chicas. Lo que más me gusta es que la película no se limita al humor más infantil de Las Supernenas (1998-2005), sino que se atreve a mostrar un giro más serio y sombrío. Al fin y al cabo, las superheroínas que se supone estaban destinadas a salvar a su ciudad, deben aceptar que todo el mundo las ve como si fueran una amenaza y las miran con miedo. 

Cuando ellas solo intentaban encajar. ¿Nunca os habéis esforzado al máximo en algo solo para terminar empeorándolo? Pues eso les sucede a nuestras Supernenas en la película. Como curiosidad, aunque la película no fue un éxito en taquilla, con el tiempo ha ganado una base de fans que la aprecia por su profundidad emocional y el riesgo que supuso apostar por una trama con un tono menos infantil y unas escenas de acción bien logradas, muy al estilo de Teen Titans (2003). Perfecta para fans veteranos y también como introducción al universo de Las Supernenas.

Las Supernenas Z (2006-2007)

Esta versión japonesa del universo de Las Supernenas es un giro total: Las Supernenas Z (2006-2007) toma a los personajes clásicos y los reinventa como chicas mágicas al estilo anime. En lugar de ser creadas en un laboratorio, las protagonistas —Momoko, Miyako y Kaoru— obtienen sus poderes tras ser alcanzadas por rayos de “Chemical Z”. La serie tiene una estética completamente distinta y una trama más propia de una serie de anime como Sailor Moon (1992) que de unos dibujos animados infantiles. 

Sin embargo, lo que más me gusta de esta versión es que, al contrario que Las Supernenas: la película (2002), los personajes se sienten más cercanos a la madurez y, como consecuencia, lidian con emociones y relaciones que van más allá de su familia o de salvar el día. Aunque su doblaje al español no tuvo un alcance global, tuvo cierto éxito a su llegada a España. Es una joya rara dentro de la saga, pero ofrece una experiencia distinta e interesante para quienes quieran ver a nuestras superheroínas favoritas con un nuevo prisma.

Las Supernenas: Baile Siniestro (2014)

Tras casi una década sin contenido nuevo, las superheroínas volvieron en un especial único para Cartoon Network. Con animación CGI en lugar del clásico 2D y un nuevo elenco de voces, Las Supernenas: Baile Siniestro (2014) fue un experimento atrevido. Demasiado atrevido. La historia tiene algunos elementos de musical que no encajan demasiado y un humor más surrealista que absurdo que no es al que estamos acostumbrados. Lo que más me gusta es cómo consigue mantener la esencia de la serie y a la vez introduce algo distinto, parecido a lo que hace Las Supernenas Z (2006-2007). 

Se nota un esfuerzo por dar un giro sin perder la chispa que hace reconocibles a las protagonistas, y eso genera momentos realmente divertidos, al estilo de Hora de Aventuras (2010). Aunque la recepción fue mixta —especialmente por el nuevo estilo y las voces—, sigue siendo una pieza divertida para quienes echaban de menos a las superheroínas infantiles. Muy recomendable para quienes quieran ver cómo la franquicia se reinventó antes de su reboot.

Las Supernenas (2016–2019)

El último reboot de Las Supernenas (2016-2019) intentó presentar a nuestras superheroínas favoritas a las nuevas generaciones, aunque no tuvo demasiado éxito haciéndolo. La serie mantuvo un estilo parecido al original, pero cambió las voces—como hizo Las Supernenas: Baile Siniestro (2014)—e introdujo referencias a redes sociales y jerga de internet, al estilo de Thundercats Roar (2020). Y eso no encaja en absoluto. 

Aunque algunos episodios de la serie sí lograron capturar el espíritu de la original, otros se sintieron desconectados de todo lo que la hicieron icónica. Es como ponerte un episodio de tu serie favorita…sólo para no reconocerla en absoluto. Aun así, el reboot tuvo tres temporadas con nuevos villanos, nuevas aventuras y tramas que desarrollaban a los personajes, haciéndolos crecer. Puede no gustarle a todo el mundo, pero lo cierto es que vale la pena explorar este reboot, sobre todo si quieres tener algo en común con una pequeña Gen Z. 

Nos preguntamos por qué no habíamos descubierto antes a Alauda Ruiz de Azúa, la cineasta de éxito más rotundo de los últimos años. Ha estrenado tres películas desde su debut en el largometraje, hace tres años, junto con una serie que también cuajó entre la crítica y el público. El estreno de Los domingos, Concha de Oro en el pasado Festival de San Sebastián, no es más que la confirmación de que el fenómeno Ruiz de Azúa llegó para quedarse, así como la oportunidad perfecta para ver todo lo que la cineasta ha creado estos años recientes.

La de Barakaldo entró tarde en la industria y para cuando debutó con Cinco lobitos su hijo tenía ya seis años. Trabajó durante años en publicidad y mantuvo despierta su afección creativa más de veinte años realizando cortometrajes, con los que ganó multitud de premios en festivales internacionales y entre los que destacan su trabajo final de carrera, Clases particulares (2005) o Dicen (2011), el corto español más laureado del año, ambos disponibles en el repositorio Cortos de Metraje. Todos ellos pueden leerse desde la jugosa geología emocional que después encontramos en sus largos.

Alauda Ruiz de Azúa se distancia del resto de directoras del ONCE (Otro Nuevo Cine Español), como Pilar Palomero, Belén Funes o Carla Simón, por su interés en la sociología a través del cine. Cinco lobitos es un estudio amplio sobre las dinámicas del cuidado familiar, también en los procesos de muerte, no sólo un cuento sobre la maternidad. La serie Querer puede interpretarse como un proceso de purga colectiva, pero no deja de ser una ventana al dolor personalísimo de una mujer que lo pierde todo. En Los domingos, Alauda Ruiz de Azúa olvida su propia educación en un colegio público-cooperativo para meternos en la piel de una familia radicalmente lejana a la suya. Hoy, junto al guionista Edu Sola, prepara una serie sobre la intimidad en tiempos de OnlyFans.

En fin, para comprender las múltiples dimensiones de la autora, en JustWatch os proponemos un viaje claro por todo lo que la oriunda de Barakaldo ha dirigido hasta el momento.

Dicen (2011)

Cruza el narrador poco fiable de (500) días juntos con el acoso brutal de Playground y tendrás parte de la gracia del mejor cortometraje de Alauda Ruiz de Azúa. En él, una pareja de niños sobreviven a un acoso brutal y sistemático en el instituto, mientras nos narran cómo se ven a ellos mismos y vemos cómo les ve el mundo. La distancia seguramente os arranque una risotada triste.

En Dicen empezó Alauda Ruiz de Azúa a interesarse por las dinámicas adolescentes, que ya entonces abrazaba reconociendo su incapacidad por comprender del todo, igual que en Los domingos. Pero veréis que el cuidado con que el cortometraje recoge a sus protagonistas lo hace digno del temarral en que se embarra.

Cinco lobitos (2022)

En Estados Unidos la maternidad esforzada se ha empleado como una plataforma para la promoción del talento de actrices algo encasilladas: desde Charlize Theron en Tully a Uma Thurman en Una mamá en apuros. Pero Alauda Ruiz de Azúa toma la maternidad primeriza de Laia Costa en Cinco lobitos como prismático para mirar más allá del bebé que no deja de llorar en sus brazos.

“Ya lo entenderás cuando seas madre”, nos dicen, y es que la cineasta de las familias (que perfeccionó las genealogías en Querer) entiende el convertirse en madre como forma de comunicarnos con nuestras propias madres (Susi Sánchez en la película). Como forma de ver que las renuncias y pequeñas recompensas no acaban cuando dejamos el biberón.

Eres tú (2023)

El giro radical de Alauda Ruiz de Azúa, una comedia romántica que no se parece a ninguna otra. Partiendo de la premisa: ¿cómo sería poder ver todo el desarrollo de una relación romántica a través del primer beso? ¿Seguiríamos entregándonos a la química en presente si supiéramos que todo va a salir mal? ¿Sacrificaríamos nuestras amistades actuales por la promesa de un futuro ideal?

Entre labios, Álvaro Cervantes viaja a través del tiempo como ya lo hacía en El tiempo que te doy y nos entrega una dramedia perfecta para reconectar con nuestro espíritu más romántico. Nada “marca Ruiz de Azúa”, pero yo me dejaría sorprender por Eres tú…

Querer (2024)

Yo la llamo “la Intimidad buena”. El conflicto de base de Querer es parecido: la denuncia de un cuadro de violación despierta lo peor de la sociedad –en este caso, una familia acaudalada–, pero aquí el culebrón se sustituye por un drama reposado, siempre atento a lo que Miren (Nagore Aranburu, tocando el cielo interpretativo), la víctima, tiene que decir y vivir.

Querer demostró que la mejor televisión británica también puede hacerse en España, sin renunciar a un gramo de la gravedad dramática de los seriales de Stephen Graham, como Condena o Adolescencia, pero con la idiosincrasia católica propia de nuestro país, de nuestras sobremesas, de Los domingos que pasamos con los abuelos. Para responsabilizarnos.

Los domingos (2025)

Hemos ido acostumbrándonos a una cierta timidez en la ficción realista española: a cineastas que sólo brillan cuando escriben sobre su realidad más cercana. Después de Querer, por lo tanto, nunca pensábamos que la formada en una escuela pública y de base laica pudiera atreverse a meternos en los zapatos de Ainara (Blanca Soroa, debutante), una chica de diecisiete que dice creer en Dios, tal cual. Vamos, La llamada solo que totalmente en serio.

Peor nos lo pone cuando en Los domingos empatizamos con la tía de Ainara, la “progre” Patricia López Arnaiz, que se niega a dar espacio a su fe creyendo saber qué le conviene. ¿De qué bando nos colocamos? La ganadora de la Concha de Oro despertará sobremesas apasionantes.

Con la llegada de varios títulos de Studio Ghibli a plataformas de streaming como Netflix y Prime Video, es el momento ideal para redescubrir aquellas joyas que, aunque no tienen la fama de Mi Vecino Totoro, El Castillo Ambulante o El viaje de Chihiro, si comunican la misma magia, emoción y profundidad.

Lo que hace único al universo Ghibli es su estilo inconfundible, esa mezcla entre lo cotidiano y lo fantástico donde lo pequeño adquiere una belleza casi espiritual. Adoro sus películas porque no solo cuentan historias: invitan a detenerse, a observar cosas tan simples como el viento moviendo las hojas, el vapor saliendo de una taza de té o ser testigo del poder silencioso de una amistad que cambia la vida de alguien. En cada plano se respira una sensibilidad que combina inocencia, melancolía y esperanza, capaz de emocionar y ofrecer confort tanto a niños como a adultos.

En esta guía te presento las películas más infravaloradas del estudio, ordenadas de mejor a peor según su encanto, impacto emocional y legado. Además, te cuento en qué plataformas puedes ver cada una desde España, para que la magia Ghibli continúe desde tu sofá.

Nicky, la aprendiz de bruja (1989)

Empezamos fuerte este recuento, y es que aunque no es completamente desconocida dentro de la filmografía del estudio de animación, Kiki's Delivery Service (como se llamó originalmente) no tiene la suficiente atención que merece. La película sigue a una joven bruja que deja su hogar para independizarse, montar su propio negocio de reparto aéreo en una ciudad costera y descubrir quién es fuera del ámbito familiar. 

Esta historia es un precioso y sutil retrato sobre la madurez, la soledad y la pérdida de la inspiración. Mientras Mi Vecino Totoro celebra la inocencia infantil en un entorno rural, Nicky explora el siguiente paso: crecer, mudarse, equivocarse y seguir adelante. Si tuviese que trasladar su espíritu al mundo del live action, tiene el encanto cotidiano de Amelie o Frances Ha. La recomiendo a aquellas personas que buscan un film de Ghibli sin grandes conflictos ni tramas rebuscadas. Es de esas películas que puedo ver una y otra vez y nunca cansarme de ella.

Ponyo en el acantilado (2008)

Sigue en el ranking otra de mis favoritas: Ponyo en el acantilado. Esta historia es puro color, ritmo y vitalidad. Aunque posiblemente sea la película más infantil de Miyazaki, considero que personas de cualquier edad pueden disfrutar de esta obra de arte hecha película. Ponyo de alguna manera reinterpreta La sirenita pero con más foco en la inocencia que en la rebeldía.  La trama es simple: una pequeña criatura marina escapa a la superficie y se hace amiga de un niño humano, desatando un caos natural al intentar convertirse en humana. En tono y estilo está más cerca de Mi vecino Totoro que de Nausicaä del valle del viento. Hay varias razones que hacen de Ponyo un must-watch en cualquier lista de Ghibli, desde su animación que tiene un estilo de acuarela en movimiento, hasta la música de Joe Hisaishi con melodías que refuerzan la sensación de magia y aventura. No te la pierdas si buscas algo corto y dulce, es tan encantadora como caótica.

Arrietty y el mundo de los diminutos (2010)

¿Te acuerdas de Los Borrowers? Bueno, esta historia está basada en ese clásico de 1997. Arrietty y el mundo de los diminutos narra la vida de una familia diminuta que habita bajo el suelo de una casa humana, tomando prestado lo que necesitan sin ser descubiertos. Como puedes imaginarte esta película es un festín visual donde cada gota, hilo o grano de azúcar se vuelve gigantesco y bello. Comparada con historias como la de Nicky, también cuenta con una  heroína curiosa y valiente, aunque la joven Arrietty es más introspectiva. Si te gustaron películas con ese punto de vista detallista como Minúsculos o Fantástico Sr Fox, no te pierdas este título. Tiene ese ingrediente especial de Ghibli que tanto amamos: la capacidad de convertir lo cotidiano en mágico.

El viento se levanta (2013)

¿Buscas algo de Ghibli no tan conocido pero con un tono sobrio y melancólico? Entonces esta siguiente recomendación es para ti. El viento se levanta está basada libremente en la vida del ingeniero Jirō Horikoshi, un soñador que crea aviones pero termina construyendo armas de guerra. Si disfrutaste películas como Oppenheimer o First Man pero ahora quieres una historia existencial animada, vas a disfrutar la reflexión madura sobre el peso de la creación, la culpa y el amor que plantea este film. La calidad visual es tan buena como cualquier otra del estudio. Su música es mágica y su atención al detalle no falla. Eso si, no la veas si te sientes un poco sensible ya que las lágrimas están aseguradas con El viento se levanta.

Porco Rosso (1992)

Siempre sentí Porco Rosso como la película más adulta de Miyazaki y tal vez por eso no ingresó en los primeros puestos de la lista. Pero que su tono no te engañe, aunque podría decirse que es casi un film noir animado, es imperdible para cualquier fan de Studio Ghibli. En esta historia sobre un piloto convertido en cerdo, una Italia entre guerras y un aire de nostalgia inconfundible se combina a la perfección aventura, romance y un humor maduro. Tiene un punto de comparación con El Viento se levanta por representar el amor a volar y el detalle puesto en la belleza mecánica, pero Porco Rosso destaca frente a la otra con un espíritu más romántico. 

Susurros del corazón (1995)

La temática sobre el dolor de crecer, es recurrente dentro de la filmografía de Ghibli. Si buscas una versión más introspectiva que Nicky, aprendiz de bruja pero que comparta ese retrato sobre la inseguridad ante la vocación, Susurros del corazón puede ser una buena elección. Esta bonita película cuenta la historia de Shizuku, una estudiante apasionada por la lectura que se inspira para escribir su propia novela tras conocer a un misterioso chico. Su tono me recuerda a films como Lady Bird o Antes del amanecer. Una película sobre la creatividad, el amor adolescente y la búsqueda de propósito que merece una oportunidad y un lugar indiscutible en esta lista.

Haru en el reino de los gatos (2002)

Tengo que admitir que este film fue una grata sorpresa para mi. Es que Haru en el reino de los gatos a simple vista parecía una simple secuela espiritual de Whisper of the Heart, pero es mucho más ligera, divertida y extraña de lo que esperaba. No suele mencionarse al hablar de la filmografía del estudio Japonés y creo que vale la pena darle una oportunidad. Es Alicia en el país de las maravillas de Ghibli, con gatos parlantes, banquetes reales y un humor británico que siempre aprecio en el cine. La protagonista de esta historia es Haru, una chica que salva a un gato y acaba atrapada en un reino felino surrealista. No necesitas saber más para adentrarte en esta aventura inolvidable. 

Pompoko (1994)

Los años 90 fueron una gran década para Studio Ghibli, pero entre tantos éxitos inolvidables de ese periodo, muchas joyas quedaron en segundo plano. Una de ellas es Pompoko, la sátira ecológica más loca y tierna de su filmografía. Aquí tenemos la contracara política de Ponyo, si bien ambas hablan de naturaleza, Pompoko lo hace desde la pérdida. Tiene el mismo nivel de comentario social de Zootrópolis pero desde una sensibilidad mucho más japonesa que sinceramente y en lo personal prefiero. La historia cuenta cómo un grupo de mapaches mágicos conocidos como tanukis intentan detener la expansión urbana de Tokio. ¡Ojo! Si es divertida y si es extravagante, pero también profundamente triste. 

El Recuerdo de Marnie (2014)

Volviendo al tono más melancólico del estudio, y haciendo eco a películas como Your Name y A Ghost Story, nos encontramos con El recuerdo de Marnie. Esta historia dirigida por Hiromasa Yonebayashi sigue a Anna, una niña retraída que conoce a una misteriosa chica en una mansión junto al mar, y su amistad se convierte en una revelación emocional. Es un dulce retrato sobre la soledad y la identidad en formato de fábula, compartiendo el aspecto del autodescubrimiento con Susurros del corazón pero en este caso desde la pérdida y la memoria. Tal vez tengas que estar en un ánimo muy particular para ver esta película, pero sin duda es uno de los títulos menos populares del estudio que merece la pena. 

El cuento de la princesa Kaguya (2013)

Tal vez suene injusto dejar esta obra maestra de Isao Takahata para el final, pero es que aunque su animación artesanal la hace destacar, no tuvo el impacto cultural (aún) que han tenido otras películas de Ghibli. El cuento de la princesa Kaguya está inspirada en un relato del siglo X y cuenta la vida de una niña encontrada dentro de un bambú, criada por campesinos hasta convertirse en una joven que añora la libertad perdida. Este film se estrenó el mismo año que El viento se levanta y comparten esa visión sobre la belleza efímera de la vida desde la naturaleza. Sin embargo la ubicaría más cerca de La princesa Mononoke por su conexión espiritual con el entorno, aunque con un tono más triste y sereno. Considero que es imperdible tan solo por su estilo visual tan único y poético

La inteligencia artificial ya no pertenece al futuro: está aquí, en nuestras casas, en nuestros teléfonos y hasta en las conversaciones que tenemos cada día. Pero mucho antes de que existiera ChatGPT, Alexa o los coches autónomos, el cine y las series ya llevaban décadas imaginando lo que ocurriría si las máquinas empezaran a pensar, sentir o incluso rebelarse.

Esta lista nace precisamente de ahí: de la fascinación (y el miedo) que provoca vernos reflejados en nuestras propias creaciones. En JustWatch hemos reunido las 10 mejores películas y series sobre inteligencia artificial porque, más allá de los robots y los algoritmos, todas ellas hablan de lo mismo: de qué nos hace humanos.

Terminator (1984)

Terminator es una de esas películas que definen un género. James Cameron imaginó un futuro apocalíptico donde las máquinas, lideradas por Skynet, deciden exterminar a la humanidad. Arnold Schwarzenegger quedó inmortalizado como el cyborg asesino que viaja en el tiempo, en una mezcla perfecta de acción, terror y ciencia ficción.

Lo fascinante de Terminator es que, detrás de los disparos y las persecuciones, late una idea que sigue vigente: ¿qué pasa cuando lo que creamos se vuelve contra nosotros? Esta tensión recuerda a Alien, el octavo pasajero, donde la tecnología y la biología también son armas que escapan al control humano.

Por cierto, si eres fan del director de Terminator, te recomendamos darte una vuelta por nuestra guía con las mejores películas de James Cameron.

Matrix (1999)

Matrix no es solo una película, es un fenómeno cultural. Las hermanas Wachowski mezclaron filosofía, artes marciales, estética cyberpunk y efectos especiales revolucionarios para contar la historia de Neo, un hombre que descubre que vive en una simulación creada por máquinas.

Más allá de las coreografías y el “bullet time”, lo que hace grande a Matrix es cómo conecta con preguntas existenciales: ¿qué es real? ¿Quién controla nuestra vida? En eso, tiene mucho en común con Origen, de Christopher Nolan, aunque esta última se centra en los sueños y no en la IA.

Y justo sobre este último director tenemos una guía llamada Dónde ver todas las películas de Christopher Nolan en streaming, por si quieres hacer un maratón con su filmografía.

Yo, Robot (2004)

Inspirada en los relatos de Isaac Asimov, Yo, Robot nos presenta un futuro donde los androides forman parte de la vida diaria. Will Smith interpreta a un detective que desconfía de ellos, en una historia que mezcla investigación policial con dilemas éticos.

Aunque la película se toma muchas licencias frente a los textos de Asimov, lo potente es cómo pone en escena las famosas Tres Leyes de la Robótica. ¿Qué ocurre cuando un robot debe elegir entre obedecer o salvar vidas? En ese sentido, se parece a Minority Report, que también juega con la idea de tecnología que predice y condiciona el futuro humano.

Se trata de uno de los mejores papeles de la filmografía de Will Smith.

WALL·E (2008)

De la crudeza pasamos a la ternura: WALL·E es la demostración de que Pixar también sabe hablar de la inteligencia artificial con profundidad. El pequeño robot que limpia la Tierra deshabitada se convirtió en uno de los personajes más entrañables del cine.

Lo que hace especial a WALL·E es su tono: sin apenas diálogos, logra emocionarnos y reflexionar sobre el consumismo, la soledad y la relación con la tecnología. La considero prima hermana de E.T. el extraterrestre: ambas historias muestran que incluso lo no humano puede despertar lo más humano en nosotros.

En Justwatch tenemos una lista con el orden adecuado para ver todas las películas de Pixar, incluida WALL·E.

Her (2013)

Con Her, Spike Jonze nos plantea una de las preguntas más provocadoras: ¿se puede amar a una inteligencia artificial? Joaquin Phoenix interpreta a un hombre solitario que se enamora de Samantha, un sistema operativo con la voz de Scarlett Johansson.

La película es delicada, poética y dolorosamente real en sus reflexiones sobre el amor, la soledad y las conexiones digitales. Si Matrix hablaba de las máquinas como opresoras, Her las muestra como confidentes emocionales. En ese sentido, se parece más a Lost in Translation, otra obra que explora la intimidad en tiempos modernos.

Mientras Ex Machina disecciona la inteligencia artificial desde el control y la manipulación, Her lo hace desde la vulnerabilidad: donde una busca dominar a la máquina, la otra se deja transformar por ella.

Sobre Johansson, que aparece en Her y en Lost in Translation, tenemos una guía con sus mejores películas hasta la fecha.

Black Mirror (2011)

Más que una serie, Black Mirror es un espejo oscuro (literal) de nuestra sociedad. Cada episodio funciona como una película independiente que explora un aspecto distinto de la tecnología: desde inteligencias artificiales que replican la conciencia humana hasta sistemas de puntuación social.

Su fuerza está en lo cercano: todo lo que muestra parece a punto de hacerse realidad. Algunos capítulos, como Be Right Back o White Christmas, son auténticas mini-películas sobre la IA y el duelo. Es comparable a The Twilight Zone, pero actualizado para una era digital y con un filo mucho más cortante.

Y si te apasiona la temática de esta serie, lee nuestra guía con 15 series similares a Black Mirror, no te vas a arrepentir.

Ex Machina (2014)

Ex Machina es cine de ciencia ficción en su estado más puro: minimalista, inquietante y profundamente filosófico. Alex Garland nos lleva a una casa aislada donde un joven programador debe evaluar si un androide, interpretado por Alicia Vikander, tiene conciencia real.

La tensión psicológica es brutal, porque nunca sabemos quién manipula a quién: ¿el creador, el evaluador o la propia máquina? Es un duelo que recuerda a Misery o La huérfana, películas donde el aislamiento y la desconfianza lo son todo, aunque aquí el monstruo posible sea de silicio y no de carne.

Westworld (2016)

Westworld tomó como punto de partida la película de Michael Crichton de los 70 y la convirtió en una serie monumental sobre la conciencia artificial. El parque temático poblado por androides es solo la excusa para hablar de identidad, libre albedrío y control.

La primera temporada es un prodigio de intriga y revelaciones, con interpretaciones memorables de Evan Rachel Wood y Anthony Hopkins. Su complejidad recuerda a Game of Thrones: ambas series son rompecabezas donde nada es lo que parece y el poder se juega en múltiples capas.

A diferencia de Matrix, que plantea una rebelión abierta entre humanos y máquinas, Westworld apuesta por la ambigüedad moral: aquí las inteligencias artificiales no solo quieren liberarse, sino también entender qué significa estar vivas.

Justo en relación a la serie de Martin, en Justwatch publicamos hace un tiempo una guía con 10 series similares a Juego de Tronos.

Tau (2018)

Tau es una de esas películas de ciencia ficción que, sin necesidad de grandes presupuestos, logra atrapar al espectador con una premisa claustrofóbica. La historia sigue a Julia, una mujer secuestrada en una casa futurista que está controlada por una inteligencia artificial llamada Tau. Su supervivencia depende de cómo logre comunicarse y manipular a esa voz omnipresente, que a ratos se comporta como un carcelero y a ratos como un aprendiz curioso del mundo humano.

Lo interesante de Tau es que plantea la relación con la IA desde la intimidad: no se trata de batallas épicas ni de rebeliones globales, sino de la convivencia forzada entre un humano y una máquina. En ese sentido, recuerda más a Ex Machina, donde el cara a cara con la inteligencia artificial es el verdadero campo de batalla, aunque aquí con un pulso más cercano al thriller psicológico que a la filosofía pura.

M3GAN (2022)

M3GAN es la última en llegar y lo hace con un tono que mezcla terror, humor negro y crítica social. La muñeca androide que se convierte en protectora de una niña lleva al extremo la pregunta: ¿qué pasa cuando confiamos en la tecnología para cuidar lo más íntimo?

Lo que me gusta es cómo consigue ser inquietante y divertida a la vez, en la línea de Chucky o Annabelle, pero con un barniz contemporáneo sobre la dependencia tecnológica. Es ideal para quienes buscan una película de IA que no solo haga pensar, sino también reírse de los sustos.

Es una pena que hayas decidido obviar el Spooktober sólo porque vas repitiéndote que no te gustan las películas de miedo. Pero si cuando llega el día de los muertos no sabes donde esconderte, esta es tu guía. Para sumergirnos en la inquietud que propone, el terror no tiene porque regarse de sobresaltos y desparramarse en sangrías (dejándonos por consiguiente con los ojos como platos, a la hora de la cama). De hecho, el suspense siempre se ha basado en saber, desde lo más hondo de tus tripas, que algo va mal… Y que irá a peor.

Fíjate en las carteleras españolas: Vieja loca, una provocadora comedia snuff (de tortura) con Carmen Maura y con una cantidad desmedida de sustos por minuto, da mucho menos mal rollo que Exit 8, de Genki Kawamura, un juego de claustrofobia y ansiedad disparadísimas sólo por las cuatro paredes de un trasbordo de metro. Así que ahí apuntamos: en esta lista, os proponemos siete películas de tiempos y procedencias variadas que no son tan conocidas y que realmente tocan la tecla de la inquietud, sin que por ello debas perder tus preciadas horas de sueño.

