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Oscar 2026: ¿cómo ver todas las películas nominadas?
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Luego de los Globos de Oro, la carrera de la temporada de premios se intensifica con las nominaciones de 2026 al premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS, por su sigla en inglés), que reconoce a lo mejor del año anterior en el cine. Y además de la nueva categoría de Mejor casting, hubo varias sorpresas en las candidaturas, que fueron nominadas por Pecadores (Sinners) que, por cierto, ha roto el récord de más nominaciones al Oscar.
Para que no te pierdas de nada antes de la premiación el 15 de marzo de 2026, a continuación te explicamos cuáles son las películas nominadas al Oscar 2026, en qué categorías compite cada una, y cómo ver aquellas que sí están disponibles ahora (o lo estarán próximamente) en cines y en streaming.
Pecadores (2021)
Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Ryan Coogler), Mejor actor (Michael B. Jordan), Mejor actor de reparto (Delroy Lindo), Mejor actriz de reparto (Wunmi Mosaku), Mejor guión original, Mejor fotografía, Mejores efectos visuales, Mejor sonido, Mejor edición, Mejor diseño producción, Mejor canción original, Mejor diseño de vestuario, Mejor casting, Mejor banda sonora original, Mejor maquillaje
El hecho de que Pecadores sea la líder absoluta de las nominaciones al Oscar 2026 (con 16) es un hecho digno de mención por varios motivos, no sólo por haber roto el récord. Habiéndose estrenado en abril de 2024, es una producción totalmente original, que ha perdurado en la conversación hasta estas alturas y acumulado el máximo de nominaciones al Premio de la Academia pese a ser una película de terror, un género usualmente ninguneado por sus votantes (con raras excepciones, como El silencio de los inocentes).
Es precisamente por ello que dudamos verla entre las grandes ganadoras de la noche, pero podemos soñar. Por lo mientras, también puede presumir varios otros hitos, como que la diseñadora de vestuario Ruth E. Carter ya es la mujer negra más nominada al premio, y Autumn Durald Arkapaw es la primera mujer de color en ser candidata al Oscar por mejor fotografía.
Una batalla tras otra (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Paul Thomas Anderson), Mejor actor (Leonardo DiCaprio), Mejor actor de reparto (Sean Penn y Benicio del Toro), Mejor actriz de reparto (Teyana Taylor), Mejor guión adaptado, Mejor fotografía, Mejor sonido, Mejor edición, Mejor diseño de producción, Mejor casting, Mejor banda sonora original
La gran rival de Pecadores—y la más probable ganadora de los principales premios—será Una batalla tras otra (One Battle After Another), comedia de Paul Thomas Anderson (PTA) sobre revolucionarios antifascistas que varios años después deben enfrentarse a un viejo enemigo.
Dada la larga trayectoria de PTA sin ganar la estatuilla, anticipamos que finalmente se la llevará en 2026 por Mejor dirección. La película también ostenta una nominación doble a Mejor actor de reparto, con ambos Benicio del Toro y Sean Penn en la carrera.
Valor sentimental (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Joachim Trier), Mejor película internacional (Noruega), Mejor guión original, Mejor actriz (Renate Reinsve), Mejor actriz de reparto (Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning), Mejor actor de reparto (Stellan Skarsgård), Mejor edición
La apuesta de Noruega ha rendido bastantes más frutos que sólo una nominación al Oscar 2026 a Mejor película internacional, pues Valor sentimental compite en casi todas las categorías principales de la premiación y suma nueve oportunidades. También aspira a Mejor película (una de dos producciones extranjeras en la categoría), Mejor dirección (Joachim Trier) y Mejor guión original.
Su brillante cuarteto de actores también aspira al premio, lo que convierte a Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Elle Fanning e Inga Ibsdotter Lilleaas en nominados al Oscar por primera vez en sus respectivas carreras. Dado el fenomenal desempeño de la película en el circuito de premiaciones europeo, le vemos posibilidades de alzarse con por lo menos uno de estos premios.
Marty Supremo (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Josh Safdie), Mejor actor (Timothée Chalamet), Mejor fotografía, Mejor edición, Mejor diseño de producción, Mejor diseño de vestuario, Mejor casting, Mejor guión original
Otra de las empatadas en el tercer lugar de la competencia, Marty Supremo ve a Timothée Chalamet de regreso en los Oscar, un evento del que ya es, como dicen, “cliente frecuente”.
Además, la producción aspira a Mejor película y Mejor dirección (de Josh Safdie). En cierto modo, esto corona al director como el que mejor desempeño ha tenido desde que dejó de colaborar con su hermano Benny, cuya película no obtuvo el mismo nivel de reconocimiento en la temporada de premios.
Frankenstein (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejor fotografía, Mejor actor de reparto (Jacob Elordi), Mejor guión adaptado, Mejor banda sonora original, Mejor sonido, Mejor diseño de producción, Mejor diseño de vestuario, Mejor maquillaje
El Frankenstein de Guillermo del Toro—una de las apuestas fuertes de Netflix para esta temporada—también logró colarse a la competencia por Mejor película, incluso si sus posibilidades de ganar son pocas (aunque es notable que sea una de dos producciones de terror en la categoría). Un desempeño comparativamente decepcionante al que tuvo, en su momento, La forma del agua.
Además, con sus aspiraciones en Mejor actor de reparto, Jacob Elordi obtiene su primera nominación al Oscar. Previsiblemente, sin embargo, la película compite mayoritariamente en categorías técnicas, y no nos sorprendería verla ganar por vestuario o maquillaje.
Hamnet (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Chloé Zhao), Mejor actriz (Jessie Buckley), Mejor guión adaptado, Mejor diseño de producción, Mejor casting, Mejor banda sonora original
Luego de alzarse con la gloria del Oscar gracias a Nomadland, no fue sorpresa para nadie ver a Chloé Zhao de regreso entre las nominadas al Oscar 2026 con Hamnet.
Aunque la tendrá difícil para alzarse en las categorías de Mejor película y Mejor dirección, es la clara líder para llevarse el premio a Mejor actriz, pues Jessie Buckley presenta la trayectoria más sólida a lo largo de las otras premiaciones.
Bugonia (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejor actriz (Emma Stone), Mejor guión adaptado, Mejor banda sonora original
Con películas como La favorita y Pobres criaturas, ambas con excelentes recorridos por las premiaciones de sus respectivos años, tampoco es una sorpresa que Emma Stone esté en la carrera por una película de Yorgos Lanthimos, incluso si Bugonia no le ha representado una nominación al propio director.
Sin embargo, la lucha está más difícil para Stone este año: la actriz ya tiene dos premios de la Academia, y no dudamos que los votantes se inclinen más por Jessie Buckley, quien ya tiene un paso más distinguido en esta temporada.
F1: La película (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejores efectos visuales, Mejor sonido, Mejor edición
La gran sorpresa entre las nominadas al Oscar 2026 en Mejor película fue F1, de Joseph Kosinski, película que no ha sonado tanto desde su estreno ni repercutido tanto en la taquilla como sí lo hizo Top Gun: Maverick en su momento.
Sin embargo, logró colarse en la principal categoría de la premiación y ostenta otras tres candidaturas en apartados técnicos: sonido, edición y efectos visuales.
El agente secreto (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejor película internacional (Brasil), Mejor actor (Wagner Moura), Mejor casting
Al año de haber hecho historia con Aún estoy aquí (que ganó no uno, sino dos premios de la Academia), Brasil lo vuelve a hacer con una cuádruple nominación para El agente secreto, de Kleber Mendonça Filho. Una cantidad de nominaciones insólita para una producción brasileña, que tiene posibilidades a Mejor película internacional y también aspira a Mejor película.
Además, la película marcó otro hito, pues Wagner Moura se ha convertido en el primer brasileño nominado a Mejor actor.
Sueños de trenes (2025)
Nominada a: Mejor película, Mejor fotografía, Mejor canción original, Mejor guión adaptado
Otra de las apuestas de Netflix para la temporada ha cosechado menos frutos de lo esperado. Sueños de trenes aspira, por lo menos, al premio principal, además del Oscar a Mejor canción original por el tema homónimo.
Sin embargo, muchos esperaban ver aquí a Joel Edgerton por su sentido protagónico como un hombre a lo largo de dolorosas décadas. Sin embargo, quedó totalmente fuera de consideración, aunque ya se veía venir dada su ausencia en las nominaciones a los premios del Sindicato de actores.
Luna azul (2025)
Nominada a: Mejor actor (Ethan Hawke), Mejor guión original
Quien sí estuvo nominado por el Sindicato de Actores y aparece entre los nominados al Oscar 2026, es Ethan Hawke, lo que le dio una de sus dos candidaturas a Luna azul, la que más dividendos rindió a Richard Linklater de las dos películas que estrenó en el año (la otra fue Nueva Ola Francesa).
¿Ganará? Probablemente no, pero si algo puede aprender el director es que le va muy, muy bien cuando colabora con Ethan Hawke.
Si pudiera, te patearía (2025)
Nominada a: Mejor actriz (Rose Byrne)
Una película que nos dio mucho gusto ver aquí es Si pudiera, te patearía, comedia ácida con elementos de terror en la que Rose Byrne interpreta a una madre sofocada por el aplastante peso de una maternidad solitaria y con una hija enferma, como una perversa Cabeza borradora pero a la inversa.
Byrne ya ganó el premio a Mejor actriz del Festival de Berlín por esta película. No tiene posibilidad contra Jessie Buckley, pero tampoco necesita del Oscar para coronar una carrera que tiene de todo.
Song Sung Blue: Sueño inquebrantable (2025)
Nominada a: Mejor actriz (Kate Hudson)
Otra de las sorpresas entre las películas nominadas al Oscar 2026 fue Song Sung Blue: Sueño inquebrantable, que tiene una sola nominación gracias a Kate Hudson en la categoría de Mejor actriz principal.
¿Tiene posibilidades? Pocas, pero no la daríamos por descontado. La película es una biopic musical y, así como Jamie Lee Curtis hace unos años, Kate Hudson proviene de una dinastía artística, hija del cantante Bill Hudson y de la actriz Goldie Hawn. En conjunto, es una fórmula que a la Academia le encanta premiar.
La hora de la desaparición (2025)
Nominada a: Mejor actriz de reparto (Amy Madigan)
La villana de La hora de la desaparición (Weapons), la Tía Gladys, fue una de las sensaciones cinematográficas del año.
E incluso si la película daba para más reconocimiento (aunque nos damos por bien servidos con dos títulos de terror compitiendo en Mejor película), nos da gusto que, por lo menos, su éxito en taquilla haya hecho que la Academia volteara a ver a Amy Madigan, quien le da a la producción su única nominación como Mejor actriz de reparto.
Sirāt: Trance en el desierto (2025)
Nominada a: Mejor película internacional (España), Mejor sonido
Con un premio en Cannes bajo el brazo, Sirāt: Trance en el desierto se anota en la carrera por el Oscar a Mejor película internacional, en representación de España.
A decir verdad, esa es una carrera de dos caballos entre Brasil y Noruega. Sin embargo, con la nominación, la producción dirigida por Oliver Laxe se une al canon de películas en español nominadas a los grandes premios del cine.
Fue sólo un accidente (2025)
Nominada a: Mejor película internacional (Francia)
A decir verdad, esperábamos que la candidata de Francia (coproducida con Irán) estuviera nominada en más categorías, por lo menos Mejor dirección (para el legendario Jafar Panahi) y, quizá, Mejor película. Sobre todo considerando que fue la ganadora de la Palma de Oro 2025.
Sin embargo, Fue sólo un accidente se conforma con la candidatura a Mejor película internacional, que tiene pocas posibilidades de ganar. Quizá los recientes acontecimientos en la escena de la política mundial cambien algunas opiniones, pero no contamos con ello.
La voz de Hind Rajab (2025)
Nominada a: Mejor película internacional (Túnez)
La ocupación en Palestina estuvo bajo los reflectores del Oscar el año pasado con la victoria de No Other Land como Mejor documental. La conversación parece estar siendo olvidada, pero aún persiste gracias a la candidata tunecina por el Oscar a Mejor película internacional.
La voz de Hind Rajab, sobre el asesinato de la niña palestina homónima y su familia a manos de invasores israelíes, tiene una complicada carrera por la estatuilla, pero tampoco la damos por descontada en la carrera.
Las guerreras K-Pop (2025)
Nominada a: Mejor película animada, Mejor canción original
A estas alturas, con récords en Netflix y plataformas de música, más un furor que parece no parar, la victoria de Las guerreras K-Pop como la Mejor película animada del año parece una inevitabilidad.
Lo anterior, sobre todo, considerando que es la única de las candidatas de animación que compite en Mejor canción original, por el tema “Golden” de las ficticias cantantes HUNTR/X.
Elio (2025)
Nominada a: Mejor película animada
Parece que será otro año de capa caída para Pixar. En 2025, ni con toda la taquilla del mundo, Intensa-Mente 2 logró aplacar a la sensacional e independiente Flow.
Auguramos menor suerte para Elio, que pasó sin pena ni gloria por la taquilla internacional y deberá alzarse contra el fenómeno pop del año, Las guerreras K-Pop.
Arco (2025)
Nominada a: Mejor película animada
La colorida aventura de ciencia ficción, Arco, tiene algo de posibilidad de hacer ruido por el Oscar 2026. Después de todo, ganó en el Festival Annecy (dedicado a la animación) y es una de las contendientes más serias a los Annie, el principal premio para las películas animadas.
Pero, una vez más, tiene una rival difícil en Las guerreras K-Pop y su aplastante popularidad.
Zootopia 2 (2025)
Nominada a: Mejor película animada
La película que podría plantarle mejor cara a las HUNTR/X es esta secuela de Disney, que ya tiene el antecedente de haber obtenido el Oscar con la primera entrega.
Además, Zootopia 2 ha tenido un fenomenal paso por la taquilla global, lo que sugiere que los votantes de la Academia podrían fijarse en ella para apostar por una candidata estrenada en cines y no directamente en streaming, un punto que aún despierta mucha disidencia en Hollywood.
Amélie y los secretos de la lluvia (2025)
Nominada a: Mejor película animada
El quinteto de nominadas al Oscar 2026 a Mejor película animada es completado por Amélie y los secretos de la lluvia, apuesta de Francia que también fue premiada en Annecy, aspira a los Annie y ganó premios en festivales como San Sebastián.
Sin embargo, tiene una competencia difícil. Auguramos que tendrá que conformarse con la nominación.
La hermanastra fea (2025)
Nominada a: Mejor maquillaje
Una grata sorpresa (al menos para quien escribe, que la considera una de las mejores películas del año) fue ver a La hermanastra fea en la carrera, incluso si es sólo en uno de los rubros técnicos.
Esta fabulosa propuesta que mezcla cuentos de hadas con body horror es contendiente al Oscar 2026 por Mejor maquillaje.
Avatar: Fuego y cenizas (2025)
Nominada a: Mejores efectos visuales, Mejor diseño de vestuario
A la luz de lo que lograron Avatar y Avatar: El camino del agua en sus respectivos años, las nominaciones de la tercera entrega, Fuego y cenizas, parecen decepcionantes. Es la única de las tres que no compite por Mejor película.
Merecidamente, podría ser la candidata más fuerte a Mejores efectos visuales. Lo curioso es que también esté compitiendo por Mejor diseño de vestuario.
Jurassic World: Renace (2025)
Nominada a: Mejores efectos visuales
Con resultados sólidos en taquilla pero opiniones mixtas, la saga de Jurassic World regresó al cine en 2025. Si algo puede presumir es ser una punta de lanza en lo que se refiere a efectos visuales, categoría en la que Jurassic World: Renace aspira al Oscar, merecidamente.
A través del fuego (2025)
Nominada a: Mejores efectos visuales
Cosa rara ver a una película de Apple TV+ compitiendo en una sola categoría y, además, en un apartado técnico. Siendo, además, una producción que tampoco hizo tantas olas en su año de estreno.
Sin embargo, la rama de efectos visuales decidió nominar a A través del fuego (The Lost Bus) al Oscar en la categoría. De lo poco que puede presumir la manzana este año, cuando en el pasado se coronó con CODA.
La máquina: The Smashing Machine (2025)
Nominada a: Mejor maquillaje
Hasta acá venimos a encontrar la película en solitario de Benny Safdie, que apuntaba a más con su fórmula: una biopic con una actuación físicamente transformativa y psicológicamente intensa (de Dwayne Johnson) y otra figura de renombre encabezando el elenco: Emily Blunt.
La máquina: The Smashing Machine se conforma con una sola nominación: Mejor maquillaje.
Las nominadas a Mejor largometraje documental
Las películas nominadas al Oscar 2026 en la categoría de 2026 son, como suele suceder, estrenos relegados exclusivamente al streaming, por lo que pueden haber pasado fuera de tu radar. Además, no todas están disponibles aún, lamentablemente.
Las cinco nominadas son Alabama: Presos del sistema, Abrázame en la luz, La vecina perfecta, Cutting Through Rocks y Mr. Nobody Against Putin. Sin embargo, sólo las tres primeras están disponibles para ver en alguna plataforma.
Los nominados a Mejor cortometraje documental
Otra categoría que suele pasar de noche, relegada a las plataformas de streaming, es la de Mejor cortometraje documental. Y en efecto, la mayoría fueron a dar a Netflix o HBO Max.
La categoría es conformada por Armado con una cámara: La vida y muerte de Brent Renaud, Todas las habitaciones vacías, El diablo no descansa, Children No More: "Were and Are Gone" y Perfectly a Strangeness. Sólo las primeras tres están actualmente disponibles en plataformas.
Wonder Man: todo sobre el superhéroe de la nueva serie de Marvel
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
La mayoría de los superhéroes de Marvel Comics ya eran relativamente conocidos antes de dar el salto a la pantalla grande con el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Pero de repente también los hay más desconocidos, como Shang-Chi, los Guardianes de la Galaxia o Ant-Man. Pronto, ese canon de excéntricos personajes adaptados a la pantalla crecerá con Wonder Man.
“¿Wonder quién?”, pensarás, y entenderíamos tu desconcierto. Pero tranquilo. Para que no llegues en blanco (y confundido) a la nueva serie de Marvel, a continuación te explicamos todo lo que debes saber sobre Wonder Man, sus poderes, enemigos y cómo encaja en el esquema del UCM.
¿Quién es Wonder Man y cuál es su origen?
Fuera de las páginas de Marvel Comics, Simon Williams/ Wonder Man es un personaje concebido por Stan Lee, Don Heck y Jack Kirby. Originalmente, fue un rival para Los Vengadores, introducido en The Avengers #9 de 1964. Al final de dicha edición, Simon fue derrotado y aparentemente asesinado por los “héroes más poderosos de la Tierra”.
Durante varios años, Wonder Man fue apenas mencionado en las páginas de la editorial, en parte (según Stan Lee) debido a que la rival DC Comics los demandó por la similitud con el nombre de Mujer Maravilla (Wonder Woman).
Sin embargo, el personaje fue reintroducido en 1975 y, tras un último encuentro con Los Vengadores en 1976, fue convertido en héroe y en parte del equipo. A lo largo de su recorrido en las publicaciones de Marvel, Wonder Man ha sido miembro consistente de Los Vengadores y equipos derivados, como los Vengadores de la Costa Oeste y los Poderosos Vengadores.