Hush (Silencio) (2016)

Hush (Silencio) (2016) es simplemente una grandísima perla oculta al gran público y, si bien te hará olvidar la existencia de tu móvil, las dosis de tensión que entrega son inversamente proporcionales al griterío típico del slasher. La película de Mike Flanagan justifica su rechazo al jumpscare explosivo porque tiene por protagonista a una escritora sorda, en una cabaña en el bosque, que debe sobrevivir a los asaltos de un maníaco en medio de la noche. Por lo tanto, si ella no oye al asesino, nosotres tampoco.

De un blanco y negro casi tan lustroso como el de Una chica vuelve a casa sola de noche (2014), sin embargo, la gracia definitiva de esta joya es que Kate Siegel, la escritora, es de veras muy inteligente y da guerra a la altura del atacante. Esto no es un espectáculo de “ver cuándo matan a la rubia tonta”, más bien al contrario. Aplaudimos cada estrategia de esta ahijada de Laurie Strode en La noche de Halloween (1978) como una genuina partida de ajedrez.

Amer (2009)

El terror no tiene por qué dar miedo, también puede excitarte. La película infraconocidísima de Hélène Cattet y Bruno Forzani es la oportunidad perfecta para reconciliarnos con el giallo, uno de los géneros más eróticos del terror, en que la sangre es también más roja y los asesinatos más macabros. Para Cattet y Forzani, que ya deconstruyeron el western en Dejad que los cadáveres se bronceen (2017), las muertes hay que ganárselas con paladas de atmósfera onírica.

De Amer (2009), lo único que debes conocer es que sucede en un casoplón enorme, como el de Buenas noches, mamá (2015), donde nadie puede oírte gritar. Que a partir de ahí sea de placer o de dolor, eso ya… Entre sus sombras se esconde nuestra vampiresa protagonista, en una obra casi sin diálogos y que se expresa en cambio a través del color, los sonidos desconcertantes y un montaje que te arranca sin previo aviso de la seguridad (púdica) de la butaca.

Una chica vuelve a casa sola de noche (2014)

Una chica vuelve a casa sola de noche (2014) es la película que llevas a tu primera cita como garantía de cinefilia cool, y técnicamente pertenece al terror pero todo el mundo (que la ha visto, lo cual no es mucha gente) la recuerda por sus tremendas escenas musicales, no por haberlo pasado mal. En una estética que nada tiene que envidiar a la de Geoge A. Romero en La noche de los muertos vivientes, Ana Lily Amirpour retrata las madrugadas de Bad City a través de los ojos de una joven skater vampira, que se distrae persiguiendo a la fauna de criminales locales.

Pero la juventud y las buenas dosis de western de la ambientación chocan contra una monstruo algo triste, muy de cuando imaginamos el panorama fantástico desde la melancolía, como Jim Jarmusch en Sólo los amantes sobreviven (2013). ¿Y quién no ha sentido que una canción lo rescataba de la durísima, monstruosa realidad?

La noche de los muertos vivientes (1968)

Alguien podría pensar que La noche de los muertos vivientes es demasiado conocida para reivindicarla de nuevo, entre tantas películas poco conocidas. Yo te pregunto: ¿la has visto de verdad? Hemos aplaudido muchísimo y con razón a la madre de todas las obras de zombis, pero conozco a pocas personas que la hayan visto de veras.

Además, es una perla perfecta para quienes sepan que el gore o el correteo de los zombies sobrepasan el aguante de sus estómagos: aquí les ves venir, y la sangre salpica sin que veas los rojos profundos de Amer, por ejemplo. Ello no quita un ápice del horror que provocan estas criaturas expresionistas y de las que, justamente por observarles acercarse de lejos (como pasaba en Está Detrás De Ti), desearías advertir a los protagonistas distraídos. Es de las películas más inquietantes y con menos “sustos” de la historia.

Perfect Blue (1998)

Si el gore festivo de La sustancia (2024) no fue para ti pero sí te interesó cómo tomaba desde el fantástico la obsesión con la imagen personal, te recomendamos a una de sus precursoras, la Perfect Blue (1998) de Satoshi Kon. Aquí, el maestro responsable de los sueños perturbados de Paranoia Agent (2004) –otra serie buenísima de terror sin sobresaltos–, nos embarca en el viaje interior de una idol japonesa que empieza a romperse bajo la presión del estrellato.

Porque, ¿es o no es real, el acosador que no deja de ver merodeando su apartamento? Pasa igual que con el dilema central de Buenas noches, mamá: que Satoshi Kon consiga generarnos dudas verdaderas es un efecto secundario de una caída en espiral a los infiernos en la que nos ha embarcado Perfect Blue. Y nada hay más terrorífico que la ansiedad.

Buenas noches, mamá (2015)

Dos niños pequeños en una casa enorme: tras la llegada de su madre, quien lleva el rostro vendado después de una operación, empiezan a sospechar que la mujer en casa no es realmente ella. Así que deciden comprobarlo hasta que no les quede ni una duda. Y aquí Buenas noches, mamá (2015) se convierte en un juego del gato y el ratón parecido a Los otros pero mucho más frío, y que llega a cotas extremas de crueldad sin que se derrame apenas una gota de sangre.

No hay sustos en esta película de snuff donde los verdugos van cambiándose el sitio: ahora vemos a la madre como el monstruo, ahora como víctima de la violencia de sus hijos. La de Veronika Franz y Severin Fiala haría un programa doble perfecto con Salve Maria (2024), otra historia sobre la ambivalencia moral de una madre imperfecta…

Salve Maria (2024)

Quizás la película que fue más injustamente tratada en su momento, a pesar de ser sin duda la mejor obra del fantástico catalán de su década (mínimo). Igual que Perfect Blue te obliga a abrazar la paranoia tras la fama, Salve Maria (2024) te mete en la cabeza de una madre que lleva semanas sin dormir, ni apenas respirar, porque su bebé no deja de llorar. Y que un día empieza a obsesionarse con el infanticidio.

El cine estadounidense ha llegado muy tarde al retrato de nuestra parte sombría y caótica, con películas como Si pudiera, te daría una patada (2025) o Canina (2024). Antes, y con un humor negrísimo, Mar Coll ya retrató qué tan inquietante puede ser habitar una cabeza en plena depresión posparto. Spoiler: no querríais estar en la piel de Laura Weissmahr.

Qué gran año ha sido 2025 para el anime. De hecho, si diciembre llegara a día de hoy, cerraríamos con el éxito sorprendente de Dan Da Dan (cuyo boca oreja se ha alargado por meses) o la consagración del anime coreano gracias al triunfo de Solo Leveling en los Anime Awards. Por suerte, el año no acaba en septiembre, aún estamos cosechando una generosa taquilla por Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba La fortaleza infinita y queda por delante el estreno esperadísimo de la primera película de Chainsaw Man, que cubrirá El arco de Reze.

En los albores de un nuevo curso académico, nos preguntamos por qué series puedes empezar en Crunchyroll (es decir, de manera gratuita con anuncios) si quieres sacar el máximo provecho a los meses por delante. Hemos seleccionado siete animes que pueden darte un poco de todo (de slice of life hopepunk a adaptaciones literarias reposadas), ordenándolos de menos a más evidentes. Vamos con la lista.

Egao no Taenai Shokuba desu (2025)

En español, se traduce como El extrañamente maravilloso lugar de trabajo de una mangaka (A Mangaka's Weirdly Wonderful Workplace), con lo que su premisa inicial ya me llama su atención. Nadie que conozca el mundillo de la creación de manga o anime lo catalogaría de entrada como “maravilloso”, y seguramente se guardaría para la spooky season una serie como esta adaptación de un manga de Kuzushiro.

Pero ahí está la magia del anime del recién fundado estudio Voil (Acro Trip, 2024): Egao no Taenai Shokuba desu (2025) sigue el día a día de una joven dibujante de shojo mientras trata de sobrevivir al crunch del oficio a base de puro delulu. Además del optimismo del que nos nutrimos para iniciar el curso académico, compartido con series como Shuumatsu Touring (2025), hay otro motivo para darle una oportunidad: que por una vez el slice of life no se ambienta en el instituto. Si las aventuras de Keep Your Hands Off Eizouken! (2020) te dieron un par de años más de vida, te recomiendo este slice of life ahijado de los procesos de Bakuman.

Shuumatsu Touring (2025)

Shuumatsu Touring (2025), o Touring After The Apocalypse, es una de las grandes perlas escondidas entre las fronteras japonesas. Fiel a su nombre, va en la línea de Frieren: Tras finalizar el viaje (2023) pero ahora en un contexto post-apocalíptico basado en el mundo real. Cuando la civilización japonesa colapsa, las dos últimas supervivientes deciden darse una vuelta. Al final, sólo son dos jóvenes de instituto, y como en A Mangaka's Weirdly Wonderful Workplace también viven bastante delulu.

Arrancando desde el cruce entre el slice of life, el hopepunk (es decir, ciencia-ficción esperanzada a pesar de todo) y la dramática devastación que ha causado el fin del mundo, el anime del aún poco conocido estudio Nexus sobre el manga de Sakae Saito puede maridar perfectamente con el mood que nos acompaña al inicio de cada curso escolar.

Shabake (2025)

Megumi Hatakenaka tuvo un aplauso insólito con la serie de novelas de las que parte Shabake (2025), aunque su fórmula tiene todos los ingredientes para el éxito: se trata de una investigación en clave de whodunit ambientado en la época Edo, donde los yokai campan entre humanos y en una narrativa que mezclará complots, misterio sobrenatural y lealtades familiares. Vamos, exactamente lo que nos enamoró de Los diarios de la boticaria (2023) y el toque novelesco que esperamos también de Let's Play.

Aquí seguimos a Ichitaro, un rico heredero que presencia un asesinato y decide actuar, lacrado por su estado de salud pero con la ayuda de dos espíritus con cuerpo de humano. Y ya podéis olvidar la versión en live-action que se hizo sobre las novelas, porque los avances de Shabake tienen buena pinta, a pesar de las críticas que Bandai Namco recibió por la calidad de la animación de su serie histórica más aclamada, Gintama (2006).

Let's Play (2025)

Komi-san no puede comunicarse (2021) fue uno de los grandes éxitos indie del Studio OLM, a los que se suman Los diarios de la boticaria (2023) o Don't Toy With Me, Miss Nagatoro (2021). Muy en la línea discurre el romance de Let's Play (2025), una de las series de anime que generará más debate este otoño. Y es que esta adaptación del webcómic homónimo de Mongie (artista estadounidense nominada al Eisner) promete despertar chispas más allá de lo romántico: la serie trata sobre una desarrolladora de software cuyo videojuego recién estrenado (y muy aplaudido) no deja de recibir críticas de parte de un usuario anónimo en internet. Un usuario que deja de ser anónimo cuando se muda al lado de la creadora.

Sabemos los efectos devastadores del gamergate, y el cómic original no huía de los dolores de estómago que ha generado el machismo en los círculos de gamers en internet, por lo que esperamos la misma dosis de sátira de parte de la adaptación a anime. A pesar de empezar en clave de comedia romántica, quizás es la serie con más mala leche de toda la lista.

Fumetsu no Anata e (2021)

La tercera temporada de Fumetsu no Anata e (2021), o To Your Eternity, llega bajo una expectativa algo escéptica (y algo inmerecida, puesto que esta serie empezó siendo un sleeper que nos sorprendió para bien; así que no la odiemos ahora). La segunda temporada fue bastante decepcionante, y el Arco Moderno no convence demasiado a los fans más acérrimos del manga de Yoshitoki Oima, el creador de A Silent Voice (2016)...

Pero en el cambio está el progreso, y buscar repetir la fórmula del éxito es poco interesante. Como Shuumatsu Touring o Frieren: Tras finalizar el viaje, o como Mushi-Shi (2005), si no conoces To Your Eternity, te la puedo resumir como el viaje conmovedor de un ser inmortal que va tomando la forma de los seres con los que forma un vínculo mientras trata de comprender qué significa ser un humano. Llorera asegurada, que para el inicio del curso nunca viene mal.

My Hero Academia - Temporada 8 (2025)

Vamos con las dos series de anime que sí esperábais en la lista: primero, My Hero Academia - Temporada 8 (2025), el cierre de la historia de Izuku Midoriya, el heredero de los poderes de One For All en uno de los shonen que ha tomado el relevo de los grandes animes sobre chicos-héroe tras Naruto (2002).

La última temporada cubrirá los eventos de los volúmenes 40 al 42 del manga, en lo que se espera sea una temporada de 12 o 13 episodios. Un formato estándar ya bastante raro, cuando Kimetsu no Yaiba: Guardianes de la Noche (2019) está acabando con películas y Chainsaw Man ni ha esperado a su final para continuar en el cine. En fin, está todo en juego en los combates entre All For One y All Might, y Deku contra Shiragaki, que de momento no auguran un final muy feliz para nadie.

SPY x FAMILY - SPY x FAMILY CODE: White (2025)

La tercera temporada de SPY x Family, SPY x FAMILY - SPY x FAMILY CODE: White (2025), continuará con las aventurillas autoconclusivas de la familia Forger, que tantas alegrías han dado a la comunidad otaku y a los vendedores de merchandising. Después de dos años de espera (WIT andan ocupados con el remake de One Piece) y entre tantísima competencia por la atención (porque no cada día se acaba My Hero Academia), falta ver si el estreno estará al nivel de las temporadas anteriores; en calidad y en público.

Pero con la historia de orígenes de Loid y el protagonismo merecido de Yor en las nuevas tramas de espionaje, yo no creo que la monería de Anya tenga demasiados problemas por ser el centro de atención de nuevo.

Las mates no mienten. Los dos festivales más importantes del otoño, Venecia y Toronto, alimentan cada año las nominaciones de los premios de la Academia, por lo que desde ya hace falta estar muy pendiente de ellos (y de Telluride, en menor medida) para anticiparse a las nominaciones de los Oscars.

Aunque, te advierto de entrada: este año hay dos excepciones que confirman la regla. Primero, en Venecia se hizo con el León de Oro a la Mejor Película Father Mother Sister Brother de Jim Jarmusch, una contendiente muy indie que sorprendió entre los gigantes con los que competía y que, al no tener el poder de marketing de Leones anteriores como Pobres criaturas o Nomadland, en los Oscars probablemente quede a las puertas del premio gordo.

Eso sí, de Venecia surgen apuestas seguras como el reconocimiento a Dwayne Johnson por La Máquina: The Smashing Machine de Benny Safdie, o el premio políticamente cargado a La voz de Hind, una impactante ficción sobre el genocidio en Gaza.

De Toronto, más de lo mismo: de las 18 últimas ganadoras del Premio del Público, 16 han sido nominadas a Mejor Película en los Oscars, desde Green Book (2018) a Los Fabelman (2022). Este año el privilegio fue para Hamnet, el romance lacrimógeno de Chloé Zhao sobre Shakespeare, y la directora no resulta un nombre extraño para la Academia, tras conquistar la categoría de Mejor Película y Dirección en los Oscars prepandémicos con Nomadland.

En Canadá, el Frankenstein de Guillermo del Toro quedó en segundo lugar en las urnas, a pesar de las críticas templadas que acumulaba desde Venecia, así que no la damos por acabada aún. Y en la tercera posición, Wake Up Dead Man: Un misterio de Knives Out, de Rian Johnson, ya está sonando a premio para Glenn Close…

Te decía que hay dos excepciones que confirman la regla, y es que la película que más está sonando a día de hoy para el Oscar es Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson, que ha estado nominado un total de 11 veces a la estatuilla y se ha llevado un total de: cero… Aún. Este año, si todo va acorde con el runrún de las semanas pasadas, el 15 de marzo podríamos verle subir al escenario hasta en 14 ocasiones.

Te interesa saber desde ya qué películas van a seguir dando juego en la noche de los Oscars para no maratonear las nominadas a pocos días de la gala, así que lee con atención para cazar a tiempo las candidaturas más pujantes en salas y plataformas. Aquí te desgranamos las principales.

Las aspirantes a Mejor Película

Su ausencia de cualquier competición festivalera de otoño parecía señal de que la película era indudablemente mala, pero ha resultado todo lo contrario. Warner ha estrenado Una batalla tras de otra, de Paul Thomas Anderson, directa a salas y ante un alud de buenísimas críticas, algunas de las que la califican como la mejor película del año.

En Estados Unidos ha sido un auténtico fenómeno: adaptación muy libre de la novela Vineland de Thomas Pynchon, encuentra a Leonardo Di Caprio como un padre trasnochado, un Gran Lebowski que se reunirá con su sensei Benicio del Toro para combatir al grupo de extrema derecha liderado por un también despeluchado Sean Penn. El asunto recuerda, según dicen las críticas, a Puro vicio de PTA (2014) y a los laberintos psicotrópicos de thrillers como Lo que esconde Silver Lake (2018). Vamos, que si no gana el Oscar por lo menos se convertirá en película de culto.

La principal rival de Una batalla tras de otra es a día de hoy Hamnet, de Chloé Zhao, una película que conmovió en donde se ha visto pero que sigue una línea mucho más académica, en un drama de prestigio mucho más clásico y en la línea de Lo que queda del día (1993) o Sentido y sensibilidad (1995). Paul Mescal y Jessie Buckley, los irlandeses del momento, hacen de William y Agnes Shakespeare en los días siguientes a la muerte de su hijo de once años. Queda por ver si Hollywood ha perdonado a Chloé Zhao el batacazo de Los Eternos (2021) y volverá a nominarla a Mejor Película, que ya se llevó por Nomadland, el año anterior. ¿Ganará el emotivo drama de tacitas o el thriller de acción repleto de bilis y sangre?

Los candidatos a Mejor Actor

De forma excepcional, el premio a Mejor Actor parece estar más reñido que el de Actriz. De la categoría de Mejor Película nacen los principales aspirantes: Leonardo DiCaprio por Una batalla tras de otra, aunque no creo que se repita un segundo Oscar como el que ganó por El renacido (2015), si no lo hizo ya con Érase una vez en… Hollywood (2019). El tipo de papel acabado y quejumbroso era el mismo, vaya. Y Paul Mescal aún podría presentarse a Mejor Actor de Reparto para ampliar sus posibilidades, pero un Oscar a la interpretación masculina principal le daría el prestigio que su popularidad ya ha acreditado. Y claro, por ser (nada más y nada menos que) Shakespeare en Hamnet.

Quienes ya pueden darse por satisfechos son los hermanos Safdie, porque en sendas primeras películas por separado se encuentran dos de los aspirantes con más números: en Marty Supreme de Josh Safdie está Timothée Chalamet (que estuvo a punto de ganar el año pasado por Un completo desconocido) y el fantástico Dwayne Johnson lidera La Máquina: The Smashing Machine de Benny Safdie, con buenísima recepción en el pasado Festival de Venecia. No te sorprenderá, si viste el despliegue actoral de Diamantes en bruto o Good Time: Viviendo al límite.

Y luego está Jeremy Allen White, cuya interpretación de Bruce Springsteen en Springsteen: Música de ninguna parte ha prometido atraer la misma atención que A Complete Unknown. Sería especialmente cruel que Chalamet perdiera otra vez frente a un biopic musical, aunque así es la vida del actor de Hollywood, Leonardo Di Caprio lo sabe.

Las candidatas a Mejor Actriz

Los premios son una ciencia bastante menos dispersa de lo que se imagina: de las aspirantes de Mejor Película suelen nacer todos los afluentes de las otras categorías. Así pasa con la interpretación femenina, en la que lidera todas las encuestas Jessie Buckley por Hamnet. A la rotundidad dramática del papel se le suma el “ya va siendo hora” de una industria que la ha visto crecer muchísimo desde Fargo (2014) y que la obvió incluso en Estoy pensando en dejarlo (2020), para sólo nominarla en La hija oscura (2021).

La noruega Renate Reinsve la sigue muy de lejos en las encuestas de los medios, por lo que una nominación a Mejor Actriz se entendería más como un primer gesto de reconocimiento de parte de la Academia, que ignoró a la musa de La peor persona del mundo (2022) y que ya en Valor sentimental, su siguiente paso colaborando con Joachim Trier, ha estado a la altura (y de sobras) del sénior de Stellan Skarsgård.

No hay muchas más actrices realmente mainstream en los fogones festivaleros de Venecia y Toronto ahora mismo, quizás exceptuando a Emma Stone en la Bugonia de Yorgos Lanthimos. De su colaboración anterior, en Pobres criaturas, la actriz ya se llevó la estatuilla en los Oscars y los Globos de Oro de 2023, y Bugonia tampoco ha sido tan aplaudida como para esperar un doblete… Pero podríamos verla perfectamente entre las nominadas.

Y Cynthia Erivo puede tener el encanto suficiente para salvar a la segunda parte de Wicked: Parte Uno (2024), Wicked: Por siempre, una secuela que nadie pidió pero que nos abrirá las puertas a ver el despliegue de talentos de esta actriz-orquesta. Bien vale una nominación.

Los y las aspirantes a Mejor Dirección

Los Oscars siempre han tenido una relación peculiar con las películas “internacionales”, que han tratado de subsanar en la categoría de Mejor Dirección. De hecho, desde 2009 el galardón solo ha ido a parar a una persona estadounidense en tres ocasiones. Así que no sería nada raro ver una nominación a la china Chloé Zhao por Hamnet, un ejercicio de drama calculado y un cuadrilátero de interpretaciones que pide buena mano dirigiendo.

En caso de que Zhao fuera nominada, podría coincidir con Kathryn Bigelow entre las candidatas. Bigelow presentó Una casa llena de dinamita en Venecia y, a pesar de unas reacciones algo tibias, tiene toda la musculatura de Netflix para apoyar una buena campaña de premios. En este caso, sería la primera vez en cinco años con dos mujeres en la categoría.

También el noruego Joachim Trier acumula números, aunque en Valor sentimental se le valoraría por el trabajo de cámara y la ligazón de los conflictos dentro de esta familia de artistas. Sería una primera vez en la categoría, pero el Gran Premio del Jurado de Cannes respalda sus opciones. Ahora, personalmente me gustaría aplaudir el Oscar para el iraní Jafar Panahi, que se juega la piel día tras día con sus críticas al régimen iraní desde antes de El círculo (2000) y ya desde la primera persona en Taxi Teherán (2015). Pero no es sólo por su valentía y su compromiso: en Un simple accidente (ganadora de la Palma de Oro, lo cual ya da números) logra algo muy difícil, que es mantener la ambivalencia sobre la culpabilidad de un amordazado, un monstruo que no lo parece.

Que seguramente se lo acabe llevando Guillermo del Toro por Frankenstein, una ilustración bellísima y muy inspirada sobre la novela de Mary Shelley, además de un premio bonito por la índole vocacional del proyecto. O puede que Ryan Coogler, el salvavidas de la taquilla por Los pecadores, que ha sido muy aplaudido por su versión de Abierto hasta el amanecer (1996) y que lleva mucho tiempo mereciendo como mínimo una nominación. O Paul Thomas Anderson, que tras once nominaciones hace ya ojitos de cordero ante los votantes de la Academia.

Las candidatas a Mejor Película Internacional

Los resultados de las políticas de diversidad que ha aplicado la Academia son clarísimos en las candidaturas, y es que desde 2016 ya no resulta raro ver películas “en lengua extranjera”, como decían hasta hace unos años, en el resto de categorías de los Oscars. ¿Recordáis el triunfo en 2019 de la Parásitos de Bong Joon-ho, cuando dejó anticuado todo concepto de frontera a base de sátira de clase de lenguaje universal?

Si apartamos la candidatura obvia de Valor sentimental, noruega, y si tenemos en cuenta que Panahi no podrá presentar su Un simple accidente porque Irán la ha ninguneado en la preselección a los Oscars, quedamos con un puñado de opciones bastante igualado. Desde Venecia podría venir la primera candidata sólida, No hay otra opción de Park Chan-wook, el remake coreano (divertidísimo, aunque algo alargado) de la novela de la que partía Costa Gavras en la oscura Arcadia (buenísima, también). En el Lido y en Toronto no tuvo una acogida espectacular, pero dejar fuera a Park puede resultar impensable para los académicos.

Menos claro lo tengo con La voz de Hind, el drama que parte de la voz real de una niña asesinada en Gaza… La película de la tunecina Kaouther Ben Hania ha recibido ovaciones por donde ha ocurrido por su visibilidad política, pero con el panorama actual en Estados Unidos creo que se preferirá omitir una nominación.

Sí me huelo premio probable para la española Sirât, de Óliver Laxe, que se ha convertido en un evento internacional y pop, mucho más allá de la cinefilia del director de Lo que arde (2019). También caerá candidatura para la emoción y la pertinencia política de Kleber Mendonça Filho y Wagner Moura en Agente secreto, una relectura crepuscular al género del thriller de espías que amaréis quienes descubristeis el giro al survival de Bacurau: Tierra De Nadie (2019). En fin, que las nominaciones sean excusa para seguir desenterrando buenas películas.

¡Bienvenida, spooky season! Cuando el calor empieza a abandonarnos y los árboles van deshojándose, toca planificar qué películas (de terror, naturalmente) veremos durante el trecho final antes de Halloween. Y ahí va la trampa: si buscamos hacer un maratón extensivo por entre plataformas, el mes de octubre puede salir extremadamente caro. Por ello, he seleccionado unas siete perlas que podéis encontrar en JustWatch TV de forma del todo gratuita.

He tratado de recomendar, por un lado, clásicos indiscutibles como La brujería a través de los tiempos (1922), mezclados junto con títulos menos conocidos, como Messiah of Evil (1975) o Las tres caras del miedo (1963), un clásico de Mario Bava nunca lo bastante reivindicado. Si sois iniciados del mundo del terror, una buena primera película es aquella que os resulte más chillona, diferente –y creedme, sólo con los seres lyncheanos de Messiah of Evil (1975) tenéis excentricidades para rato–. Si llegáis de cero, id al clásico que más rabia os dé, como La pequeña tienda de los horrores (1960): veréis qué tan larga es su sombra. ¿Listos para un susto bueno, y barato?

Las tres caras del miedo (1963)

La obra de Bava es un tríptico gótico y fastuoso que exuda cinefilia por entre vidrieras de colores y a la sombra vibrante de una vela. Las tres caras del miedo (1963) presenta tres operetas macabras de tonos variopintos, desde la paranoia psicosexual a la venganza fantasmagórica, para tres argumentos que sirven de excusa a una atmósfera que se pega a la piel: niebla, gritos y el extraño consuelo del terror clásico.

Ideal si lo tuyo es la lógica ensoñada de Suspiria (1977) o la sofisticación de La cumbre escarlata (2015), o el pictoricismo arrebatado de Messiah of Evil o incluso la belleza inquieta de La noche de los muertos vivientes… Una fantástica forma de encontrar nuevos terrores, si creías que el género estaba amortecido.

Savageland (2015)

Hay algo impostado en ver un mockumentary en una opulenta sala de cine. Por ello, la hiperrealista Savageland (2015), hecha con cuatro duros y colgada en abierto, pide ser vista en casa. True crime sobre la masacre en un pueblo fronterizo, nos enfrenta al terror de lo que pudo haberla causado, a la amenaza eminentemente política bajo la tranquilidad horizontal de sus paisajes granulados.

Ahijada de Lago Mungo (2009) y, cómo no, de la inquietud profunda, aun sin sustos, de El proyecto de la bruja de Blair (1999), puede ser un magnífico primer volumen para una sesión doble de límites del terror junto con La pequeña tienda de los horrores, que convierte en musical el pavor.

Messiah of Evil (1975)

Messiah of Evil (1975) es una pesadilla febril que se está empezando a reivindicar estos años. En ella, una joven busca a su padre en un pueblo costero habitado sólo por seres catatónicos. La película está repleta de atmósferas surrealistas (gente en cines vacíos, rituales nocturnos, paredes que sangran…), que van amontonándose poco a poco hasta alcanzar un estado hipnótico y bellísimo, como de terror nocturno.

Tiene algo de la extrañeza de El carnaval de las almas (1962), aunque anticipa claramente el reparto y paisaje liminal de Twin Peaks (1990). En su momento, fue un eslabón clave entre el terror gótico de los sesenta y el horror cósmico posterior, aunque veréis que emplea bastante menos brilli brilli que el desparrame italiano de Bava en Las tres caras del miedo.

La pequeña tienda de los horrores (1960)

Entra un clásico más conocido, aunque como todos los clásicos ello no implique que demasiada gente lo haya visto de verdad. En el dulce terreno de la comedia, el musical y el terror, Roger Corman dirigió La pequeña tienda de los horrores (1960), una joya macabra (y ácida, y queer, y muy icónica) sobre cómo un florista torpe (Rick Moranis, la cara más ochentera que recuerdo) acaba criando a una planta devoradora de hombres para complacer a su novia. Oh, y Steve Martin le hará la vida imposible con un flamante flequillo.

El gran experto en hacer limonadas cinematográficas, Corman, convirtió la escasez de medios y un rodaje atropelladísimo en canciones memorables –de esas tiene muchas– y encumbró al terror caníbal-vegetal en un nuevo ídolo al que adorar, un dios monstruoso hasta lo sexy. No sé si tiene sentido, pero la voz del cantante de Motown Levi Stubbs me resulta grave, interesante y… No esperéis asustaros aquí, sólo descubrir o re-descubrir un musical de culto tan instantáneo como El Show de Horror de Rocky (1975), o como la misma Messiah of Evil. Preparaos para recomendarla.

La noche de los muertos vivientes (1968)

La piedra angular del cine de terror moderno, en La noche de los muertos vivientes (1968) George A. Romero reinventó el género con un survival zombi áspero y claustrofóbico… Una historia sobre un grupo de desconocidos que deben atrincherarse en una casa durante una invasión zombi. Y si bien no hay más trama que esa, ni grandes nombres en el reparto, cuatro paredes, una amenaza y un puñado de gente discutible son suficientes para montar una reflexión de primera sobre la xenofobia y las alianzas forjadas bajo el miedo.

El comentario político tras Savageland, de hecho, bebe directamente de las intenciones de Romero. Eso sí, al contrario que Las tres caras del miedo, en este abuelo de The Walking Dead de presupuesto subterráneo sólo encontraréis el blanco y el negro más radicales, de una crudeza que invita a la barbarie.

La brujería a través de los tiempos (1922)

La brujería a través de los tiempos (1922) o simplemente Häxan es un híbrido indiferenciable entre documental, ensayo y pesadilla escénica, un mockumentary como Savageland antes incluso de que el género se pensara en estos términos. La película “estudia” la historia de la brujería mezclando discurso académico con recreaciones bastante inquietantes de la brujería. Dignas del mejor folk horror posterior, desde La garra de Satán (1971) a Midsommar: el terror no espera la noche (2019).

Surrealismo y un coro de monstruos familiares, desde los demonios medievales, brujas volando a un diablo sonriente. Tras las estampitas se esconde, cómo no, una feroz crítica al pánico moral… Aunque las lecciones sobre brujería que aquí aprendemos resultan arcaicas, oníricas e inmediatamente icónicas. Dentro de tu lista, es la más experimental y vanguardista, adelantándose décadas a lo que Robert Eggers propondría con todo su cine posterior.

El View Askewniverse es el universo cinematográfico que Kevin Smith ha ido construyendo durante su carrera, empezando por Clerks en 1994. Llevamos ya tres décadas viendo cómo este gurú de la cultura pop de Nueva Jersey ha ido estableciendo un mundo donde Jay y Bob el Silencioso se pasean por diferentes historias, conectándolas con guiños, cameos y una continuidad coherente.

No es tanto una saga como una extensión del cine independiente de los 90 llevado hasta el concepto de universo compartido, que ya funcionaba años antes de que Marvel triunfara con la fórmula. Lo bueno es que sus pelis se pueden picotear sueltas o seguidas y esta guía de JustWatch te servirá para verlas en el orden lógico.

1. Clerks (1994)

Kevin Smith estaba hasta las narices de currar en una tienda de Nueva Jersey y se gastó 27.575 dólares que no tenía (vendiendo sus cómics y pidiendo prestado) para hacer una comedia de empleados en un trabajo basura que hizo una radiografía transparente de la generación X. Sus imágenes en blanco y negro recogían la sensación de estar estancado, y sus diálogos, que van de debates frikis sobre Star Wars a filosofías de bar improvisadas entre cliente y clientes, retrataban cómo es sobrevivir al día a día en un entorno suburbano. Jay y Bob aparecen por primera vez como camellos fuera de la tienda, estableciendo ya su papel como coro griego del resto de la primera trilogía.

2. Mallrats (1995)

Tras su primer bombazo, Smith contó ya con un presupuesto de estudio para hacer algo más mainstream. Mallrats lleva su espíritu underground a un centro comercial, siguiendo a dos personajes a los que sus novias les acaban de mandar a freír espárragos en su plan para recuperarlas. Aquí aparece el mejor personaje de la saga, Jason Lee como Brodie, un alter ego descarado del propio Smith: geek de los cómics con opiniones para todo y una capacidad infinita para las referencias frikis. Se alejaba del realismo sucio de la anterior para acercarse al cine de John Hughes, pero también se ha convertido en una película de culto que expandía la mitología de Jay y Bob y contaba con el primer gran cameo de Stan Lee en el cine, antes de convertirse en gag recurrente del MCU.

3. Persiguiendo a Amy (1997)

Smith decidió ponerse serio en su tercera película, contando con Ben Affleck como Holden, un dibujante de cómics que se enamora de una artista lesbiana, complicando su amistad con su socio creativo. Persiguiendo a Amyfue el momento álgido de la trilogía de New Jersey, equilibrando el humor escatológico e irreverente de Smith con temas bastante complejos, desde la identidad sexual, o la amistad, que son tratados con una profundidad que pilló por sorpresa tanto a críticos como a fans. El guion relata la propia experiencia de Smith en el mundillo del cómic independiente, mientras Jay y Bob proporcionan alivio cómico y, sorprendentemente, momentos de lucidez inesperada.

 4. Dogma (1999)

La película más ambiciosa y controvertida del View Askewniverse mandaba a “Jesucristo Colega” a una aventura fantástica cuando dos ángeles caídos encuentran un vacío legal que podría cargarse toda la creación. Smith reunió un reparto de lujo con Ben Affleck, Matt Damon, Linda Fiorentino, Chris Rock y Salma Hayek para su gran sátira religiosa, que parecía beber de ciertos cómics de la línea Vértigo. Dogma muestra a un Smith más provocativo, cuestionando la religión organizada, desde su propia fe confesa, con Jay y Bob pasando de camellos a profetas accidentales, mientras pasa por temas de redención, propósito divino y utilitarismo espiritual.

5. Jay y Bob el Silencioso contraatacan (2001)

Esta iba a ser supuestamente el gran final del View Askewniverse original, convirtiendo a Jay y Bob de secundarios en protagonistas absolutos. Cuando se enteran de que Hollywood está haciendo una película basada en los cómics de “Bluntman y Chronic” (inspirados en ellos), se lanzan a atravesar el país para sabotear la producción y reclamar los derechos de su imagen. Jay y Bob el Silencioso contraatacanes una celebración y despedida del universo que dispara con veneno al Hollywood, el primer fandom de internet y su propia carrera. Una locura en la que todo funcionaba, quizá por aparecer en plena explosión de la comedia escatológica, sexual y universitaria que American Pie ayudó a construir.

6. Clerks II (2006)

Cinco años después de dar por finalizada su primera etapa, Smith rompió su promesa para regresar con una secuela que encuentra a Dante y Randal currando en una cadena de comida rápida tras el incendio del Quick Stop. Ahora tienen otras expectativas de la vida, y sus problemas tienen que ver con el matrimonio, la carrera y su propia amistad. Clerks II hacía el milagro y conseguía el equilibrio entre la nostalgia y la actualización de sus bromas de brocha gorda con gracia, en parte porque la química entre Jeff Anderson y Brian O'Halloran seguía funcionando. Rosario Dawson añade una dinámica romántica encantadora y hacía que un tema de los Jackson 5 se hiciera uno de los momentos memorables de toda la colección.

7. Jay & Silent Bob's Super Groovy Cartoon Movie! (2013)

La única del lote no dirigida por Smith, quien se limitó a escribir el guion para jugar con la animación en una historia que transforma a Jay y Silent Bob en superhéroes, cuando crean accidentalmente a un supervillano del que deben salvar su ciudad natal. Jay & Silent Bob's Super Groovy Cartoon Movie! es un experimento creativo que permite al director introducir elementos fantásticos imposibles de acometer en sus películas de acción real. Es ligera, pero mantiene el humor irreverente del universo y supone un complemento a los cómics de “Bluntman and Chronic” que van apareciendo en las películas, es decir, café para muy cafeteros.

8. Jay y Bob el silencioso: El reboot (2019)

Casi dos décadas después de Jay y Bob el Silencioso Contraatacan, Smith se puso de nuevo la gorra hacia atrás y reunió al dúo para una “recuela” en la que Jay y Bob deben viajar a Hollywood para detener el rodaje de un reboot de “Bluntman y Chronic”, mientras Jay descubre que tiene una hija adolescente a la que nunca conoció. La naturaleza meta del View Askewniverse explota en Jay y Bob el silencioso: El reboot, con referencias constantes a las películas anteriores, la propia vida del director, incluyendo su infarto de 2018 y la de los actores que han pasado por la saga, mientras ridiculiza (¿y hace autocrítica?) de la adicción de la industria por explotar franquicias.

9. Clerks III (2022)

El cierre de la trilogía del Quick Stop Convenience Store no fue lo que muchos esperaban, una reflexión sobre la mortalidad, la creatividad y las amistades duraderas que, de nuevo juega con la vida real del director. En Clerks III, Randal también sufre un infarto y decide hacer una película sobre su vida trabajando en la tienda, convenciendo a Dante para que le ayude, una autobiografía, con Smith utilizando las experiencias de sus personajes para procesar su propia mortalidad y el legado de su carrera, poniéndose bastante serio en los temas que bordean el melodrama, que postulan este capítulo final como una coda excesivamente agri-amarga.

Dónde ver todas las películas del View Askewniverse

Para descubrir todos los títulos del universo cinematográfico de Kevin Smith disponibles en España como estas consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Durante décadas, Galactus ha representado una de las amenazas más terribles del universo Marvel, estableciéndose por fin, como el villano definitivo de Los 4 Fantásticos: Primeros pasos. Originalmente conocido como Galán—en serio—, era un brillante científico del planeta Taa que sobrevivió al colapso de su universo, transformándose en una fuerza cósmica cuyo poder trasciende la comprensión humana. Vemos en JustWatch, dónde ha aparecido este devorador de mundos y si puede considerarse verdaderamente el dios más poderoso del MCU.

Los orígenes cósmicos del último superviviente

La transformación de Galán en Galactus lo convirtió una fuerza fundamental del cosmos, cuya hambre atroz no nace de la malicia sino que es más una maldición, necesita alimentarse por supervivencia, lo que le distingue radicalmente de otros antagonistas cósmicos como Thanos, al que vimos en Los Vengadores: Infinity Wardisertando sobre si debe matar o no matar, (esa es la cuestión), a causa de sus ideas distorsionadas sobre el equilibrio universal.

La naturaleza de Galactus como único superviviente de un universo anterior le otorga una perspectiva temporal insólita para la mayoría de seres, ha presenciado la muerte y el renacimiento de realidades enteras, lo que explica su aparente indiferencia hacia la vida individual. No es que sea malvado en el sentido tradicional, simplemente opera en una escala donde los planetas son sustento y las civilizaciones, recursos no renovables…, vamos hasta que encuentra otra a la que merendarse.

Aquí merece hacer un inciso sobre las películas de Guardianes de la Galaxia, donde Ego, el Planeta Viviente, tiene un inmenso poder y el deseo de rehacer el universo, sería lo que consideramos un Celestial “corrupto”, considerado un ser antiguo y altamente inteligente con poder divino. En Guardianes de la Galaxia 2 manipula la materia y la energía, creando su propio planeta y una forma humanoide para explorar el cosmos. Ego se cree un dios y ve a los demás como herramientas para alcanzar sus objetivos, un “proyecto de expansión”. En los cómics, lucha contra Galactus.

Dioses de diferentes propósitos

Pero, a diferencia de los Celestiales, que crean y modifican vida, Galactus representa más bien la muerte, como una parte del equilibrio natural del cosmos, por lo que en ese aspecto sí podría ser considerado un Dios, o al menos un Anti-dios. Una distinción que marca la diferencia entre dos tipos de entidades cósmicas de roles opuestos en el universo Marvel. Se ha teorizado que si Galactus “terminara” de devorar mundos, podría trascender a un Celestial, aunque en principio no están relacionados.

Los Celestiales, que aparecen en la película The Eternals, actúan como “jardineros” cósmicos, experimentando con la vida y guiando la evolución de especies enteras a través de millones de años. Su propósito es constructivo, aunque sus métodos puedan parecer fríos, serían responsables de la creación de los Eternos, los Desviantes y las mutaciones que dan lugar a los mutantes. Luego tenemos a los dioses del olimpo como Zeus, que son una raza extradimensional separada de superhumanos que no tienen la consideración cósmica de los creadores, y son a los que se quiere cargar el villano de Thor: Love and Thunder.

Es muy poco glamouroso decirlo así, pero el poder de Galactus depende de su hambre, pero en su estado completo rivaliza con entidades como Eternidad y Muerte (aquella que Thanos quiso seducir y sale en Agatha, ¿quién si no?). Su capacidad para manipular la materia a nivel molecular, alterar la realidad local y proyectar energía suficiente para destruir sistemas solares lo sitúa en la cúspide de los seres cósmicos. Sin embargo, su dependencia de la energía planetaria también representa una gran debilidad, su fuerza es la inevitabilidad. Héroes como Reed Richards han logrado detenerlo temporalmente, pero nunca eliminarlo permanentemente.

Galactus y el cine

Es una fuerza de la naturaleza, como la entropía o la gravedad, que puede ser redirigida pero nunca verdaderamente derrotada. Su relación con Estela plateada indica que puede forzar la lealtad. El heraldo plateado sirve como puente entre la humanidad de Galactus perdida hace eones y la realidad actual, haciendo también de pequeño pepito grillo. Vimos esta coalición por primera vez en Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer, que se basó en la trilogía de Galactus publicada en los números 48 a 59 del cómic original.

Fue una representación cinematográfica controvertida, ya que, en lugar de mostrar su forma humanoide clásica, la película de 2007 lo presentó como un nubarrón cósmico bastante cutrillo, eliminando todo su impacto visual. En Los Cuatro Fantásticos de 2005 no se hacía referencia a él, pero en la nueva, Primeros Pasos, es mucho más fiel a los cómics, una versión más imponente con la profunda voz de Ralph Ineson encajando de forma magistral en el diseño icónico de Jack Kirby.

Ahora también se sabe que casi sale en Cuatro Fantásticos, la frustrada adaptación de Josh Trank, gracias a su guionista, Jeremy Slater, que ha revelado que primero, era el villano principal. Luego, solo iba a aparecer en una escena, para pasar a planear que solo aparecía en la escena post-créditos, y al final no queda ni rastro, aunque haya ciertas referencias muy lejanas que pudieran relacionarse con él.

¿Dónde ver todas las apariciones de Galactus en cine y otras películas relacionadas?

A continuación, puedes encontrar todas las películas donde Galactus ha aparecido o donde se han presentado elementos de su mitología, así como las principales entregas del MCU que establecen el contexto cósmico necesario para entender su lugar en el universo Marvel. JustWatch te ayuda a encontrarlas en Apple TV, Prime Video, Netflix y otras plataformas. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Cuatro Fantásticos: Primeros Pasosha logrado devolver el optimismo espacial que hacía únicos los cómics de Stan Lee y Jack Kirby, mezclando nostalgia sesentera con aventura familiar, y asombro científico, un homenaje a la era en la que los viajes espaciales daban esperanza a la sociedad, y la tele estaba llena de películas de ciencia ficción. Además de nuestra lista de ranking de Cuatro Fantásticos, hemos reunido nueve títulos que comparten la misma fascinación por la exploración espacial, el retrofuturismo y las familias extraordinarias que se enfrentan a lo desconocido. En esta guía de JustWatch encontrarás dónde verlas en streaming.

1. Ultimátum a la tierra (1951)

El clásico de Robert Wise cuando la era atómica tenía a la humanidad mirando las estrellas con esperanza y terror a partes iguales. Es imposible no establecer una pauta con la visita de la Estela Plateada con la mítica escena de Klaatu bajando de su nave con su robot Gort para dar una opción a los humanos, o dejar las guerras o desaparecer. Ultimátum a la tierra gustará a quienes adoren la estética retro-futurista de Primeros Pasos, desde la nave de Klaatu, el traje plateado o para interesados en ciencia ficción con trazas de diplomacia intergaláctica.

2. El experimento Quatermass (1955)

El primer héroe científico de la televisión británica, el profesor Bernard Quatermass, no era alguien tan distinto a Reed Richards, y ambos encuentran horrores cósmicos en sus investigaciones espaciales. En su primera aventura se enfrenta a un astronauta que vuelve del espacio infectado por alguna condición alienígena que le convierte en algo inhumano. Algo no tan diferente a lo que les pasa a Los Cuatro Fantásticos, con la diferencia de que estos obtienen poderes que los hacen mejores, no monstruos pringosos. En El experimento Quatermass, las consecuencias de cruzar ciertas fronteras científicas son vistas desde un ángulo muy distinto, pero ambos conectados por un mismo espíritu de curiosidad astronómica.

3. Los Supersónicos (1962-1963)

Hanna-Barbera creó la familia del futuro en una sociedad automatizada donde los coches volaban, los robots fregaban platos y trabajar era apretar botones, un optimismo tecnológico nacido en los 60 de Stan Lee y Jack Kirby, que en Primeros Pasos se transmite de forma aún más explícita. No solo por la dinámica familiar deLos Supersónicos o sus conflictos domésticos, sino la arquitectura flotante de Orbit City y los diseños aerodinámicos primos del edificio en Baxter, el humor naïf y la forma de tratar lo extraordinario como algo cotidiano. Si te quedas con ganas de esa interacción, estos dibujos animados son para ti.

4. Star Trek (1966-1969)

La serie sobre exploración espacial más famosa (y longeva) de la historia tenía una perspectiva humanista y ye-ye que debería encantar a todos los que han disfrutado con Primeros Pasos. Especialmente conectados están los uniformes coloridos de la Flota Estelar y la tecnología vintage de la nave, que comparten el ADN visual con el equipo de los Cuatro Fantásticos. Shakman también ha reconocido que la Star Trek original influyó directamente en cómo quería que fueran sus viajes estelares: aventuras emocionantes con trabajo en equipo, color y una emoción genuina por enfrentarse a lo desconocido.

5. 2001: Una odisea del espacio (1968)

Es difícil que la película de ciencia ficción más influyente de la historia no deje su huella en Primeros Pasos, que no deja de ir de un contacto con inteligencias superiores que resulta peligroso para la humanidad. La secuencia del salto dimensional al final de 2001: Una Odisea en el espacio y sus efectos visuales tiene su coherencia en los viajes a través de la Zona Negativa, así como los diseños de naves de Kubrick, con líneas limpias y elegancia de colores claros, pero es el momento en el que la nave se torna de color rojo tiene esa misma sensación de peligro de la escena en la que Bowman trata de desactivar a Hal.

6. Star Wars (1977)

No queda nadie que no conozca la gran revolución de George Lucas en las aventuras espaciales, y en Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos vemos una recreación de los saltos al hiperespacio de Han Solo y el Halcón Milenario, un lenguaje visual de cómo sería viajar entre dimensiones a velocidades imposibles que Shakman replica con bastante reverencia para los saltos de Reed Richards a través de la Zona Negativa, es decir túneles de luz y distorsiones espaciales con aura mágica, pero la saga de Lucas también marca un tono de viajes en el cosmos con héroes que se atreven a bromear en medio de batallas épicas y peligros. Pero vamos, a nadie vamos a descubrir ahora Star Wars, ¿verdad?

7. Los Increíbles (2004)

Aquí hay una influencia de ida y vuelta, pues el concepto de familia de superhéroes de Pixar, salía directamente de los cómics de los Cuatro Fantásticos, y esa misma lucha entre su vida doméstica y las amenazas asociadas a tener es la misma en esta Primeros Pasos. Pero además, Brad Bird también abrazaba esa estética retrofuturista sesentera, con diseños entre de tebeo de la época y arquitectura modernista. Los trajes pijameros de Los Increíbles, sus gadgets entre la nostalgia y el futuro y la percepción pública son casi simultáneos, y no es una referencia baladí, si tenemos en cuenta lo que viene firmado por el mismo autor.

8. Interstellar (2014)

Hay una dualidad entre la aventura familiar y la especulación cósmica en Interstellar, que incluye una relación padre-hija intensa y viajes por agujeros de gusano compatible con Primeros Pasos, pero lo que Shakman admira de la película de Nolan es el equilibrio entre la ciencia real y la fantasía espacial, viajes dimensionales que dan espectáculo visual e ideas que no están al alcance de los humanos que se plantean como solución para salvar al mundo en un viaje casi suicida. Pero además, claro, están los planos del espacio desde la base de la nave que Nolan convirtió casi en una marca personal.

9. Tomorrowland (2015)

Y, de nuevo, otra vez Bird y su diseño futurista antiguo que parece una etapa del de Primeros Pasos, con una dimensión paralela donde la humanidad ha desarrollado una sociedad utópica basada en ciencia y la innovación. La estética visual de Tomorrowland tiene edificios que desafían la gravedad, tecnología y arquitectura donde que no desentonaría el diseño del edificio Baxter y, por supuesto, vehículos voladores como los que utiliza la sociedad del universo Tierra-828.

¿Dónde encontrar todas las películas y series similares a 'Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos'?

Esta selección abarca desde clásicos de ciencia ficción de los 50 hasta aventuras espaciales contemporáneas, todas disponibles en las principales plataformas de streaming españolas. Aquí tienes esta guía de JustWatch que puedes filtrar por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Crea tu lista de favoritos y recibe notificaciones sobre qué ver según tus preferencias.

Estamos obsesionados con Jamie y Claire en Outlander (2014). Su historia de amor hace que los cuentos de hadas parezcan bebés. Saber que su historia está llegando a su fin fue un golpe duro del que aún no nos hemos recuperado. ¿Cómo decirle adiós a una pareja que te ha hecho soñar y volver a creer en el amor verdadero? Así que cuando se anunció Outlander: Sangre de mi Sangre (2025), la precuela que nos contará la historia de amor de Brian & Ellen y Julia & Henry, los padres de Jamie y Claire, volvimos a ser felices. La precuela se sitúa unas décadas antes de las aventuras de Jamie y Claire, por lo que volveremos a revisitar a algunos personajes que ya conocimos en Outlander (2014), así que vendría bien refrescar la memoria sobre todos los detalles que la serie nos dio sobre ellos. Aquí tienes los 10 episodios de Outlander que debes ver antes de Outlander: Sangre de mi Sangre, por qué debes hacerlo y por qué esta serie debía tener una precuela. 

"La boda" (Temporada 1, Episodio 7)

El episodio donde comienza la verdadera historia de Outlander (2014). Pero también es el episodio que nos hace suspirar. Es romántico, es apasionado y te hace entender por qué Jamie y Claire son el espejo donde todos los ships deberían mirarse. Al principio del episodio, Jamie y Claire se casan y comienzan a conocerse. Sentados en una mesa, alrededor de una vela, Jamie comienza a contarle a Claire su historia. Él le cuenta sobre sus padres y le confiesa que Ellen, su madre, era la hermana mayor de Colum y Dougal Mackenzie—a los que Claire ya había tenido el placer de conocer. Y son esos pequeños momentos de intimidad, de conexión, los que forjan una historia de amor que nada podrá romper…y que te mantiene pegada al sillón para siempre. 

Además, descubrimos que Ellen murió bastante joven, aunque no sabemos cómo. Por lo que después de eso, Jenny, la hermana de Jamie, se hizo cargo de él, de Brian y de su casa. Jamie también revela pequeños detalles sobre el amor de su padres, y aunque no profundiza demasiado, sí menciona que Murtagh estaba enamorado de Ellen y le regala a Claire el collar de perlas que le perteneció a su madre. Podemos esperar que Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) desarrolle mucho más lo que sucedió a Ellen, lo que significó para Murtagh amarla sin que ella sintiera lo mismo y también el origen de ese collar de perlas. 

"La guardia" (Temporada 1, Episodio 13)

Este capítulo conecta a Claire con la hermana de Jamie, Jenny. Aparece por primera vez, así que es muy recomendable para todos aquellos que disfruten de la relación de Jamie y Claire porque, de algún modo, conocer a su hermana de está manera, la confianza que se crea entre ellas, significa que Claire da un paso más en el mundo de Jamie. Pero es un episodio que se aleja del romance un poco en beneficio de darnos una historia de fondo para los Fraser. 

Así, Jenny y Claire tienen oportunidad de hablar mientras que Claire se ocupa de ayudar a Jenny a dar a luz. El parto de Jenny se complica y eso la lleva a recordar lo que sucedió con su madre, Ellen. Es en este momento cuando descubrimos que ella murió dando a luz al hermano pequeño de Jenny y Jamie, Willie. Además, Jenny le entrega a Claire unos brazaletes hechos de colmillos de jabalí. Esos brazaletes pertenecían a Ellen, pero ella nunca quiso revelar qué pretendiente se los regaló. Es muy probable que Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) nos cuente la historia de estos brazaletes y también veamos cómo fue el parto traumático de Ellen que la llevó a la muerte.

"La búsqueda" (Temporada 1, Episodio 14)

Este episodio es especialmente para los que disfrutan de ese hombre gruñón, protector y de pocas palabras que es Murtagh. Si el personaje te encanta, este es tu capítulo porque, gracias a él, descubrimos su pasado y entendemos un poco mejor por qué daría hasta su vida por Jamie. En el episodio, Claire y Murtagh se lanzan en un viaje para encontrar a Jamie, que en ese momento había caído preso de los ingleses. Esto le da a ambos la posibilidad de pasar tiempo juntos, lo que supone tanto un desafío como una catarsis. Murtagh no confía del todo en Claire y es demasiado hosco para su propio bien. Pero él puede ver que ella ama a Jamie. Y Claire es consciente de cuán importante es Jamie para Murtagh. 

Así que, con ese amor en común, Murtagh se abre con Claire y le cuenta el amor que siempre ha sentido por Ellen y cómo, por ella, cuida a Jamie como un padre lo haría. Es aquí donde descubrimos que Murtagh es ese pretendiente que Ellen mantuvo en secreto. Él le regaló los brazaletes como una muestra de su amor, ya que intentó demostrar que era digno de ella matando a un jabalí sólo con su daga, eso sorprendió a Colum y Dougal, y ambos le regalaron esos colmillos. Murtagh los convirtió en brazaletes para Ellen y consiguió dárselos como un símbolo de lo que sentía por ella, aunque fuera unilateral.