Bueno, está bien, ¿pero cuáles son los poderes de Wonder Man?
En la ficción, Simon Williams es un hombre con bastantes recursos y talentos. Específicamente en los cómics, es un adinerado industrialista y talentoso actor, aunque su vida cambia cuando un encuentro crucial lo convierte en un humano mutado con habilidades especiales.
En los cómics, Wonder Man obtiene sus poderes luego de un encuentro con el Barón Zemo, quien lo bombardea con “energía iónica”. Esto convierte a Simon en un ser cuyo cuerpo es, en esencia, “energía viva”, que lo dota de increíbles habilidades como invulnerabilidad, la capacidad de volar, fuerza y velocidad sobrehumanas, además de otros poderes como cambiar de tamaño, manipular energía y regenerarse. En conjunto, sus habilidades lo convierten en uno de los héroes más poderosos en la alineación de Los Vengadores.
¿Qué tan fuerte? Su fuerza ha sido comparada con la de Thor, e incluso ha podido resistir en combates cuerpo a cuerpo contra Hulk. Ha llegado a derrotar a seres como Abominación y Hulk Rojo, y su poderío ha sido comparado con el de Sentry (quien, recordarás, limpió el piso con los Thunderbolts y casi destruye Nueva York en las películas). Incluso la propia Muerte tiene problemas para derrotarlo.
¿Quiénes son sus enemigos?
Originalmente, Wonder Man era un supervillano que tenía por rivales a Los Vengadores. Sin embargo, luego de ser reintroducido como héroe, cambió de bando y se unió al equipo, lo que lo ha convertido en enemigo de una vasta galería de personajes de Marvel.
Uno de sus enemigos más emblemáticos ha sido el Barón Zemo, responsable por las mutaciones y poderes de Simon Williams. Sin embargo, Wonder Man ha tenido enemigos tan formidables como Abominación (un villano más común para Hulk), así como el mismísimo Mephisto, el ser cósmico Korvac, Kang el conquistador, Vision e incluso el Doctor Doom, el principal villano de la inminente Avengers: Doomsday.
Sin embargo, uno de sus rivales más recurrentes es su hermano Eric Williams, alias Segador (The Grim Reaper), quien en la serie será interpretado por Demetrius Grosse.
Espera, ¿hemos visto a Wonder Man antes?
Sí, aunque Wonder Man será su primera serie como protagonista (y su debut en el UCM), el personaje ya ha hecho otras apariciones televisivas.
Anteriormente, Wonder Man apareció en series animadas como Los Vengadores (The Avengers: United They Stand) de 1999, donde es un héroe y parte del equipo. Después lo vimos Los Vengadores: Los héroes mas poderosos del planeta (The Avengers: Earth’s Mightiest Heroes) de 2010, donde es introducido como villano, más fiel a su camino en los cómics.
Más recientemente, Wonder Man participó en la brillante serie animada para adultos, M.O.D.O.K., donde fue interpretado por Nathan Fillion y lo conocemos más en su faceta de actor.
¿Qué debo saber sobre la serie?
A pesar de todo este trasfondo, la serie Wonder Man de Marvel Television tomará un camino un tanto distinto para el personaje, aunque sin abandonar sus raíces y poderes.
Protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II (Candyman), la serie sigue a Simon Williams como un aspirante a actor que debe ocultar sus poderes, pues están siendo prohibidos y son mal vistos en el Hollywood ficticio del UCM. Su camino se cruzará con el veterano Trevor Slattery (Ben Kingsley, introducido como el villano falso en Iron Man 3 y reintroducido en Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos), quien también audiciona para un remake de una película basada en una versión previa de Wonder Man.
Demetrius Grosse también participará como Eric Williams/ The Grim Reaper, a la vez hermano de Simon y uno de los villanos más conocidos del superhéroe.
¿Cómo encaja Wonder Man en el UCM y qué películas o series debo ver antes?
Seguirle la pista al UCM puede ser una tarea demandante hoy en día, con decenas de películas y series ya estrenadas e interconectadas entre sí. Sin embargo, si te interesa Wonder Man, puedes estar tranquilo: la serie será lanzada bajo el sello de “Marvel Spotlight”, diseñado para producciones que, si bien se sitúan dentro de la misma franquicia, no dependen tanto de—ni inciden mucho en—la gran continuidad de la saga.
Por un lado, esto quiere decir que no tienes tarea para poder ver esta serie, sólo tienes que prender la tele, dar play y disfrutar. Por otro lado, también quiere decir que difícilmente veremos ramificaciones de esta serie en la gran narrativa multiversal de la franquicia. Paradójico que, considerando la enorme presencia de Wonder Man en los cómics de Los Vengadores, tenga poco o nada que ver con los acontecimientos en camino a Avengers: Doomsday.
Dicho lo anterior, la serie contará con el regreso de Ben Kingsley como Trevor Slattery, por lo que te recomendamos ver ambas Iron Man 3 y Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos para entender la procedencia de este personaje.
‘El señor de los anillos’: ¿dónde está el elenco 25 años después?
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
La saga de El señor de los anillos es uno de los grandes hitos de la fantasía en el cine, y dado que la primera parte, La comunidad del anillo, se estrenó en 2001, la trilogía está cumpliendo 25 años en 2026.
Un cuarto de siglo de haber marcado un antes y un después en la historia del cine y, en varios casos, de haber convertido a sus protagonistas no sólo en estrellas de un auténtico clásico, sino también en celebridades. ¿Pero qué ha sido de ellos? Te contamos dónde está el elenco de El señor de los anillos, 25 años después.
Elijah Wood (Frodo)
Antes de protagonizar la trilogía como Frodo Bolsón, Elijah Wood ya tenía una carrera como actor infantil de cine, incluso actuando junto a Macaulay Culkin en El ángel malvado (The Good Son). En los años posteriores a El señor de los anillos, encontró éxito en películas más pequeñas como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos o incluso la serie Yellowjackets.
Notablemente, Wood ha diversificado su trabajo en el cine como productor, como cofundador de la productora SpectreVision (originalmente llamada Woodshed), que promueve películas de género. Una de ellas es el misterio Ted Bundy: En la mente del asesino (No Man of God), donde él mismo interpreta a un agente del FBI que se entrevista con el notable asesino serial (interpretado por Luke Kirby). Wood, junto con Ian McKellen y Andy Serkis, participarán en el spin-off sobre Gollum.
Viggo Mortensen (Aragorn)
El otro gran protagonista de la trilogía de El señor de los anillos es quien ha tenido, quizá, la carrera más fascinante 25 años después de La comunidad del anillo, sin duda ayudado por sus raíces multiculturales y colaboraciones cercanas con autores cinematográficos.
Su colaboración más prolífica ha sido con el canadiense David Cronenberg, con quien más recientemente hizo Crimes of the Future. Sin embargo, uno de los talentos más notables del actor es su facilidad para los idiomas y, dado que vivió varios años en Argentina, habla perfecto español rioplatense y ha filmado dos películas con el director Lisandro Alonso. La más reciente es el western Eureka.
Ian McKellen (Gandalf)
El legendario histrión detrás del mago Gandalf es, por mucho, el rostro más recurrente en todas las adaptaciones cinematográficas de Tolkien por Peter Jackson, pues también fue una presencia constante durante la trilogía de El Hobbit (contrario a Frodo y Gollum, que tienen roles más reducidos en estas películas). Además, sobra decirlo, es uno de los actores más populares entre las sensibilidades geek, pues ha interpretado al villano Magneto en varias películas de la saga X-Men (e incluso volverá al papel en Avengers: Doomsday).
Fuera de estas franquicias, McKellen se ha mantenido bastante ocupado 25 años después de La comunidad del anillo, en toda clase de proyectos. Y decimos de toda clase. También participó en la infame adaptación cinematográfica de Cats, por ejemplo. Una de sus mejores películas en años recientes es El buen mentiroso, junto a Helen Mirren, un thriller de tintes cómicos sobre un estafador. Sin embargo, fiel a sus raíces, ha realizado la mayor parte de su trabajo posterior en el teatro.
Sean Astin (Sam)
Antes de El señor de los anillos, Sean Astin también tenía ya una carrera establecida como actor infantil y juvenil, pues debutó como el protagonista Mikey en Los Goonies y actuó en películas como Soldados de juguete.
Aunque ha sido prolífico en los 25 años desde La comunidad del anillo (apareciendo incluso en Como si fuera la primera vez, con Adam Sandler), su rol como Samsagaz Gamyi lo convirtió en un ícono del mundo geek, un factor determinante en ganarle el rol de Bob Newby en la segunda temporada de Stranger Things. Su papel más importante en años recientes no ha sido ante la cámara, sin embargo, pues en septiembre de 2025 comenzó su periodo como presidente del sindicato de actores (SAG-AFTRA), cargo que en su momento también ocupó su madre, Patty Duke.
Orlando Bloom (Legolas)
El actor que dio vida al elfo Legolas de El señor de los anillos fue uno de los grandes galanes a inicios de los 2000, y al cabo de la trilogía fue de los primeros en dar el salto a otra franquicia taquillera del cine, pues también fue Will Turner en Piratas del Caribe, de Disney. Años más tarde, volvería a encarnar al elfo para Peter Jackson en la trilogía de El Hobbit, una de las libertades creativas más cuestionadas respecto a los textos de Tolkien.
En los años desde entonces, además de una relación intermitente con la estrella pop Katy Perry, Bloom ha diversificado su carrera entre teatro y cine, con roles en películas de acción, drama e incluso comedia. Los más notables y recientes han sido en Gran Turismo: De jugador a corredor y en la genial comedia criminal Acto encubierto (Deep Cover), sobre actores de improvisación reclutados para una misión encubierta en el mundo criminal londinense.
John Rhys-Davies (Gimli)
Aunque hoy es más recordado como el impetuoso guerrero enano, Gimli, John Rhys-Davies es un veterano actor galés que ya tenía una larga carrera en cine y televisión (tanto ante la cámara como prestando su voz) antes de El señor de los anillos. Su papel más conocido hasta entonces era como el excavador y taxista egipcio Sallah en la saga de Indiana Jones.
Su carrera ha sido más prolífica como actor de voz, interpretando al Rey Salmuera en las películas de Aquaman. Una de sus apariciones más recientes ante la cámara ha sido, de nuevo, como Sallah en Indiana Jones y el dial del destino, la película final de la saga.
Billy Boyd (Pippin)
Billy Boyd, quien dio vida a Peregrin “Pippin” Tuk ha sido uno de los actores menos activos de la Comunidad del Anillo en los 25 años posteriores a la trilogía. Sin embargo, su bella interpretación vocal en El retorno del rey le dio un inesperado boleto de regreso a las adaptaciones cinematográficas de Tolkien. Boyd coescribió e interpretó el tema “The Last Goodbye” que suena en los créditos finales de El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos.
En los años posteriores, la filmografía del actor ha consistido principalmente de papeles de voz y roles secundarios o menores, siendo el más reciente un personaje recurrente en la serie Washington Black. Curiosamente, debutó en teatro en una puesta en escena canadiense de Rosencrantz y Guildenstern han muerto, ni más ni menos que junto a Dominic Monaghan, quien en El señor de los anillos es su inseparable compañero de escena. Ambos interpretaron a orcos en la animación La guerra de los Rohirrim, situada en el mismo mundo.
Dominic Monaghan (Merry)
En las películas, Meriadoc “Merry” Brandigamo fue interpretado por Dominic Monaghan, quien fue otro de los actores con la fortuna de participar en otro fenómeno de la cultura pop pocos años después de la trilogía. Fue uno de los actores principales en la famosa y polémica serie Perdidos (Lost), tiempo en el que salió con su coestrella, Evangeline Lilly (quien eventualmente formaría parte de las adaptaciones de Tolkien al cine como Tauriel, en las películas de El Hobbit).
Similar a Boyd, la filmografía de Monaghan está poblada de papeles secundarios, menores o de voz (siendo otro de los orcos en La guerra de los Rohirrim). Sin embargo, ha tenido más suerte en años recientes, con uno de los protagónicos en la serie de ciencia ficción Moonhaven, y un papel recurrente en The Librarians: El próximo capítulo.
Sean Bean (Boromir)
Quizá con la excepción de Ian McKellen y su icónica escena contra el Balrog, Sean Bean es el único miembro de la Comunidad del Anillo que alcanzó el máximo logro de la cultura pop con estas películas: convertirse en meme. Y no sólo por aquella escena en el Concilio de Elrond, sino por el poco glorioso acto de morir. Bean ya tenía amplia experiencia en ello antes de ser Boromir, pero en los años siguientes insistió con su sello fatalista en la otra gran saga de fantasía de nuestros tiempos: fue el protagonista Eddard “Ned” Stark en Game of Thrones, quien hizo perder la cabeza al mundo cuando, literalmente, perdió la suya en el final de la primera temporada.
En los 25 años posteriores a El señor de los anillos, Sean Bean ha sido consistente en la labor de morir, más recientemente en la infame adaptación hollywoodense de Los caballeros del Zodiaco. Como no vale la pena recordarlo por eso, señalemos que también comparte créditos con Orlando Bloom en Acto encubierto.
Cate Blanchett (Galadriel)
Quizá la que ha tenido la trayectoria más prolífica y aclamada en el cine en los 25 años posteriores a El señor de los anillos fue Cate Blanchett. Ya había ganado vasto reconocimiento por Elizabeth: La reina virgen, y su carrera no ha hecho más que crecer y acumular galardones. Ya tiene dos premios Oscar, por El aviador (como Mejor actriz de reparto) y Jazmín azul (Mejor actriz).
Y desde la trilogía de Peter Jackson, ha hecho de todo, desde repetir como Galadriel en las películas de El Hobbit, hasta aparecerse por el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) y trabajar con autores como el mexicano Alfonso Cuarón, Todd Field y Jim Jarmusch. Más recientemente, tuvo un delicioso y misterioso rol en Código negro (Black Bag), comedia de espías y romance de Steven Soderbergh.
Christopher Lee (Saruman)
Con una presencia formidable en pantalla que incluso conseguía eclipsar (necesariamente) a la de Ian McKellen, Christopher Lee encarnó al formidable mago blanco Saruman, quien traiciona a los pueblos libres de la Tierra Media para aliarse con Sauron.
Lamentablemente, Lee falleció en 2015, pero dejó un increíble legado que lo ha vuelto una leyenda de la cultura popular. Notablemente, fue el único miembro de la producción que conoció en persona al mismísimo Tolkien. Peleó en la Segunda Guerra Mundial, fue parte de la saga cinematográfica del 007, fue el Drácula de la Hammer, interpretó al Conde Dooku en Star Wars y grabó dos álbumes de heavy metal. La última película que lanzó en vida fue la conclusión de El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos, y una grabación de archivo suya fue utilizada en La guerra de los Rohirrim. Sin embargo, uno de los mejores roles en su carrera posterior fue breve, en La invención de Hugo Cabret de Martin Scorsese.
Hugo Weaving (Elrond)
Antes de dar vida al elfo Elrond, líder de Rivendell y testigo de la primera derrota de Sauron, Hugo Weaving ya tenía una carrera establecida y famosa, notablemente como el Agente Smith en Matrix. Al igual que Blanchett, tiene la distinción de haber sido elfo y participado en el UCM, además de otros hitos de la cultura pop como V de Venganza, pocos años después de El señor de los anillos.
Weaving ha seguido activo en todo tipo de producciones, repitiendo su rol en las películas de El Hobbit, pero también virando a proyectos más pequeños. Uno de los más recientes ha sido El Hotel Real, junto a Julia Garner y Jessica Henwick.
Ben Affleck y Matt Damon: sus películas juntos, rankeadas de peor a mejor
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Ben Affleck y Matt Damon tienen, además de una extensa trayectoria conjunta en Hollywood, una larga amistad desde sus días de juventud en Boston. Comenzaron sus carreras juntos como extras (sin crédito) en El campo de los sueños, y desde entonces han crecido como una de las duplas creativas más célebres de la industria, delante y detrás de cámaras.
Claro que no todos los títulos resultantes han sido igual de buenos, pero su colaboración ha sido innegablemente fructífera engendrando más de una decena de títulos, siendo El botín (The Rip) el más reciente. Y aunque no siempre comparten la pantalla, muchas veces uno ha fungido como productor, director o guionista para que el otro pueda brillar. Estas son las películas de Ben Affleck y Matt Damon juntos, rankeadas de peor a mejor (no contaremos los títulos en los que ninguno aparece en pantalla, aunque colaboren detrás de cámaras).
12. Una noche perfecta (2002)
Ben Affleck en papel secundario, con Matt Damon en un cameo
Esta ni siquiera es una película propiamente protagonizada por Ben Affleck y Matt Damon, que respectivamente tienen un papel secundario y un cameo. Una noche perfecta (The Third Wheel) es una comedia romántica sobre un hombre (Luke Wilson) que finalmente se anima a invitar a una compañera de trabajo (Denise Richards), y lo que debía ser la cita ideal comienza con una serie de eventos desafortunados.
Affleck interpreta a un amigo del personaje de Wilson, mientras que Damon tiene un cameo sin crédito como el ex vengativo del personaje de Richards. Son papeles tan reducidos para el dúo que nos concierne, que solamente la recuerdan los más conocedores de su historia conjunta en Hollywood, pero que demuestra su tendencia para trabajar juntos cada vez que tienen la oportunidad.
11. Padre soltero (2004)
Ben Affleck protagoniza, con un cameo de Matt Damon
La comedia Padre soltero (Jersey Girl), escrita y dirigida por Kevin Smith, tiene a Ben Affleck como un exitoso publicista musical cuya vida da un vuelco con la súbita muerte de su esposa (la entonces prometida de Affleck, Jennifer Lopez), lo que lo deja como papá soltero y, eventualmente, desempleado y de regreso en su pueblo natal. La cosa comienza a mejorar cuando conoce a otra mujer (Liv Tyler), quien lo hace reevaluar su perspectiva y prioridades. Un poco en el plan de comedias dosmileras sobre padres ausentes en redención, tipo Click.
Es una de las películas de Ben Affleck y Matt Damon (con Smith, otro colaborador frecuente) menos conocidas dado que Damon tiene un papel pequeñísimo como un ejecutivo que entrevista al personaje de Affleck para un empleo. Fue uno de esos cameos un poco fortuitos, facilitados por la amistad de todos los implicados, pero es tan breve que la vuelve una de las menos relevantes de sus colaboraciones.
10. Días de gloria (1995)
El primer protagónico de Ben Affleck, con Matt Damon en un cameo
Aunque la carrera de Affleck comenzó, técnicamente, con su participación en la serie educativa The Voyage of the Mimi de 1984, su primer y verdadero protagónico llegaría 11 años después, en Días de gloria (Glory Daze). La comedia sigue a un joven hombre que, a punto de graduarse de la universidad y con su grupo de amigos separándose, busca la forma de extender su estilo de vida sin preocupaciones como universitarios.