"La cárcel de Wentworth" (Temporada 1, Episodio 15)

Este es un episodio que sólo verás una vez. Es duro porque contiene la agresion sexual de Jamie a manos de Jack Randall el Negro. Y es horrible y perturbadora. Y te deja con un nudo en el estómago y ganas de vomitar a la vez. Pero es un episodio que nos da alguna información valiosa sobre Ellen. Así, nos muestra un nuevo personaje del pasado de Ellen: Sir Marcus MacRannoch. Mientras que Claire está pensando cómo rescatar a Jamie, ella piensa en vender el collar de perlas que él le regaló el día de su boda para poder sobornar a MacRannoch. 

Claire no quiere hacerlo porque sabe lo especial que es ese collar para Jamie y también para ella, pero no ve otra solución. Al ver las perlas, MacRannoch las reconoce y le cuenta a Claire que fue él quién le regaló ese collar a Ellen como regalo de bodas. Así que seguramente Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) contará todos los detalles sobre cómo y por qué Ellen terminó comprometida con MacRannoch.

"La guarida del zorro" (Temporada 2, Episodio 8)

Durante este episodio y mientras Claire y Jamie están en medio de la rebelión jacobita, ambos viajan al Castillo de Beaufort, el hogar de Lord Lovat, el abuelo de Jamie, que es el actual jefe del Clan Fraser. Y si disfrutas de la parte más historia de la serie, este será tu capítulo favorito, ya que establece muy bien las bases de la historia del Clan Fraser y su rivalidad con el Clan Mackenzie. Por lo que los padres de Jamie tendrán una historia de amor a lo Romeo y Julieta que seguro que te conquistará. 

En el episodio, mientras que Jamie pone a Claire en antecedentes sobre cómo Lord Lovat utilizó métodos bastante rastreros para casarse y que incluso intentó secuestrar a Ellen, Lord Lovat hace lo propio diciéndole a Claire que Jamie es hijo de un bastardo, ya que Brian era hijo ilegítimo de Lord Lovat y de Davina, una cocinera que trabajaba para él. Davina fue principalmente la que crió a Brian. Además, Lord Lovat deja claro que odia profundamente a los Mackenzie y siempre fueron sus enemigos, por lo que nunca perdonó a Brian cuando él eligió no una, si no dos veces a los Mackenzie por encima de él: cuando huyó de Beaufort para unirse a Ellen y rechazando la oferta de su padre de ser su sucesor una vez que ésta murió. Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) explorará a buen seguro lo que significó para Brian tomar esta decisión.

"El avemaría" (Temporada 2, Episodio 12)

Este episodio nos ayuda a conocer mucho más a los hermanos de Ellen, Colum y Dougal Mackenzie. Es un episodio que le da su espacio a los personajes secundarios y aleja el foco de Jamie y Claire. Pero la verdad es que no te da tiempo a echarlos de menos porque el capítulo es demasiado interesante como para pensar en otra cosa. En él, Colum está a punto de morir y Dougal busca tanto su apoyo como Jefe del Clan Mackenzie a la rebelión jacobita como una especie de cierre de esa tensión y animadversión que ha existido entre ellos desde siempre. 

Esto provoca que Dougal revele el motivo de la lesión en las piernas de su hermano—fue arrojado por un caballo—y lo que sintió entonces. Él pensó que Colum moriría y, por tanto, no habría ninguna lucha por ser Jefe del Clan. Pero no fue así y Colum terminó consiguiendo lo que él siempre había ansiado. Eso llenó a Dougal de una ira y una envidia que fueron creciendo con el paso de los años. Esta es la última oportunidad de Dougal de zanjar este asunto pero Colum no le da esa satisfacción cuando decide suicidarse con el veneno que le había pedido a Claire. En Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) veremos cómo Colum llegó a comandar el Clan y cómo eso afectó su relación con su hermano.

"Todas las deudas pagadas" (Temporada 3, Episodio 3) y "Muerte, no seas altiva" (Temporada 7, Episodio 3)

Aunque estos dos episodios están separados por varias temporadas de diferencia, los dos nos hablan de algo en lo que Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) seguramente profundizará: la maldición del oro jacobita. Y ambos episodios le dan a Jamie y Claire una historia individual en la que centrarse pero también expanden el lore de Outlander (2014) y casi que lo convierte en una serie de aventuras o de búsqueda de tesoros mediante antiguas leyendas al estilo de Outer Banks (2020). Y es tan interesante como suena.

En el episodio 3 de la temporada 3, tras Culloden, Jamie se encuentra recluido en Ardsmuir y se convierte en líder del resto de prisioneros. El nuevo alcaide, Lord John Grey, le pide que hable con un hombre con el que él no puede, ya que sólo habla francés y gaélico. Jamie accede y éste le habla a Jamie de un oro maldito escondido por una Dama Blanca—que Jamie, en un primer momento, piensa que es Claire. Además, en el relato incoherente del hombre aparecen los nombres de Colum, Dougal y Ellen. 

El episodio 3 de la temporada 7 retoma esta historia y nos da algunas respuestas, aunque no todas. El escondite del oro es descubierto después de que Jamie e Ian descubran a Arch Bugg robándolo de la cripta de Héctor Camerón, el que fue marido de Jocasta. Jamie no sabe de dónde proviene ese oro pero Arch le explica que es el oro enviado desde Francia para sufragar la rebelión jacobita fallida. Una vez que el oro llegó, se dividió en tres partes iguales entre Dougal Mackenzie, Héctor Camerón y Arch, que lo recibió en nombre del jefe de su Clan, Malcolm Grant. El oro fue entregado demasiado tarde, así que Grant lo utilizó para el beneficio de su Clan, haciendo jurar a Arch que nunca diría nada sobre su origen. Así que es de esperar que en la precuela el oro jacobita y la supuesta maldición que viene con él tengan un papel más que relevante. 

"Si no es por la esperanza" (Temporada 4, Episodio 11)

Mientras Jamie y Claire buscan a Roger, que fue vendido a los Mohawk, Brianna acude a River Run para quedarse un tiempo con su tía Jocasta mientras sus padres y Roger regresan. En este episodio, la serie ya no sólo se trata de Jamie y Claire, si no también de su hija, de su próximo nieto y del resto de su familia. Por lo que este capítulo lo disfrutarán especialmente los que les guste la forma única en la que la serie consigue ir más allá del amor de Jamie y Claire y unir generaciones a través de la historia de dos familias.

En este sentido, en el episodio, Jocasta le habla a Brianna sobre Ellen y, gracias a ella, descubrimos que, al igual que Brianna, Ellen era una pintora con mucho talento y que, además, era la favorita de su padre. Mientras que el destino de las mujeres estaba sellado desde muy temprana edad, siendo utilizadas para reforzar las alianzas del Clan a través del matrimonio, el padre de Ellen y Jocasta permitió que Ellen permaneciera soltera mucho más allá de lo aceptable. 

Además, Jocasta le confiesa a Brianna que, tras la muerte de su padre, Ellen y Brian se escaparon juntos, después de que Ellen rechazara los pretendientes escogidos por sus hermanos. Y Jocasta comparte una última cosa: Ellen estaba embarazada cuando se casó con Brian. Por lo que Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) va a tener mucho que decir sobre cómo fue esa fuga de Brian y Ellen y el hecho de que ella se casara embarazada.

"La cruz ardiente" (Temporada 5, Episodio 1)

La temporada 5 de Outlander (2014) comienza con un flashback ubicado justo después de la muerte de Ellen. En la escena, Murtagh se arrodilla ante Jamie— igual que hizo cuando él nació, como el mismo Murtagh le confiesa—y le jura que siempre va a estar con él, que irá donde él vaya y le apoyará no importa qué. Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) nos contará cuál es el papel de Murtagh en la vida de Jamie y en la de su padre, así que la historia tendrá algo especial para los que disfruten de esta familia encontrada que está unida más allá de la sangre. 

Además, la precuela se ocupará de rellenar los espacios en blanco y de darnos respuesta a por qué Murtagh le prometió a Ellen que cuidaría de su hijo de esa manera o incluso por qué estaba presente en el nacimiento de Jamie. Así que sí, todo indica que Murtagh es mucho más importante para la historia de la precuela de lo que parece.

"Escrito con la sangre de mi corazón" (Temporada 7, Episodio 15)

El penúltimo episodio de la temporada 7 de Outlander (2014) nos da un marco de tiempo muy claro para la muerte de Ellen. El capítulo empieza con Jamie preparándose para la batalla mientras recuerda el día de la muerte de su madre, la primera vez que vio un cadáver. Es un momento muy triste, en el que Jamie es consciente de que su final puede que esté cerca y eso lo lleva a pensar en los últimos momentos de su madre. Es un homenaje a su historia, al pasado de Jamie y a quiénes forjaron al hombre que hoy es. 

Así, Jamie comparte con Claire que Ellen estaba en el ataúd con el pelo recogido en una trenza pero su padre deshizo la trenza para que el pelo de Ellen se desparramara por la almohada. Salvaje e indomable, como la misma Ellen. Jamie le confiesa a Claire que, a la edad de 38 años, Ellen aún tenía su pelo completamente rojo. De esta forma, el episodio nos deja claro la edad a la que Ellen muere. Outlander: Sangre de mi Sangre (2025) contará cómo será el viaje de Ellen hasta llegar ahí y, no sólo eso, ya podemos hacer un seguimiento de la edad de los personajes en cada temporada de la precuela.

Aunque puede que muchos no la conocieran, la aparición de Hawkgirl (o Chica Halcón) en la película Superman (2025) ha aumentado la relevancia de este personaje en el contexto de los superhéroes, si bien es cierto que lleva formando parte de la franquicia de DC desde muchos años atrás, tanto en cómics como en diferentes ficciones.

Por eso, si te quedaste con ganas de ver más de esta heroína, has llegado a la guía correcta: aquí te contamos las series y películas en las que aparece el personaje, y que resultan perfectas para profundizar en su historia y sus habilidades.

La liga de la justicia (2001)

Muchos personajes tanto de Marvel como de DC suelen hacer sus primeras apariciones en las series animadas. En el caso de la Chica Halcón esta máxima cumple con su papel en La liga de la justicia, la serie de animación donde muchos la conocieron por primera vez. 

Si de verdad quieres saber más de Hawkgirl y entender los matices de su personalidad, esta serie es perfecta ya que forma parte del equipo de superhéroes principal desde el primer capítulo y es uno de los personajes más desarrollados en las dos temporadas de la ficción. Y aquí se incluye su relación especial con Green Lantern, del que tenemos una guía en la que explicamos cómo ver sus películas y series en orden.

Smallville (2001) 

Si bien es cierto que Hawkgirl no tiene un papel estable y recurrente en Smallville, la superheroína aparece en unos capítulos de las últimas temporadas, en los que también se presenta al Hombre Halcón. 

Aunque no se profundiza demasiado en el personaje ni en su historia, los cuatro episodios en los que se incluye sirven para los curiosos que quieren ver cómo el universo DC fue introducido poco a poco en la televisión antes de la explosión de las series actuales. El personaje es interpretado por Sahar Biniaz (Blade: La serie).

Smallville, además de mostrarnos un primer acercamiento a la Chica Halcón, también cuenta con una de las mejores versiones de Lois Lane en cine y televisión.

La liga de la justicia ilimitada (2004)

Hablamos de una secuela directa de la serie animada La liga de la justicia (2001), donde se continúa con el desarrollo de Hawkgirl, ahora en una etapa más madura. En La liga de la justicia ilimitada, la Chica Halcón tiene un rol menos protagonista, pero continúa siendo clave en muchas tramas y conflictos. 

A lo largo de las tres temporadas de la serie vemos las consecuencias de sus decisiones pasadas y su evolución como heroína. Si viste La liga de la justicia, esta la tienes que mirar sí o sí.

La joven liga de la justicia (2010)

A diferencia de las dos series animadas anteriores, en La joven liga de la justicia la Chica Halcón no es una figura central, aunque sí aparece en varias temporadas como parte del universo extendido. 

Su diseño, personalidad y los momentos clave de la serie en los que aparece, aportan una nueva capa a lo que ya sabemos de Hawkgirl. Si te gustan las historias juveniles con un elenco coral y temáticas como el espionaje o el crecimiento personal, corre a ver La joven liga de la justicia porque te va a encantar.

Leyendas del mañana (2016)

La encargada de dar vida a Hawkgirl y a Kendra Saunders (una reencarnación de Chica Halcón) en Leyendas del mañanaes Ciara Renée, que se erige como una de las protagonistas de la serie. 

Su historia se entrelaza con la del Hombre Halcón, interpretado por Falk Hentschel (Revenge) y se convierte en el eje emocional de toda la primera temporada. Se trata de una versión más humana y romántica del personaje, ideal para los que quieren entender más a la persona detrás de los poderes.

Renée también aparece como Chica Halcón en capítulos especiales que entrelazan The Flash y Arrow, y que se enmarcan en lo que se conoce como arrowverso.

DC Superhero Girls: Héroe del año (2016)

Regresamos a la animación para ver otra aparición de la Chica Halcón, en esta ocasión en DC Superhero Girls: Héroe del año, donde le presta su voz Nika Futterman (quien también ha doblado personajes en otras películas como Avatar: la leyenda de Aang o American Dad!, entre otras).

La aparición del personaje en esta película animada es especialmente relevante porque tiene un papel fundamental en la lucha frente a Dark Opal y la recuperación del instituto.

Superman (2025)

Puede que ya la hayas visto o puede que no, pero de todas formas no podía faltar Superman en la lista, la película precursora de que muchos quieran saber más sobre Hawkgirl.

La encargada de dar vida a Chica Halcón en esta ocasión es Isabela Merced (The Last of Us) quien, curiosamente, también ha aparecido en el Universo Cinematográfico de Marvel, interpretando a Anya Corazón. En su papel como Hawkgirl en este caso, aporta dinamismo, frescura y sentido del humor (aparte de una buena dosis de acción, claro).

¿Dónde ver online las series y películas en las que aparece Hawkgirl?

Por medio de esta lista de JustWatch puedes encontrar las plataformas online con todas las series y películas en las que aparece Chica Halcón. Tienes la opción de filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Crea tu lista de favoritos y recibe notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus gustos.

El Nate Jacobs de la serie Euphoria vuelve a lucir una sexualidad de lo más atormentada en Indomables, película que llega a los cines en la Jacob Elordi (Brisbane, 1997) que da vida a un hombre forzado a esconder su homosexualidad en la homofóbica América de los años 50. En esta lista, encontrarás diez películas y series para medir el talento de uno de los más destacados íconos de su generación. 

Mi primer beso (2018)

Con sus casi dos metros de altura, Jacob Elordi destacaba en Mi primer beso, una TV-Movie romántica marca Netflix diseñada para un entusiasta público adolescente que tuvo dos raudas secuelas. El australiano, que había hecho de extra en Piratas del Caribe, tuvo aquí su gran oportunidad para darse a conocer, por mucho que luego se arrepintiera diciendo que, cuando hizo estas películas –incluyendo sin duda también 2 corazones–, se “sentía muerto por dentro”, para disgusto de sus compañeros de reparto, Joey King y Taylor Zakhar Pérez, que se han mostrado indignadisimos. Pasada la adolescencia, hay que verla con el interés antropológico activado. 

Euphoria (2019)

El cambio de registro fue radical con Euphoria, la serie creada por Sam Levinson que ofrece una mirada a la adolescencia sin concesiones, plagada se sexo y drogas, comparable a la que dio en su día Larry Clark con Kids(1995). En sus dos primeras temporadas, Elordi daba vida a Nate Jacobs, el clásico chico popular del instituto, pero interiormente atormentado por una controvertida sexualidad (influida por las hábitos de su padre, que se graba teniendo encuentros con personas transexuales), que le lleva a tener un comportamiento cruel y violento. Para Elordi, la hipnótica Euphoria, puro éxtasis visual, fue el estrellato definitivo. 

Aguas profundas (2023)

El regreso de Adrian Lyne al thriller erótico fue más comentado por la relación de Ben Affleck con Ana de Armas fuera de las cámaras que por la película en sí misma, que no convenció en absoluto pese a tratarse de una novela de Patricia Highsmith reescrita para la pantalla por el mismo Sam Levinson. Pero en esas Aguas profundas también nadaba Jacob Elordi, en la piel del pianista que tocaba todas las teclas de la cubana, una mujer con afición a las aventuras extramaritales. Para muchos fans de ambos, eso ya es más que suficiente. 

The Sweet East (2023)

La primera película de Sean Price Williams, sin embargo, es extraordinaria: The Sweet East está entre lo mejor del cine indie americano de la última década. Es algo así como el reverso de Alicia en el país de las maravillas a través de la América de hoy en día. Talia Ryder es la adolescente que se fuga durante una excursión a Washington con el instituto y se encuentra a toda clase de personajes. Entre ellos a Jacob Elordi haciendo un poco de sí mismo en el rodaje de una película indie, que acaba como el rosario de la aurora, aunque el más fascinante de todos es Simon Rex, un intelectual del Lado Oscuro al que esta Alicia dejará plantadito. Imperdible.   

Saltburn (2023)

La segunda película de Emerald Fennell fue la más comentada de la temporada. Saltburn era el nombre de la mansión familiar a la que el pijo espigado encarnado por Jacob Elordi invita a pasar un verano al advenedizo Barry Keoghan, que ha conocido en Oxford. Aunque no había para tanto, se convirtió en un fenómeno inesperado por presentar una historia de manipulador manipulado que podía recordar al Pasolini de Teorema, dándole unas cuantas vueltas al tema de la lucha de clases. Al final, no quedaba si el pobre era incluso peor que los flemáticos ricos que pertenecen a la misma clase social que la realizadora. No tan escandalosa, pero interesante de cabo a rabo. 

Priscilla (2023)

Jacob Elordi se acabó convirtiendo en el marido de la mismísima Priscilla. Es decir, Elvis Presley. Un Elvis Presley más alto de lo habitual, sobre todo en comparación con Cailee Spaney, y es probable que esa llamativa diferencia de estatura tuviera carácter simbólico, porque la gran Sofía Coppola observa al Rey desde un ángulo muy poco favorecedor, como un narcisista que seduce a una adolescente para mantenerla cautiva en su jaula de oro –Graceland, como un Versalles en miniatura–, mientras se libra a toda clase de placeres largándose de gira acompañado de su tóxico círculo de aduladores encabezados por Coronel Tom Parker. Es mucho mejor de lo que se dijo. 

Oh, Canada (2024)

En el conmovedor testamento del gran Paul Schrader, basado en el último libro del ya fallecido Russell Banks, Richard Gere encarna a un cineasta en las últimas, y Jacob Elordi 

a su versión más juvenil, en la América de los años 60, cuando decidió escaquearse de la guerra de Vietnam y emprender una carrera de documentalista de marcado cariz político, no precisamente conservador. Oh, Canadaes una gran película, que no desmerece después de la trilogía trascendental que arrancó con El reverendo. Schrader siempre será mucho más que “el guionista de Taxi Driver”. 

De viaje con mi asesino (2024)

Esta tampoco sería exactamente una super recomendación, pues andar De viaje con mi asesinoha sido vista como un paso en falso en la carrera de Elordi. Sin embargo, no deja de ser una road movie con cierto interés basada en las andanzas de un auténtico asesino en serie, Larry Lee Ranes (el propio Elordi, con otro nombre), y de la potencial víctima (Zachary Quinto), que salvó la vida por ser un experto amaestrador de animales salvajes, empezando por el chimpancé que viaja con ellos en el automóvil. No es tan mala como se dice, y la historia es interesante. 

El camino estrecho (2025)

Jacob Elordi también ha tenido el privilegio de trabajar a las órdenes de un director como Justin Kurzel, que se dio a conocer con Snowtown, una de las películas de asesinos en serie más violentamente perturbadoras que se recuerdan. En El Camino estrecho, una estupenda miniserie de cinco episodios basada en la novela de Richard Flanagan, Elordi se desenvuelve con solvencia en dos planos, su presente como preso en un campo de prisioneros japonés, y su apasionado pasado cuando se entendía con la mujer de su tío (Odessa Young). Una sugerente mezcla de pasión tórrida con drama bélico de prisioneros. 

Indomables (2024)

En esta Indomables que llega a los cines, Elordi vuelve a arriesgar encarnando a un hombre gay que vive su sexualidad en secreto en la América de los años 50, cuando la clase media migraba a la periferia de las grandes ciudades para vivir su pequeña utopía consumista: coche, vivienda unifamiliar, familia y jardín. Elordi personifica a los que no encajan en el sueño americano, como el mexicano del que se enamora locamente, y busca hacer fortuna entre los neones de Las Vegas.  En paralelo, la Daisy Edgar-Jones de Normal People es una ama de casa atrapada en parejas circunstancias. Bien filmada y agradable de ver, con buenas prestaciones actorales. 

El futuro de Jacob Elordi no puede ser más halagüeño: será nada menos que el monstruo de Frankensteinen la nueva versión de Guillermo del Toro; repetirá a las órdenes de Emerald Fennell, en el rol de Heathcliff en otra Cumbres borrascosas; protagonizará The Dog Stars, de Ridley Scott, junto a Margaret Qualley y Josh Brolin, además de regresar con la tercera temporada de Euphoria. ¿Quién da más? 

¿Dónde puedo ver las películas y series de Jacob Elordi?

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Resultaba extraño que Marvel no aprovechase el tirón de los 4 Fantásticos para introducirlos en su universo cinematográfico que tantos superhéroes y nuevas historias ha lanzado a lo largo de sus diferentes fases.

Con el estreno del reboot Los 4 Fantásticos: Primeros pasos, la empresa disipó las dudas y presentó a los 4 icónicos personajes en un entorno retrofuturista de los años 60. Esta refundación de la franquicia supone la llegada de muchos nuevos intérpretes que tienen una trayectoria muy destacada en la industria del entretenimiento. 

En esta guía hacemos un repaso por sus papeles más destacados antes de esta nueva versión de los 4 Fantásticos (estamos casi seguros que algunas de las ficciones en las que han aparecido te van a sonar).

Pedro Pascal (Reed Richards / Míster Fantastico)

El actor chileno es uno de los nombres de moda en Hollywood y su aparición como Míster Fantástico en Los 4 Fantásticos: Primeros pasos ha sido la guinda del pastel. 

Antes apareció en Game of Thrones interpretando al lenguaraz y atrevido Oberyn Martell, lo que le permitió labrarse un nombre a nivel mundial. Además, también cuenta en su historial con apariciones en series de éxito como Narcos(donde encarna al detective Javier Peña) y The Good Wife. 

Sin embargo, sus papeles principales han sido en The Mandalorian (una joya para los fans de Star Wars) y The Last of Us (basada en el videojuego homónimo de Naughty Dog) que le ha valido varios reconocimientos en las galas de los Premios Emmy y los Globos de Oro.

Si quieres profundizar en su trayectoria, en Justwatch dedicamos una guía a las 15 mejores películas y series de Pedro Pascal.

Vanessa Kirby (Sue Storm / Mujer Invisible)

Antes de que Vanessa Kirby interpretase a la Mujer Invisible, se dio a conocer de manera internacional en la serie The Crown, donde dio vida a la princesa Margarita (uno de sus mejores papeles hasta la fecha, por el que ganó un BAFTA y fue nominada al Emmy).

En la gran pantalla la puedes ver en sus trabajos en Una cuestión de tiempo, Everest o El destino de Júpiter, aunque su nombre tomó mayor relevancia cuando formó parte del elenco de filmes taquilleros como Mission: Impossible – Fallouty Fast & Furious: Hobbs & Shaw. 

Por último, Kirby también logró una nominación al Óscar por su interpretación desgarradora en Fragmentos de una mujer(2020), donde encarna a una madre que pierde a su hijo en un parto casero debido a la negligencia de una matrona. Como curiosidad, Kirby interpretó rodó las escenas de Sue Storm mientras estaba embarazada en la vida real.

Joseph Quinn (Johnny Storm / Antorcha Humana)

Subimos un poco la temperatura y nos detenemos en la nueva Antorcha Humana, Joseph Quinn, quien también cuenta con varios papeles de relumbrón en su carrera.

Aunque su aparición más destacada en los últimos tiempos sea su papel como Eddie Munson en Stranger Things, Quinn también ha contado con apariciones en Un Lugar Tranquilo: Día 1, donde da vida a Eric, y en Gladiator II, donde interpreta al emperador Geta. 

Su próximo gran papel promete ser un antes y un después en su carrera: su aparición está confirmada en la tetralogía sobre The Beatles de Sam Mendes, donde tendrá la titánica tarea de interpretar a George Harrison.

Ebon Moss‑Bachrach (Ben Grimm / la Cosa)

Quizás muchos desconozcan que Ebon Moss‑Bachrach lleva muchos años en la industria y que atesora una carrera sólida, en la que destacan varios papeles de carácter, tanto en series como en cine. 

Antes de formar parte del Universo Cinematográfico de Marvel, destacó en ficciones como Girls y The Punisher, dando una muestra de su versatilidad como actor en papeles dramáticos y cómicos. Aunque el papel que de verdad le ha catapultado es el de Richie en The Bear, donde interpreta al jefe de camareros del restaurante (y por el que ya ha ganado un Premio Emmy a Mejor actor de reparto de una serie de comedia).

Sin duda tiene experiencia para interpretar a uno de los personajes más complejos de Los 4 Fantásticos: Primeros pasos.

Julia Garner (Shalla‑Bal / Silver Surfer)

Continuamos con Julia Garner, quien se pone en la piel de Silver Surfer para este reboot de los 4 Fantásticos. Garner saltó a la fama por su papel en la serie Ozarkdonde se hizo con tres Premios Emmy por interpretar a Ruth Langmore, llena de intensidad y con una evolución increíble, partiendo de ser un personaje secundario hasta convertirse en protagonista. 

En su currículum también aparecen papeles protagonistas en películas como The Assistanty ¿Quién es Ana?, donde exploró el periodismo y el thriller psicológico. 

Ralph Ineson (Galactus)

En el caso de Ralph Ineson, encontramos una carrera extensa en cine y televisión. Quizás sus papeles más recordados sean el del mayordomo Chris en Downton Abbeyy el del Obispo Pelagio en Game of Thrones. 

Por otro lado, también aparece como piloto en Guardianes de la Galaxia por primera vez en el UCM, antes de su papel como Galactus en Los 4 Fantásticos: Primeros pasos. 

Natasha Lyonne (Rachel Rozman)

Finalizamos la lista de intérpretes con Natasha Lyonne, quien cuenta con una carrera de más de tres décadas, donde sus papeles más destacados se encuentran en Orange Is the New Blacky en Muñeca rusa, donde además de mostrar su talento como actriz protagonista, también lo hace como creadora. 

Por otro lado, antes de su interpretación como Rachel Rozman en la película de Marvel, Lyonne ya había trabajado en proyectos como Colgados en Beverly Hills o Poker Face, entre otros.

¿Dónde puedo ver online todas las películas y series del elenco de ‘Los 4 Fantásticos: Primeros pasos’?

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Desde el año 1969, las aventuras de Scooby Doo han ocupado, en forma de serie de animación, las pantallas de los grandes canales de televisión estadounidenses, de CBS y ABC a Warner Bros. y Cartoon Network. La serie original muestras las aventuras de un grupo de adolescentes Fred, Daphne, Velma y Shaggy Rogers, y de su perro Scooby Doo. Muchos elementos recurrentes hacían de esta ficción animada una especie de rito: la camioneta sesentera, un misterio resuelto casi siempre por casualidad, un fantasma que en realidad es una persona disfrazada que busca explotar una leyenda urbana para su propio beneficio…

Luego, con el salto al siglo XXI, llegaron las películas, primero a las salas de cine en formato de acción real y más tarde las series que regresaban a la animación, pensadas para las plataformas de contenido a la carta. Repasamos los títulos que forman parte de la franquicia de Scooby Doo que pueden encontrarse en plataformas.

Películas de acción real

Era cuestión de tiempo que una serie de televisión tan popular entre varias generaciones de espectadores tuviera su propia versión en los cines. Ocurrió en 2002. Se decidió que la apuesta fuera en acción real y se contrató a varios de los actores jóvenes de moda, vistos en slashers como Scream o Sé lo que hicisteis el último verano, para que protagonizaran Scooby-Doo. Sarah Michelle Gellar, Freddie Prince Jr., Linda Cardellini y Mathew Lillard encarnaban a los cuatro amigos, mientras que el perro investigador estaba creado por ordenador. La historia se ambientó en un lugar llamado Spooky Island.

En 2004 llegó la secuela, con el mismo reparto. En esta ocasión el grupo de amigos se enfrentó a un anónimo enmascarado con malvados planes ,para aterrorizar a la ciudad de Coolsville.

Películas de animación

El canal por cable Cartoon Network comenzó a reponer los capítulos originales de Scooby Doo a finales de los noventa, tanto dentro como fuera de los Estados Unidos. Esto hizo que el personaje volviera a ser popular entre nuevos espectadores. A partir de entonces, la productora creadora de la serie, Hanna-Barbera, comenzó a producir una nueva película de Scooby-Doo directamente en video al año. Siguen disponibles en alquiler en plataformas de streaming. Scooby-Doo en la Isla de los Zombis (1998), Scooby-Doo! y el Fantasma de la Bruja (1999), Scooby-Doo y los Invasores Alienígenas (2000) y Scooby-Doo y la Persecución Cibernética(2001). 

Para cuando se estrenaronScooby-Doo y la leyenda del vampiro y Scooby-Doo y el monstruo de México, en el año 2003, ya había llegado al cine la primera de las películas de acción real. Algunos de sus actores, como Matthew Lillard, prestaron su voz a sus personajes. Otros títulos enfrentan al perro detective con enemigos aún más famosos, como: Scooby Doo y el Monstruo del Lago Ness (2004),Scooby Doo y el misterio del faraón (2005), Scooby Doo y la espada del samurái (2009) y Scooby Doo y el Frankenmonster (2014) La franquicia se unía a otros conceptos de la cultura popular para seguir creciendo, como LEGO Scooby Doo: Hollywood encantado (2016) y Scooby Doo y WWE: La leyenda del demonio veloz (2016). 

Series de animación

Aunque ya es muy difícil encontrar en plataformas de streaming las series iniciales de Scooby Doo de los años setenta y ochenta, las nuevas cadenas comenzaron a lanzar nuevos materiales a partir del año 2010. La primera de ellas fue Scooby Doo: Misterios S.A. cuenta con dos temporadas y funciona como secuela de los capítulos originales. También dos temporadas fueron las de Enróllate, Scooby Doo (2014), ambientada en el último año de escuela secundaria del grupo de amigos y el último verano juntos. En 2019 comenzó una nueva era con Scooby Doo y compañía y en 2023 la franquicia se amplió con un spin-off dedicado al personaje de Velma y pensado para un público más adulto.

Serie de acción real

La nueva fase de la franquicia de Scooby Doo pasa por lanzar en el año 2026 una serie de acción real. Es la primera en los cincuenta años de historia de este personaje. Se trata de un relato de origen, que explica cómo los cuatro amigos y el perro cobarde se unieron para resolver misterios. La productora detrás del proyecto es la de George Berlanti, que ya tiene mucha experiencia trabajando en varios roles en series de televisión con personajes adolescentes, como Dawson Crece, Riverdale o la Sabrina de Netflix.

Dónde ver todas las películas de Scooby-Doo

Scooby-Doo es un clásico de la producción de Hanna-Barbera y esta guía de JustWatch te permite descubrir cómo ver todas las películas inspiradas en los dibujos animados.

Si pensamos en un formato televisivo que combine romance, drama y competición en el paraíso, la primera opción que se nos viene a la cabeza a la mayoría es el fenómeno Love Island. En él, un grupo de solteros convive, encuentra pareja y afronta retos mientras el público decide quién continúa en el concurso y quién no. 

Desde su estreno en Reino Unido en 2015, el formato se ha consolidado como una de las opciones favoritas de millones de espectadores. Además, también se ha adaptado en varios países, algunos de ellos con varias temporadas.

Con esta guía, además de descubrir cada una de estas ediciones, podrás aprender cómo verlas en orden cronológico en relación a su año de lanzamiento original. 

‘Love Island’ Reino Unido (2016)

En Reino Unido es donde Love Islandcomenzó a andar, y su primera edición se emitió doblada y con subtítulos en España desde 2016. 

El concurso se desarrolló en villas de lujo, donde se estableció por primera vez la dinámica de las parejas, las “re-couplings” y el poder del voto del público. Cuenta con 12 temporadas emitidas hasta el momento, y con un spin-off llamado Love Island: All Stars, que comenzó en el año 2024. 

‘Love Island’ Alemania (2017)

Cuando hablamos Love Island Alemania lo hacemos de una de las versiones más exitosas y longevas del formato: desde su estreno en 2017 ha emitido una temporada por año y ha servido para dar lugar a nuevos spin-off. 

Al igual que sus homólogas británicas y estadounidenses, la versión alemana destaca por su energía vibrante y su producción cargada de glamour. Entre las localizaciones que han seleccionado para sus villas destacan la isla de Mallorca y la isla de Corfú.

‘Love Island’ Suecia (2018)

En los países nórdicos también triunfan estos formatos, un buen ejemplo de ello es Love Island Suecia, que se estrenó en 2018 y que ya tiene 4 temporadas estrenadas (con una quinta en marcha para 2026).

La versión sueca se aleja un poco del tono más dramático y exagerado de Reino Unido o USA, algo que era previsible por la personalidad más sosegada de los suecos. Aunque ha tenido varios presentadores, la responsable actual de conducir el programa es Johanna Nordström.

‘Love Island’ Noruega (2018)

Otro de los representantes nórdicos con una buena cantidad de ediciones es Love Island Noruega, que comenzó su emisión en 2018 y que hoy día cuenta con 5 temporadas a sus espaldas, la última de ellas de 2025.

La propuesta de la versión noruega propone un ritmo calmado pero emocional, con vínculos más genuinos y profundos que en otras versiones. Por sus pantallas han pasado varios presentadores, aunque es Alexandra Joner la que actualmente conduce el reality.

‘Love Island’ Finlandia (2018)

En 2018 echó a andar Love Island Finlandia (cuyo título original es Love Island Suomi) que ha sobrevivido en la parrilla televisiva holandesa hasta 2025 (¿y más allá?).

Al igual que Suecia y Noruega, la versión de Finlandia aporta su toque nordico: combina emociones reales con una edición clara y pausada. Como localización eligieron una villa de Marbella. Niko Saarinen es el encargado de conducir el programa en la actualidad.

‘Love Island’ Australia (2018)

Continuamos con los países angloparlantes y llegamos a la versión de Love Island Australia, que arrancó con su edición en 2018. 

En esta edición australiana destacan las villas soleadas de la costa de Queensland, que a día de hoy ya cuentan con 6 temporadas (la séptima se estrena en 2025). Su presentadora es la inglesa Sophie Monk, quien también ha participado en algún que otro film (No es otra tonta película de amor).

‘Love Island’ Polonia (2019)

En el caso de Love Island Polonia el programa debutó en Polonia en 2019, y hasta 2024 acumuló 9 temporadas bajo la batura de la presentadora Karolina Gilon (queda por ver si se desarrollarán más o no).

Lo que hace especial a esta adaptación es cómo incorpora la cultura pop polaca al registro usual del programa. Sin duda se trata de uno de los Love Island más auténticos entre todas las versiones.

‘Love Island’ USA (2019)

Se puede decir que la otra versión que goza de mejor salud, además de la de Reino Unido, es la de Love Island USA, que desde que se estrenase en 2019, ya acumula 7 temporadas y un spin-off, Love Island Games, que a su vez tiene dos entregas (la segunda verá la luz en 2025).

Esta adaptación americana ofrece una producción más pulida con villas increíbles en Las Vegas y Hawái. Varios han sido sus presentadores a lo largo de todos estos años, la última Ariana Madix (Dirty Dealing).

‘Love Island’ Países Bajos (2019)

En Países Bajos, el formato debutó el 23 de septiembre de 2019 en Videoland. La primera edición de Love Island Países Bajos duró 43 días y se desarrolló en la isla de Gran Canaria (más tarde se mudaría a Marbella).

A pesar de que logró extenderse hasta 2023 con nuevas temporadas, el programa no ha tenido nuevas entregas hasta ahora. Holly Mae Brood fue la encargada de presentar el reality. 

‘Love Island’ Canadá (2020)

Lamentablemente Love Island Canadá llegó hasta su tercera temporada y puso el broche final a la franquicia en terreno canadiense, ya que el programa no terminó de asentarse como sus homólogos en otros países. 

En el caso de las villa canadienses se puede disfrutar de paisajes naturales que contrastan con el glamour habitual del formato. El reality fue presentado por Olivier Dion (en su tercera y última temporada) y Naadei Lyonnais (en las dos primeras entregas).

‘Love Island’ España (2021)

Aquí también hemos tenido la suerte de contar con nuestra propia del reality con Love Island España, que se estrenó en 2021 y que, hasta nuevo aviso, contó 2 temporadas.

Lo mejor de la edición patria es que los momentos de humor son cercanos y reconocibles, algo que en las ediciones de los países en inglés dejaban un poco huérfanos a los espectadores españoles. Ambas ediciones fueron presentadas por Cristina Pedroche (Pekín Express).

‘Love Island’ Chequia y Eslovaquia (2021)

Es una de las pocas versiones entre dos países (Países Bajos tuvo alguna edición junto a Bélgica) y, sin duda, la más exitosa, ya que Love Island Chequia y Eslovaquiase estrenó en 2021 y, desde entonces, ha sacado una nueva edición por año (2025 incluido).

En cada nueva entrega, la producción ha agregado nuevos elementos como la entrada de nuevos concursantes durante el concurso o las votaciones dramáticas, por citar dos ejemplos. 

‘Love Island’ Malta (2023)

Uno de los últimos países donde arrancó la fiebre por Love Island es Malta, donde el formato aterrizó con Love Island Malta, cuya primera temporada contó con 31 episodios y 19 participantes.

Lo que distingue a esta edición es su entorno mediterráneo, con mezcla de lenguas, culturas y una producción que ha logrado generar momentos virales en redes sociales. La presentadora actual es Giselle Spiteri. ¿Habrá nueva entrega en 2026?

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Ex modelo e icono juvenil Chad Michael Murray, o simplemente CMM, ha sido el guapo de turno para toda clase de producciones, desde películas navideñas a películas de acción junto a Bruce Willis, pasando por su popular papel de Lucas Scott en la serie One Tree Hill y alguna película de terror. En esta lista, encontrarás diez películas y series que explican por qué tiene tantos fans. 

Ponte en mi lugar (2003)

Esta producción Disney llevó a la práctica la empática expresión Ponte en mi lugarcuando Lindsay Lohan se despertó en el cuerpo de su madre, interpretada por Jamie Lee Curtis, y viceversa. Y también significó el salto a la gran pantalla del jovencísimo CMM, que había ganado popularidad como protagonista en la primera temporada de Las chicas Gilmore y como rockero en Dawson crece, donde aparecía junto a Katie Holmes. En Ponte en mi lugar era el novio de Lohan, y está encantado de reencontrarse con ella en Ponte en mi lugar de nuevo. 

One Tree Hill (2003/2012)

CMM había sido abandonado por sus madre cuando era muy pequeño, y no cabe duda de que esa experiencia le ayudó a componer el personaje de Lucas Scott en One Tree Hill, la serie que cimentó su popularidad a lo largo de 131 episodios: todo un fenómeno adolescente que superó los cuatro millones de espectadores. Y CMM empezó a aparecer en todas las portadas, ganar premios Teen Spirit y provocar suspiros cada vez que salía a la cancha de baloncesto con el número 22 estampado en la camiseta de los Tree Hill. 

Una cenicienta moderna (2004)

Otro paso decisivo en su carrera fue formar pareja con Hilary Duff en esta comedia romántica cuyo título, Una cenicienta moderna, ya lo dice todo sobre el concepto: la cenicienta contemporánea sigue atormentada por su madrastra (Jennifer Coolidge) y sus hermanastras, pero esta vez sueña con poder estudiar en Princeton, conoce a su príncipe azul a través de la Red y el baile es el de Halloween. CMM es el el chico más popular del instituto que juega en el equipo de fútbol americano, un príncipe moderno. 

La casa de cera (2005)

El icono adolescente conocido como CMM también hizo sus pinitos en el terror de la mano del catalán Jaume Collet-Serra en La casa de cera, remake a la medida del público Teen del clásico Los crímenes del museo de cera, del gran André de Toth, basado a su vez en el relato de Charles Belden. La película dio mucho que hablar porque significó el estreno como actriz de Paris-Hilton, y en la práctica se tradujo como un slasher de introducción morosa, pero con una parte sangrienta bastante satisfactoria.  

Fruitvale Station (2013)

CMM quiso romper definitivamente con su imagen adolescente asumiendo el ingrato papel de uno de los agentes de policía que acabaron con la vida de afroamericano Oscar Grant, uno de los casos que iniciaron el movimiento Black Lives Matter. Presentada en festivales como Sundance y Cannes, Fruitvale Station tenía valor, sobre todo, como película política, e inició la fructífera relación profesional entre Michael B. Jordan y Ryan Coogler, que culminó con esa obra maestra que es Los pecadores. 

A Madea Christmas (2013)

CMM, que había sido pareja de dos compañeras de One Tree Hill –con Sophia Bush, incluso estuvo fugazmente casado–, asentó definitivamente la cabeza con la actriz Sarah Roemer, madre de sus tres hijos, y se convirtió en un hombre de familia que ama las películas navideñas. Después de A Madea Christmas, que protagonizó junto a Tyler Perry vinieron muchas más, como Escribe antes de Navidad (2020), Sorpresa en Navidad (2020) y Navidad en la avenida del Molino (2023), entre otras. Incluso ha llegado a decir que lo que más le gustaría es hacer una de Navidad con Lindsay Lohan. 

Exorcismo en Georgia (2013)

En medio de navidades tan blancas, Chad Murray no ha querido dejar de explorar su vocación de rey del grito en una película como Exorcismo en Georgia, donde también es un padre de familia. Pero de los que tienen la mala idea de mudarse a una cabaña en el campo. En este caso, la cabaña en cuestión fue una estación de la Underground Railway, la organización que ayudaba a escapar a los esclavos fugados, hasta que intervino el KKK, y sus fantasmas no son muy amigables cuando el color de los nuevos inquilinos es blanco...

Agente Carter (2015/16)

La Marvel también pensó que Murray tenía madera de superhéroe, aunque, de momento, sólo para participar en 14 episodios de Agente Carter, la serie con voluntad neonoir ambientada en el Los Ángeles de los años 40 y 50, que protagoniza una Hayley Atwell de armas tomar y patadas repartir por doquier. Murray está en su equipo. De momento no ha sonado el teléfono para interpretar a un hombre en mallas, con superpoderes e identidad secreta, pero Murray, que nació en 1981, todavía sigue estando en forma…

Riverdale (2017)

Chad Murray también se ha permitido volver al ámbito de las series juveniles como Riverdale, un experimento en el que su creador, Roberto Aguirre-Sacasa, disfruta llamando a viejas glorias que antaño tuvieron un público jovencísimo para que regresen como antagonistas malvados. Le tocó al añorado Luke Perry, y también a CMM, que en ocho episodios de la serie ejerce como el líder sectario Edgar Evernever que trata de atraer a su culto conocido a varias jóvenes de Riverdale, como Alice Cooper (Mädchen Amick), granjeándose el odio de la protagonista a la que da vida Lili Reinhart. 

Sobrevive esta noche (2020)

Chad Murray, como prefiere que lo llamen desde que alcanzó cierta madurez, también se ha fogueado como hombre de acción en películas de tiros. Fue por ejemplo uno de los últimos compañeros de armas del pobre Bruce Willis en Sobrevive esta nochea la que siguieron En tierras peligrosas (2021) y las tres entregas de La fortaleza. Son películas para fans de ambos, sin pretensiones, de esas en las que, al final, lo habitual es que digan “¡Me lo he pasado muy bien haciéndola!”. Murray pudo mantenerse en forma y demostrar que es un actor con músculo. 

¿Dónde puedo ver más películas y series de Chad Michael Murray?

Para descubrir más películas y series de Chad Michael Murray disponibles en España como estas consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Ojalá pudieras viajar atrás en el tiempo y volver a enamorarte de Outlander (2014), pero la vida es más dura que la tableta de Jamie (Sam Heughan) y las réplicas gélidas de Claire (Caitriona Balfe), así que buscas otras series que puedan paliar el vacío que ha dejado en ti la gran historia de Diana Gabaldon. Porque su adaptación acierta en una receta triunfadora en la era de la romantasy: amores y viajes en el tiempo.

Ahora, ¿qué series de viajes en el tiempo puedes ver si vas con el gusanillo romántico de Outlander? El cruce es híper específico, pero en JustWatch conocemos la parrilla al dedillo. Que toquen las cornamusas, que aquí va una guía con ocho recomendaciones.

Perdidos (2004)

Así que empiezas a buscar entre el catálogo de viajes en el tiempo, cual agencia de turismo-TARDIS. Recuerdas qué tanto te encantó Perdidos (2004), una imprescindible en la ciencia-ficción de largo recorrido en la que los supervivientes de un accidente aéreo se veían obligados a trabajar juntos para sobrevivir en una isla tropical aparentemente desierta. Pero claro: empieza como una historia de supervivencia y misterio, y para cuando te enganches de sus personajes y líos quizás hayas olvidado ya el sabor de Outlander. Como quien abre la nevera en medio de la noche.

Paper Girls (2022)

Si no, puedes dirigirte a Paper Girls (2022), más reciente, más juvenil y con más corazón que erótica. Mientras reparten periódicos la mañana después de Halloween de 1988, cuatro chicas jóvenes quedan atrapadas sin comerlo ni beberlo en un conflicto entre facciones en guerra de viajeros del tiempo. Suena a grandísima idea para una novela de verano, perfecta si lo tuyo es la narrativa de instituto (mumblecore). Pero, ¿de verdad querrías quedarte entre taquillas rechinantes? ¿No viniste por el suntuoso aroma de las velas y esa pelambrera escocesa? Vuélvete de los ochenta antes de que te pille la ola Stranger Things (2016).

12 monos (2015)

Quizás 12 Monos (2015) te transporte al universo oscuro, trágico, que asociamos a la fantasía adulta que en 1995 protagonizaron Bruce Willis, Madeleine Stowe y Brad Pitt, Twelve Monkeys (1995). Y sí, encontrarás en ella una historia de amor. La relación entre James Cole y Cassandra Railly es una de las mejores de la tele, de un anhelo desvergonzado e incomparable. Pero si el exceso de fantástico te preocupa, yo la dejaría. Si no, sumérgete primero en la versión dirigida por Terry Gilliam, e inspirada en La Jetée (1962), de Chris Marker. Eso es romance del duro, y nos encanta.

Outlander: Sangre de mi sangre (2025)

La siguiente opción ya resulta bastante evidente. Outlander: Sangre de mi sangre (2025) parte del mismo universo de historia-ficción que Outlander. Spin-off barra precuela, sigue las historias de amor de los padres de Jamie y Claire (por separado, claro). En parte ambientada en Escocia durante la Primera Guerra Mundial, en parte muchos años antes de la Batalla de Culloden, la serie hereda de forma fiel el espíritu de las siete temporadas de su predecesora. La guapura y talento del reparto (con Jeremy Irvine, Harriet Slater, Jamie Roy y Hermione Corfield), la ambientación bellísima y el portento escocés: asegurados.

La mujer del viajero en el tiempo (2022)

Preparen el pañuelito de papel. La mujer del viajero en el tiempo (2022), a no ser confundida con su versión cinematográfica anterior, Más allá del tiempo (2009), explora la compleja relación entre Clare (Rose Leslie) y Henry (Theo James), quien sufre un trastorno genético que lo hace viajar en el tiempo sin control. A medida que Henry aparece y desaparece, la serie muestra cómo el amor persiste, incluso cuando los protagonistas se encuentran en etapas distintas de sus vidas. Más oscura y cruda que la película, ofrece una experiencia tan intensa como el estómago de esta llamarada romántica que se niega a desaparecer. ¿Y no es eso, Outlander?

Timeless (2016)

De todas las series que se centran en los viajes en el tiempo, Timeless (2016) es la que más se acerca a capturar la magia de Outlander (que no sea su precuela, claro). Una historiadora (la fantástica Abigail Spencer) descubre que un grupo llamado Rittenhouse intenta reescribir la historia, por lo que ella y su equipo, algo reticente, viajan a través del tiempo para asegurarse de que todo se desarrolle como debe. Desde el viejo Hollywood hasta la época de Bonnie y Clyde, Timeless nos va llevando a través de episodios históricos pintorescos, con un vestuario deslumbrante y un entramado de romances cautivadores.

Steins;Gate (2011)

Sí, vale, es un anime adaptando una novela visual. Pero comparte con Outlander la creencia absoluta en una premisa poderosa: el amor desafía el tiempo. Punto. Steins;Gate (2011) sigue a un grupo de jóvenes que accidentalmente descubren cómo enviar mensajes al pasado, con lo que desencadenan una compleja trama de viajes temporales, sacrificios y consecuencias devastadoras… Entre las que se incluyen el futuro del interés romántico del protagonista. La tragedia aquí es máxima. Dilemas morales, paradojas temporales y un romance que ni con Outlander te lo acabas. De hecho, en su segunda vuelta, Steins;Gate 0 (2018), las pulsaciones por minuto aumentan hasta el drama imborrable. Del todo formativa y recomendable, para todo el mundo. 

Doctor Who (2005)

La serie de Doctor Who es una parada obligatoria para cualquier fan de la ciencia-ficción. Y sí, quizás desde su re-estreno en 2005 ha crecido en popularidad en manos de actores tan carismáticos como Christopher Eccleston, David Tennant o Ncuti Gatwa, que ahora da vida al Doctor. Pero más de sesenta años después del inicio de la Doctor Who original (1963) los finales de temporada de la serie, no precisamente felices, han acumulado unas cotas de drama y desgarro francamente dolorosas. Si te va la mezcla de pasión y tragedia que mueve a Outlander, en Doctor Who la intensidad está asegurada.

¿Dónde puedo ver más series románticas de viajes en el tiempo como ‘Outlander’?

Para descubrir otras series románticas de viajes en el tiempo parecidas a Outlander, consulta la guía de JustWatch. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

El verano ya está en pleno apogeo, y no hay mejor momento para dejarse llevar por relatos que transcurren bajo el sol. Desde islas griegas hasta pueblos costeros italianos, pasando por romances fugaces o aventuras adolescentes, el cine tiene todo tipo de historias para ofrecer que captan esa sensación de libertad incluso sin moverte del sofá. 

Personalmente, pocas cosas me ponen más en modo veraniego que poner una de estas pelis y dejar que me transporte directo a las vacaciones. Por eso armé este ranking de diez títulos que huelen a sal, saben a helado y suenan a canciones que no te puedes quitar de la cabeza. Y sí: están ordenados de peor a mejor, porque incluso el cine de verano también merece un poco de competencia. ¿Listos para viajar sin salir de casa?

Uno para todas (2005)

Si algo nos enseñó el cine es que el verano se suele asociar al crecimiento personal y a los recuerdos inolvidables. Uno para todas es una típica película de la década del 2000 que supo retratar esa etapa con nostalgia, emoción y mucho corazón. En esta historia cuatro amigas inseparables deben enfrentarse a su primer verano separadas, pero comparten un vaquero mágico que misteriosamente les queda bien a todas. A través de cartas y experiencias en distintos lugares del mundo, la película entrelaza historias de amor, duelo, descubrimiento y madurez. Tal vez tenga un tono demasiado juvenil, pero la recomiendo por ser una bella celebración de la amistad y un film ideal para una tarde calurosa de verano.

Sé lo que hicisteis el último verano (1997)

¿Prefieres el verano con sustos, nostalgia y una dosis de suspenso? Sé lo que hicisteis el último verano es justo eso. Este clásico del terror adolescente sigue a cuatro amigos que, tras una noche de fiesta y un accidente en una carretera costera, deciden guardar un oscuro secreto. Un año después, alguien les recuerda que el pasado no se entierra tan fácilmente. Aquí no hay sol abrasador ni paseos en vespa, sino playas cubiertas de niebla, ferias inquietantes y ese aire de vacaciones que se transforma en pesadilla. Si American Pie fue tu adolescencia, esta es la cara oscura de esos veranos: con más cuchillos que bikinis.

Bajo el sol de la Toscana (2003)

En mi opinión, pocas películas sobre el autodescubrimiento femenino retratan tan bien el verano como Bajo el sol de la Toscana. Esta película sigue a una escritora neoyorquina que, tras un divorcio, compra impulsivamente una villa en la Toscana, dando inicio a una etapa de redescubrimiento personal entre viñedos, sol y comida casera. Nos encanta por ser un  himno a la belleza de lo cotidiano, a los nuevos comienzos y a los paisajes que sanan. ¿Quién no soñó con hacer exactamente lo mismo alguna vez? Si Come, reza, ama te pareció demasiado espiritual, esta es la versión más terrenal, una historia para dejarse envolver por la calidez mediterránea y fantasear con la posibilidad de cambiar de vida bajo un cielo cálido y dorado.

Llámame por tu nombre (2017)

De Grecia nos vamos a Italia, para seguir la historia de Elio, un adolescente introspectivo, y Oliver, un joven investigador que pasa unas semanas con su familia. Esta película de Luca Guadagnino es una oda sensual y melancólica al verano, al primer amor y al paso del tiempo todo en partes iguales. Con un ritmo lento, paisajes rurales relajantes, y una luz dorada que lo baña todo, esta historia es casi hipnótica. Para quienes buscan una película más íntima y profundamente emocional, Llámame por tu nombre es la elección ideal. Para mí, de las películas más bellas jamás hechas sobre la fugacidad del verano, tal como Antes del amanecer.

Wet Hot American Summer (2001)

En esta lista no podía faltar la comedia de culto Wet Hot American Summer, una de mis favoritas. Esta parodia del cine de campamentos de verano es ideal para aquellos que prefieren reírse del verano antes que idealizarlo. La película comienza en el último día de un campamento en 1981, y su historia mezcla romances absurdos, tramas disparatadas y personajes desquiciados. Wet Hot American Summer además tiene un reparto estelar que incluye a Paul Rudd, Amy Poehler, Bradley Cooper, entre otros. Es una mirada cómica y nostálgica al caos emocional y hormonal de los veranos adolescentes. ¡Diversión garantizada!

Vicky Cristina Barcelona (2008) 

Piénsalo así: si Llámame por tu nombre es melancólica y poética, Vicky Cristina Barcelona es carnal y turbulenta. Esta película de Woody Allen muestra un verano muy distinto al tono desenfadado o nostálgico de otras de la lista. La trama sigue a dos amigas estadounidenses que se ven envueltas en un triángulo amoroso con un pintor carismático y su intensa exmujer. Con un reparto de lujo: Penélope Cruz, Javier Bardem y Scarlett Johansson, la historia habla del deseo, la búsqueda del amor y la insatisfacción emocional. Rodada en una Barcelona vibrante, el calor mediterráneo no es solo paisaje, sino el motor de decisiones impulsivas y pasiones algo complicadas. Ideal para quienes buscan una aventura de verano más adulta e intensa.