Es una comedia un tanto similar a Rebeldes y confundidos (Dazed and Confused), en la que Affleck también tuvo un pequeño rol—y Matthew McCounaghey, estrella de esta última, tiene un cameo en Días de gloria—. Matt Damon tiene una breve aparición en esta película, sin diálogos, como un viejo compañero de cuarto del protagonista.
9. Private School (1992)
Matt Damon en un papel secundario, con Ben Affleck en un papel menor
Uno de los primeros roles acreditados para ambos actores vino con Private School (School Ties), aunque ninguno de ellos tenía el papel principal. La película trata sobre un estudiante judío (Brendan Fraser, de La ballena) que recibe una beca deportiva para una prestigiosa y elitista escuela, pero debe mantener en secreto su religión. Conforme su perfil crece, la verdad es expuesta y lo coloca en la mira de sus rivales. Como La sociedad de los poetas muertos, pero donde el entorno se vuelve intolerante con un alumno.
Damon interpreta uno de los roles secundarios más importantes, como uno de los personajes más intolerantes y despreciables—demostrando el infravalorado talento del actor para esa clase de papeles—. Affleck tiene un papel más reducido como el compañero de cuarto del personaje interpretado por Anthony Rapp.
8. Mi pareja equivocada (1997)
Ben Affleck protagoniza, con Matt Damon en un papel menor
Si bien 1997 fue el parteaguas para ambos como guionistas (y más para Damon frente a la cámara por Mente indomable), el éxito como actor para Affleck comenzaría con la comedia romántica Mi pareja equivocada (Chasing Amy), su segunda colaboración con el director y guionista Kevin Smith despues de Jóvenes modernos (Mallrats), otra iteración de su View Askewniverse.
La trama sigue a un hombre heterosexual (Affleck) que se enamora de una mujer lesbiana (Joey Lauren Adams), lo que trae problemas a su colaboración creativa con su amigo (Jason Lee), con quien ha lanzado un cómic, Bluntman and Chronic, basado en sus amigos Jay y silencioso Bob. Damon tiene un pequeñísimo papel en la película, según cuentan Affleck y Smith, porque los actores eran amigos.
7. Jay y el silencioso Bob (2001)
Matt Damon y Ben Affleck como ellos mismos, con Affleck en un papel triple
Los personajes titulares son una pieza central del View Askewniverse de Kevin Smith, habiendo aparecido en todas las películas de su continuidad, pero es Jay y el silencioso Bob (Jay and Silent Bob Strike Back) la que los pone bajo el reflector. Ocho años después de Clerks, detrás del mostrador, el par descubre que su amigo escritor de cómics los ha traicionado, y que ha vendido los derechos para una adaptación hollywoodense de Bluntman and Chronic, historieta basada en ellos.
Ben Affleck y Matt Damon tienen un pequeño rol juntos en esta sátira de Hollywood (con más que pequeños guiños a Star Wars), filmando la inexistente secuela Mente indomable 2. Sin embargo, es Affleck quien tiene varios papeles, repitiendo su personaje de Mi pareja equivocada, pero también interpretándose a sí mismo.
6. Jay y el silencioso Bob: Veinte años después (2019)
Ambos Matt Damon y Ben Affleck tienen cameos
Continuando la sátira de Hollywood, Jay y el silencioso Bob: Veinte años después (Jay and Silent Bob Reboot) vuelve a ver al par de personajes intentando evitar la producción de otra película, luego de ceder sin querer los derechos sobre sus nombres e historias. La película, además de comentar sobre la mentalidad de franquicia que domina Hollywood en esta época, incluye referencias a todo desde Supergirl a otras películas de Kevin Smith, como Hagamos una porno.
Respecto a Ben Affleck y Matt Damon, sus roles son cameos que aluden a la complejidad del View Askewniverse, donde los mismos actores suelen hacer los mismos papeles. Affleck regresa a su personaje de Mi pareja equivocada, pero Damon tiene uno más divertido: vuelve a ser el ángel Loki de Dogma, quien ha sido revivido por Dios y ha tenido tanto la identidad de Matt Damon como de Jason Bourne.
5. Air: La historia detrás del logo (2023)
Matt Damon protagoniza, Ben Affleck dirige y actúa en un rol secundario
A pesar de sus décadas de colaboración, Ben Affleck, quien también ha hecho una exitosa carrera como director con títulos como Argo, nunca había dirigido a su amigo en una película. La primera oportunidad vino con Air: La historia detrás del logo, drama corporativo en una línea similar a Steve Jobs, que narra la historia de cómo Nike se levantó de un bache y se renovó al fichar a Michael Jordan para su icónica línea de zapatos.
Damon interpreta a Sonny Vaccaro, el ejecutivo y buscador de talentos con el enorme desafío de revitalizar la marca para seducir a Jordan. Affleck se puso a sí mismo en el rol secundario de Phil Knight, el cofundador de la marca de zapatos deportivos.
4. El botín (2026)
Matt Damon y Ben Affleck protagonizan y producen
Bajo la dirección de Joe Carnahan (de la bien recibida Un día más para morir), esta película vuelve a reunir a Ben Affleck y Matt Damon frente a la cámara, como personajes que comienzan como aliados y son orillados a volverse adversarios por las circunstancias.
La trama de El botín (The Rip), thriller criminal inspirado en un caso real, sigue a un grupo de policías de Miami que descubren una casa de seguridad con cantidades inmensas de dinero sucio, y deciden beneficiarse. Sin embargo, cuando el caso es mirado con lupa, la desconfianza comienza a crecer en el equipo. Affleck y Damon son los actores centrales en un intenso elenco de complejas dinámicas, que incluye a Steven Yeun y la ganadora del Globo de Oro, Teyana Taylor.
3. Dogma (1999)
Affleck y Damon protagonizan juntos
Aunque Matt Damon y Ben Affleck tienen numerosas colaboraciones con Kevin Smith dentro y fuera de su “View Askewniverse” (cuyos personajes principales son Jay y Silent Bob), una de las más emblemáticas vino con Dogma, una sátira religiosa que sigue a dos ángeles caídos que buscan explotar un vacío en el dogma católico para regresar al Paraíso. Tal desafío, sin embargo, supondría una contradicción con la infalibilidad de Dios y acabaría con la existencia, por lo que una elegida (Linda Fiorentino) es enviada a detenerlos.
El par de actores y amigos tienen el protagónico como el dúo de caóticos ángeles, Bartleby y Loki, en uno de sus mejores despliegues de química en pantalla, con más cinismo del que presentan otras sátiras religiosas como La vida de Brian o Good Omens.
2. El último duelo (2021)
Ben Affleck y Matt Damon coprotagonizan y coescriben
A pesar de que Matt Damon y Ben Affleck fueron disparados al estrellato como protagonistas y guionistas (siendo esto último lo que les mereció el Oscar), no habían vuelto a colaborar como escritores sino hasta El último duelo (The Last Duel), drama de múltiples perspectivas al estilo Rashōmon situado en la Francia medieval, sobre el duelo entre dos caballeros rivales y antiguos amigos, cuando la esposa de uno (la brillante Jodie Comer) denuncia al otro de abuso.
Damon y Affleck también ocupan los roles protagónicos, el primero como un caballero noble pero patético, y el segundo como un pedante conde. Aunque no tuvo un buen desempeño en taquilla, es una de las películas más infravaloradas de todos los implicados, incluyendo al director Ridley Scott (Gladiador) y la coguionista Nicole Holofcener, nominada al Oscar por ¿Podrás perdonarme?.
1. Mente indomable (1997)
Coescrita por Ben Affleck y Matt Damon, con Damon en el rol principal y Affleck en uno secundario
En el canon cinematográfico de colaboraciones entre Matt Damon y Ben Affleck, Mente indomable (Good Will Hunting) tiene que ser la joya en la corona, a pesar de que el primero tiene un rol más sustancial en pantalla que el segundo. Además de ser una emotiva e inspiradora película—sobre un conserje cuyo genio matemático es descubierto por un profesor del MIT (Stellan Skarsgård), quien lo envía con un terapeuta (Robin Williams) para evitarle la cárcel—, es la culminación de su historia detrás de cámaras.
Ben Affleck interpreta al amigo de la infancia del protagonista, haciendo eco de su amistad real. Pero con el Oscar a Mejor guión, esta es la película que terminó de ponerlos en el mapa, luego de años de sostenerse mutuamente para triunfar juntos en Hollywood, al frente o detrás de la cámara. Con este suceso, lo lograron en ambos frentes.
Edgar Wright: las películas del director, rankeadas de peor a mejor
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Luego de dirigir su famosa “trilogía del Cornetto” (protagonizada por Simon Pegg y Nick Frost) y la adaptación cinematográfica de Scott Pilgrim, el inglés Edgar Wright pasó de ser relativamente desconocido a un director de culto, que hoy trabaja con estrellas en ascenso en películas de gran presupuesto, como Anya Taylor-Joy en El misterio de Soho y Glen Powell en El sobreviviente.
Sin embargo, y si somos sinceros, no todas sus películas han alcanzado las mismas alturas, ni todas son el mejor punto de entrada en su filmografía. Por ello, a continuación rankeamos todas las películas de Edgar Wright, de la peor a la mejor, para los interesados en conocer su filmografía.
9. A Fistful of Fingers (1995)
Todo cineasta debe comenzar en algún sitio y, en el caso de Edgar Wright, ese sitio es un spaghetti western paródico que casi nadie ha visto ni recuerda: A Fistful of Fingers (“Un puñado de dedos”, en traducción libre al español).
La trama sigue a un vaquero, Sin-nombre (Graham Low) que sigue la pista a un criminal buscado (Oli van der Vijver), en un maratón de humor físico y juegos de palabras. Es una película que aspira a ser para la “trilogía del dólar” de Sergio Leone (Por un puñado de dólares, Por unos dólares más y El bueno, el malo y el feo) lo que ¿Y dónde está el policía? es para las películas policiales, aunque hay obvias barreras presupuestarias para lograrlo. Ya se dejan ver las marcas de lo que sería el característico humor del director en futuras películas, pero entre menos digamos sobre esta, mejor.
8. El sobreviviente (2025)
Una de las raras adaptaciones de Stephen King que no son de terror, esta película está abajo en el ranking de Edgar Wright no por mala, sino por ser la menos interesante en toda la filmografía del director. Basada en la novela homónima, El sobreviviente (The Running Man) se sitúa en un futuro cercano y distópico en el que la sociedad está sumida en la hipervigilancia y el consumo constante de entretenimiento inhumano. Un hombre (Glen Powell) es arrastrado a competir en un letal reality show en el que debe huir y esconderse por todo el país para mantenerse con vida, a cambio del dinero para cambiar la vida de su familia.
Dentro de la filmografía de Wright, es una de las propuestas más serias y convencionales, y aunque está bien dirigida y actuada, peca de una falta de imaginación que su predecesora de 1987, protagonizada por Arnold Schwarzenegger, sí tiene a pesar de sus numerosas fallas e idiosincrasias. Es poco destacable en un mundo donde la distopía televisada ya ha dado lugar a franquicias como Los juegos del hambre, por ejemplo.
7. El misterio de Soho (2021)
La otra gran película de Edgar Wright posterior a su etapa cómica es una carta de amor al giallo italiano de los años 60, y se sitúa parcialmente en esos años. En El misterio de Soho (Last Night in Soho), una joven aspirante a diseñadora de modas (Thomasin McKenzie) viaja inexplicablemente al Soho de la década de 1960, donde parece vivir en la piel de una joven cantante (Anya Taylor-Joy), en un seductor mundo de aparente glamour. Sin embargo, las vidas de ambas jóvenes comienzan a enredarse en un entramado de deseo, obsesión y muerte.
Aunque con excelentes actuaciones (incluyendo la última de la legendaria Diana Rigg) y momentos brillantes en lo técnico, es uno de los esfuerzos menos logrados de Wright, cuya reverencia por el terror italiano de la época (mejor expresado por títulos como El pájaro de las plumas de cristal y Rojo profundo) lo lleva a replicar sus convenciones, en vez de dialogar con ellas, mucho menos renovarlas. Definitivamente está lejos de ser una mala película, pero igual de lejos de las mejores del director.
6. Una noche en el fin del mundo (2013)
La última película en la “trilogía del Cornetto” de Edgar Wright es la “menos mejor” no por algo inherentemente malo en ella, sino porque palidece a la sombra de las otras dos. Una noche en el fin del mundo (The World’s End), sin embargo, se benefició del caché que iban ganando tanto el director como su protagonista Simon Pegg, permitiendo construir una trama más ambiciosa y con un elenco bastante más nutrido, con nombres como Rosamund Pike y Martin Freeman.
La trama sigue a un grupo de amigos que se proponen hacer un recorrido por los pubs de su ciudad natal, al mismo tiempo que alienígenas se infiltran en la civilización humana. Es, en cierto modo, El desesperar de los muertos pero con aliens en vez de zombis, partiendo de esta reunión de amigos de mediana edad como en ¡Te atrapé! (Tag). Igual hay mucha diversión aquí, sólo se vuelve un poco vieja si has visto las otras dos películas de la trilogía antes.
5. Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños (2010)
Dado lo popular que son los cómics, el manga y los videojuegos hoy en día, es a la vez una lástima y una extrañeza que Scott Pilgrim haya fracasado en taquilla en su momento. O, quizá, al convertirse en una película de culto, contribuyó a finalmente legitimar esas expresiones como parte del mainstream. El caso es que esta adaptación de las novelas gráficas de Brian Lee O’Malley fue el punto de entrada para muchos no sólo a la filmografía de Edgar Wright, sino a lo alucinante y creativo que puede ser el cine pop.
Las novelas gráficas, con su ecléctica mezcla de referencias geek, ya sentaba una base bastante sólida a la que Wright dio vida en el audiovisual y un elenco inigualable encabezado por Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead y Jason Schwartzman, contando una historia de amor que hizo tanto eco con los millennials como (500) días con ella. Scott Pilgrim caminó para que títulos como Heartstopper y Todo en todas partes al mismo tiempo pudieran volar años más tarde.
4. Hot Fuzz: Súper policías (2007)
La segunda y más distintiva entrega de la “trilogía del Cornetto” de Edgar Wright es una divertida buddy comedy que homenajea y satiriza las películas del subgénero al mismo tiempo. Hot Fuzz sigue a un dedicado policía de Londres (Simon Pegg) quien, como castigo, es enviado a un pequeño rincón de las provincias inglesas, donde debe unir fuerzas con el hijo del jefe de policía local (Nick Frost) para desenredar un complot bajo la tranquilidad aparente del pueblo.
Películas policiacas hay infinidad, con claras influencias aquí tanto de Arma mortal como de Punto de quiebra (a la que Wright alude directamente). Como Dos policías rebeldes (Bad Boys), pero mejor y sin las indulgencias con la cámara.
3. Baby: El aprendiz del crimen (2017)
La primera película de Edgar Wright post-Scott Pilgrim y post-Cornetto fue un thriller de acción sobre un jovencísimo conductor de fugas (Ansel Elgort), “Baby”, que quiere dejar su vida criminal atrás, pero es inevitablemente arrastrado de vuelta cuando un atraco sale mal. Todo al son de uno de los mejores soundtracks en una película de su tipo, que además de dictar el ritmo de edición, es integrado a la narrativa como un elemento que el protagonista utiliza para aliviar su tinnitus.
Más contenida que una película de Rápidos y furiosos pero más frenética que la clásica Drive, Baby: El aprendiz del crimen (Baby Driver) es indudablemente una de las mejores películas del director, con un trabajo de casting, edición y supervisión musical que ayuda a olvidar las presencias incómodas en pantalla.
2. Los hermanos Sparks (2021)
De los dos esfuerzos del director estrenados en 2021, Los hermanos Sparks destaca no sólo por ser su único largometraje documental, sino porque es una manifestación de almas afines en diálogo: así como los músicos titulares, los Sparks, Wright habita la contradicción de ser un director popular y a la vez extraño, influyente y a la vez infravalorado.
Este documental brinda una odisea musical por esa rareza, con el propio Wright presentando testimonios junto a otros artistas y personalidades como Flea, Beck, “Weird” Al Yankovic, Giorgio Moroder e incluso un ingenioso cameo de ambos Simon Pegg y Nick Frost. Indispensable para fans de los documentales musicales en una vena similar a The Velvet Underground y, proporciones guardadas, Get Back.
1. El desesperar de los muertos (2004)
Quizá no estaríamos hablando de Edgar Wright (ni de Simon Pegg, Nick Frost ni del cine de zombis a estas alturas) si no fuera por El desesperar de los muertos (Shaun of the Dead), una de las comedias de terror más emblemáticas del siglo XXI, que inauguró lo que se llegaría a conocer como su “trilogía del Cornetto”.
Un mundo que se cae a pedazos y un protagonista que no es capaz de mantener su propia vida a flote, todo presentado con un sentido del humor singular: una combinación que hizo eco con la ya madura generación X mientras los millennials venían atrás, entrando a la adultez. Fórmula que, dicho sea de paso, se ha intentado replicar tanto en temática con películas como Tierra de zombies, como con el cast (Pegg y Frost también son divertidos en Paul, pero no es lo mismo). El asunto es que, si bien su filmografía es destacable, Wright no ha vuelto a alcanzar los vuelos de su segundo largometraje como director.
‘La mano que mece la cuna’ y otras 7 películas de terror dirigidas por mujeres
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Aunque aún queda mucho camino por recorrer, las mujeres se han ido abriendo camino en la industria del cine en roles prominentes, sobre todo como directoras. Y un género en el que han entregado obras particularmente brillantes en años recientes, es el terror.
A propósito de La mano que mece la cuna, de la mexicana Michelle Garza Cervera, a continuación podrás encontrar una selección con más películas de terror dirigidas por mujeres, tanto de los últimos años como clásicos ya consagrados.
La mano que mece la cuna (2025)
Protagonizada por Mary Elizabeth Winstead y Maika Monroe, respectivamente como una madre de familia y su sospechosa niñera, La mano que mece la cuna es una historia que desmonta los mitos de la perfección doméstica, con dos mujeres enfrentadas entre el trauma, la enfermedad mental y el resentimiento.
Hay que decirlo, es menos interesante que la original de 1992, pero igual se trata de un thriller de terror psicológico interesante por sus temas y por sus actuaciones centrales, con Maika Monroe en particular, quien subvierte la imagen de final girl que ha forjado desde Está detrás de ti. No obstante, de la directora Michelle Garza Cervera, no es la propuesta más interesante, distinción que le pertenece a…
Huesera (2023)
El largometraje debut de la directora mexicana Michelle Garza Cervera, Huesera, es una punzante afrenta a los símbolos sagrados que conforman la concepción heteronormada—e idealizada—de la maternidad. La trama sigue a una mujer (Natalia Solián) que, al descubrir que espera un bebé con su pareja (Alfonso Dosal), comienza a experimentar apariciones de un ente maligno, lo que comienza a fragmentar su psique.
Con influencias que van desde la Cabeza borradora y Twin Peaks de David Lynch hasta El bebé de Rosemary de Roman Polanski, se trata de una película que por sí misma es perturbadora, pero que además se adentra en lo profundo de la psicología colectiva mexicana—y latinoamericana, en varios sentidos—respecto a expectativas patriarcales y la construcción de la familia.