Tú a Londres y yo a California (1998)

Si hablamos de verano y cine familiar, Tú a Londres y yo a California es un clásico que encapsula a la perfección el espíritu de las vacaciones. En esta historia Lindsay Lohan interpreta a dos gemelas separadas al nacer que se conocen por casualidad en un campamento de verano y traman un plan para reunir a sus padres. La película lo tiene todo:  campamentos, travesuras, reencuentros y humor noventero. Para mí, sigue siendo la película perfecta para revivir la magia de los veranos de antes (y esa que miro cada vez que necesito reconectar con mi niña interior). 

Luca (2021)

En esta lista no podía faltar una buena película animada sobre la temática. Luca de Pixar, es una carta de amor a los veranos de la infancia, la costa italiana,y a la amistad. Esta historia transcurre en un pintoresco pueblo del litoral de Liguria, y sigue la historia de un  joven monstruo marino que descubre el mundo humano durante unas vacaciones inesperadas pero igualmente inolvidables. La animación propia de este estudio es vibrante, pero evoca a la perfección esa nostalgia de tardes calurosas interminables y esa sensación de libertad tan propia del verano. Es ideal para disfrutar con toda la familia y para celebrar aún más el encanto del mediterráneo. A favor en mi opinión: no tiene musicales típicos de las pelis animadas, y emociona a personas de todas las edades.

El talento de Mr. Ripley (1999)

Seguimos en Italia, pero nos sumergimos en una historia de tensión psicológica elegante y perturbadora. Si Bajo el sol de la Toscana es un sueño, El talento de Mr. Ripley es la pesadilla elegante que acecha detrás. Aquí seguimos a un muchacho con un talento especial para la falsedad, que a pedido de un empresario viaja a Italia para acercarse al carismático Dickie Greenleaf. Entre Sol, jazz, lanchas, cafés al aire libre y trajes de lino la película narra una historia de deseo, obsesión e identidad acompañada por el glamour del verano italiano. Si te agrada la idea de combinar el bello verano con un thriller inquietante protagonizado por un joven Matt Damon, entonces este clásico del cine es para ti. Ten en cuenta que es más larga y con un ritmo más pausado, similar a Vicky Cristina Barcelona.

Mamma Mia! (2008) 

Nuestra lista de recomendaciones termina fuerte, con un clásico veraniego: Mamma Mia! es verano en estado puro. Rodada en una isla griega de ensueño, esta comedia musical es un festín de sol, mar y canciones de ABBA para bailar sin fin. La historia gira en torno a Sophie, una joven que, a punto de casarse, invita a tres posibles padres sin que su madre lo sepa. Más allá de su argumento ligero y el rumor de que durante el rodaje el elenco se la pasó de copas, Mamma Mia! es esa evasión que tanto buscamos en las vacaciones. Tiene coreografías, humor, celebración del amor y la actuación de la majestuosa Meryl Streep. Incluso aunque seas un hater de los musicales, en mi opinión es imposible no amarla. 

Los 80 fue una década marcada por la infantilización del cine mainstream, así que hay mucho donde escoger. Pero también hay que tener en cuenta que los valores familiares han cambiado bastante... En esta lista encontrarás diez películas de los 80 para ponerte a prueba como padre, o madre, y las plataformas dónde poder verlas.  

‘El imperio contraataca’ (1980)

Se supone que ya les pusiste La Guerra con las Galaxias, una experiencia fundacional para varias generaciones ya, así que merece la pena continuar con la que, no pocas veces, se ha calificado como  la mejor secuela de todos los tiempos: El imperio contraataca. El universo Star Wars tiene no pocos atractivos, desde su frondoso imaginario a un irresistible diseño de producción, pero para los niños también es una buena iniciación en la eterna lucha entre el bien y el mal. El imperio es una clara reminiscencia del Tercer Reich, sólo hay que fijarse en el casco de Darth Vader. 

‘En busca del arca perdida’ (1981)

La primera aventura de Indiana Jones, En busca del arca perdida, contiene algunas escenas moderadamente terroríficas y alusiones sexuales de lo más suavecitas, pero se clasificó para todos los públicos en su día, y sigue siendo inofensiva en todos los aspectos. Es además una buena introducción a la Segunda Guerra Mundial, y de paso a sus aspectos más esotéricos. Si el personaje del arqueólogo interpretado por Harrison Ford consigue calar entre los más pequeños, ya hay plan para cuatro grandes tardes más, con  secuelas que llegan hasta nuestros días.  

‘E.T. El extraterrestre’ (1982)

Aunque se le puede reprochar su azucarado sentimentalismo, E.T. El extraterrestre sigue siendo ese clásico que va a funcionar con todos los niños, a partir de siete años, sean de la generación que sean. La película de Steven Spielberg no sólo ahonda en el valor de la amistad y el respeto de la diferencia, incluso podríamos decir que aboga soterradamente contra el racismo, sino que también muestra a los niños otros aspectos de la vida como la soledad, la pérdida y el paso a la madurez, amén de ser la más amable iniciación a la idea de que no estamos solos en este universo. 

‘Gremlins’ (1984)

Joe Dante dirige este regalo envenenado llamado Gremlins, que se erige en una estupenda introducción al terror, a través de estas adorables criaturas llamadas mogwai que pueden transformarse en monstruos destructivos, los muy gamberros gremlins. Es cierto que, en su momento, la película generó polémica debido a sus escenas violentas. Pero, vista hoy, los envejecidos efectos especiales ayudan a restarle dramatismo, incluso a ojos de los más pequeños, a escenas como la de ama de casa decapitando un gremlin con el cuchillo de trinchar el pavo de Acción de Gracias. Es la más arriesgada de la lista, están avisados. Pero merece la pena intentarlo.   

‘Karate Kid’ (1984)

Ahora que Karate Kid: Leyendas ha llegado a los cines, qué mejor momento para regresar, mano a mano con la descendencia, al primer Karate Kid, cuando Ralph Macchio recibió las enseñanzas, y el entrenamiento, de Myagi (Pat Morita), que no son pocas. La película nos enseña a luchar por nuestros sueños, mantener la confianza en uno mismo, no hacer nunca trampa, aprender de todo lo que nos ocurre en nuestro día a día, saber perder y, por encima de todo, tener un buen maestro. La generación que descubrió Cobra Kai, necesita saber cómo empezó todo. 

‘La historia interminable’ (1984)

El clásico de Wolfgang Petersen basado en la novela de Michael Ende, La historia interminable, donde un niño solitario se convierte en el héroe de un fastuoso mundo imaginario, es una fantástica introducción a la lectura, y a cómo esta puede ayudarnos a superar nuestros duelos y problemas cotidianos. También ayuda a los niños a ganar confianza en sí mismos, y les muestra otros valores como la perseverancia y la solidaridad. La melódica canción de Limahl fue también un gran éxito que ayudó a cimentar esta superproducción alemana, la más cara en ese país hasta el momento, frente a las grandes películas de Hollywood. 

‘Cuenta conmigo’ (1986)

El valor de la amistad es uno de los principios fundamentales de Cuenta conmigo, un clásico instantáneo dirigido por Rob Reiner y basado en una novela corta de Stephen King titulada El cuerpo, que volvió a poner de moda la canción Stand by Me, de Ben E. King. Los malogrados River Phoenix y Corey Feldman forman parte, junto a Wil Wheaton y Jerry O'Connell,  de la pequeña pandilla que, a lo largo de un verano iniciático en Castle Rock, buscan el cadáver de un niño desaparecido, y compiten en esta macabra empresa con la banda de un gamberro Kiefer Sutherland. 

‘¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988)

Más allá de su mezcla de personajes animados con otros de carne y hueso, ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, de Robert Zemeckis, es una singular aproximación al mundo del cine en sí mismo, y a la historia de la ciudad de Los Ángeles. Estamos en los años 50 y existe una conspiración urdida por el Imperio del Motor para acabar con los míticos tranvías que todavía circulaban por Los Ángeles, la ciudad con el sistema de transporte público más importante del mundo. También es una brillante introducción al género negro, para saltar de los dibujos animados de la infancia a una madurez neonoir.

‘Mi vecino Totoro’ (1988)

Si hubiera que quedarse con una sola denominación de origen para darles alegrías a nuestros hijos, esa bien podría ser Japón, y en particular el Studio Ghibli de Hayao Miyazaki que, con Mi vecino Totoro, tuvo uno de sus primeros grandes éxitos. Una película maravillosa sobre dos niñas que, cuando se mudan al campo, para seguir a su madre, enferma e interna en un hospital, empiezan a coexistir con criaturas maravillosas como Totoro, el gato-bus o los conejitos del polvo. Una de las películas de animación más emocionantes de todos los tiempos. 

‘La tumba de las luciérnagas’ (1988)

El mismo año que Mi vecino Totoro Ghibli sorprendió al mundo con la no menos mayúscula La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata, animador que ya se había ganado el corazón de niños de todo el mundo con las teleseries Marco y Heidi. Basada en la novela de Akiyuki Nosaka y ambientada en los tiempos de la Segunda Guerra Mundial, cuenta la vida de dos hermanos determinados a sobrevivir y es, sin duda, una de las mejores “películas de guerra” que existen. La más adecuada para explicar a los pequeños el horror bélico que nos sacude de Gaza a Ucrania.  

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Porque eres como yo y quieres quitarte esta talasofobia con terapia de shock, o porque te bañas y ya no sientes nada, o porque lo único que te llega en la playa es el olor a crema solar vieja, la arena en los ojos y la experiencia 360 de las manchas de suciedad flotando en el agua.

Quedan aún semanas para el estreno de Tiburón blanco: La bestia del mar (2025), la enésima película del “cuidado que te pilla”, pero los horrores marinos ya te rodean de formas impensables… Por lo que a veces es mejor ir tú misme a buscarlos.

Por ello, en esta guía de JustWatch te proponemos algunas de las mejores películas de terror marino para no volver a la playa este verano. Aquí no hay ríos, como en Piraña (1978), ni cloacas, como En las profundidades del Sena (2024). Sólo un mar abierto, abierto como un bufet de carnes poco hechas, de las que aún mugen.

Tiburón (1975)

Cincuenta años del estreno de Tiburón (1975) y yo aún no he visto una película más terrorífica de tiburones. ¡Funciona! En grandes y pequeños, porque incluso ese primito insoportable al que nada asusta (mentira) acaba con el culo torcido tras verla. El verdadero secreto del éxito tras la inventora de la “taquilla de verano” (tales fueron sus números) descansa sobre la virtud del Spielberg director: un guion bien equilibrado entre sátira, drama y puro horror, química entre Roy Scheider, Robert Shaw y Richard Dreyfuss, y personajes icónicos, de Quint al propio tiburón. Y la banda sonora de John Williams, cómo no. Necesitaremos una lista más grande para quitarle nunca el trono a esta reina de los mares.

Leviathan (El Demonio Del Abismo) (1989)

¿Qué tan felices estaban los fans del terror acuático en 1989? Bastante felices. Enero vio el estreno de Profundidad Seis (1989), un sucedáneo submarino de Alien, el octavo pasajero (1979) con Miguel Ferrer y Greg Evigan y dirigida por Sean S. Cunningham, cuyo Viernes 13 (1980) también podría describirse, por lo menos técnicamente, como una película de terror bajo el agua). Solo un par de meses después, llegaba Leviathan (El Demonio Del Abismo) (1989). Un reparto de ases, encabezado por Peter Weller, Richard Crenna y Ernie Hudson, lucha contra una criatura parecida a la Cosa –de La cosa (El enigma de otro mundo) (1982)– en el fondo del océano. Y no lo creeréis pero también es de 1989 Los señores del abismo (1989), con la estrella de Piranha Bradford Dillman.

Abyss (1989)

Y Abyss de James Cameron también se estrenó en 1989. Qué gran año para el H(de horror) 2O, ¿verdad? No es la más conocida de Cameron, el mayor amante del agua, porque de hecho es el único fracaso comercial relativo a su carrera. Y ya por ello resulta interesante verla. Eso, sin contar el choque temporal de ver a Ed Harris de joven en una narrativa que, después del hundimiento del sumergible Titan, nos resulta más actual que nunca. En fin, un equipo de científicos de una instalación petrolífera es contratado por la marina norteamericana para llevar a cabo la operación de rescate de un submarino nuclear atrapado al borde de una grieta abisal de varios kilómetros de profundidad. Todo bien.

Alerta en lo profundo (1999)

En alta mar y con tiburones, todo va mal, pero ¿sabes cómo iría peor? ¡Si los tiburones fueran más inteligentes! Esa es una lección que la doctora de Saffron Burrows aprendió demasiado tarde en esta película de condrictios (sí, la familia de los tiburones) dirigida por Renny Harlin, también responsable de Máximo riesgo (1993) con Sylvester Stallone. La búsqueda de una cura para el Alzheimer resulta desastrosa para los habitantes de un centro de investigación submarino. Después de Tiburón, Alerta en lo profundo (1999) hizo la mejor muerte en el género de terror acuático. Una espifiada que incluso dos décadas después, no tenemos ninguna intención de revelar.

Open Water (2003)

Open Water (2003) es lo opuesto a Megalodón (2018), es decir, una película de tiburones tan realista que no querrás volver a verla. Basada en una historia real que adaptó Chris Kentis, Open Water sigue a un matrimonio de buceadores que se quedan a la deriva cuando su barco turístico regresa a la costa sin ellos. En cifras: la película se rodó con un presupuesto de tan solo 500.000 dólares y recaudó 55 millones. No tranquiliza su estética sucia y cercana al documental, eso lo decimos ya. Como una Bruja de Blair con agua salada. Si ya la controláis, probad con la moralmente más cuestionable El arrecife (2010).

Bait (Carnada) (2012)

¡Y que viva Australia! Muy inspirado estaba el país más acostumbrado a las rayas, los tiburones, cocodrilos, arañas, turistas y demás plagas mortales en aquellos dos mil dieces. Bait (Carnada) (2012) reúne a un joven reparto en un colmado junto a la playa, que se inunda catastróficamente por un tsunami inesperado, y que, vaya, empieza a ser atacado por dos grandes tiburones blancos. Como La niebla (2007), en modo playero. Pero atended: es el tipo de película en la que un colega de fraternidad lanza el pomerania de su novia a un tiburón para salvarse. Por si te apetece un rollo Sharknado (2013) sin la caspa.

Infierno azul (2016)

Blake Lively protagonizaba este fascinante thriller de supervivencia con una premisa sencilla: una surfista queda atrapada encima de una roca, asediada por un tiburón blanco con intenciones menos que deseables (para ella). Infierno azul (2016) es, en efecto, un one woman show (con extra de tiburón), que consigue mantenerte en vilo gracias a lo extremadamente físico de la interpretación de Lively, en una brava coreografía con la dirección de Jaume Collet-Serra (de cuando aún no dirigía en piloto automático). Y el mix funciona: con un presupuesto de 13 millones, acabó amasando 119. Nada para la taquilla como una buena dentellada.

A 47 metros (2017)

Sumerjámonos en la élite de las películas de tiburones y quizás A 47 metros (2017) se nos queda algo superficial. Pero la película de Johannes Roberts sirve para lo que sirve (meternos el miedo al no tocar fondo en la playa). A 47 metros (2017) se pregunta: “¿Y si la escena de la jaula de Tiburón durara toda una película?”, y luego se responde. Claire Hold y Mandy Moore hacen las de dos hermanas de vacaciones, quienes se apuntan a una aventura en una jaula con tiburones, ¡solo para quedar atrapadas a una cantidad incalculable de metros bajo la superficie y rodeadas de tiburones! Nadie lo vio a venir. Roberts mantiene la tensión (y añade un giro argumental genial) en este thriller económico de 89 minutos repleto de sobresaltos.

Megalodón (2018)

Si quieres leerla en clave de comedia, allá tú. A mí Megalodón (2018) me da pavor. Un Jason Statham dispuesto a todo lucha contra un megalodón prehistórico, es decir, un tiburón muy grande, muy viejo y muy hambriento. Como tú, un domingo de resaca. Si bien la película recibió críticas mixtas, Megalodón acabó zampándose más de 500 millones de dólares en taquilla, lo que la convierte en la película más exitosa de esta lista en recaudación (sin contar inflaciones)... Y su segunda parte, Megalodón 2: La fosa (2023), demuestra que Ben Wheatley (s, el de High-Rise) tiene ideas para rato.

Amenaza en lo profundo (2020)

Una tripulación de seis integrantes quedan atrapados en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un sismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Y no. No estarán solos. A Amenaza en lo profundo (2020) podéis llegar por la premisa (de final con voladura desaforada, no digo más), o por el combo con Vincent Cassel, T.J. Miller o por Jessica Henwick, pero os quedaréis por el porte de Kristen Stewart, una actriz de primera en el registro que sea.

¿Dónde puedo ver más películas de terror en el mar?

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La escritora de origen coreano, Jenny Han, en los últimos años ha sabido conquistar el mundo literario con sus historias sobre amor adolescente, autodescubrimiento y veranos inolvidables. Poco a poco sus libros se fueron ganando el corazón de los fans y no tardaron en dar el salto a la pantalla, como la franquicia A todos los chicos de los que me enamoré producida por Netflix. 

Con el estreno de la última temporada de El verano que me enamoré, el universo de Jenny Han vuelve a estar en boca de todos. ¿Qué mejor momento para repasar todas las películas y series basadas en su obra? Ordenadas cronológicamente para entender cómo llegamos hasta el boom de 2025.   

Si te gustan títulos como Mi primer beso, Besos Kitty o incluso clásicos como Dawson crece, este repaso te ayudará a ver cómo Han pasó de Netflix a convertirse en un fenómeno global. Además sabrás dónde puedes encontrarlas en streaming en España. Prepara las palomitas que aquí vienen los dramas más bonitos.

A todos los chicos de los que me enamoré (2018)

Todo empezó con unas cartas que nunca debían enviarse, con esta premisa y un estreno en Netflix allí por el año 2018, Jenny Han dio inauguración a una nueva etapa en el cine adolescente. La primera adaptación de sus novelas, A todos los chicos de los que me enamoré, se convirtió en una comedia romántica protagonizada por Lana Condor en la piel de Lara Jean Covey, una adolescente soñadora cuya vida da un giro inesperado cuando sus cartas secretas llegan a manos de sus antiguos amores platónicos. 

Podría decirse que esta historia es la heredera moderna de comedias románticas como Clueless o 10 cosas que odio de ti, pero no acaba de ser lo mismo. Lo que Han propone incluye una dosis más de ternura. Si quieres hacer una maratón de Han, te recomiendo empezar por aquí, con su primera película basada en el libro de 2014. 

A todos los chicos: P.D. Todavía te quiero (2020)

En 2020 llegó A todos los chicos: P.D. Todavía te quiero, continuando la historia original y demostrando que después del “felices para siempre” también hay dudas, celos y nuevos desafíos para una pareja adolescente. En esta secuela, Lara Jean y Peter ahora son pareja oficial, pero las cosas se complican con la aparición de John Ambrose, otro crush y destinatario de aquellas cartas del pasado escritas por Lara. Aquí la trama se tiñe de madurez emocional y el triángulo entre los protagonistas me recuerda a la dinámica de Crepúsculo, aunque con un tono mucho más ligero y optimista. En este proyecto Jenny Han se sumó una vez más como productora ejecutiva, para proteger la esencia de la historia publicada en 2015. 

A todos los chicos: Para siempre (2021)

Un año después, Netflix lanzó la entrega final de esta trilogía basada en las novelas de Jenny Han. A todos los chicos: Para siempre marca un punto de inflexión para Lara Jean y Peter, quienes se encuentran transitando los últimos meses de instituto. Ahora con la decisión en puerta de seguir juntos en la universidad o tomar caminos diferentes, se enfrentan a la realidad de la vida adulta y al vértigo del futuro. Esta película tiene una narrativa más madura, con New York como telón de fondo y una estética ya habitual en la saga. Como pasó con High School Musical 3, la magia adolescente deja paso a la nostalgia y a la melancolía de las despedidas, por eso es una parada obligatoria en la filmografía de Han. Muy necesaria para seguir adelante con otros personajes de su universo literario.

El verano que me enamoré (2022)

Más de una década después de escribir los libros sobre Belly Conklin, Jenny Han dio el salto definitivo a la televisión en 2022 con El verano que me enamoré, la serie juvenil que sigue los veranos en Cousins Beach de una joven llamada Belly. Si en A todos los chicos destacaba el instituto y las cartas secretas, aquí el verano es el verdadero protagonista. Una mezcla entre Dawson Crece y The O.C. (la serie que marcó la adolescencia de las chicas millennial), pero con un aire más fresco y actual. Es la que más me gusta de esta lista porque logra capturar muy bien esa magia universal de los veranos que lo cambian todo.

Esta vez  Han participa como showrunner y guionista, adaptando su propia trilogía con libertad creativa para Prime Video. Con 3 temporadas ya estrenadas, la saga se ganó el corazón de millones de adolescentes y le permitió a Han jugar con la narrativa desde un nuevo lugar. Incluso cambiando partes del final original para sorprender a los fans. ¿Te gustan las historias de verano con colores brillantes y triángulos amorosos? Entonces no te pierdas este show de TV.

Besos, Kitty (2023)

Uno de los proyectos más recientes de Jenny Han es Besos, Kitty, una serie con dos temporadas estrenadas que sigue a una adolescente llamada Kitty Song Covey. A diferencia de El verano que me enamoré que mantiene un tono melancólico, este show es más colorido y cosmopolita. La trama cuenta cómo ella deja Oregon para estudiar en Seúl y forjar su propia historia de amor lejos de la sombra y los celos de sus hermanas. Protagonizado por Anna Cathcart, este show no es una adaptación sino una historia original creada directamente para televisión, pensada como spin‑off de las películas de A todos los chicos de los que me enamoré. Esta serie tiene sabor a K-drama juvenil como True Beauty o Extraordinary You. 

Con el estreno en 2025 de Pitufos (el musical), la franquicia de Los Pitufos volvió a estar en boca de todos. Y aunque solemos recordarlos como esos pequeños azules que cantaban, bailaban y se metían en enredos inocentes, la verdad es que la serie original escondía algunos episodios sorprendentemente sombríos. Desde pandemias zombis, hasta fanatismos religiosos e historias con escenarios distópicos que parecen más para adultos que para niños. Si quieres descubrir relatos que exploran el miedo, el poder, la identidad y la corrupción con un enfoque tierno, aquí repaso los 8 episodios más oscuros de Los Pitufos para ti. Además encontrarás dónde ver cada uno de ellos en los servicios de streaming de España.

‘The Purple Smurfs’ (1981)

Este episodio me encantó porque básicamente convierte a los Pitufos en zombis antes de que The Walking Dead existiera. En este capítulo de la serie animada original Los Pitufos, una misteriosa mosca pica a un pitufo, transformándolo en una criatura morada, rabiosa, sin habla y obsesionada con morder a los demás, ¿Te suena? Pronto se desata la epidemia zombi dentro de la aldea, con cada mordisco convirtiendo a la víctima en un nuevo infectado. Lo más llamativo de este episodio es que los zombis no son los clásicos descerebrados, sino criaturas pensantes que utilizan elaboradas estrategias como pintarse de azul para esparcir el virus más rápido. Uno de los relatos más explícitamente oscuros del canon que recomendamos ver si o si. 

‘The Fake Smurf’ (1981)

En el mismo año, hubo otro capítulo bastante interesante y tenebroso: The Fake Smurf, donde 

la malvada bruja Hogatha se disfraza de pitufo con una poción mágica para vengarse de la aldea. La premisa ya promete, y solo es el comienzo. La transformación no es perfecta: primero, se da cuenta de que no tiene cola, así que pega una hecha de un guisante pintado. Pero eso no es todo, luego se infiltra entre los Pitufos e intenta envenenarlos y sabotear la aldea poniendo bombas bajo un puente. Mientras todos celebran en la aldea, nadie sospecha que el  enemigo está entre ellos pero solo es cuestión de tiempo hasta que descubren su farsa, la despojan de su nueva forma y la expulsan de su mundo. Recuerda a películas como La cosa de John Carpenter, donde el miedo no está en el monstruo visible, sino en el disfraz perfecto.

‘King Smurf’ (1981)

Tal vez nunca imaginaste ver un episodio inspirado en clásicos como El Señor de las Moscas, pero Los Pitufos nos lograron sorprender nuevamente con King Smurf. De todos, este es quizá el más político y adulto. Aquí Papá Pitufo se marcha a buscar una raíz rara y Pitufo Filósofo aprovecha para autoproclamarse rey, asumiendo poder absoluto. Una vez en la silla del rey impone nuevas reglas, distribuye cargos y construye una corte real. Poco a poco la aldea se divide entre leales y rebeldes, y las cosas empeoran. Su mandato se vuelve tiránico: se encarcelan disidentes, se aplica propaganda y la comunidad entra en guerra civil. Eventualmente Papá Pitufo regresa y con él, la armonía a la aldea. Filósofo renuncia con remordimiento y todos están felices nuevamente.

‘The Magic Egg’ (1981)

Definitivamente, 1981 fue el año más peculiar para Los Pitufos, ofreciendo una gran variedad de tramas con un tono más oscuro y retratando temas más profundos propios de la naturaleza humana. Me encanta que empieza casi como un cuento clásico y termina en una farsa grotesca. ¿De qué va? En The Magic Egg, Los Pitufos descubren un huevo mágico creado por Gargamel que concede deseos a quien lo toque. Suena inocente, pero muy rápido con esta promesa  la aldea se convierte en un caos. Por un lado Papá Pitufo se transforma en mono, por otro Hefty se convierte en salchicha, y algunos Pitufos se vuelven gigantes o adquieren formas algo grotescas. Incluso aparecen tres falsos Papa Pitufos, lo que genera confusión no sólo entre el grupo sino también al villano. Es interesante que el episodio expone el lado más oscuro de los deseos y muestra una crítica sutil a la codicia.

‘Heavenly Smurfs’ (1982)

Este episodio es muy llamativo porque muestra la destreza y el hartazgo de los personajes frente a su enemigo. En Heavenly Smurfs, de la serie original, Los Pitufos están cansados de los malvados actos de Gargamel y Azrael, entonces cuando él viene a molestarlos deciden vengarse con una elaborada broma: hacerles creer que Gargamel ha muerto y está en el cielo. Esperando ser juzgado por sus actos. Entre nubes falsas y disfraces, le presentan la oportunidad de redimirse antes de ir al infierno. Todo esto no dura mucho ya que Papá Pitufo  interviene para restaurar la normalidad en la aldea y Gargamel finalmente descubre el engaño. Divertido y oscuro en partes iguales. Puede recordar levemente a episodios de The Twilight Zone donde la ilusión es tan elaborada que parece realidad

‘Wolf in Peewit’s Clothing’ (1983)

En este capítulo, el amigo de Los Pitufos llamado Peewit, es víctima de un hechizo que lo transforma en hombre lobo. Sucede que durante una noche de luna llena, el malvado mago Radna engaña a Peewit para que ingiera una poción con el objetivo de usarlo para capturar a tres pitufos para extraer su sudor como componente de un conjuro malvado. Una vez que Peewit se transforma, ataca sin conciencia a sus amigos y logra atrapar a Brainy, Smurfette y Clumsy. Nadie nos preparó para ver a los 3 pitufos encadenados a una rueda para producir sudor, pero aquí estamos. Frente a episodios como Scary Smurfs, este es menos fantástico pero lo interesante es la tensión que surge del contraste entre el Peewit inocente y la criatura peligrosa en que se convierte, sin poder frenarlo.