Relic: Herencia maldita (2020)
Relic: Herencia maldita es el contundente largometraje debut de la directora australiana-estadounidense Natalie Erika James. La trama sigue a una madre (Emily Mortimer) y su hija (Bella Heathcote), quienes viajan a la remota casa familiar cuando la abuela (Robin Nevyn), una mujer mayor con demencia, desaparece. Al llegar, no logran encontrarla y descubren cosas extrañas en la casa, como un moho negro en el muro que comienza a expandirse.
Esta película presenta alegorías oscuras de temas cotidianos como, precisamente, los males heredados entre generaciones, algo establecido en el nexo abuela-madre-hija. Algo a medio camino entre El legado del diablo (Hereditary) y Demoníaca (The Dark and the Wicked).
La hermanastra fea (2025)
Otro poderoso largometraje debut de una mujer cineasta es La hermanastra fea, de Emilie Blichfeldt, que reinventa el relato clásico de La Cenicienta para proponer una brutal deconstrucción de los estándares de belleza patriarcales y la idealización del romance, vista desde la perspectiva de la hermanastra titular (la sensacional Lea Myren).
Es una de las adaptaciones de un cuento de hadas al terror más inteligentes en años (lejos de las propuestas oportunistas inspiradas en Winnie Pooh, por ejemplo). En realidad, es una de las críticas más brutales a los mencionados estándares de belleza, diríamos que incluso más que La sustancia.
Salvando almas (2020)
Otro largometraje debut (demostración de que las mujeres entran pisando fuerte al género de terror), esta vez de la británica Rose Glass. Salvando almas (Saint Maud) sigue a Maud (Morfydd Clark), una enfermera de cuidados paliativos y católica devota a cargo de una hedonista exbailarina atea (Jennifer Ehle), que padece cáncer terminal. Maud cree que Dios le ha encomendado la misión divina de salvar el alma de su paciente. Sin embargo, la cambiante relación que forjan ambas mujeres comienza a revelar las fracturas en el estado mental de la enfermera.
La película revela, poco a poco, la oscuridad en el pasado de su personaje, así como los peligros de una mala atención de la enfermedad mental, cuyas víctimas tienden a refugiarse en el fanatismo en busca de sentido. Una perversa historia a medio camino entre La iglesia de la salvación y El exorcista.
Psicópata americano (2000)
La película más notable en la filmografía de la directora Mary Harron ya es un clásico consagrado en el canon del cine de terror. Psicópata americano, ácida comedia basada en la novela de Bret Easton Ellis, satiriza la cultura yuppie y de la cultura del consumismo por medio de su desquiciado protagonista, Patrick Bateman (Christian Bale).
Es una de las deconstrucciones más punzantes del ideal consumista y performativo estadounidense, que rara vez ha sido igualada y mucho menos superada (aunque sí muy malinterpretada). Películas como Asesinos por naturaleza o incluso El lobo de Wall Street abordan temas similares, pero desde otros géneros.
Cría siniestra (2022)
Otra maravillosa película de horror corporal con fachada de cuento de hadas es Cría siniestra (Hatching), otro largometraje debut, en este caso de la directora finlandesa Hanna Bergholm. La película trata sobre Tinja (Siiri Solalinna), una niña de 12 años que es presionada para practicar gimnasia por su madre (Sophia Heikkilä), quien vive obsesionada con proyectar una imagen de perfección. Un día, luego de la cruel muerte de un cuervo en su casa, Tinja rescata el huevo del animal y decide cuidarlo. Éste crece a proporciones anormales y, eventualmente, de él nace una criatura humanoide con características de ave.
Es una película que aborda lo que significa crecer y convertirse en mujer bajo un tipo de maternidad demandante en grado tóxico. En temas, se encuentra en algún sitio entre Cordero y lo que sería Cuckoo eventualmente.
Titane (2021)
La sensacional ganadora de la Palma de Oro de Cannes en 2021, Titane es el segundo largometraje de la cineasta francesa Julia Ducournau, quien utiliza el body horror como punto de partida para transgredir los entrecruces entre género, sexualidad, maternidad y paternidad. La trama sigue a una asesina (Agathe Rouselle) que, luego de cometer otro asesinato y quedar embarazada por un auto (no es broma), debe huir y esconderse. Entonces asume la identidad del hijo desaparecido años atrás de un bombero veterano (Vincent Lindon), aunque la fachada comienza a romperse conforme avanza el embarazo.
Una película sensorialmente impactante y tan transgresora como la primera película de Ducournau, Voraz, que presentaba un relato de canibalismo como reafirmación de la identidad y la sexualidad. Ambas con claros tintes de horror corporal cronenbergiano.
‘Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba’: todas las películas y series en orden
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Uno de los fenómenos más grandes del anime a nivel mundial es, indiscutiblemente, Demon Slayer, también conocido por su título original, Kimetsu no Yaiba (鬼滅の刃). Basada en el exitoso manga homónimo de Koyoharu Gotōge, la animación narra la lucha de Tanjirō Kamado, su hermana Nezuko y una organización de cazadores de demonios contra el demonio original, Muzan Kibutsuji, quien ha liberado hordas de sus congéneres para consumir a la humanidad.
Tal es su nivel de éxito mediático que la historia ha sido contada en forma de una adaptación animada para televisión, además de diversos especiales y películas. Para el espectador primerizo, puede ser confuso, pero no temas, pues es más sencillo de lo que crees. En esta guía descubrirás el orden correcto para ver todas las películas y series de Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba.
Demon Slayer, Temporada 1: Tanjirō Kamado, arco de resolución inquebrantable (2019)
Situada en la era Taishō de Japón, la historia comienza con una familia de carboneros, los Kamado, que son trágicamente atacados por demonios. Los únicos sobrevivientes son Tanjirō, el hermano mayor que estaba fuera de casa, y su hermana Nezuko, quien es convertida en un demonio. Cuando Nezuko logra controlar su impulso de devorar humanos, a Tanjirō se le permite mantenerla con vida y tomar el entrenamiento para convertirse en cazador de demonios, como una vía para buscar una forma de regresar a su hermana a la normalidad.
Con 26 episodios, la primera temporada de Kimetsu no Yaiba abarca el primer arco de la historia de Tanjirō en su lucha contra los demonios y es, por sí solo, el más extenso de todo el anime. Al igual que tantos animes clásicos como Dragon Ball o Naruto, así como propuestas más recientes como Attack on Titan, es donde se establecen todas las reglas de este universo. Por lo tanto, la trama puede avanzar con cierta paciencia y acción más esporádica, pero ningún episodio es desperdiciado y la animación mantiene un nivel impecable a través de toda la temporada.
Otra forma de ver este arco es por medio de los cinco primeros especiales para televisión, que en realidad compilan toda la primera temporada. Ambas formas son intercambiables, así que si miras una, puedes saltarte la otra.
Demon Slayer: El tren infinito (2020) o Demon Slayer, Temporada 2: Arco del Tren infinito (2021)
La primera película de Kimetsu no Yaiba, Demon Slayer: El tren infinito, adaptó el arco homónimo, en el que Tanjirō y compañía se unen a Kyōjurō Rengoku, uno de los Pilares—los guerreros más poderosos entre los cazadores de demonios—en una misión para investigar misteriosas desapariciones a bordo de un tren.
El tren infinito es una maravillosa animación cargada de acción que quizá no disfrutes tanto si no has visto el anime hasta este punto, aunque sus espectaculares imágenes ofrecen un espectáculo visual y dramático para cualquier espectador. A pesar de haberse estrenado en plena pandemia de COVID-19, se convirtió en un fenómeno tal que superó a El viaje de Chihiro y a Your Name como la película de anime más taquillera tanto en Japón como a nivel mundial.
La película fue estrenada en cines antes de ser adaptada en episodios para el segundo arco del anime televisivo en 2021, mismo que en plataformas como Crunchyroll y Netflix es catalogado como la segunda temporada. Esto puede ser confuso pues, técnicamente, la segunda temporada del anime abarcó el segundo y tercer arco. Para ver Demon Slayer en orden, tienes dos opciones: ver la película El tren infinito después de ver la primera temporada, o ver los siete episodios del segundo arco antes de pasar al tercero.
Demon Slayer, Temporada 2: Arco del Distrito rojo (2021-2022)
El tercer arco del anime Demon Slayer, titulado Arco del Distrito rojo, técnicamente forma parte de la temporada 2, aunque a fines de separarlo, las plataformas lo catalogan como “temporada 3”. Estos 11 episodios narran cómo Tanjirō y sus amigos se unen a otro Pilar, Uzui Tengen, para cazar un misterioso demonio que se aprovecha de la vida nocturna en el Distrito rojo de Tokio para alimentarse.
Dados los elementos que conlleva una historia situada en un distrito rojo, el tercer arco es uno de los más divertidos de Kimetsu no Yaiba, dando momentos para brillar a otros personajes secundarios como Zenitsu e Inosuke, que junto con Tanjirō se infiltran en casas de geishas haciéndose pasar por mujeres (algo más similar a los viejos días de Dragon Ball).
Los 11 episodios del tercer arco siguen después de los siete episodios del segundo arco, o de la película El tren infinito. A partir de aquí, no hay pierde.
Demon Slayer, Temporada 3: Arco de la aldea de los herreros (2023)
La que sí es, técnicamente, la tercera temporada de la serie de anime, adapta únicamente el cuarto arco de Demon Slayer. El Arco de la aldea de los herreros consta de 11 episodios y sigue a Tanjirō en su viaje a la aldea secreta de los herreros que forjan las armas implacables de los cazadores de demonios. Ahí, une fuerzas no con uno, sino con dos Pilares: Tokito Muichiro y Mitsuri Kanroji.
El cuarto arco de Kimetsu no Yaiba acerca a los protagonistas todavía más a su eventual conflicto directo con el antagonista principal de la historia, Muzan Kibutsuji, con escenas de acción igualmente impresionantes y una calidad de animación que no decae. Sin embargo, dada su naturaleza y ubicación en la narrativa, puede sentirse como un interludio un poco más tranquilo previo a la gran culminación de la lucha.
Demon Slayer, Temporada 4: Arco del entrenamiento de los Pilares (2024)
Con sólo ocho episodios, la temporada 4 de Kimetsu no Yaiba abarca el quinto arco de la historia y, por ello, es mal catalogada como quinta temporada. El Arco del entrenamiento de los Pilares ve a Tanjirō sometido al régimen de los cazadores de élite, ahora que Muzan Kibutsuji está cazando activamente a Nezuko dadas sus habilidades únicas.
El quinto arco del anime es la antesala inmediata al “comienzo del fin”, y como el título indica, narra un nuevo entrenamiento para el protagonista. Es, por lo tanto, una parte mucho menos frenética de la historia, pero introduce las habilidades de personajes muy interesantes como Sanemi Shinazugawa y Gyōmei Himejima, considerados los más fuertes de los Pilares.
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Castillo infinito (2025)
Esta es la segunda película de Demon Slayer, pero no te preocupes, pues a partir de aquí no será nada confuso. Castillo infinito es la primera de una trilogía de películas que adaptarán el último arco del manga y que, al momento de la redacción, no está previsto que se adapten para televisión. Es decir que, a partir de este punto, sólo tienes que ver esta película y esperar las siguientes.
Esta primera parte de Castillo infinito es el principio de la gran batalla decisiva de los cazadores de demonios contra Muzan Kibutsuji, quien atrapa a Tanjirō, sus amigos y a los Pilares restantes en la fortaleza dimensional homónima, donde habrán de enfrentarse a los últimos miembros de las Lunas Demoníacas, sus propios guerreros de élite.
Esta película superó el impacto de El tren infinito, convirtiéndose no sólo en una de las más taquilleras del año, sino en la producción japonesa más taquillera de la historia. Es un espectáculo visual que, de nuevo, disfrutarás más si has visto el anime hasta este punto. Pero incluso si no, encontrarás aquí una animación de primera calidad con una historia profundamente dramática. Fans de los Pilares, no olviden llevar sus pañuelos.
‘Alien’: todas las películas y series de la saga en orden cronológico
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Con casi cinco décadas de existencia, más varias cuestionables secuelas e incluso precuelas tanto en cine como en televisión, la saga de Alien es una de las más queridas—pero también confusas—no sólo de la ciencia ficción cinematográfica, sino también del terror y la acción.
Aunque muchos consideran a la original de Ridley Scott como el mejor punto de entrada, hay quienes prefieren conocer la saga en orden cronológico. Si es tu caso, llegaste al lugar correcto: aquí te diremos cuál es el orden para ver todas las películas y series de la saga de Alien. Habrá pequeños spoilers a continuación.
Vale la pena tener en mente dos cosas. La primera, que la serie Alien: Earth parece contradecir eventos de las películas Prometeo y Alien: Covenant. La segunda, que no consideraremos al crossover Alien vs. Depredador ni su secuela, pues no son consideradas canónicas incluso cuando Depredador: Tierras salvajes ya ha confirmado que ambas sagas existen en el mismo universo.
1. Prometeo (2012)
Situada principalmente en el año 2089, Prometeo (Prometheus) no parecería, en la superficie, una película de Alien, e incluso cabe decir que se beneficia de ello hasta que, inevitablemente, tiene que esclarecer sus vínculos con la saga principal. La trama sigue a un grupo de arqueólogos que descubren mapas estelares de varias culturas antiguas no relacionadas, y que se embarcan en una expedición financiada por la corporación Weyland a una lejana luna.
Más cercana en tono y temas a películas como 2001: Odisea del espacio y Aniquilación, es una de las películas más imaginativas en toda la saga, introduciendo elementos como los Ingenieros, Inteligencias Artificiales (IAs) avanzadas e incluso atribuyendo un origen posiblemente divino a los temibles xenomorfos. Por ello, es una de las entregas más polémicas de la saga, pero es innegablemente una de sus más originales (incluso si los hechos de Alien: Earth parecen contradecirla).
2. Alien: Covenant (2017)
La secuela directa de Prometeo, Alien: Covenant, se sitúa en el año 2104 y sigue a la tripulación de la nave homónima, que aterriza de emergencia en un planeta habitable pero desconocido. Ahí se encuentran con David (Michael Fassbender), el humano sintético que acompañó a la tripulación de la expedición Prometeo, y quien tiene motivaciones más siniestras.
Esta entrega continúa los temas de la anterior, pero establece un vínculo más cercano con las películas originales, con una trama que, en partes, incluso recuerda a La nave del terror (Event Horizon), a su vez inspirada en esta saga. Además, abraza algunos de los elementos de acción de las originales con el personaje de Daniels (Katherine Waterston). Si sigue siendo canónica después del estreno de Alien: Earth es algo que sigue siendo debatido, por lo que puede ser ignorada junto con Prometeo.
3. Alien: Earth (2025)
La única serie de Alien hasta el momento es, también, la primera entrega cronológicamente hablando si no consideramos a Prometeo y Covenant, cuyos eventos contradice en algunos puntos. Situada en el año 2120, Alien: Earth expande la mitología de la saga: el sistema solar ha sido colonizado por cinco megacorporaciones, que compiten por conseguir la inmortalidad humana por diversas vías: cyborgs, humanos aumentados con biomecatrónica; los sintéticos, seres artificiales con IA; e híbridos, cuerpos sintéticos que contienen conciencias originalmente humanas transferidas a cerebros artificiales.
En este mundo, una expedición de la corporación Weyland-Yutani termina en desastre cuando la nave USCSS Maginot, que recolectó especies alienígenas durante años, se estrella en la Tierra, liberando a un xenomorfo. La serie parte de la esencia de Alien, con inspiración de clásicos del body horror y ciencia ficción como La cosa del otro mundo, pero indagando también en el territorio de películas como Ex-Máquina y Blade Runner.
4. Alien, el octavo pasajero (1979)
La película original de Ridley Scott, Alien, el octavo pasajero (o sólo Alien) es considerada por muchos el mejor punto de entrada a la saga, pues no requiere ningún conocimiento previo de cómo se conectan las historias, y presenta todos los elementos esenciales que la han hecho tan aclamada y querida por los fans del terror y la ciencia ficción, en su momento concebida como una respuesta más adulta al éxito de Star Wars.
Pero si estás siguiendo el orden cronológico, sólo debes saber que la original Alien se sitúa en el año 2122, es decir, apenas dos años después de Earth. La trama sigue a la condenada tripulación de la nave comercial Nostromo, quienes sucumben cuando son instruidos a desviarse de su ruta para atender una señal de auxilio en un planetoide desconocido, lo que los pone en contacto con los xenomorfos. La película introduce a Ellen Ripley (Sigourney Weaver), la heroína que la saga seguirá en casi todas las entregas cinematográficas posteriores.
5. Alien: Romulus (2024)
Una de las más recientes entregas de la saga Alien es, en realidad, un paréntesis que tiene pocos nexos con la continuidad de Ellen Ripley, salvo por el prólogo. En el año 2142, una sonda de Weyland-Yutani recupera un huevecillo de los restos de la nave Nostromo, lo que daría pie a nuevos experimentos en una estación espacial. Seis jóvenes colonos del planeta minero LV-410 escapan y alcanzan la estación espacial en busca de equipo para sobrevivir el viaje a un planeta distante donde puedan vivir en paz. Sin embargo, están condenados a enfrentarse a lo que aniquiló a la tripulación de la estación.
Si la primera Alien es el punto de entrada ideal para muchos por su simpleza, Alien: Romulus es lo contrario, pero en un buen sentido. Es como un greatest hits de la saga, reuniendo el terror atmosférico y los elementos de acción de Aliens, en una trama que explora temas tanto de IA como de hibridación genética que serían abordados en entregas posteriores como Resurrección. Todo el conjunto amarrado por la hábil dirección del uruguayo Fede Álvarez para el terror, entregando una película tan inquietante como su Posesión infernal (Evil Dead).
6. Aliens, el regreso (1986)
De vuelta a la continuidad de Ellen Ripley, Aliens, el regreso (o sólo Aliens) salta al año 2179. Tras sobrevivir a la masacre de la nave Nostromo, Ripley permanece en suspensión criogénica durante 57 años, y despierta para descubrir que su hija Amanda ha vivido toda su vida y muerto sin saber que su madre seguía viva (el videojuego Alien: Isolation narra la investigación que Amanda hace de los hechos), y que el planetoide donde encontraron al xenomorfo es ahora el sitio de una colonia, LV-426. Cuando Weyland-Yutani pierde contacto con la colonia, Ripley es reclutada como consultora para una misión que viaja al planetoide para descubrir qué ha pasado, lo que se convierte en una carnicería.
En su momento, el director James Cameron (Terminator) hizo lo único que podía hacerse para distanciar la secuela de la original, optando por desviarse del terror tradicional para enfatizar más los elementos de acción en un espíritu más cercano a Depredador, con los personajes enfrentándose no a uno, sino a horas de xenomorfos. Así como sucede con Star Wars, donde constantemente se debate si El imperio contraataca es igual o superior a la original, Aliens es la rara secuela que merece la misma consideración que el clásico de Scott, aunque en sus propios términos.