‘To Coin A Smurf’(1987)

En el episodio To Coin a Smurf, la deshumanización cobra forma literal y también algo espeluznante. Gargamel tiene un plan que logra con éxito: convertir a Sassette, Abuelo Pitufo y Pitufo Filósofo en monedas de oro. ¿Lo terrible? Ellos son totalmente conscientes: pueden ver, oír, hablar  e incluso sentir dolor cuando los muerden para comprobar si son auténticas monedas. Gargamel está encantado de que su plan marche sobre ruedas, y planea gastarlos en el pueblo sin saber que está a punto de ser asaltado. Irónicamente, el robo por parte de dos ladrones evita que los pitufos acaben perdidos para siempre en circulación o encerrados en una bóveda. ¡Qué alivio!

‘Scary Smurfs’ (1989)

Para mí, este episodio es como ver a Hansel y Gretel con filtro de pesadilla. En Scary Smurfs, Los Pitufos cambian de escenario y viajan a Transilvania, donde descubren una escalofriante y encantada casa de jengibre. Tras probar un bocado, varios Pitufos se transforman en bestias horripilantes, desatando el caos y aterrorizando a sus propios amigos. El capítulo toma un tono más parecido a pesadilla que aventura, donde los Pitufos no solo cambian físicamente, también pierden el control y atacan sin piedad. Por suerte Papá Pitufo interviene y logra revertir la maldición, pero para ese momento la sensación de inquietud y pánico ya nos ha atrapado por completo. Divertido, inesperado y escalofriante en partes iguales. 

Los festivales de Venecia y de Toronto marcan la línea de arranque de una temporada repleta de películas que son auténticos pesos pesados. No es gratuito que los consideremos la antesala de los premios: este otoño nos hartaremos de discutir los nombres que estos días van a desfilar por la alfombra roja.

Cada año hay un caso paradigmático de película que descubrimos en Venecia o en Toronto, que luego arrasa en los Oscar y en los Globos de Oro. En 2024, Aún Estoy Aquí (2024) de Walter Salles ganaba a Mejor Guion en Venecia, y procedía a llevarse el trofeo de Mejor Actriz para Fernanda Torres en los Globos de Oro antes de jugar muy de cerca con Emilia Pérez (2024) en los Oscars.

La primera a considerar, por abrir Venecia el día 26 de agosto, va a ser La grazia: la nueva historia de amor de Paolo Sorrentino, reunión del cineasta oscarizado con el actor de La gran belleza, Toni Servillo. Luego Toronto tendrá su gran fiesta de 50 cumpleaños, cargada de estrenos mundiales, incluida la premiere de la comedia Good Fortune, con Keanu Reeves y Seth Rogen. Muchos de los títulos en Venecia se repiten en Toronto, como es el caso de Couture, la primera película de Angelina Jolie desde que fuera Maria Callas (ahora, ambientada en la Semana de la Moda).

¿Quieres estar al día, antes que la mayoría de mortales, de las películas que dominarán la conversación este final de 2025? Sigue leyendo esta guía de JustWatch.

Puñales por la espalda 3 (2025)

Wake Up Dead Man es la tercera película de Puñales por la espalda, y se estrena mundialmente en Toronto. En Puñales por la espalda 3, con Daniel Craig otra vez como el famoso detective privado Benoit Blanc (tras Queer), deberemos resolver su caso más peligroso hasta la fecha, una resurrección milagrosa de características aparentemente sobrenaturales. El reparto incluye a Josh O'Connor (que este año lleva un bolsón de películas encima, desde The Mastermind a The History of Sound), Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis, Jeremy Renner, Kerry Washington, Andrew Scott, Cailee Spaeny, Daryl McCormack y Thomas Haden Church. Y la película se estrena en Netflix el 12 de diciembre.

Frankenstein (2025)

Frankenstein de Guillermo del Toro va a estrenarse en Netflix en noviembre de 2025, pero antes la veremos en el Festival de Venecia. Un proyecto personalísimo de del Toro (que lleva trabajando en él desde hace veinte años), la película adapta poética y emotivamente la novela de Mary Shelley, y no es una película de terror convencional. Oscar Isaac interpreta a Victor Frankenstein, con Jacob Elordi como la Criatura (sustituye a Andrew Garfield) y Mia Goth será la novia del doctor, Elizabeth. El reparto también incluye a Christoph Waltz y Charles Dance. Se prevé una exhibición limitada en cines para acompañar el estreno mundial en la plataforma, y Pinocho de Guillermo del Toro (2022) debería haberos convencido ya de verla en la pantalla más grande posible.

La Máquina: The Smashing Machine (2025)

En la nueva película de Benny Safdie con A24, Dwayne Johnson da vida al legendario luchador de MMA (Artes marciales mixtas), Mark Kerr. Coprotagonizada por la nominada al Oscar Emily Blunt, quien ya trabajó con Johnson en Jungle Cruise (2021), este biopic de lucha libre se centra en un ícono de la era sin restricciones de la UFC mientras lucha con la adicción, la victoria, el amor y la amistad en la cima de su carrera, allá por el año 2000. La Máquina: The Smashing Machine (2025) se estrenará en cines el 3 de octubre, y es uno de los platos fuertes de la productora para final de 2025.

Hamnet (2025)

Protagonizada por Paul Mescal, Jessie Buckley y Emily Watson, Hamnet (2025) sigue a Agnes, la esposa de William Shakespeare, mientras trata de superar la pérdida de su único hijo, Hamnet. La película, basada en una novela de Maggie O’Farrell, se ha vendido como el trasfondo conmovedor para la creación de la obra magna de Shakespeare, Hamlet. Producen, entre otros, Sam Mendes y Steven Spielberg y el ruido mediático de este estreno, sin fecha de salida aún, va mucho más allá del Oscar a Mejor Película de la anterior de Chloé Zhao (Nomadland, 2020): la novela original vendió millones de ejemplares y se ha traducido a cuarenta idiomas.

Bugonia Bugonia (2025)

Tras La favorita (2018) o Pobres criaturas (2023), Emma Stone vuelve a ponerse en manos de Yorgos Lanthimos con Bugonia Bugonia (2025). En ella, dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía (Stone), convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra. Jesse Plemons, quien también estaba en Kinds of Kindness (2024), da vida a uno de los dos jóvenes, un apicultor emparanoiado, y Alicia Silverstone o Stavros Halkias completan el reparto. Producen Yorgos Lanthimos, Emma Stone y, ojo, el cineasta Ari Aster (Eddington). El film llegará a los cines el 7 de noviembre.

Caza de brujas (2025)

Esta promete polémica. En Caza de brujas (2025), dirigida por Luca Guadagnino, Julia Roberts hace las de una profesora universitaria cuya carrera se tambalea cuando su alumna estrella (Ayo Edebiri) acusa de agresión a un colega cercano, interpretado por Andrew Garfield. A medida que el escándalo sacude al campus, un oscuro secreto del pasado de la profesora amenaza con salir a la luz y el calcetín de lo nunca confesado empieza a girarse. Este dramón tensísimo cuenta con música de Trent Reznor y Atticus Ross (Rivales, 2024). Su estreno mundial será en el Festival de Venecia, antes de llegar a cines el 17 de octubre.

Laberinto en llamas (2025)

Bastaría decir que es el regreso de Paul Greengrass (Jason Bourne) de la mano de Matthew McConaughey y America Ferrera. Y ya, comprad vuestras entradas. Pero Laberinto en llamas (2025) va más allá: basada en un incendio forestal real en California, vibra en sincronía con el duelo climático que nos atenaza. McConaughey interpreta a Kevin McKay, un conductor de autobús escolar, y Ferrera es Mary Ludwig, una maestra decidida. Juntos lo arriesgan todo para rescatar a 22 niños atrapados por un incendio que destruyó el pueblo de Paradise en 2018. La película irá directa a Apple TV+, aunque podremos verla en algunas salas en vistas a sus posibles nominaciones en los premios de invierno.

A House of Dynamite (2025)

Todo está mal, pero podría ir a peor. Esta es la idea detrás de A House of Dynamite (2025), la nueva película de Kathryn Bigelow (En tierra hostil, La noche más oscura). El título llegará a Netflix en octubre y aunque aún hay pocos detalles al respecto, la breve sinopsis que ha publicado la plataforma de streaming hace que el proyecto suene como un thriller político polémico y en línea con las ansiedades del momento (un poco como Guerra civil, de Alex Garland). La sinopsis canta: “Cuando se lanza un solo misil sin remitente contra los Estados Unidos, comienza una carrera para determinar quién es responsable y cómo responder”. (Más) fuego en la Casa Blanca.

Jay Kelly (2025)

Jay Kelly (2025) promete enzarzarnos en debate tanto como lo hizo Historia de un matrimonio, también dirigida por Noah Baumbach. Todo el mundo conoce a Jay Kelly, pero Jay Kelly no se conoce a sí mismo, es todo lo que sabemos de este proyecto con guion del propio cineasta junto a la también actriz Emily Mortimer. Son George Clooney y Adam Sandler los que copan los papeles protagonistas de este largometraje. Junto a ellos, algunos habituales de las películas de Baumbach, como son Billy Cudrup o Laura Dern, y completan el elenco un repartado de estrellas como Grace Edwards, Riley Keough, Patrick Wilson, Alba Rohrwacher o la propia Emily Mortimer. En Netflix, a partir del 5 de diciembre.

No Other Choice (2025)

El director de La doncella (2016) y Oldboy (2003) está de regreso con una historia que es mitad comedia negra y mitad thriller criminal, en la línea de Parásitos (2019) o de La decisión de partir (2022). La película de Park Chan-wook sigue a un tipo al que despiden de una empresa papelera y sus intentonas para encontrar otro trabajo. El hombrecillo (Lee Byung-hun) encuentra a los siete hombres que podrían ocupar el puesto que por derecho le corresponde y los mata sistemáticamente. Transformándose, de un gerente medio afable en un asesino despiadado, descubre habilidades que nunca supo que tenía, y que le llegan con demasiada facilidad. En fin, nos queda No Other Choice (2025) que verla.

¿Qué otras películas se estrenan en Venecia y Toronto este otoño?

Tantísimas más. Nos hemos dejado en el tintero los nuevos proyectos de Edward Berger (Ballad of a Small Player), Amanda Seyfried (Christy) y Mona Fastvold (The Testament of Ann Lee), así que os animamos a esperarlas con deleite. Para descubrir todos los grandes estrenos de este otoño, consulta la siguiente guía de streaming de JustWatch. Además, puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos para no perderte nunca y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Pocas combinaciones resultan más exitosas que la que forman el deporte y el humor. Es por ello que el cine ha sabido sacar la parte cómica de prácticas como el golf, el hockey, la lucha libre o, incluso, el balón prisionero, con las que han logrado hacernos reír hasta la extenuación. 

A sabiendas de que Happy Gilmore es una de las comedias deportivas predilectas por el público, en Justwatch hemos querido crear una guía en la que unimos el film protagonizado por Adam Sandler junto a las que consideramos las otras 10 comedias deportivas más divertidas de la historia.

1. El castañazo (1977)

Para abrir la lista debemos irnos bien atrás en la historia, concretamente al año 1977 cuando se estrenó una joya del humor negro deportivo, El castañazo, que cuenta la historia de un equipo de hockey venido a menos que decide volverse brutal para ganar partidos y llenar estadios. 

La comedia, que está protagonizada por Paul Newman, destaca por tener un tono irreverente, además de jugadas antideportivas y una gran sátira social. El paso del tiempo le ha sentado bien y le ha permitido convertirse en una película de culto.

2. El club de los chalados (1980)

Unos años más tarde, en 1980, se estrena El club de los chalados (título original Caddyshack), una de las comedias más icónicas de todos los tiempos. La trama gira alrededor de un club de golf elitista que se ve sacudido por un grupo de personajes un poco alocados. 

El reparto de la película lo encabezan Bill Murray, Chevy Chase y Rodney Dangerfield, quienes forman un trío cómico de auténtico lujo. Incluso aunque no te guste el golf, te vas a reír con la anarquía que se vive durante la historia del film.

3. Los búfalos de Durham (1988)

El béisbol también ha sido un escenario recurrente para el mundo del cine, y Los búfalos de Durham es el primer fruto reseñable de ese idilio que llega hasta nuestros días. En el film, el deporte se erige en el centro de una historia de amor, aprendizaje y humor inteligente. 

El largometraje está protagonizado por Kevin Costner, un veterano que debe capacitar a un joven lanzador mientras se enreda de forma sentimental con Susan Sarandon, quien es algo así como la mentora romántica del equipo. Deporte, humor, amor y a estos dos colosos de la actuación son motivos suficientes para verla.

Los búfalos de Durham es una de las mejores películas de Susan Sarandon.

4. Una mujer en la liga (1989)

No te mentíamos cuando decíamos que el béisbol es uno de los deportes más retratados en el cine. En Una mujer en la liga, un grupo de inadaptados forman el equipo más desastroso de las grandes ligas. La nueva dueña del club desea que sigan perdiendo para poder trasladarse a Miami… hasta que poco a poco empiezan a ganar. 

Su reparto coral funciona como un reloj, y cada personaje tiene su momento para brillar durante la trama. Una opción ideal para reírte sin complicaciones mientras ves a un equipo de perdedores hacer historia.

5. Happy Gilmore (1996)

No podía faltar en la lista, como era de esperar, la primera entrega de Happy Gilmore, donde Adam Sandler brilla interpretando a un jugador de hockey fracasado que encuentra su vocación en el golf, con el firme objetivo de salvar la casa de su abuela. 

Lo más cómico del film es observar el contraste entre su estilo agresivo y la calma del golf profesional, al dar lugar a algunas escenas absurdas y divertidas. Recientemente se ha estrenado la segunda parte, Happy Gilmore 2, donde Sandler necesita conseguir dinero para financiar la escuela de danza de su hija.

Es una de las películas más destacadas de Adam Sandler.

6. Vaya par de idiotas (1996)

Peter y Bobby Farrelly nos regalaron esta comedia sobre un ex jugador de bolos que pierde la mano en un accidente surrealista y, años más tarde, entrena a un joven amish que posee un talento natural para el deporte. Vaya par de idiotas es una coctelera repleta de chistes escatológicos, personajes grotescos y un humor negro que hará las delicias de aquellos políticamente incorrectos.

Woody Harrelson y Bill Murray están muy bien en sus respectivos papeles, y los bolos se convierten en una fuente inagotable de situaciones cómicas.

7. BASEketball - muchas pelotas en juego (1998)

Try Parker y Matt Stone, dos de los responsables detrás de South Park, protagonizan la comedia deportiva BASEketball - muchas pelotas en juego un film que inventa un nuevo deporte que mezcla béisbol con baloncesto. 

La historia nos cuenta una sátira delirante sobre el deporte profesional, los medios y la fama. Tiene un gran humor que siempre va al límite, cuenta con cameos inesperados y rebosa diálogos absurdos por doquier. Perfecta para reír sin tener que pensar mucho.

8. El aguador (1998)

Adam Sandler vuelve a aparecer en la lista con la comedia El aguador, donde encarna a un joven que cuenta con habilidades sociales limitadas, pero que posee una fuerza descomunal que lo convierte en la estrella de un equipo universitario de fútbol americano.

La película está repleta de exageraciones, personajes muy raros y un humor algo infantil pero muy efectivo. La historia de superación funciona bastante bien, y Sandler se encuentra en su salsa. 

9. Cuestión de pelotas (2004)

En Cuestión de pelotas se da cita un elenco con una gran experiencia en la comedia de Hollywood: Ben Stiller, Vince Vaughn, Jason Bateman… que son parte de una de las comedias deportivas más destacadas del siglo XXI. 

La historia nos sitúa en un contexto en el que hay un gimnasio en bancarrota, un torneo de balón prisionero y un villano con bigote retorcido. Sobresale el humor físico y el ritmo no decae en ningún momento. Muy recomendable para ver en grupo.

10. Super Nacho (2006)

Continuamos con Jack Black y su papel en Super Nacho, donde se mete en la piel de un monje mexicano que decide convertirse en luchador para ayudar a un orfanato. El film merece estar en la lista por su nivel de rareza (tiene una estética muy particular) y ternura.

A diferencia de otras opciones en la lista, su humor ingenuo es más ingenuo, y Black se entrega por completo a su papel. 

11. Pasado de vueltas (2006)

Concluimos este listado con la película Pasado de vueltas, protagonizada por Will Ferrell que interpreta a un piloto de NASCAR con más ego que ideas. 

El film funciona como una sátira de la cultura americana, la fama y el machismo en el deporte, todo aderezado por escenas explosivas y diálogos bastante ridículos. El film, que se burla de todo sin perder el ritmo de la historia, cuenta con otros intérpretes como John C. Reilly y Sacha Baron Cohen. 

¿Dónde puedo ver online ‘Happy Gilmore’ y el resto de estas comedias deportivas?

A través de esta lista de JustWatch puedes encontrar las plataformas online con todas las películas de Happy Gilmore y las otras comedias deportivas de la lista. Tienes la opción de filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Crea tu lista de favoritos y recibe notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

Cada fase del Universo Cinematográfico de Marvel contiene ingredientes que la hacen diferente frente al resto, y la número 3 cuenta con algunos diferenciales notorios: introdujo superhéroes como Doctor Strange, Black Panther o Capitana Marvel, e incluyó la épica resolución de los Vengadores. 

Por ello, en esta guía hemos elaborado nuestro ranking de la fase 3 del MCU, en el que analizamos cada una de las 11 películas que la componen, de la que consideramos mejor a la que menos impacto tuvo.

11. Capitana Marvel (2019)

Comenzamos la fase 3 del MCU con Capitana Marvel, una película pionera por ser la primera con héroe femenina al frente. Sin embargo, a diferencia del resto de películas en la lista, la crítica la recibió con división de opiniones.

De todas formas, su importancia en Endgame fue crucial, y elevó a Carol Danvers como uno personajes principales del MCU. Además, cuenta con una secuela muy reciente: The Marvels, donde aparecen tres superheroínas.

10. Ant‑Man y la Avispa (2018)

Esta secuela de Ant-Man es ligera y divertida, y explora la relación entre Scott Lang y Hope van Dyne, añadiendo una buena dosis de humor familiar y acción trepidante. Ant-Man y la Avispa no se aventura en riesgos narrativos, cumple su cometido y contó con una buena recepción por parte de crítica y público.

Su mayor aportación fue ampliar el tratamiento lúdico del MCU, además de introducir el concepto de “mundo cuántico” para futuras tramas.

9. Spider-Man: Lejos de casa (2019)

En este caso, Spider-Man: Lejos de casa es una continuación directa de Vengadores: Endgame, donde Peter Parker se enfrenta a la presión de ser un héroe sin el cuidado de Stark, mientras lidia con la magia y la traición en Europa. 

Al igual que Homecoming, mantiene el tono adolescente que la hace tan irresistible y prepara el camino para la evolución del personaje en otros universos (¿recuerdas el multiverso de Strange?).

8. Capitán América: Civil War (2016)

Continuamos subiendo esta escalinata de la fase 3 del MCU para llegar a Capitán América: Civil War, donde asistimos a la fractura moral entre Steve Rogers y Tony Stark, y donde se introduce de manera oficial a Spider‑Man y Black Panther. 

El impacto de esta película fue tal que cambió dinámicas dentro del universo de la franquicia, abrió nuevas líneas narrativas y continúa siendo una referencia en cuanto a conflicto ideológico entre superhéroes se refiere.

Se trata de una de las películas del Capitán América más destacadas.

7. Guardianes de la Galaxia Vol. 2 (2017)

La secuela de Guardianes de la Galaxia mantuvo el tipo y continuó con el buen trabajo desplegado en la película original. Guardianes de la Galaxia Vol.2 es un film emocional y épico, que cuenta con la misma mezcla de humor, banda sonora ochentera y exploración familiar que hizo grande a su antecesora. 

Además, el conflicto sobre el padre de Peter Quill, Ego, añadió una mayor profundidad dramática, algo de lo que adoleció la primera parte.

6. Doctor Strange (2016)

De la mano del actor Benedict Cumberbatch, Doctor Strange introdujo el misticismo al MCU con magia a través de efectos visuales alucinantes. El viaje vital de Stephen Strange, desde ser un cirujano lleno de arrogancia a convertirse en el hechicero protector de la realidad, fascinó tanto a fans como a la crítica.

En esta película se presentó el concepto de multiverso, el cual es muy clave en otros films de la saga, así como en otras fases del MCU.

5. Spider-Man: Homecoming (2017)

Gracias a la interpretación de Tom Holland, el trepamuros más famoso del cine tuvo un regreso triunfal al MCU con Spider-Man: Homecoming. En el film vemos a un Peter Parker adolescente balancear la vida escolar con su rol de superhéroe bajo la supervisión de Tony Stark. 

Su frescura, humor juvenil y el enfoque en la escuela lo hacen uno de los mejores Spider‑Man recientes.

Resulta muy interesante comparar al personaje de Holland con el de las series de Spider-Man, para observar la impronta que le da el actor al superhéroe.

4. Thor: Ragnarok (2017)

Thor es uno de los superhéroes fetiche de Marvel, y tiene tanto tirón como Capitán América, Spiderman o Iron Man, por citar algunos de los más famosos. Con Thor: Ragnarok, la franquicia renovó la saga gracias al estilo cómico de su director, Taika Waititi. 

El Ragnarok, la desaparición del martillo y su alianza con Hulk en un combate épico reescribieron las reglas del personaje dentro del MCU. Por supuesto, tiene una secuela: Thor: Love and Thunder.

3. Black Panther (2018)

Muchos sitúan a Black Panther como la mejor película de un superhéroe lanzada en mucho tiempo. Fue considerada un fenómeno cultural, en el que se combina con maestría la representación, su banda sonora y su impacto social. 

La trama de T’Challa resonó de manera mundial, y se convirtió en el primer largometraje de superhéroes nominado al Oscar a Mejor Película. Cuenta con una secuela llamada Black Panther: Wakanda Forever, con similar éxito que su antecesora.

2. Vengadores: Endgame (2019)

Se trata de la segunda parte de la épica iniciada en Infinity War. Con el lanzamiento de Vengadores: Endgame se cerró un ciclo de 22 películas y una década de storytelling que giró en torno a los personajes centrales como Tony Stark, Steve Rogers y compañía. 

Su éxito en taquilla fue acompañado por una aprobación unánime por parte de la crítica, lo que da muestras de la calidad del film. Si quieres saber en qué orden debes verla, en Justwatch tenemos una guía llamada películas de Marvel en orden, que te puede aclarar cómo visionarlas.

1. Vengadores: Infinity War (2018)

Comenzamos por la que muchos consideran el clímax de la fase 3: Vengadores: Infinity War, donde se reúne un elenco espectacular para hacer frente a un villano de órdago como Thanos. 

El film culmina con un final abierto en el que muchos protagonistas desaparecen, instante que marcó un antes y un después en los films de superhéroes. Fue grabada simultáneamente con Vengadores: Endgame, y contó con un presupuesto por encima de los 300 millones de dólares. 

Por cierto, si te gustan este tipo de películas, échale un ojo a nuestra guía con películas similares a Avengers.

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A veces, lo que llega al cine no es solo una película, sino un misterio de traducción. En España, los títulos de películas a menudo se cambian para atraer al público local. Pero, en el intento, algunos nombres se vuelven absurdos, excesivamente explicativos o directamente ridículos. Ya sea por decisiones de marketing o malas interpretaciones, estas traducciones han pasado a la historia por lo poco que respetan el título original. Estas desafortunadas traducciones nos hacen reír, sorprendernos y preguntarnos: ¿en serio alguien pensó que era una buena idea? Nuestra guía presenta las 10 películas con el título traducido al español de forma mas rara y dónde verlas. 

Soñando, soñando… triunfé patinando (2005)

Esta comedia familiar de Disney, protagonizada por Michelle Trachtenberg, cuenta la historia de una adolescente que sueña con convertirse en patinadora artística. El título original, Ice Princess, es simple, directo y va perfectamente con el tono juvenil de la cinta. Sin embargo, en España decidieron tomarse demasiadas libertades y la titularon Soñando, soñando… triunfé patinando (2005). Con su rima forzada y estilo cursi y demasiado infantil, parece más el nombre de un telefilme de sobremesa que de una película teen de Disney. Aunque algunos la recuerdan con cariño precisamente por ese título ridículo, lo cierto es que cambia por completo la percepción de la película. Una traducción tan innecesariamente larga como memorable… por las razones equivocadas.

Un canguro superduro (2005)

En The Pacifier, Vin Diesel interpreta a un agente de élite obligado a cuidar a un grupo de niños. El título original es un juego de palabras: “pacifier” significa “chupete”, reflejando tanto su rol de protector como la comedia familiar que se avecina. Pero en España se optó por la opción más literal y exagerada: Un canguro superduro (2005). El problema no es solo lo absurdo del título, sino que transforma el tono. Pasa de comedia entrañable a parecer una parodia de acción. Aunque logra captar la atención, lo hace con un aire caricaturesco que no representa la película real. Otra víctima del marketing que confunde lo llamativo con lo adecuado.

Aterriza como puedas (1980)

Este clásico del cine paródico toma el nombre simple de Airplane! para avisar al espectador que está ante una sátira de las películas de catástrofes aéreas. Pero en España, el título se transformó en Aterriza como puedas (1980) que parece más el remate de una broma que una presentación. Aunque hoy en día es un título icónico, lo cierto es que altera el enfoque de la película, centrándolo en una situación puntual en lugar del tono general. Además, abrió la puerta a una serie de traducciones similares, convirtiéndose en un meme. No es la peor traducción, pero sí una de las más desconcertantes de la historia del cine.

¡Olvídate de mí! (2004)

Michel Gondry y Charlie Kaufman crearon una de las películas más poéticas y originales del siglo XXI con Eternal Sunshine of the Spotless Mind. El título proviene de un verso de Alexander Pope y captura la pureza emocional del olvido. Pero en español, decidieron reducir todo ese lirismo a ¡Olvídate de mí! (2004), un grito desesperado que cambia por completo el tono. Aunque es comprensible buscar una traducción accesible, esta opción suena como el título de una telenovela o de una comedia ligera, en lugar de una obra filosófica sobre el amor y la memoria. Un ejemplo de cómo una traducción pobre puede vaciar de contenido una película compleja y profundamente emotiva.

Jungla de cristal (1988)

Pocas traducciones españolas son tan icónicas… y tan desconcertantes como Jungla de cristal (1988). El título original, Die Hard, transmite supervivencia y resistencia, cualidades que definen al personaje de John McClane. Pero en España se decidió optar por una algo totalmente distinto, haciendo alusión al edificio en el que transcurre gran parte de la acción. Aunque el título suena llamativo, cambia completamente el significado del original, ya que no hay ninguna “jungla” más allá del entorno urbano. Con el paso del tiempo, esta traducción se convirtió en un icono. Lo cierto es que es tan única que hoy en día es difícil imaginar la saga con otro nombre.

Sonrisas y lágrimas (1965)

Uno de los musicales más icónicos del cine fue víctima de una traducción que parece querer resumir la película en dos emociones básicas. The Sound of Music hace referencia directa a la música, elemento central de la película, y a su capacidad para unir a una familia en tiempos de guerra. Pero en España se cambió por Sonrisas y lágrimas (1965), una frase tan genérica que podría aplicarse a cualquier drama. Aunque el título se ha vuelto familiar con los años, sigue siendo un ejemplo de cómo una mala traducción puede borrar lo distintivo de una obra. Si no conoces el original, jamás pensarías que se trata de una historia sobre monjas, música y nazis.