7. Alien3 (1992)
Quizá la entrega más debatida en la saga de Alien es la tercera, infravalorada para algunos y derivativa para otros (aunque su propio director, David Fincher, no se cuenta entre sus fans, e incluso la ha desconocido dentro de su filmografía a pesar de ser su largometraje debut). Muchos encuentran problema con su premisa: todavía en el año 2179, Ripley, junto con su protegida Rebecca “Newt” Jorden (Carrie Henn), el cabo Dwayne Hicks (Michael Biehn) y el sintético Bishop (Lance Henriksen) escapan con éxito de LV-426, sólo para estrellarse en la prisión galáctica de Fiorina 161. Ripley es la única sobreviviente y el resto de los personajes mueren durante los créditos, así sin más, anulando todos los eventos de la entrega anterior.
Para algunos, el otro problema de Alien3 es que simplemente repite el recurso de la primera: situar a los personajes en un espacio aislado y del que no pueden escapar con el xenomorfo. El aspecto de una prisión galáctica y alienígenas letales al acecho recuerda a la posterior Criaturas de la noche (Pitch Black), pero pocos la contarían entre sus favoritas de la saga Alien (incluso si lo que hace, lo hace muy bien).
8. Alien: Resurrección (1997)
La que por mucho tiempo fue la última película en la saga sigue siendo, también, la última para ver en orden cronológico. Alien: Resurrección es también considerada por muchos como la entrega más infame por un cambio radical de tono y por llevar la trama hacia terrenos un tanto extravagantes.
Pequeño spoiler: Ripley muere al final de Alien3, pues se sacrifica al saberse infectada con un huevo de la reina xenomorfo. ¿Cómo está viva para esta nueva entrega? Fácil: resulta que han pasado 200 años (estamos en el año 2381), y Ripley ha sido clonada al mezclar su código genético con el de xenomorfos, consiguiendo poderosos híbridos a manos de la United Systems Military (USM), que ha sustituido a Weyland-Yutani. La protagonista es, en realidad, Ripley 8, que debe unir fuerzas con otros soldados y con la sintética Call (Winona Ryder) para combatir una nueva horda de alienígenas. Es una historia más estrafalaria, pero que retroactivamente resulta relevante al llevar al extremo el tema de la hibridación genética explorado en otras historias de la saga.
Tom Hiddleston: sus 10 mejores películas y series, rankeadas
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Con una carrera que comenzó con pequeños roles en películas como Conspiración (Conspiracy) en 2001 o en la película para televisión Tormenta en ciernes (Gathering Storm) de 2002, Tom Hiddleston es hoy uno de los actores británicos más queridos por el público en la actualidad. En buena medida es gracias a su rol parteaguas como Loki en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), siendo uno de sus personajes más interesantes y de mayor permanencia en toda la franquicia debido al carisma y sensibilidad del actor.
Sin embargo, su trayectoria va más lejos que eso en el cine y la televisión. A continuación, rankeamos las 10 mejores películas y series de Tom Hiddleston, para que conozcas sus actuaciones más allá del dios del engaño en el UCM.
1. Loki (2021-2023)
Vamos a ser claros: dada la masiva popularidad del UCM y la prolífica presencia del personaje en buena parte de la franquicia, es normal y natural que Loki—como villano, antihéroe y finalmente héroe—sea el papel más conocido de Tom Hiddleston en todo el planeta. Sin embargo, es la serie homónima la que da al actor más espacio para desarrollar al personaje y hacerlo brillar en un arco narrativo fascinante.
Desprendiéndose de los enredos de viajes temporales en Avengers: Endgame (que a su vez desencadenan la aventura para una versión diferente del personaje a partir de Los Vengadores de 2012), esta serie ve a Loki implicarse con la Autoridad de Variación Temporal (TVA, por su sigla en inglés) para lidiar con múltiples universos paralelos, trazando un camino a la redención para el antiguo villano. Dado que Loki jugará un rol en Avengers: Doomsday, todavía veremos más de Hiddleston como el personaje que lo hizo estrella internacional.
2. El infiltrado (2016-actualidad)
Basada en la novela de espionaje homónima de 1993 escrita por John le Carré, El infiltrado (The Night Manager) es, quizá, el trabajo más aclamado de Tom Hiddleston en la televisión. En ella interpreta a Jonathan Pine, un conserje en un hotel de lujo en El Cairo que, por su pasado militar, es reclutado para infiltrarse en el círculo de un implacable traficante de armas.
Por el rol, el actor recibió nominaciones a los premios Emmy e incluso ganó el Globo de Oro, codeándose con nombres como Olivia Colman y Hugh Laurie. Hiddleston ha sido activado de nuevo 10 años más tarde, en 2026, para una segunda temporada que promete llevar a Jonathan Pine al límite.
3. Archipelago (2010)
Aunque su trayectoria comenzó con pequeños roles en cine y televisión desde 2001, la carrera actoral de Tom Hiddleston en la pantalla comenzó, realmente, de la mano de la directora Joanna Hogg (hoy aclamada por El souvenir). Y si bien ambos artistas colaboraron primero en Unrelated de 2006, la película que tenemos que mencionar es Archipelago, estrenada en 2010, poco antes de que el resto del mundo lo conociéramos como Loki.
En esta película, Hiddleston interpreta a Edward, un joven en medio de una crisis que abandona su trabajo para irse con una misión de educación sexual a África. Mientras tanto, durante unas vacaciones familiares en una isla italiana, experimenta conflictos y tensiones agravadas por el regreso del distanciado padre. Es un drama más modesto e íntimo, que deja ver al actor en un registro emocionalmente más rico y complejo.
4. Sólo los amantes sobreviven (2013)
Después de que su carrera salió disparada al estrellato con el UCM, Hiddleston comenzó a trabajar con cineastas de mayor perfil, como mejor ejemplifica Sólo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive).
Dirigida por el emblemático Jim Jarmusch, la trama sigue a dos vampiros (Hiddleston y Tilda Swinton) que se han amado durante siglos y han influenciado a generaciones de artistas y científicos. Sin embargo, su reclusa y discreta existencia es amenazada cuando la imprudente hermana de uno de ellos (Mia Wasikowska) llega de visita. Uno de los giros más fascinantes al cine de vampiros desde la también icónica El ansia (The Hunger), y uno en el que Hiddleston estuvo cerca de no participar: originalmente, el papel iba a ser de Michael Fassbender.
5. La cumbre escarlata (2015)
Bajo la dirección del mexicano Guillermo del Toro en pleno modo gótico—y reunido con Mia Wasikowska—, Tom Hiddleston realizó una de sus mejores películas, La cumbre escarlata (Crimson Peak). Situada en la era victoriana, la trama sigue a una joven autora y heredera de un adinerado empresario estadounidense (Wasikowska), que se enamora de un inventor inglés en ciernes (Hiddleston), quien busca inversión para una máquina. Cuando se casan, viven en una mansión en Inglaterra junto a la hermana del inventor (Jessica Chastain).
Visualmente tan llamativa como narrativamente subestimada dentro de la filmografía de Del Toro es elevada por el impecable trabajo actoral, encabezado por Hiddleston, Wasikowska y Chastain (es una mejor película que Frankenstein, si hemos de ser honestos). Por ello, merece un lugar entre lo mejor en la filmografía del actor.
6. Thor: Ragnarok (2017)
¿Es Thor: Ragnarok la mejor película del UCM? Ni cerca. Ni siquiera diríamos que es la mejor película del Dios del trueno, y vaya que esa es una vara muy baja. Sin embargo, sí es una de las mejores películas de Tom Hiddleston dado que el cambio de rumbo y de director—esta es la primera del personaje dirigida por el neozelandés Taika Waititi, de Entrevista con unos vampiros—permitió a sus actores llevar a sus personajes en direcciones más frescas.
Donde las dos primeras películas de Thor aspiraban—con diferentes niveles de éxito—al tono de tragedia shakesperiana, Waititi dio un volantazo a la izquierda para llevar las cosas hacia una aventura galáctica estrafalaria y casi pueril, más parecida a Guardianes de la Galaxia. Tanto Chris Hemsworth como Tom Hiddleston pudieron traer una faceta más humorística y sarcástica a sus personajes, un paso decisivo en la evolución de Loki y que permite a los actores lucir una faceta más desconocida de sus talentos.
7. La vida de Chuck (2024)
Esta adaptación de Stephen King (una de las rarezas basadas en su trabajo que no son de terror) es un drama que abarca las dimensiones tanto íntimas como cósmicas en la existencia de Charles “Chuck” Krantz, interpretado en la película por Hiddleston como su versión adulta, y por actores más jóvenes (Jacob Tremblay y Benjamin Pajak) en orden cronológico inverso.
Hay que decirlo, Hiddleston aparece por poco tiempo en La vida de Chuck (The Life of Chuck), pero vaya que la aprovecha: su presencia en un par de secuencias cruciales, pasando del hastío al ímpetu vital puro por medio del baile, es lo que amarra la tesis de la película sobre abrazar la vida y la búsqueda de propósito. Una de las mejores películas de Mike Flanagan (La maldición de Hill House) y una bella adaptación de King.
8. Wallander (2008-2010)
He aquí un papel en la carrera de Tom Hiddleston que, si bien no es el más prominente, sí fue primordial para catapultarlo hacia su trayectoria de estrella. Wallander es una serie criminal basada en la serie de libros de Henning Mankell, encabezada por Kenneth Brannagh en el rol titular, un detective en una isla sueca que resuelve crímenes con ayuda de su equipo.
Hiddleston interpretó a Magnus Martinsson, un miembro del equipo de Wallander, en uno de sus primeros roles recurrentes de televisión. Fue vital para su carrera, sin embargo, por el contacto con Brannagh, quien dirigió la primera película de Thor (2011), efectivamente comenzando su camino como superestrella.
9. Caballo de guerra (2011)
El mismo año en que Hiddleston debutó como Loki, efectivamente convirtiéndose en estrella, tuvo otro rol más pequeño, pero igual de importante para su legitimidad como actor, al tratarse de una película de Steven Spielberg: Caballo de guerra (War Horse).
La película se sitúa durante la Primera Guerra Mundial, y sigue los esfuerzos de los soldados británicos por utilizar caballos de granja en batalla. Tom Hiddleston interpreta al capitán que compra el caballo del joven protagonista (Jeremy Irvine) y promete devolverlo a salvo. Es un rol pequeño—el capitán muere no mucho después—, y es por ello que no está más arriba en el ranking. Sin embargo, es la calidez de Hiddleston la que trae un poco de humanidad a la situación, y nos hace sentir por el joven y su caballo.
10. El rascacielos (2015)
Basada en la novela de ciencia ficción distópica de J.G. Ballard, El rascacielos (High-Rise) se sitúa durante 1975 un edificio de departamentos de lujo londinense, donde el desinterés de los residentes por el mundo que los rodea comienza a sembrar el resentimiento, el caos y la violencia al interior de sus pisos y paredes.
Aunque la película fue criticada por diluir los temas de la novela, sigue siendo un abordaje interesante de la desigualdad social, en terrenos similares a películas como El hoyo o la muy superior Parásitos. Sin embargo, Hiddleston está brillante como el protagonista, codeándose con otras estrellas en ascenso del momento como Elisabeth Moss y Luke Evans, además del consagrado Jeremy Irons.
7 clichés ridículos del cine de terror (que igual nos encantan)
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Sería una exageración decir que si has visto una película de terror ya las viste todas, pero algo es cierto: hay muchos tropos o clichés que se repiten, sin los que no serían películas de terror. Hay desde sobresaltos (los famosos jumpscares) de manual, hasta cosas más absurdas como personajes decidiendo andar solos.
Y el asunto puede volverse ridículo, sobre todo cuando estos tropos se tornan tan comunes que cualquier fan del género puede verlos venir a kilómetros… y aún así, los amamos. Estos son los clichés más ridículos del cine que igual nos encantan. Leves spoilers a continuación.
1. Separarse (sin motivo razonable)
Las películas de terror, y comúnmente los slashers, suelen iniciar con grandes grupos de personajes. ¿Y cómo es que dicen? ¿Que la unión hace la fuerza? Así que sería bastante lógico mantenerse juntos al adentrarse a un lugar desconocido o enfrentarse a un asesino, ¿no?
No, señor. En películas como La masacre de Texas, desafiando toda lógica, los personajes suelen separarse. A veces, en su defensa, lo hacen sin saber que están en peligro mortal, pero en otras, simplemente deciden en contra de su propia seguridad. Nos parece que los chicos de La cosa del otro mundo se habrían ahorrado muchos problemas manteniéndose juntos. Este tropo nos lleva a otro igual de común…
2. El sexo mata (y la final girl)
Uno de los clichés más comunes, sobre todo en slashers de la moralina década de los 80, es que los personajes que se comportan “mal” (eufemismo para llevar una vida sexual activa) acabarán muertos. Esto va atado a la convención de la final girl o chica final: un personaje femenino que, por lo general, se salva por algún motivo relacionado a su castidad.
Sagas como Viernes 13 se construyen sobre el tropo de que el sexo es una condena de muerte, mientras que Halloween brinda en Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) el perfecto ejemplo de la casta chica final. Mientras tanto, otras películas como Está detrás de ti (It Follows) presenta cierto nivel de autorreflexividad, al hacer del propio sexo el medio de transmisión para la maldición que persigue a la protagonista (Maika Monroe).
3. Nadie cree a los personajes (ni siquiera la policía)
“¡Tienes que creerme!” debe ser una de las frases más escuchadas—y clicheadas—en el cine de terror junto con “¡por favor, no!”. Los protagonistas de estas películas suelen enfrentarse a circunstancias extraordinarias y, por consiguiente, otros personajes no suelen creerles. Y en muchos casos, los oficiales de policía son graves ofensores de esto.
Halloween también ejemplifica muy bien este tropo, con el Dr. Loomis (Donald Pleasance) insistiendo a la policía que el escape de Michael Myers (Nick Castle) es una amenaza para la gente de Haddonfield, sin éxito. Hay películas como La hora del espanto (Fright Night) en la que, sabiendo que no les creerán, los personajes intentan contar una historia más creíble. En otras, como en la comedia Gremlins, la policía es más cínicamente negligente. Y en otras más, como Bárbaro, hay incluso un comentario de crítica a los prejuicios raciales perpetrados por la policía.
4. ¿Eso se ve sospechoso? Vamos a olerlo y lamerlo
Dicen que ciertos sentidos como la vista y el gusto son un mecanismo de supervivencia primitivo: ¿huele o sabe mal? Aléjate tanto como puedas. Pero en algunas películas de terror, los personajes van demasiado lejos en términos de comprobar estas cosas. Con la cara.
La saga de Alien es particularmente culpable de esto. Como si no fuera suficiente que Kane (John Hurt) tuviera la grandísima idea de asomar el rostro a un huevo de abrazacaras en la primera Alien, la precuela Prometheus lleva esta idea más lejos, con los personajes enfrentándose a la sustancia negra y viscosa que nadie debía tocar. Pero ahí van a tocarla…
5. Refugiarse o atrincherarse en pésimos lugares
De acuerdo, si en la realidad tuviéramos que enfrentar una situación de película de terror, es probable que no pensaríamos con claridad. Pero en el afán de generar tensión, muchos de estos títulos colocan a sus personajes en situaciones que, vistas desde fuera, parecen una idea obviamente mala. Los lugares cerrados son prácticamente una tumba garantizada, pero muchos protagonistas huyen a ellas como polillas hacia la luz.
En Cujo, por ejemplo, Donna (Dee Wallace) y Tad (Danny Pintauro) se refugian en un auto para protegerse del rabioso can titular, y casi no viven para contarla. Scream, con su naturaleza metatextual, incluso se ríe de esto: Sidney Prescott (Neve Campbell) se burla de este cliché sólo para, más tarde, terminar haciendo precisamente eso y atrincherarse en el piso de arriba.
6. Pésima señal de celular
Para generar miedo y tensión, el cine de terror tiene que colocar a los personajes en las situaciones más adversas y vulnerables posibles, sea en soledad, sin armamento o contra un enemigo mucho más fuerte. La incomunicación es un elemento crucial que se vuelve cada vez más inverosímil conforme la tecnología avanza. Si estás en peligro, basta con una llamada rápida al 911 o encontrar tu ubicación en Google Maps, ¿no?
Pero eso sería demasiado fácil, así que muchas películas recurren al opuesto de un deus ex machina y simplemente deciden que los celulares no sirven para nada. Un motivo lógico es una descompostura o falta de batería, como en ¡Huye! (Get Out). En otros casos, como Avenida Cloverfield 10, no sólo es lógico que suceda, sino que es parte del misterio. Pero la mayoría de las veces, sólo es tan arbitrario y conveniente, como en (la excelente de todas formas) Evil Dead: El despertar. El tropo puede ser tan absurdo que buena parte de la comedia Muerte, muerte, muerte (Bodies Bodies Bodies) incluso se burla de ello hasta en su broma final.
7. El villano no estaba muerto… aún
El hecho de que Scream también comenta sobre este tropo habla de lo gastado que está: el villano, aparentemente derrotado, se recupera para un último susto o incluso una última muerte antes de él mismo volver a la oscuridad del averno que lo engendró.
Michael Myers es un ejemplo perfecto de esto en la primera Halloween, donde su cuerpo se levanta, desenfocado, mientras Laurie ya se cree a salvo. Este cliché fue perfeccionado con el icónico final de Viernes 13, pero no por eso ha dejado de ser utilizado. Para un ejemplo más reciente e igual de famoso, basta ver el final de Terrifier.
Globos de Oro 2026: ¿cómo ver todas las series ganadoras?
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
La llamada “temporada de premios” continúa en auge con una de sus ceremonias más populares: la de los Globos de Oro, que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) celebra en reconocimiento a lo mejor no sólo del cine, sino también de la televisión.
La HFPA realizó la 82ª entrega de sus premios la noche del 11 de enero de 2026. Para estar al tanto de lo mejor de la televisión y el streaming del último año, aquí te decimos cuáles fueron las series ganadoras de los Globos de Oro 2026, en cuáles categorías y cómo ver cada una.
The Pitt (2025-actualidad)
Ganó: Mejor serie de televisión (drama), Mejor actor en una serie de televisión - drama (Noah Wyle)
Sin duda una de las series más aclamadas del año fue The Pitt, drama médico que sigue al equipo de emergencias de un hospital durante un turno de 15 horas, mientras lidian con los casos cotidianos, falta de recursos y de fondos. Además, es un deleite para los fans de ER (o Sala de emergencias), pues reúne al creador y guionista R. Scott Gemmill, al productor John Wells y al actor Noah Wyle.
En los Globos de Oro de 2026, The Pitt se alzó no sólo como la Mejor serie de televisión de drama, sino que también le mereció a Wyle el premio al Mejor actor en una serie de la misma categoría.
Adolescencia (2025)
Ganó: Mejor miniserie, serie antológica o película para televisión; Mejor actor en una miniserie (Stephen Graham), Mejor actriz de reparto en televisión (Erin Doherty), Mejor actor de reparto en televisión (Owen Cooper)
Si hubiera que señalar a un sólo fenómeno televisivo durante 2025, tendría que ser la miniserie Adolescencia (Adolescence), por motivos tan pertinentes como incómodos. La producción, que explora la misoginia internalizada en las jóvenes generaciones por medio de cuatro tensos episodios en plano secuencia.
Fue una de las producciones televisivas más premiadas de los Globos de Oro 2026, pues además de coronarse como Mejor miniserie, también mereció premios para Stephen Graham (Mejor actor en una miniserie), así como Erin Doherty y Owen Cooper (respectivamente, Mejor actriz y actor de reparto en televisión). Con cuatro estatuillas por sus cinco nominaciones, puede presumir de más que The White Lotus: la serie era la más nominada de la noche (con seis candidaturas) y se fue a casa con las manos vacías.
El estudio (2025-actualidad)
Ganó: Mejor serie de televisión (comedia), Mejor actor en una serie de televisión - comedia o musical (Seth Rogen)
Con una premisa que apela directamente a los conocedores del mundo del cine e insiders de Hollywood, no es sorpresa para nadie que El estudio (The Studio) se haya alzado como la Mejor serie de comedia en los Globos de Oro 2026. La serie protagonizada y cocreada por Seth Rogen se alzó incluso por encima de otras favoritas recurrentes, como El oso y Hacks.
El propio Rogen fue premiado por su trabajo frente a la cámara, y fue nombrado el Mejor actor en una serie de comedia durante la noche, imponiéndose también a Jeremy Allen White de El oso y a la doble nominación de Only Murders in the Building (para ambos Steve Martin y Martin Short).
Pluribus (2025-actualidad)
Ganó: Mejor actriz en una serie de televisión - drama (Rhea Sheehorn)
Luego del descomunal éxito de Breaking Bad y de su spin-off, Better Call Saul, era de esperarse que lo nuevo de Vince Gilligan tuviera una buena respuesta. Y la ha tenido, si bien no se reflejó del todo en premios (aunque con competidores como The Pitt y Severance, siempre fue asunto difícil).
Pluribus tendrá que conformarse con un solo premio en los Globos de Oro 2026: para Rhea Sheehorn,como Mejor actriz en una serie de drama. Se trata de una reivindicación para años de infamia, pues nunca fue premiada por la HFPA su trabajo en Better Call Saul.
Hacks (2021-2025)
Ganó: Mejor actriz en una serie de televisión - comedia (Jean Smart)
Jean Smart ha sido una presencia consistente en la temporada de premios desde que Hacks debutó en 2021, y los Globos de Oro 2026 no han sido la excepción.
En su rol como la comediante venida a menos, Deborah Vance, Smart se ha llevado el premio por tres de las cuatro temporadas que la serie ha estrenado hasta este punto. Hacks prepara una quinta y última temporada prevista para 2026, veremos si la actriz repite la hazaña en 2027.
Morir de placer (2025)
Ganó: Mejor actriz en una miniserie (Michelle Williams)
A pesar de su genial premisa—inspirada en las igualmente geniales vivencias de Molly Kochan—, Morir de placer (Dying for Sex) llegó a los Globos de Oro 2026 con sólo dos nominaciones: Mejor miniserie y Mejor actriz en una miniserie, para Michelle Williams.
La siempre excelente Williams se alzó con el premio a pesar de la difícil competencia de tales nombres como Claire Danes por La bestia en mí, Sarah Snook por All Her Fault e incluso la formidable Robin Wright por La novia.
Globos de Oro 2026: ¿cómo ver todas las películas ganadoras?
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Cada año, la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) reconoce a lo mejor del año en el cine con los Globos de Oro, uno de los galardones más populares de la llamada “temporada de premios”.
La organización realizó la 82ª entrega de sus premios la noche del 11 de enero de 2026. Si te perdiste de algo o quieres estar al corriente con los títulos más sonados de la temporada, aquí te decimos cuáles fueron las películas ganadoras de los Globos de Oro 2026, en cuáles categorías y cómo ver cada una.
Hamnet (2025)
Ganó: Mejor película (drama), Mejor actriz en una película - drama (Jessie Buckley)
Al coronarse como Mejor película de drama, Hamnet, de la directora Chloé Zhao (responsable por la oscarizada Nomadland) se convierte en la principal candidata para quitarle el Oscar a Una batalla tras otra, la clara líder en la carrera.
Sin embargo, la película no fue la gran ganadora de la noche en cuanto a cantidad de premios, pues sólo se llevó uno más: Mejor actriz en una película de drama para Jessie Buckley, quien también ya suena como la principal candidata de la categoría para el Oscar.
Una batalla tras otra (2025)
Ganó: Mejor película (musical o comedia), Mejor dirección para una película (Paul Thomas Anderson), Mejor guión para una película (Paul Thomas Anderson), Mejor actriz de reparto en una película (Teyana Taylor)
En términos de premios acumulados, Una batalla tras otra (One Battle After Another) fue la gran ganadora de los Globos de Oro 2026, con cuatro estatuillas en total. Como Mejor película musical o de comedia, Mejor dirección y Mejor guión (ambos de Paul Thomas Anderson), es la líder clara de la temporada de premios.
Una de las sorpresas de la noche fue que Teyana Taylor se llevara el premio a Mejor actriz de reparto en una película por su rol como la guerrillera Perfidia Beverly Hills, mientras que Leonardo DiCaprio se fue a casa con las manos vacías por el rol principal.
El agente secreto (2025)
Ganó: Mejor película en lengua no inglesa (Brasil), Mejor actor en una película - drama (Wagner Moura)
Por encima de actores como Joel Edgerton (Sueños de trenes) u Oscar Isaac (Frankenstein de Guillermo del Toro), fue el brasileño Wagner Moura quien se alzó con el premio a Mejor actor en una película de drama por su rol triple en El agente secreto, del director Kleber Mendonça Filho (Bacurau). Resultará interesante ver en qué acaba esta carrera en el Oscar, dado que el Sindicato de Actores ignoró la película por completo.
Que la representante de Brasil también haya sido la Mejor película en lengua no inglesa también desequilibra lo que parecía ser una carrera más clara: con la Palma de Oro de Cannes bajo el brazo, la representante francesa (en coproducción con Irán) Fue sólo un accidente de Jafar Panahi, se fue con las manos vacías. Salvo Valor sentimental (de Noruega), propuestas como la española Sirāt y la surcoreana La única opción ni siquiera sonaron. Crucialmente, La voz de Hind Rajab, apuesta de Túnez sobre la ocupación israelí de Palestina, tampoco trascendió. No obstante, esto podría acercar a Brasil a su segunda victoria consecutiva en el Oscar Internacional, luego de Aún estoy aquí el año pasado.
Si pudiera, te patearía (2025)
Ganó: Mejor actriz en una película - comedia (Rose Byrne)
Una de las películas independientes que está dando batalla esta temporada, a pesar de contar con menos recursos, es la genial comedia Si pudiera, te patearía (If I had Legs I’d Kick You), sobre una mujer abrumada por el aplastante peso de la responsabilidad materna ante la enfermedad de su hija y la ausencia de su esposo.
Rose Byrne, que ya había sido premiada en el Festival de Berlín por su hazaña en esta película, obtuvo el Globo de Oro 2026 como Mejor actriz en una película de comedia. Si esto la impulsa hasta la carrera por el Oscar (posible, dado que también fue nominada por el Sindicato de Actores), tendrá la difícil misión de derrotar a Jessie Buckley e incluso a Emma Stone, la otra probable nominada por Bugonia.
Valor sentimental (2025)
Ganó: Mejor actor de reparto en una película (Stellan Skarsgård)
Dado que también fue ignorada en las nominaciones a los Premios del Sindicato de Actores—a pesar de un elenco más perfecto que relojería suiza encabezado por Renate Reinsve—, muchos ya daban por eliminado a su talento de la carrera al Oscar. Puede que se estén apresurando.
Aunque la victoria de Stellan Skarsgård en los Globos de Oro 2026 como Mejor actor de reparto en una película no garantiza nada, puede que ayude a cambiar algunas opiniones previo a las votaciones para el Oscar y atraiga algo de muy merecida atención y reconocimiento a la película dirigida por Joachim Trier, una de las mejores de 2025.
Marty Supremo (2025)
Ganó: Mejor actor en una película - comedia (Timothée Chalamet)
Timothée “Timmy” Chalamet ya es un consentido de la temporada de premios cada año, y su más reciente Globo de Oro, por Marty Supremo (Marty Supreme), perpetúa la racha. La producción, dirigida por Josh Safdie e inspirada en la vida del jugador de ping-pong Marty Reisman (Hauser en la película), tuvo que conformarse con esta única estatuilla entre sus tres nominaciones totales.
Es más de lo que puede presumir La máquina: The Smashing Machine, de Benny Safdie, que a pesar de ganar el León de Plata en Venecia, ha tenido menos suerte en la temporada de premios (ambos Dwayne Johnson y Emily Blunt aspiraban a los Globos de Oro). Ambas películas son los respectivos primeros proyectos de los hermanos Safdie en solitario: trabajaron juntos por última vez en la aclamada Diamantes en bruto.
Las guerreras K-Pop (2025)
Ganó: Mejor película de animación y Mejor canción original (“Golden”)
Para sorpresa de nadie, Las guerras K-Pop sigue pisando fuerte y ampliando su ventaja como la Mejor película de animación del año, categoría en la que fue premiada en los Globos de Oro 2026. Y a estas alturas, dudamos que alguien pueda parar la producción de Sony Pictures Animation y Netflix—ni siquiera Disney con la taquillerísima Zootopia 2—.
Pero eso no fue todo, pues otra categoría en la que está dominando, es en la de canción original. Y dado la enorme sensación que fue durante 2025, no sorprende que el tema “Golden” haya sido el ganador de la noche (imponiéndose incluso a Wicked: Por siempre, que ostentaba una doble nominación).
Pecadores (2025)
Ganó: Mejor banda sonora original (Ludwig Göransson) y Mejor logro cinematográfico de taquilla
Dirigida por Ryan Coogler—un cineasta abiertamente crítico y contestatario de mucho de lo que sucede en Hollywood—, Pecadores (Sinners) también se fue a casa con poco reconocimiento e incluso diríamos que un tanto ninguneada.
Aunque aspiraba a varios de los principales reconocimientos de los Globos de Oro 2026, la película de vampiros y gangsters sólo obtuvo dos. El primero, a Mejor logro cinematográfico y de taquilla, que además de reconocer lo obvio—que fue una sensación de taquilla—, se percibe como un premio de consolación. Además ganó el premio a banda sonora original (Ludwig Göransson), que fue entregado fuera de la transmisión.
‘Avengers: Doomsday’: 10 trajes del UCM que podríamos ver de regreso
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Avengers: Doomsday será el gran regreso del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) a los crossovers de gran escala, con tantos personajes (o incluso más) de los que vimos en Avengers: Endgame. Con una oleada de rostros ya conocidos, la nueva película seguramente dará una “manita de gato” a algunos de ellos, pero también traerá algunos atuendos reconocibles.
Lo cual seguramente será excelente fanservice para los fans de Marvel. Según lo que sabemos (y lo que podemos suponer con bastante seguridad), estos son los 10 trajes del UCM que podríamos ver de regreso en Avengers: Doomsday.
10. Los uniformes de Los Cuatro Fantásticos
Vamos con una obvia: muy probablemente, los atuendos de la “Primera Familia” de Marvel serán los mismos que vimos en Los 4 Fantásticos: Primeros pasos. Y tiene sentido: esta versión de Los Cuatro Fantásticos proviene de otro rincón del multiverso, la Tierra 828, que tiene toda una dirección de arte retrofuturista.
Mantener esos trajes no sólo tendría sentido dentro de la trama, cuando Reed Richards (Pedro Pascal) y compañía crucen a la Tierra 616, sino que serían una forma de distinguirlos visualmente de las otras facciones en juego. Y vaya que serán muchas.
9. El traje de Ant-Man
Otra respuesta un tanto obvia es que veremos el regreso del traje de Ant-Man sin mayores cambios. El regreso de Paul Rudd como Scott Lang fue confirmado hace tiempo, lo cual tiene sentido dado el rol que el personaje ha jugado en la trama del multiverso gracias a sus incursiones al Reino cuántico.
Dicho lo anterior, los cambios cosméticos que ha atravesado el traje de Ant-Man desde su primera aparición en el UCM, han sido mínimos. Lo más probable es que veamos una iteración muy similar a la que usó en Ant-Man & the Wasp: Quantumania.
8. Shuri como Pantera Negra
Fuera de la ficción, el lamentable deceso de Chadwick Boseman significó que la saga necesitó un sustituto urgente para Pantera Negra. A partir de Pantera Negra: Wakanda por siempre, fue la hermana menor de T’Challa, Shuri (Letitia Wright) quien asumió el rol, presentando una versión más esbelta y ágil de su predecesor.
No hemos visto a Shuri desde la secuela de Pantera Negra, así que podemos esperar que regrese a la batalla con una iteración similar de la armadura, con pequeños cambios cosméticos.
7. El uniforme de Shang-Chi
Shang-Chi (Simu Liu) es uno de los héroes más nuevos en el UCM, por lo que tampoco ha recibido tantas oportunidades para brillar ni lucir diferentes atuendos. Sin embargo, la confirmación del actor para Doomsday nos indica que veremos al artista marcial portando algún atuendo familiar, que nos recuerde su historia y su poder.
A lo largo de Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos, el protagonista viste varios atuendos, pero en el clímax en la dimensión de Ta-Lo, el protagonista viste una variación de los uniformes de batalla de sus protectores, a su vez una interpretación del traje que el personaje utiliza en los cómics. Sin duda, lo veremos usar algo similar en su encuentro con Doom y los Vengadores.
6. El uniforme de Capitán América de Steve Rogers
Esto ya es básicamente un hecho, pues el primer avance de Doomsday ha confirmado que Steve Rogers (Chris Evans) regresará de algún modo para la lucha contra Doctor Doom (Robert Downey Jr.).
No sólo eso, el brevísimo vistazo al héroe veterano lo mostró con su uniforme clásico en las manos, el mismo que utilizó en la mayoría de sus apariciones como líder oficial de los Vengadores a partir de Avengers: Era de Ultrón, pasando por Civil War y finalmente en Endgame, su última aparición oficial hasta ahora. Lo que nos conduce al siguiente punto…
5. El uniforme de Capitán América de Sam Wilson (el primero)
Una de las grandes interrogantes sobre el regreso de Steve Rogers, es cómo desafiará el status quo actual de los Vengadores. Entrando a Avengers: Doomsday, Sam Wilson (Anthony Mackie no sólo ha abrazado su rol como el nuevo Capitán América, sino que es el líder de los Vengadores “oficiales”. Al final de Capitán América: Un nuevo mundo, su uniforme es, de hecho, muy parecido al de Steve, pero con alas.
Si los dos amigos llegan a coincidir en pantalla, tendríamos a dos Capitanes América con necesidad de diferenciarse visualmente. Una forma de lograrlo sería si Sam es reintroducido con su primer uniforme, el que portó al final de la serie Falcon y el Soldado del invierno (aunque no necesariamente tiene que ser ese mismo). Hay otro personaje que adoptó el título de Capitán América un tiempo en la misma serie, y que ya tiene su propio atuendo para diferenciarse, lo que nos lleva a…
4. Los uniformes de Vengadores de los Thunderbolts*
Al final de Thunderbolts*, el equipo formado por el Soldado del Invierno (Sebastian Stan), Yelena Belova (Florence Pugh), Ghost (Hannah John-Kamen), Guardián Rojo (David Harbour), Sentry (Lewis Pullman) y John Walker/ U.S. Agent (Wyatt Russell) es rebautizado como los Nuevos Vengadores. Si son el equipo oficial o no es un punto de discusión, como revela la escena post-créditos, lo que nos sitúa con dos facciones enfrentadas de Vengadores entrando a Avengers: Doomsday.
El caso es que el equipo cuenta con uniformes nuevos con todo y el emblema de los Vengadores en dicha escena, que fue dirigida por los hermanos Russo (responsables por Doomsday), por lo que sin duda veremos a los Thunderbolts ataviados en trajes idénticos o similares. Eso incluye el uniforme de John Walker, que ya ha abandonado casi todo parecido con el de Capitán América.
3. Thor pre-Endgame
Si hay un personaje que ha experimentado más cambios de atuendo durante la saga que una modelo en pasarela, es Thor Odinson (Chris Hemsworth). El Dios del Trueno mantuvo un look más o menos consistente entre sus primeras apariciones y las dos primeras películas de Avengers, pero en adelante ha tenido varios cambios de armadura e incluso de peso (la depresión lo afectó notablemente en Endgame, por ejemplo).
El regreso de Thor para Doomsday fue confirmado hace tiempo, pero el primer vistazo al personaje nos deja ver que ha dejado atrás la melena rubia que portó en su última aparición, Thor: Amor y trueno, para una apariencia con cabello corto más parecida a la que debutó en Thor: Ragnarok. Dado que porta a Stormbreaker y no a Mjolnir, su aspecto es mucho más cercano al que usó en Infinity War.
2. El Gambit clásico
Entre las numerosas sorpresas multiversales que Deadpool & Wolverine arrojó una tras otra, una de las más destacadas fue el casting de Channing Tatum como el mutante Gambit. Esto en sí mismo fue una broma que sólo captaron los iniciados en los chismes detrás de cámaras de las películas de superhéroes: durante años, Tatum estuvo adherido a una película en solitario del personaje, que fue cancelada después de muchos esfuerzos. Sin embargo, la secuela de Deadpool le dio la oportunidad de interpretar al personaje en pantalla con un aspecto extraído directamente de los cómics.
Para sorpresa de varios (y apostamos que del propio Channing Tatum), Gambit volverá a aparecer en Avengers: Doomsday, y lo hará una vez más con el traje clásico que portó en la otra película. Lo mencionamos aparte puesto que esto ya es algo que vimos anteriormente en el UCM, contrario a sus compañeros de equipo…
1. Los X-Men “clásicos”
La sorpresa más grande del casting de Avengers: Doomsday fue la presencia de varios actores que formaron parte de la saga cinematográfica original de X-Men, es decir, Sir Patrick Stewart, Sir Ian McKellen, James Marsden, Kelsey Grammer, Alan Cumming y Rebecca Romijn (junto a Channing Tatum). Todos de aquella época en que los trajes de superhéroes parecían de cuero o látex.
Y aunque ninguna de las continuidades de X-Men (hasta ahora) pertenece oficialmente al UCM, es digno de mención porque, si bien se trata de los actores originales, filtraciones han mostrado que lo harán con atuendos diferentes, más cercanos a los cómics y a otras adaptaciones, como la serie animada X-Men ‘97 o la nueva continuidad que concluyó con X-Men: Phoenix. Por eso decimos que revisar toda la saga cinematográfica de X-Men antes de Avengers: Doomsday no sería tan mala idea.
Las 10 mejores películas y series de superhéroes de 2025, rankeadas
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
En lo concerniente a los superhéroes, 2025 fue un año irregular, pero para nada lento. A pesar de que el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) no termina de carburar de nuevo, experimentamos el regreso de Superman al cine, además de grandes propuestas de otras franquicias—e incluso algunas novedades que pasaron desapercibidas—.