Tú a Londres y yo a California (1998)

La historia de dos hermanas gemelas separadas al nacer que se reencuentran en un campamento de verano tiene un título perfecto en inglés: The Parent Trap, que resume su plan para reunir a sus padres. En España, en cambio, recibimos Tú a Londres y yo a California (1998), un título largo, descriptivo y bastante cursi. Aunque indica la distancia entre las protagonistas, pierde el ingenio del título original. Suena más a una comedia romántica de viajes que a una película infantil sobre familia y reencuentros. Es un caso claro de cómo intentar explicar la trama en el título puede perjudicar la identidad de una historia. Una traducción que separa más que une.

Sin malos rollos (2023)

La comedia protagonizada por Jennifer Lawrence se titula originalmente No Hard Feelings, una expresión que sugiere “sin resentimientos” tras una situación incómoda. En España, sin embargo, fue traducida como Sin malos rollos (2023), una frase que, aunque informal, suena desfasada y poco natural. El problema principal es que transmite algo diferente: en lugar de reflejar el sarcasmo del argumento, la traducción suena como el título de una comedia adolescente de principios de los 2000. Además, no ayuda a vender la verdadera premisa de la película, en la que una mujer es contratada para “salir” con un joven introvertido. La traducción del título está hecha para intentar sonar “joven”, pero acaba pareciendo todo lo contrario: forzada y pasada de moda.

Agárralo como puedas (1988)

La saga cómica protagonizada por Leslie Nielsen se tituló en inglés The Naked Gun: From the Files of Police Squad, una referencia al estilo exagerado de las películas policiacas que parodia. Pero en España decidieron transformarla en Agárralo como puedas (1988), un título que no tiene mucho sentido y que roza el sinsentido total. Esta decisión inauguró una serie de traducciones similares que copiaban la fórmula. Aunque pegadizo, este título pierde completamente la ironía del original. Es gracioso, sí, pero, ¿a qué precio? Porque, sinceramente, también es un ejemplo de cómo la comedia puede desvirtuarse con solo unas pocas palabras mal elegidas.

Tiburón (1975)

A primera vista, Tiburón (1975) parece una traducción razonable. Pero lo cierto es que el título original, Jaws, es mucho más inquietante y simbólico. En inglés, no se menciona directamente al animal, sino que se hace referencia a sus mandíbulas, evocando la amenaza constante e invisible. “Jaws” sugiere tensión, peligro y una fuerza destructiva que acecha bajo la superficie. Al traducirlo simplemente como “Tiburón” se pierde ese matiz y se convierte en algo menos intimidante. Aunque el título es efectivo y reconocido, también es una muestra de que traducir demasiado literalmente puede eliminar parte del simbolismo del título original. Una decisión que funciona… pero a medias.

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La gran familia de superhéroes de Marvel ha tenido un recorrido bastante caótico en el cine durante más de tres décadas. Desde experimentos con presupuestos de chichinabo hasta reboots millonarios que acabaron siendo un fiasco, estos superhéroes son conocidos por haber tenido una suerte fatídica en Hollywood. Pero todo ha cambiado con Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos, un nuevo triunfo del MCU que sirve para hacer repaso de toda la filmografía del Sr. Fantástico, la Mujer Invisible, la Antorcha Humana y la Cosa. En esta guía JustWatch puedes localizar estas películas en las plataformas de streaming más a mano, y preparar su llegada (por fin) al universo Marvel como Dios manda.

5. Cuatro Fantásticos (2015)

Josh Trank llegaba con fuerza tras Chronicle y decidió darle un enfoque más oscuro y "realista" a la primera familia de Marvel. La larga sombra de la seriedad de Nolan pasaba factura, y un mal planteamiento desde el minuto uno arrebataba el lado familiar del supergrupo, aquí más parecidos a unos X-Men un poco… aburridos. Hay que reconocer que su primera parte era prometedora, centrada en el body horror de las transformaciones, pero el tercer acto es como un pegote surgido de una lluvia de ideas como pollo sin cabeza. Seguramente todo tenga que ver con la guerra entre director y estudio, porque el trabajo decente de Miles Teller, Kate Mara, Michael B. Jordan y Jamie Bell en Cuatro Fantásticos no pudo salvar una sensación de quiero y no puedo que se cargó la carrera de Trank.

4. Los 4 Fantásticos y Silver Surfer (2007)

El director Tim Story no se rindió tras su primer intento, y trató de arreglar su anterior adaptación—que veremos más adelante—con la misión imposible de meter a Galactus y Estela Plateada, de los agentes cósmicos más ambiciosos de Marvel, en la ecuación. Pero claro, Hollywood todavía no dominaba los efectos especiales como hoy, y la chufa se dejó notar. Hay que dispensar a Doug Jones por su encarnación de Estela Plateada, con Laurence Fishburne poniéndole la voz, consiguiendo una presencia que no alcanza la última versión. Pero el Galactus-nube de Los 4 Fantásticos y Silver Surfer es, diciéndolo de una forma educada, una de las razones por las que hacía mucha falta que llegara Marvel Studios a la industria, y solo un año después Iron Man lo cambió todo.

3. Los Cuatro Fantásticos (1994)

Cuenta la leyenda que esta película jamás debería haber visto la luz, pero por alguna razón se ha ganado su estatus de culto. Y es que el sello Roger Corman tiene un encanto especial. El genio de Hollywood la produjo con apenas un millón de dólares, para que Constantin Film mantuviera los derechos del grupo, y la cosa (broma sin intención) parece un capítulo extendido de los Power Rangers con efectos especiales caseros, decorados de desfile de carrozas y un festival de ideas delirantes que la convierten en un festival del bochorno al que merece la pena apreciar como artefacto pulp disfrutable sin ninguna mala intención, es decir, logrando transmitir el sentimiento atolondrado de los cómics infantiles de la primera época.

2. Los 4 Fantásticos (2005)

Lo bueno de esta iteración es que supo abrazar su naturaleza familiar y cierto puntito camp de los cómics originales. Pero estábamos en plenos 2000, los años de los trajes negros, y la obra de Stan Lee y Jack Kirby quedaba modernizaba de forma regular. No es que Ioan Gruffudd no fuera un Reed Richards creíble, o Jessica Alba no fuera una Sue Storm encantadora, pero el único realmente bien elegido fue Chris Evans, que ya apuntaba maneras para acabar siendo el Capitán América perfecto. Michael Chiklis conseguía incorporar parte de la tragedia y el humor del personaje pero el diseño no respetaba los cómics. Lo que sí que tiene que tener en cuenta Robert Downey Jr. es cómo superar al Doctor Doom de Julian McMahon como gran villano de Los 4 Fantásticos, que no estaba nada mal.

1. Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos (2025)

Esta sí, Primeros pasos es la versión definitiva para el MCU. Ambientada en un mundo retrofuturista que bebe de los sesenta, por fin se hace justicia con el legado de Stan Lee y Jack Kirby con un espectáculo visual impecable y la dinámica familiar de los tebeos. A pesar de su omnipresencia en el cine, Pedro Pascal es un gran Reed Richards, Vanessa Kirby sorprende dando más autonomía a Sue Storm, y Joseph Quinn mantiene una química con Ebon Moss-Bachrach que parece salida de las viñetas, y sus clásicas discusiones entre la antorcha humana y la cosa.  Por fin tenemos un Galactus a la altura—ja, ja— y la dimensión cósmica del conflicto es lo que no han acabado de clavar en otras pelis. Nadie como la propia Marvel para retratar a sus personajes con caligrafía pulcra y atención a cada detalle friki.

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Desde su debut, bastante accidentado, en 1982, Blade Runner ha marcado la ciencia ficción moderna en el cine con una visión decadente del futuro, donde androides y humanos coexisten en una Los Ángeles hecha una pena que después han copiado bastante en películas como Ghost in the Shell. La obra maestra de Ridley Scott, basada en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick, no solo revolucionó el género—aunque al principio a la gente le dio bastante igual—, sino que tiene una estética visual que sigue influyendo en el cine actual, convirtiendo a Harrison Ford en el arquetipo del dilema de identidad de la IA. Un referente cultural con algunas secuelas bastante decentes que te ayudamos a localizar en streaming en esta guía de JustWatch.

1.Blade Runner (1982)

El éxito de E.T. El extraterrestre en el mismo fin de semana de estreno la hundió en taquilla, pero aquí tenemos la película que cambió la ciencia ficción en el cine para siempre. En ella conocimos a Rick Deckard, un blade runner con cara de Indiana Jones encargado de "retirar" a cuatro replicantes que se habían escapado de colonias espaciales.

Dirigida por Ridley Scott después del exitazo de Alien, su apuesta era un órdago de diseño de producción que resultó ser revolucionario, una Los Ángeles de 2019 que mezclaba elementos orientales con arquitectura modernista y gases y niebla por todas partes. La atmósfera lluviosa, la banda sonora de Vangelis y un reparto completado por Rutger Hauer, Sean Young o Daryl Hannah, hacen de Blade Runner un film de culto, que se la pegó en su momento pero ha ido convirtiéndose en la Piedra Rosetta de cualquier proyecto que trate de meterse en el género.

2. Soldier (1998)

Esta fijo que no te la esperabas. Aunque nunca se menciona como parte del universo de Blade Runner, Soldier, protagonizada por Kurt Russell, comparte un vínculo temático y conceptual bastante fuerte y se considera una "secuela espiritual" o un spin-off no oficial, principalmente porque David Webb Peoples, coguionista de Blade Runner así lo considera.

Además de paisajes desolados y tecnología militar avanzada común, hay evidencia de un spinner, uno de los coches voladores del clásico, que aparece en un depósito de chatarra del planeta Arcadia 234, la Puerta de Tannhäuser y Orión aparecen en la hoja de servicios de Russell, además de tratar temas de humanidad, identidad y artificialidad comunes, sobre todo en el contexto de los soldados modificados genéticamente. Algunas teorías van más allá y explican que estos son en realidad replicantes.

3. Blade Runner: The Final Cut (2007)

Esta repetición del mismo título tiene una justificación convincente. Veinticinco años después de su estreno original, Ridley Scott presentó en ediciones domésticas su versión definitiva, Blade Runner: The Final Cut, corrigiendo imperfecciones técnicas y ofreciendo su verdadera visión original que ya había perfilado en su Director's Cut de los 90.

Esta es la edición que hay que ver sí o sí, con una escena onírica clave, sin la controvertida narración en off, ni el final "feliz" impuesto por el estudio; una experiencia más ambigua que mejora la calidad visual mientras intensifica los temas existenciales sobre la naturaleza de Deckard, dejando libres las interpretaciones que han alimentado décadas de debate entre fans.

4. Blade Runner: Apagón 2022 (2017)

Un cortometraje animado que sirve como puente narrativo entre la peli original y su secuela, explorando los eventos que llevaron a la prohibición de la fabricación de replicantes. Dirigido por Shinichiro Watanabe, conocido por Cowboy Bebop, la pieza combina animación 2D tradicional con elementos 3D, en una estética acorde al universo visual establecido en los 80, pero obviamente sin limitaciones espaciales.

La trama de Apagón 2022 se centra, claro, en un apagón extendido que deja sin energía a toda la costa oeste de los Estados Unidos, un evento crucial para entender el mundo de 2049, que en apenas 15 minutos, nos da pistas sobre la evolución política y social entre ambas películas.

5. Blade Runner 2049 (2017)

Antes de meterse a adaptar las dos partes de Dune, Denis Villeneuve se enfrentó al dilema de crear una secuela con su propia identidad artística, pero que sirviera como relevo digno del legado original. Ambientada 30 años después de los eventos de 2019, ahora tenemos a un nuevo blade runner que descubre un secreto que podría cambiar el destino de la humanidad.

De ahí surge el contacto inevitable con el incomparable Rick Deckard, exiliado durante décadas. Si hay algo reseñable, además del puñetazo accidental que Ford le dio a Ryan Gosling en el rodaje, es la apabullante fotografía de Roger Deakins, con una ecléctica banda sonora de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch que rinde homenaje a la de Vangelis. Blade Runner 2049 es una continuación narrativa que también juega a ser una meditación filosófica independiente, aunque quizá su único punto débil es su necesidad de incorporar más subtramas de las que son necesarias.

6. Blade Runner: Black Lotus (2021)

La serie de animación ambientada en 2032 también sirve de puente entre Blade Runner (1982) y  (2017), funcionando a su vez como adaptación parcial y alternativa de la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick. Aquí tenemos a Elle, una joven replicante que despierta sin memoria en una Los Ángeles distópica y debe reconstruir su pasado mientras huye de los blade runners y descubre una conspiración que amenaza tanto a humanos como a replicantes. Black Lotus está dirigida por Shinji Aramaki y Kenji Kamiyama, es una expansión del universo que mantiene los detalles de cine negro y ciberpunk de la franquicia, incluso evocando la atmósfera melancólica que define a la saga.

7. Blade Runner 2099 (2025)

Ahora mismo en plena producción, la franquicia regresará a la acción real en un formato televisivo ambicioso que se desarrolla cincuenta años después de los eventos de Blade Runner 2049. Producida por Amazon Prime Video, con Ridley Scott como productor ejecutivo, la serie podría ser uno los grandes estrenos de 2025 en la plataforma. Michelle Yeoh encabeza el reparto de Blade Runner 2099 junto a Tom Burke, Lewis Gribben y Dimitri Abold, y será el punto de partida para examinar cómo ha evolucionado la sociedad y la tecnología en el universo replicante, sin abandonar los temas clásicos de complejidad moral y las preguntas existenciales de la franquicia para una nueva generación.

Dónde ver las películas y series de Blade Runner online

Estas son las películas y series de la saga Blade Runner disponibles en diversas plataformas de streaming. JustWatch te ayuda a encontrarlas en Apple TV, Prime Video, Netflix y otras plataformas. Puedes filtrar tu búsqueda por servicio de streaming, género, precio, clasificación por edades y puntuación. Asegúrate de crear tu lista de favoritos y recibir notificaciones útiles sobre qué ver a continuación según tus preferencias.

¡Es complicado! Céline Song bien sabe que en esta economía nadie puede permitirse soñar con el amor verdadero y que los caminos del deseo son inescrutables. Por eso escribe películas románticas, entre la comedia y el drama. Si Vidas pasadas (2023) acababa con un enorme interrogante acerca del destino y las puertas que le cerramos, Materialistas (2025) se formula como un cuento de hadas en el que equivocarse no está tan mal. Y así abraza el espíritu de la rom-com clásica, la que también se sabe un poco producto de su juego.

Si el género no te convence, lo hará un triángulo amoroso de primera entre dos etéreos Dakota Johnson y Pedro Pascal y un Chris Evans digno de rollo de perrito de papel higiénico y película de tarde. Y si ya has visto Materialistas y quieres descubrir más películas similares (eso sí, de todos los tiempos), esta guía de Justwatch te echa una mano.

Historias de Filadelfia (1940)

Si lo que amas de Materialistas es la aureola de carisma y gracia de su tripleto principal, el clásico de George Cukor Historias de Filadelfia (1940) es para ti. En él, encontramos a la aristócrata Tracy Lord (Katharine Hepburn) a punto de subir al altar con otro miembro de la alta sociedad, George Kittredge (John Howard). Su boda, transaccional, es también el evento del momento, lo que lleva a su exesposo, el diseñador de yates convertido en periodista C.K. Dexter Haven (Cary Grant), y al fotógrafo Mike Connor (James Stewart) a presentarse en su casa para cubrir la glamorosa celebración. En los días previos al “sí, quiero”, Tracy comienza a cuestionar las decisiones que ha tomado porque era lo correcto. Y ya la hemos liado.

Sabrina (1954)

Sabrina (1954) es una joya del clasicismo que ver con el filtro del tiempo bien puesto. Protagonizada por Audrey Hepburn, construye un triángulo amoroso de glamur y brilli-brilli entre Sabrina Fairchild, hija del chofer de una familia adinerada, y los hermanos Linus (Humphrey Bogart) y David (William Holden). Aunque en un principio Sabrina se siente atraída por el encantador y despreocupado David, su corazón termina inclinándose hacia Linus, un hombre serio, racional y dedicado a los negocios. Y de ahí el filtro del tiempo, porque Bogart era mucho, mucho mayor que Hepburn. Pero eh, no se critica sin antes verla. En clave contemporánea y como Materialistas, Sabrina puede leerse como una crítica al materialismo.

El graduado (1967)

Quizás ahora veamos con mejores ojos la seducción de Benjamin (Dustin Hoffman), un recién graduado universitario, por parte de la señora Robinson (Anne Bancroft), esposa del socio legal de su padre y al menos veinte años mayor que él (en la vida real, Bancroft tenía 35 años, solo seis más que Hoffman, porque el cine siempre ha tenido tirria a las “mujeres mayores”). En fin. Esta comedia de Mike Nichols arranca con la dicharachería de quien sabe que el romance es artificio, hasta que Benjamin comienza a enamorarse de veras de Elaine (Katharine Ross), la hija de la señora Robinson. Y aquí arrancan los embrollos, aliñados por la fantástica banda sonora de Simon & Garfunkel. El icónico plano final de El graduado (1967) deja la duda: ¿fue todo amor o venganza? Vedla.

La edad de la inocencia (1993)

Saquen los clínecs: Martin Scorsese adaptó la novela homónima de Edith Wharton publicada, en 1920, para hacer de ella un drama conmovedor y, como Materialistas, algo tocado de sátira. Ambientada en la Nueva York de la década de 1870, la historia sigue a Newland Archer (Daniel Day-Lewis), un abogado caballeroso que está comprometido con la dulce y virtuosa May Weiland (Winona Ryder). Sin embargo, pronto se enamora de la condesa Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), la prima de May, marginada por la alta sociedad tras separarse de su esposo. La edad de la inocencia (1993) es una trágica reflexión sobre el dilema entre seguir los dictados del corazón o someterse a las rígidas normas sociales. Los acabados son de oro, pero quizás el gorgojo de los posibles se nos haya comido enteros.

Tienes un e-mail (1998)

Bajo ningún concepto puedes perderte Tienes un e-mail (1998), el culmen de la comedia romántica de Nora Ephron, con Meg Ryan y Tom Hanks. Al igual que Materialistas, explora el contraste entre el amor idealizado y un mundo profesional donde el romance no tiene cabida. Uy, y donde toda crueldad es posible si no la tienes muy presente. Kathleen y Joe, rivales en el negocio de las librerías, se enamoran sin saber que ya están conectados por correo electrónico. La película combina romance empedernido, ironía finísima y una crítica sin tapujos al allanamiento consumista y de masas, todo envuelto en un Nueva York otoñal irresistible.

Sweet Home Alabama (2002)

Si te criaste en los años 90 y te gustó Materialistas, por lo menos tendrás que reconocernos algo: en argumento y tono, es bastante paralela a Sweet Home Alabama (2002), una comedia romántica que también contaba con un reparto de lujo. Reese Witherspoon, Patrick Dempsey y Josh Lucas, la nata de la época. Sobre el papel, la vida de Melanie (Witherspoon) parece perfecta. Es una exitosa diseñadora de moda radicada en Nueva York y está comprometida con el soltero más codiciado de la ciudad. Sin embargo, también tiene un pequeño inconveniente… Un esposo en Alabama que se niega a firmar el divorcio. Ideal para un domingo de cansancio vital.

27 vestidos (2008)

Es el “cásate, lorito” de la comedia romántica. 27 vestidos (2008) sigue a Jane (Katherine Heigl), una mujer que ha equivado el matrimonio como la peste. Pero ella es una dama de honor excepcional, por eso le han pedido que lo sea… 27 veces. Durante una noche en la que debe asistir a dos bodas a la vez, Jane conoce a Kevin (James Marsden), un cínico periodista que es, en realidad, el autor de unos escritos de bodas que ella adora. Y aquí pónganse otro filtro rom-com: ahora, Jane debe organizar la boda de sus sueños… pero para su carismática hermana Tess (Malin Akerman) y el hombre que ama, que también es su jefe (Ed Burns).

Locamente Millonarios (2018)

La clase social es, sin duda, un factor en las comedias románticas estadounidenses como Materialistas, pero la diferencia de estatus en esa película parece microscópica si la comparamos con la riqueza estratosférica que mueve Locamente Millonarios (2018). En una comedia que se zafó de todas nuestras expectativas, Rachel Chu (Constance Wu) da vida a una profesora de economía chino-estadounidense atónita al descubrir que su encantador novio Nick (Henry Golding) es heredero de una de las familias más ricas de Singapur. La madre de Nick, Eleanor (Michelle Yeoh), está decidida a separar a la pareja cueste lo que cueste, y depende de Rachel plantarse y luchar por su relación. Ya lo dice su mejor amiga (Awkwafina): “Cuando juegas al gallina, tienes que decir ‘¡Cocó, p***!’”.

Cómo deshacerte de tu jefe (2018)

Toma dos tazas de drama moderno: en Cómo deshacerte de tu jefe (2018) Harper (Zoey Deutch) y Charlie (Glen Powell) son dos asistentes cuyos trabajos se han convertido en el centro absoluto de sus vidas. Una noche, elaboran un plan para hacerse las cosas más fáciles: hacer que sus jefes (Lucy Liu y Taye Diggs) se enamoren entre sí. Que podrían dejar su empleo, pero entonces no tendríamos película. Al igual que Lucy en Materialistas, Charlie y Harper trabajan para que los romances de otros funcionen, matemática, racionalmente. Porque si el amor romántico es una fórmula, por lo menos debe ser capitalizable.

La peor persona del mundo (2021)

La peor persona del mundo (2021) de Joachim Trier ya se ha convertido en un clásico de la dramedia a pesar de tener solo cuatro años. Aquí conocemos a Julie (Renate Reinsve), una joven que lucha por equilibrar su vida personal y profesional, saltando de corazón roto a corazón roto en un mundo que no parece nunca funcionar como debería. El concepto no es nuevo, pero fue su guion el que dio fama a una película europea sin famoseos excesivos. En fin, un comentario perspicaz sobre el amor, el duelo, el trauma y la independencia. Podría ser una hermana espiritual de Materialistas, y es muy probable que Song la tenga bien presente.

¿Dónde puedo ver más películas parecidas a ‘Materialistas’?

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¡Es oficial! Scrubs prepara su regreso con el trío principal confirmado: Zach Braff, Donald Faison y Sarah Chalke volverán a ponerse la bata blanca y a recorrer los pasillos del Sacred Heart. Lo harán de la mano de Bill Lawrence, creador de la serie original y responsable de éxitos recientes como Ted Lasso o Terapia sin filtro. Con el revival en marcha, muchos se preguntan qué ha sido del resto del reparto. ¿Dónde están hoy el desquiciado Dr. Cox, Carla, el conserje o el Dr. Kelso? En este repaso te contamos en qué andan los protagonistas de Scrubs en pleno 2025 y dónde puedes ver sus trabajos más recientes en streaming desde España.

Zach Braff (John "J.D." Dorian)

Tras el final de Scrubs, Zach Braff se mantuvo en el mundo del cine y la televisión. No solo como actor, sino también como director y guionista. Debido a su éxito en la serie, logró mantener una carrera activa, participando en películas como Una Buena Persona junto a Florence Pugh. También ha dirigido episodios de series como Ted Lasso y Terapia sin filtro. Una de sus últimas apariciones en TV fue en la serie Bad Monkey: negocios turbios y en 2025, además de prepararse para interpretar a J.D una vez más, sigue con su popular podcast Fake Doctors, Real Friends en el que revive anécdotas del rodaje junto a Donald Faison.

Donald Faison (Chris Turk)

Después de Scrubs, Donald Faison continuó su carrera en televisión, cine y también doblaje. Protagonizó la serie The Exes, participó en comedias como Emergence y puso voz a personajes animados en proyectos como Solar Opposites. En 2025, sigue igual de activo: además de unirse al esperado regreso de Scrubs, colabora con Zach Braff en el podcast Fake Doctors, Real Friends. Su talento y versatilidad le ha permitido no solo protagonizar películas sino también aportar su voz a series infantiles populares.

Sarah Chalke (Elliot Reid)

Sarah Chalke pudo aprovechar su éxito en la serie para incursionar en diversos proyectos, desde comedias hasta dramas. La actriz que supo interpretar a Becky en Roseanne de 1988, lideró el reboot Los Conners. También ganó protagonismo con papeles en series como How I Met Your Mother y, más recientemente, El baile de las luciérnagas, donde compartió pantalla con Katherine Heigl. Además, desde 2013 presta su voz a Beth en la aclamada serie animada Rick and Morty. En 2025, se prepara para retomar su papel de Elliot en el regreso de Scrubs, mientras sigue activa en proyectos de televisión como Animal Control junto a Joel Mchale.

John C. McGinley (Dr. Cox)

John C. McGinley se convirtió en un personaje inolvidable con su interpretación del sarcástico y brillante Dr. Cox. Gracias a su reputación ha podido mantener una carrera sólida más allá de Scrubs, especialmente en el género dramático. Uno de sus proyectos más destacados trás la serie, fue Stan Against Evil. A pesar de su talento y su reconocimiento en la industria, gran parte de su filmografía se compone de apariciones especiales pequeñas en series como Brooklyn Nine-Nine y Chicago P.D. En 2025, McGinley sigue trabajando en proyectos de televisión y cine independiente que aún no han visto la luz.

Judy Reyes (Carla Espinosa)

Desde su papel como la enfermera Carla en Scrubs, Judy Reyes es una de las integrantes del reparto que más activa se mantuvo, construyendo una carrera diversa y respetada, especialmente en el terreno del drama. Algunos de los proyectos más importantes en los que ha participado incluyen Criadas y malvadas, Claws y, más recientemente hizo apariciones en éxitos como Succession. También ha incursionado en el cine independiente y más recientemente en series populares como Dr. Death y High Potential junto a Kaitlin Olson.

Neil Flynn (El conserje)

Neil Flynn, inolvidable como el errático conserje de Scrubs, transformó lo que iba a ser un personaje menor en uno de los más icónicos de la televisión de los 2000. Su timing cómico y su estilo seco lo convirtieron en figura de culto, y tras el cierre de la serie, encontró un nuevo lugar en la comedia familiar The Middle, donde brilló durante nueve temporadas como el estoico Mike Heck. Desde entonces, ha alternado papeles secundarios en cine, como en Chicas Malas, con trabajos de doblaje y apariciones en series como Terapia sin filtro, sin perder nunca ese sello inconfundible.

Ken Jenkins (Dr. Kelso)

Cuando Ken Jenkins llegó a Scrubs, ya contaba con una sólida carrera en teatro, cine y televisión. Sin embargo, su interpretación del Dr. Bob Kelso le dio un lugar permanente en la cultura televisiva. El actor logró que un personaje inicialmente odiado, con el tiempo, se convirtiera en uno de los más queridos de la serie. Tras el final de Scrubs, Jenkins mantuvo un perfil más discreto, con apariciones esporádicas en televisión, como en Cougar Town (también creada por Bill Lawrence). En 2025, a sus más de 80 años, se encuentra semi-retirado, aunque los fans aún esperan verlo ponerse la bata una vez más en el revival.

Dónde ver las películas y series del reparto de Scrubs en streaming

Con esta guía de streaming puedes descubrir dónde ver desde España las películas y series más recientes en las que han participado los actores de Scrubs. Desde comedias actuales hasta dramas y producciones animadas, repasamos dónde seguirles la pista en plataformas como Netflix, HBO Max, Prime Video o Disney+.