Hubo algo para todos los fans de los justicieros y los superpoderes durante el año, aunque no todo alcanzó las mismas alturas. Por ello, aquí rankeamos las 10 mejores películas y series de superhéroes de 2025.
10. Daredevil: Born Again (2025-actualidad)
Existen opiniones divididas sobre el regreso de Matt Murdock/ Daredevil (Charlie Cox) al UCM, luego de que su aclamada serie predecesora (originalmente de Netflix) fuera retroactivamente integrada a la continuidad de la saga. La sencilla razón es que, como bien sugiere su título, Daredevil: Born Again es un renacimiento, o una bestia total y tonalmente diferente.
Algunos la han tomado como la “disneyficación” de lo que la producción anterior hizo con el bajo y sangriento submundo criminal de Hell’s Kitchen en la serie anterior. Pero si algo delató el recibimiento de los cameos de Cox en She-Hulk y Spider-Man: Sin camino a casa, es que su Matt Murdock es una de las interpretaciones de superhéroes más queridas que hay. El elenco fue el elemento más fuerte de la primera serie, y por ello es tan bueno que Born Again haya recuperado también a Vincent D’Onofrio como Wilson Fisk (además de Karen Page y Frank Castle, aunque fuera para un par de episodios). Sólo esperamos que la inminente segunda temporada sea mejor.
9. Superman (2025)
El regreso del Hombre de Acero al cine no es poca cosa, y menos cuando se trata del lanzamiento del Universo DC (DCU), que ha de suplir al serio—y fallido—Universo Extendido DC (DCEU). Y ahora con el director James Gunn como cabeza creativa, Superman no podría haber hecho más para separarse de su iteración previa: David Corenswet entrega a un Clark Kent noble y esperanzado.
Es una pena que sea una película tan sobrecargada de personajes—y tan fea de ver—, pero con un fenomenal casting (aplausos en particular para Nicholas Hoult como Lex Luthor) y disposición para abrazar hasta los aspectos más estrafalarios de la mitología del superhéroe, los fans de los cómics habrán de sentirse entusiasmados por lo que traerá la inminente Supergirl, segunda película del DCU.
8. Thunderbolts* (2025)
Hay que decir que 2025 no fue muy amable con los superhéroes en la pantalla grande, y a pesar de que el UCM no tuvo una, sino tres entregas diferentes este año, tanto Capitán América: Un nuevo mundo como Los 4 Fantásticos: Primeros pasos fueron profundamente decepcionantes, salvo algunos aspectos rescatables.
A punta de su excelente elenco—heredado casi en su totalidad de otras entregas—y de atreverse a hacer algo distinto con sus villanos, Thunderbolts* destacó como la más original y divertida de las tres propuestas de Marvel Studios para este año, reetiquetada a posteriori como Los Nuevos Vengadores a pesar de que, en más de un sentido, es una “anti-Vengadores”: más personal, emotiva y sarcástica, aunque tropieza con los mismos vicios impuestos por la franquicia. Puntos extra por ser obligada para ver antes de Avengers: Doomsday.
7. Gen V, temporada 2 (2023-actualidad)
El 2025 trajo la segunda temporada de Gen V, el spin-off adolescente del universo de The Boys. Y también hay que decirlo: aunque no fue tan potente como su temporada debut, consigue continuar la historia hacia un territorio interesante.
Interesante en el sentido de que lleva la serie hacia consolidar sus intereses temáticos aparte, como conspiraciones que explotan a la juventud dentro de un esquema de poder mayor (pero manteniendo la violencia y sátira de la serie original). Y de cara a la quinta y última temporada de The Boys, se trata de un complemento vital para expandir la visión de esta franquicia.
6. Los ojos de Wakanda (2025)
El UCM tuvo algo más de brillo en televisión durante 2025, y una de sus propuestas más interesantes del año fue la miniserie Los ojos de Wakanda. Esta miniserie de animación no tiene un vínculo directo con los héroes de Pantera Negra y Wakanda por siempre sino que, a través de cuatro episodios, expande la mitología del reino ficticio en diferentes épocas.
La serie no brilla necesariamente por su guión, pero sí por su vibrante animación que hace lucir la acción superheroica como pocas cosas pueden, expandiendo las fronteras del UCM hacia otros contextos históricos e incluso reintroduciendo personajes, como la Puño de Hierro llamada Jorani (voz de Jona Xiao).
5. Peacemaker, temporada final (2022-2025)
¿Quién diría que un antipático antihéroe menor, llevado al cine en un reboot de una película sobre un equipo de supervillanos, daría lugar no a la serie más querida no sólo del DCEU, sino del DCU? Es confuso, pero el hecho de que Peacemaker haya nacido como un spin-off de El escuadrón suicida y se no sólo se haya posicionado como una pieza vital dentro del reinicio de la franquicia, sino que además sea inmensamente divertida y satisfactoria, habla montones sobre lo imperdible que es.
Con un giro más maduro al universo de DC Comics en cine y televisión, la serie ha hecho brillar a John Cena en el papel del justiciero Chris Smith, que en la segunda temporada tuvo un enfoque mucho más emotivo, con esta trama multiversal como pretexto. Si hemos de creerle a James Gunn, la segunda temporada será la última, pero con las adaptaciones de cómics nunca hay que decir “nunca”.
4. Tu amigo y vecino Spider-Man (2025-actualidad)
Una de las principales críticas a la adaptación de Spider-Man dentro del UCM es lo dependiente que este Peter Parker (Tom Holland) era de Tony Stark (Robert Downey Jr.) y del resto de la narrativa de la saga. Aunque fue originalmente concebida como parte de la misma continuidad (con el título de Freshman Year), todo indica que fue para bien que Tu amigo y vecino Spider-Man (Your Friendly Neighborhood Spider-Man) sea parte de una continuidad paralela, una versión alternativa a los orígenes del trepamuros en el UCM.
La serie de animación es, a la vez, una modernización del héroe que a la vez recupera muchos de sus elementos clásicos, desde una dirección de arte que evoca los dibujos originales de Steve Ditko, hasta la relación del héroe con otros personajes indispensables, crucialmente haciendo a Norman Osborn su mentor. Es una de las mejores series animadas sobre el personaje (que ya es decir mucho) y una de las mejores animaciones de Spider-Man fuera de la pantalla grande (donde la distinción pertenece a Un nuevo universo y su espectacular secuela).
3. To Be Hero X (2025)
Si no estás muy enterado del mundo donghua (o de la animación china), es posible que To Be Hero X haya pasado completamente fuera de tu radar. Se trata de la tercera entrega de la serie antológica To Be Hero (siendo la segunda To Be Heroine), coproducida entre China y Japón.
Esta tercera entrega se sitúa en un mundo donde los héroes obtienen su poder de la confianza o “fe” que el público tiene en ellos, ganan habilidades según la imaginación de la gente y, entre más populares, más poderosos son, en un ejercicio sobre el impacto de la opinión pública tan fascinante como The Boys. Y el estilo de animación es de lo más ecléctico, combinando animación 3D y 2D de maneras que pondrían nerviosas a las películas de Spider-Man (y que ponen en vergüenza lo de One-Punch Man en 2025).
2. Invencible, temporada 3 (2021-actualidad)
Para muchos, Invencible sigue siendo el estándar de oro para la animación sobre superhéroes, y su tercera temporada, estrenada en 2025, dio poco lugar para debatir. Vaya, es una de las mejores series de superhéroes y punto, animación o no.
Y con una animación todavía más pulida, en conjunto con una historia que sigue explorando los dilemas morales de Mark Grayson (voz de Steven Yeun) como héroe en un conflicto implacable con la Tierra como epicentro, realmente no podemos discutir. Y con la cuarta temporada ya encima, ni tiempo para respirar.
1. My Hero Academia, temporada final (2016-2025)
La corona de la mejor serie de superhéroes de 2025 le corresponde a uno de los animes más populares de la década, que alcanzó su emotivo desenlace durante el año. My Hero Academia, manga creado por Kōhei Horikoshi, fue adaptado en forma de anime entre 2016 y 2025, casi una década de desarrollar una densa trama de héroes con intensísimos combates.
Y el final de la serie no desilusionó, a pesar de malabarear cantidades ingentes de personajes y arcos narrativos con acción trepidante, brindando un desenlace satisfactorio a una de las exploraciones más optimistas de los superhéroes de este lado de Watchmen.
‘Stranger Things’ y otros 6 finales de televisión odiados por los fans
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Con su quinta temporada, Stranger Things llegó a su final y, como todo fenómeno de la cultura pop, se enfrentó a la imposibilidad de darle gusto a todos. Algunos amaron el final de la serie creada por los hermanos Matt y Ross Duffer, pero muchos también lo odiaron por diversos motivos.
Es algo que suele suceder con producciones de mitologías tan complejas y entrelazadas como grandes son sus fandoms, así que no será la primera ni la última serie televisiva que emocione a algunos y desilusione a otros. Por ello, aquí te recordamos otros 6 finales de la televisión odiados por los fans, incluyendo Stranger Things pero yendo mucho más allá.
Stranger Things (2016-2025)
Casi una década de desarrollo y una mitología que se expandía tanto como su elenco con cada nueva entrega, dejaron a Stranger Things con una consigna imposible para su última temporada: entregar algo aún novedoso, pero que también concluyera la narrativa con desenlaces satisfactorios para sus casi dos decenas de personajes, con las expectativas del fandom por los cielos gracias a innumerables teorías generadas y debatidas en internet. Demasiadas pelotas en el aire para malabarear, y demasiados cabos sueltos que atar.
Con todo y su metraje por encima de las dos horas, el final se sintió apresurado y, a la vez, simplón para la compleja red de acontecimientos, personajes y mitología que habían sido introducidos hasta la temporada 4. Tal ha sido el caso que incluso varios fans surgieron con la teoría de Conformity Gate, afirmando que el episodio final era falso y que la conclusión auténtica llegaría por sorpresa el 7 de enero de 2026. Un nivel de gimnasia mental admirable que, esperemos, encuentre algo de consuelo con el inminente spin-off.
Game of Thrones (2011-2019)
Aunque divisivo, el final de Stranger Things no ha sido el que mayor indignación provocó en años recientes, distinción que le pertenece a Game of Thrones con su polémica octava temporada, que con menos episodios que las anteriores apuró la conclusión de la historia.
Y no es como que no se viera venir que varios de los personajes, como Jon (Kit Harington) y Daenerys (Emilia Clarke), terminarían exactamente donde lo hicieron, pero sin el material del autor George R.R. Martin como referencia—la serie se adelantó a los libros que adapta—, la producción de David Benioff y D.B. Weiss optó por tomar atajos. El resultado, aunque congruente con lo que se fue sembrando, se sintió más brusco que justificado. Sin embargo, los fans no han abandonado el mundo de Canción de hielo y fuego, con el spin-off de La casa del dragón aún en curso, y uno más en camino con El caballero de los Siete reinos.
Cómo conocí a tu madre (2005-2014)
Las sitcoms (comedias de situación) tampoco están exentas de despertar fuertes pasiones con sus conclusiones, y aunque difícilmente le dan gusto a todos (tanto Friends como Seinfeld también pueden dar cuenta de ello), pocas han indignado tanto como el final de Cómo conocí a tu madre (How I Met Your Mother).
Las nueve temporadas de la serie se construyen sobre la narración que Ted Mosby en el futuro (con voz de Bob Saget narrando en retrospectiva) hace a sus hijos sobre cómo conoció a la mujer que se convertiría en su esposa. ¿Y qué sucede en la novena temporada? La susodicha, Tracy (Cristin Milioti), es introducida por algunos episodios (la gran revelación de toda la serie), sólo para que se nos explique que murió de cáncer años después. El punto: que Ted (Josh Radnor) pudiera justificar su regreso con Robin (Cobie Smulders), su novia intermitente durante décadas.
Perdidos (2004-2010)
Quizá más que ninguna otra serie en este listado, Perdidos (Lost) despertó un nivel histérico de obsesión por parte de sus fans, en un tiempo pre-Netflix en el que las series estrenaban episodios semanalmente e incluso podían pasar muchos meses (si no es que años) entre una temporada y otra.
Y la serie cocreada por Jeffrey Lieber, J.J. Abrams y Damon Lindelof es, quizá, un ejemplo paradigmático de que difícilmente se le podrá dar gusto a un fandom tan intensamente dedicado, que tejió complejas teorías sobre lo que realmente sucedió a los sobrevivientes del vuelo 815 en la isla. La respuesta terminó siendo bastante más simple de lo que su compleja trama y estructura—rebosante de personajes y saltos en el tiempo—parecía prometer.
Dexter (2006-2013)
Otra serie producto de un tiempo en el que las series eran creadas y consumidas a un ritmo mucho más pausado, y en el que la fascinación por polémicos antihéroes—sobre todo en la forma de criminales, como Los Soprano o Breaking Bad—estaba en su auge. Dexter, sin embargo, tuvo un final tan mal recibido que casi se convirtió en moneda de cambio para hablar de finales de televisión odiados por incongruentes o ridículos.
Pocos de sus fans nos dejarán mentir si decimos que la serie había ido en declive desde varios años antes de su conclusión, desvirtuando la narrativa sobre el protagonista homónimo (Michael C. Hall), técnico forense de Miami durante el día y asesino justiciero por la noche. El final, más propio de telenovela, lo vio fingir su muerte y mudarse a Oregon bajo la identidad de un leñador (con desenlaces igual de polémicos y absurdos para otros personajes). Por fortuna, la serie tuvo dos revivals, Dexter: New Blood y Dexter: Resurrección que han permitido a Hall y compañía cerrar la historia del personaje con mayor coherencia. Y dignidad.
Dos hombres y medio (2003-2015)
Dos hombres y medio (Two and a Half Men) es un ejemplo paradigmático de una sitcom que se mantiene por más tiempo del debido, sobre todo después de polémicas detrás de cámaras. El comportamiento errático de su (igualmente polémica) estrella, Charlie Sheen, así como su ingreso a rehabilitación y comentarios que hizo sobre el creador de la serie, Chuck Lorre, condujo a su despido en la octava temporada, con Ashton Kutcher como su reemplazo en un nuevo papel.
Dentro de la serie, la ausencia de Charlie fue explicada como un asesinato por parte de su exnovia psicópata, Rose (Melanie Lynskey), una decisión creativa que fue revertida cerca del final. La muerte de Charlie habría sido fingida por ella, para después manipularlo y convertirlo en un psicópata también. El episodio final concluye con Charlie regresando a casa, sólo para morir cuando un piano le cae encima, escena seguida por el propio Lorre apareciendo a cámara para burlarse de Sheen. Una serie que debió acabar unas ocho temporadas atrás y que, hoy en día, pocos extrañan.
Gilmore Girls (2000-2007, 2016)
No vamos a discutir que la serie creada por Amy Sherman-Palladino está repleta de personajes complejos, contradictorios pero repletos de encanto. Sin embargo, lo frustrante con el final de Gilmore Girls fue que, sobre todo en lo concerniente a Rory (Alexis Bledel), dejando muchos cabos sueltos en sus relaciones, particularmente con su madre, Lorelai (Lauren Graham).
Y pocas series tienen la distinción de brindar no uno, sino dos finales decepcionantes. Y el revival Gilmore Girls: Un nuevo año (Gilmore Girls: A Year in the Life) fue más que decepcionante, pues provocó indignación al mostrar una regresión total de Rory a una niña malcriada, condenada a repetir los errores de su madre, sólo que peor. Lo bueno es que Sherman-Palladino hizo las cosas mucho mejor con La maravillosa Sra. Maisel.
8 posibles spin-offs de ‘Stranger Things’ planteados por el final (y cuáles serán realidad)
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Con algo de polémica y opiniones encontradas, Stranger Things, creación de los hermanos Matt y Ross Duffer, llegó a su fin con su quinta temporada. Sin embargo, hablamos de uno de los títulos más populares de Netflix, su serie insignia, con una legión de fanáticos que siguen creando teorías y que, obviamente, se quedaron con ganas de más.
Y sí habrá más, aunque no en las formas que muchos esperan. El final de la serie dejó algunos hilos que podrían ser explorados, pero no todos se consolidarán en nuevos spin-offs de Stranger Things. Aquí te contamos cuáles historias podríamos ver en el futuro, y cuáles sí ya son un hecho. Spoilers de la serie a continuación.
1. ¿Encuéntrame en Montauk?
Uno de los aspectos más románticos en el final de Stranger Things fue el desenlace para Jim Hopper (David Harbour) y Joyce Byers (Winona Ryder). Ahora sin Jane (Millie Bobby Brown) y con ambos hijos de Joyce fuera de casa, la pareja decide casarse y mudarse a Montauk (algo que los románticos podrían haber interpretado como un guiño a Eterno resplandor de una mente sin recuerdos).
Y sin duda, sería viable continuar la historia de Hopper como oficial de policía en un sitio diferente. Sin embargo, la alusión a Montauk fue sólo una referencia muy clavada para los entendidos de la historia de Stranger Things detrás de cámaras: Montauk también fue el título del pitch original de los Duffer para la serie, y ahí sería donde se iba a llevar a cabo (el lugar también fue la locación para el rodaje de Tiburón, una de sus principales influencias). A su vez, esto alude a la teoría conspirativa del mismo nombre, que también inspiró algunos elementos de la producción.
¿Será realidad?
No. Los Duffer ya han esclarecido que lo de Montauk sólo fue un guiño para los fans y que, en el afán de contar historias totalmente diferentes y novedosas, el universo de Stranger Things tiene que abandonar a su elenco y personajes originales.
2. Nancy Wheeler, periodista
Uno de los personajes más interesantes de toda la serie, dada su radical evolución desde la primera temporada, es Nancy Wheeler (Natalia Dyer). Desde los primeros episodios como una chica consentida, pasa a convertirse en una aspirante a periodista e incluso llega a ser una heroína de acción al más puro estilo de Ellen Ripley en Aliens.
En el epílogo, es por mucho la que toma el camino más aventurado entre el cuarteto de jóvenes adultos (completado por Jonathan, Robin y Steve), al grado de que abandonó la universidad para tomar un trabajo en una redacción periodística. Por supuesto que nos la imaginamos desenterrando todo tipo de conspiraciones como una profesional.
¿Será realidad?
Tampoco. De nuevo, los Duffer han enfatizado que explorarán historias y personajes nuevos dentro del mismo universo, por lo que es muy improbable ver un spin-off dedicado a Nancy Wheeler o al resto del elenco original.
3. Nana Steve
¿Te imaginas a Stranger Things sin Steve Harrington (Joe Keery)? El plan original de los Duffer para el primer bravucón de la serie era la muerte en la primera temporada, pero les agradó tanto el actor que decidieron tenerle piedad al personaje. Luego de una gran respuesta y de un arco de redención que prácticamente lo convirtió en la “nana” no oficial de los personajes infantiles, cuatro temporadas después parece un personaje escrito por y para internet. Mucha de la tensión en la temporada final giró en torno a si Steve “el pelazo” Harrington sufriría el mismo destino de Eddie Munson (Joseph Quinn), y la producción lo usó a su favor con ese cardiaco corte a negro.
El final de la serie ve a Steve convertido en todo lo que nadie esperaba al principio: un coach de béisbol y profesor de preparatoria que nunca dejó Hawkins. Por supuesto que amaríamos ver más de la “Nana Steve”, sobre todo cuando Derek (Jake Connelly) ya es parte de la ecuación.
¿Será realidad?
No, por los motivos arriba expuestos. Pero nos encanta soñar con ello.
4. Regreso a 1985
Y no, no nos referimos a Volver al futuro, sino a que parte de Stranger Things continuará en forma de flashback por medio de la animación. Stranger Things: Relatos del 85 será una serie animada que se situará durante el invierno entre la segunda y la tercera temporada de la serie, siguiendo a los mismos personajes en un tipo de aventura diferente, pero igual ligada a la mitología original.
La serie de animación, en el mismo espíritu nostálgico de la franquicia, pretende rescatar algo del pasado, pero en este caso intentará emular el ánimo de las “caricaturas de sábados por la mañana”. La producción ha citado a la serie Los auténticos Cazafantasmas como su estrella polar, aunque con un estilo de animación moderno que evoca a éxitos modernos como Arcane: League of Legends o Spider-Man: Un nuevo universo.
¿Será realidad?
Sí, la serie ya tiene su estreno confirmado para algún momento de 2026, aunque ignoramos si la historia irá más allá de una temporada. Y está por verse, también, qué tanta frescura puede traer cuando está acotada por dos temporadas de una historia ya concluida.
5. La campaña de Holly la heroica
La quinta temporada de Stranger Things fue, en cierto modo, un “pase de estafeta” para una generación de personajes más jóvenes (aunque nunca llegó a concretarse). El equipo original de Mike Wheeler (Finn Wolfhard) se ha separado para irse a la universidad, pero su hermana Holly (interpretada por Nell Fisher en la última temporada) juega un rol más importante en la trama cuando ella y otros once niños son secuestrados por Henry Creel/ Vecna (Jamie Campbell Bower).
Como amuleto, Mike le da a Holly una figurita para jugar Calabozos y Dragones, una clériga llamada Holly la heroica. En el epílogo, Mike ve a Holly continuar la tradición de sus amigos, jugando su propia campaña en el sótano.
¿Será realidad?
Improbable, considerando que la historia del Otro Lado ha terminado, y que los Duffer han enfatizado que continuarán el universo de Stranger Things en otras épocas, sitios y con diferentes personajes. Sin embargo, Nell Fisher, Jake Connelly y el resto del nuevo elenco infantil fueron bien recibidos, y verlos crecer sería una excelente oportunidad de llevar la narrativa de los 80 hacia los 90 (el epílogo sucede en 1989).
6. Mike, el narrador de historias
Hablando de Mike Wheeler, su desenlace es el más importante de todos, consolidando su lugar como el “corazón” del equipo. Mientras todos sus amigos siguen con sus vidas, Mike permanece en un lugar de reconciliación con lo que pudo ser. El final que vemos para Jane/ Once parece ser producto de su imaginación, pero es la historia que él decide creer para que él y el resto del equipo original puedan seguir adelante.
Y entonces lo vemos convertirse en escritor, al más puro estilo de Stephen King (lo que sería poético, dado la influencia del autor en la serie y en el terror como género). Es fácil imaginar a Mike seguir su vida contando historias inspiradas en sus días de Calabozos y Dragones, así como en sus aventuras para combatir las fuerzas del Otro Lado.
¿Será realidad?
Quizás, pero es un GRAN QUIZÁS. Los Duffer ya tienen pensado un spin-off de Stranger Things en concreto, y si bien no han dicho de qué va, sí han declarado que el único que dedujo lo que será, es Finn Wolfhard. En dicha entrevista, el spin-off fue descrito por el joven actor como “similar a Twin Peaks de David Lynch. Como una antología y diferentes tonos, pero un universo similar o incluso el mismo. Creo que situado en diferentes lugares y todo amarrado por la mitología del Otro Lado. Ni siquiera hablará de Hawkins. No tendrá mención de nuestros personajes”. ¿Qué pasaría si Mike fuese el narrador de esas historias?
7. Una precuela de Stranger Things
Aquí estamos haciendo un poco de trampa, pero en nuestra defensa, mucha de la mitología de Stranger Things viene de muchos años previos al desarrollo de la serie, en los 80. Entre las historias de Henry Creel, el Dr. Brenner (Matthew Modine), la madre de Once, Terry Ives (Aimee Mullins) e incluso varios años más atrás, hay bastante mitología a expandir y explorar que no queda tan esclarecida durante las cinco temporadas de la serie.
Hay mucho potencial en las décadas previas a la serie… y estamos haciendo algo de trampa, pues ya hay algo que la explora. Se trata de Stranger Things: The First Shadow, que relata los eventos que dieron origen a los experimentos de Brenner con Henry.
¿Será realidad?
Ya es realidad. El problema es que es una obra de teatro en Broadway, así que se necesita ir hasta allá para verla (aunque Netflix ha lanzado un documental sobre la producción de la obra). Pero es una historia canónica que fácilmente podría adaptarse a la televisión… aunque es improbable que esto suceda si los Duffer, en efecto, quieren explorar otras cosas de este universo. Sin embargo, hay algo en esta historia que ya está confirmado como el puente para el spin-off.
8. ¿Qué hay en esa maleta?
Uno de los grandes misterios del final de Stranger Things es lo que le sucedió a Henry cuando tuvo el encuentro en la cueva de Nevada con el misterioso hombre (interpretado por Frederick Koehler), un científico fugitivo que en realidad era un espía soviético infiltrado en las investigaciones de Brenner, y que huyó con una maleta robada. Este encuentro no sólo es representado en la quinta temporada, sino también en la obra de teatro.
El contenido de la maleta parece una roca, una especie de tecnología interdimensional que marca el primer contacto del pequeño Henry Creel (Maksime Blatt) con el Vacío, también llamada Dimensión X. Los Duffer han confirmado que este elemento conectará a Stranger Things con el spin-off.
¿Será realidad?
Sí, este es el spin-off en el que los Duffer han confirmado que están trabajando, y encajaría con lo que han dicho antes sobre su nueva serie: que estará situada en el mismo universo, pero que llevará la mitología hacia nuevos personajes y épocas. Y nunca se esclareció qué fue de esa roca, así que todo puede pasar…
Todas las películas de Spider-Man que debes ver antes de ‘Un nuevo día’
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Spider-Man: Un nuevo día (Spider-Man: Brand New Day) trae de regreso a Tom Holland como Peter Parker, en su cuarta aventura en solitario como el trepamuros dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Y entre múltiples crossovers y viajes por el multiverso, ha sido un largo camino del que, quizá, has olvidado algunos puntos importantes.
Para refrescar tu memoria, a continuación te explicamos todas las películas de Spider-Man que debes ver antes de Un nuevo día, incluyendo sus participaciones en otras entregas dentro de la continuidad del UCM. Es decir que no tomaremos en cuenta a otras adaptaciones cinematográficas del personaje (si eso es lo que buscas, revisa esta guía). Pequeños spoilers a continuación.
Capitán América: Civil War (2016)
Un detalle importante para recordar es que el Spider-Man del UCM no debutó en su propia película en solitario, sino como parte de un crossover. Capitán América: Civil War revela que Tony Stark (Robert Downey Jr.) había vigilado a Peter Parker desde sus inicios como justiciero independiente, y lo recluta para su lado en el conflicto con Steve Rogers (Chris Evans).
Esta historia establece a un trepamuros más “tecnificado”, pues Stark provee a Peter un disfraz con toda clase de discretos gadgets. Así se forja también la relación de mentor y protegido que existe entre estas versiones de los personajes, y que resulta determinante para la narrativa de este Spider-Man en toda su primera etapa.
Spider-Man: De regreso a casa (2017)
La primera aventura de este trepamuros en “solitario” (énfasis en las comillas) sería Spider-Man: De regreso a casa, una película que abraza la faceta del héroe como un adolescente en pleno aprendizaje de la máxima “con un gran poder, viene una gran responsabilidad”. Es Spider-Man filtrado por el cine de John Hughes, con todo y referencias a Un experto en diversiones (Ferris Bueller's Day Off).
La película introduce a personajes clave en la trama de trepamuros, como su versión de MJ (Zendaya) y su mejor amigo, Ned Leeds (Jacob Batalon). Sin embargo, nuestro héroe aún existe bajo la sombra de Iron Man, su modelo a seguir y a quien busca impresionar, a veces con resultados catastróficos.
Avengers: Infinity War (2018)
Nuestro Spider-Man tendría que poner su aprendizaje en pausa una vez más para otro crossover, todavía más masivo que el anterior. Avengers: Infinity War arroja a Spidey a una sopa de personajes que incluye a Iron Man, Doctor Strange (Benedict Wong) y parte de los Guardianes de la Galaxia en conflicto directo con Thanos (Josh Brolin), cuya misión por reunir las Gemas del infinito deben detener a toda costa.
No es una entrega particularmente notable del UCM en términos de desarrollo del personaje para el arácnido, quien aquí funge como alivio cómico en primer lugar, y carne de cañón en segundo (aunque no deja de ser impactante verlo sucumbir ante el “chasquido” de Thanos, lo que se vuelve un motivador determinante para Stark). Pero al menos hay buen fanservice, con Spidey adoptando la versión UCM del disfraz conocido como Iron Spider.
Avengers: Endgame (2019)
Dada la conclusión de Infinity War, Spidey está ausente de esta historia, que retoma cinco años después (en 2023), con la humanidad sobreponiéndose a la pérdida de la mitad de los seres vivos en el planeta (y en el universo). Avengers: Endgame sigue a los Vengadores restantes en su misión por reunir las Gemas del infinito de diversos puntos en el tiempo, y así revertir el genocidio de Thanos.
Spoiler: lo consiguen a tiempo para que Spidey (y muchos otros héroes) se unan al campo de batalla en el enfrentamiento final contra Thanos. La principal baja es el propio Tony Stark, quien se sacrifica para detener al villano de una vez por todas. Y Peter está ahí en sus últimos momentos, lo que se vuelve determinante para el personaje en sus aventuras posteriores.
Spider-Man: Lejos de casa (2017)
La segunda aventura de Spidey en solitario lidia directamente con las repercusiones de haber presenciado la muerte de su mentor. Spider-Man: Lejos de casa manda a Peter y sus amigos a un viaje escolar por Europa, y el joven héroe debe enfrentar su duelo mientras se involucra con Quentin Beck, quien resulta ser el villano Mysterio, alguien con una vendetta pendiente con Stark Industries que concluye con la identidad de Spider-Man siendo revelada al mundo entero, con repercusiones desastrosas para su vida personal.
Como película de Spider-Man, es una de las más interesantes por sacar a Peter por completo de su elemento, llevándolo de los rascacielos neoyorquinos a Londres, y consagrando su crecimiento como pocas películas adolescentes de “pez fuera del agua” (como Bumblebee). También es espectacular al representar locaciones icónicas atravesando desastres (como Thor: Un mundo oscuro), aunque comienza a pecar de los vicios del UCM de la fase 3 en adelante: demasiados elementos y subtramas en juego, incluyendo la introducción del multiverso y la reintroducción de los Skrulls.
Spider-Man: Sin camino a casa (2019)
Dejando a un lado Endgame, el UCM no ha vuelto a ser tan grande y popular como en Spider-Man: Sin camino a casa. Por mucho la más exitosa entrega en la “Saga del Multiverso” de la franquicia, es la que ha demostrado que no existe héroe de Marvel más popular que Spidey. ¿Y qué sucede cuando lo multiplicas por tres?
Valiéndose del recurso del multiverso, esta película es un crossover totalmente diferente, que reúne al Spidey de Tom Holland con sus variantes (versiones alternativas de universos paralelos), específicamente, con sus encarnaciones de las adaptaciones previas: Tobey Maguire y Andrew Garfield, pero también con toda su galería de villanos (con el temible Norman Osborn de Willem Dafoe como el mejor de todos).
Por un lado, Sin camino a casa concluye el primer arco para el Peter Parker de Tom Holland, quien finalmente sale de la sombra de Tony Stark y se convierte en héroe bajo sus propios términos, y con un borrón y cuenta nueva entrando a Un nuevo día. Es, a su vez, un cierre de arco narrativo para las otras encarnaciones del personaje, amarrando particularmente la trama inconclusa del Peter Parker de El sorprendente Hombre araña 2.
Spider-Man: Un nuevo día (2026)
Poco sabemos oficialmente sobre Spider-Man: Un nuevo día. Por un lado, por la magia de Doctor Strange al final de Sin camino a casa, sabemos que la identidad de Peter Parker ha sido borrada de la memoria colectiva, así que Peter recupera su anonimato, pero está completamente solo. Por otro lado, el título de la película es prestado de un arco de los cómics que, si bien por otra vía, también fue un borrón y cuenta nueva para el trepamuros.
La película también contará con la actuación de Sadie Sink de Stranger Things en un rol que se ha mantenido en secreto, pero que parece tener implicaciones multiversales. Siendo que seguimos dentro de la “Saga del Multiverso” del UCM y que Un nuevo día es la última película de la saga antes de Avengers: Doomsday, seguro algo tendrá que aportar a la gran narrativa de los Vengadores en su lucha contra Doctor Doom (quien, crucialmente, también será interpretado por Robert Downey Jr.).
Las 10 mejores películas de terror de A24
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
En años recientes, uno de los sellos de producción y distribución independiente que más entusiasman a los cinéfilos, es A24. Y si bien ha destacado en una amplia gama de géneros, en pocos lo ha hecho como en el terror, donde ha producido varios títulos esenciales en lo que llevamos del siglo XXI.
Han sido muchas sus aportaciones al canon, pero no todas han alcanzado las mismas alturas. Si quieres conocer más sobre las producciones del estudio dentro de este particular género, seleccionamos para ti las 10 mejores películas de terror de A24 (y te decimos cómo verlas).
10. Pearl (2022)
Fácilmente podríamos incluir completa a la “trilogía X” de Ti West y Mia Goth en este listado, pero si hemos de quedarnos con una, tendría que ser Pearl por la potencia interpretativa de Goth en esta entrega, la segunda en ser estrenada pero la primera cronológicamente.
Con guiños a clásicos de la era dorada de Hollywood como El mago de Oz, esta es la película que ata la tesis presentada por X y cerrada por MaXXXine sobre la relación de explotación que existe entre el ideal de fama y el cuerpo femenino, que a lo largo de las épocas se transforma en un grillete diferente, pero siempre moralino y represor para las mujeres que aspiran a conseguirla. Y Mia Goth está aquí en su estado más deliciosamente demencial.
9. In Fabric: Vistiendo la muerte (2018)
Una de las mejores películas de terror de A24 es, también, una de sus más tristemente infravaloradas, pero es una deliciosidad por su mezcla de influencias (que van desde Carnaval de almas a clásicos del giallo como Rojo profundo) para contar una historia gloriosamente estrafalaria.
In Fabric: Vistiendo la muerte sigue a una mujer reprimida sexualmente (Marianne Jean-Baptiste) que queda fascinada por un misterioso vestido rojo. La prenda, sin embargo, sólo atrae incidentes extraños y violentos a su vida familiar, y pronto descubre que se trata de una maldición de la que es prácticamente imposible escapar.
8. High Life (2018)
Una de las películas de terror de A24 posiblemente más ignoradas al ser una de las menos convencionales y temáticamente más densas. High Life es, en realidad, una propuesta de corte más autoral, en el que la directora Claire Denis (Sangre caníbal) mezcla elementos de ciencia ficción con una trama existencial y psicosexual. Cualquier cosa, pues.
La película sigue a Monte (Robert Pattinson) y su hija Willow (Jessie Ross), que viven completamente aislados en una nave espacial. Son lo último que queda de un grupo de reos que, a cambio de la pena de muerte, se entregaron a una misión espacial rumbo a un agujero negro. Como Ad Astra o Solaris, pero profundamente más desoladora.
7. Háblame (2023)
El largometraje debut de los hermanos Michael y Danny Philippou es una devastadora alegoría sobre los profundos efectos psicológicos de la pérdida y la depresión, con más tacto e impacto que propuestas contemporáneas como Sonríe (e incluso la sucesora de los propios Philippou, Haz que regrese).
Háblame es la historia de una adolescente (Sophie Wilde) quien se engancha a la emoción de invocar los espíritus de los muertos por medio de una cadavérica mano embrujada. Sin embargo, cuando logra establecer contacto con su madre muerta por este medio, desencadena una espiral de eventos macabros que tendrá fatales consecuencias.
6. El faro (2019)
Antes de dar el salto a proyectos más ambiciosos, el director Robert Eggers fue responsable por no una, sino dos de las mejores películas de terror de A24. La segunda de las dos fue El faro, en la que dos hombres (Willem Dafoe y Robert Pattinson) durante el siglo XXI se confinan a una remota isla como guardianes de un faro, con sus mentes deteriorándose ante las inclemencias del clima, la soledad y lo que podría ser una amenaza sobrenatural.
En esta película, Eggers reiteraba su talento para crear atmósferas perturbadoras pero realistas y auténticas en épocas pasadas Algo que había hecho con la misma precisión en su largometraje debut y que continuaría con sus producciones más ambiciosas, como El hombre del norte y su remake de Nosferatu.
5. Midsommar: el terror no espera la noche (2019)
Otro de los cineastas que ha creado más de una de las mejores películas de terror de A24, es Ari Aster, cuya peculiar sensibilidad para crear imágenes violentas y sumergirse en lo más oscuro de la vida familiar humana ha resultado en algunos de los títulos más perturbadores del siglo XXI.
Tomando inspiración de clásicos del folk horror como El hombre de mimbre, Midsommar es una película que se adentra en la depresión de una joven mujer (Florence Pugh), quien ha perdido a toda su familia. Cuando acompaña a su novio (Jack Reynor) a unas peculiares fiestas juninas en Suecia, comienza a deteriorase mucho más que su relación, en un auténtico descenso hacia la locura que deconstruye la naturaleza del amor, pero también del individualismo.
4. Salvando almas (2019)
Antes de dirigir la más extravagante (pero igual de potente) Amor, mentiras y sangre, Rose Glass debutó con Salvando almas (Saint Maud), un perturbador terror psicológico que se adentra en los rincones más oscuros del fanatismo religioso. La trama trata sobre una inestable enfermera de cuidados paliativos (Morfydd Clark) que atiende a una hedonista pero frustrada exbailarina (Jennifer Ehle) que padece cáncer terminal. Su choque de personalidades y visiones del mundo saca lo peor en la enfermera, convivencia de que Dios le ha confiado la misión de salvar el alma de su paciente.
Esta película narra el impactante declive psicológico de una protagonista en soledad, similar a La cabaña siniestra, pero con un elemento de crítica religiosa que la emparenta con la más reciente Hereje.
3. El legado del diablo (2018)
El largometraje debut de Ari Aster es una propuesta que bebe de las fuentes de El exorcista y Amenaza en la sombra para demoler con poderosos y horripilantes martillazos la idea de que el núcleo familiar es un refugio que todo lo puede.
Esto, dado que la familia en El legado del diablo (Hereditary) es un manojo disfuncional de depresión, negligencia y resentimiento que podría (o no) estar siendo saboteado por una secta con intereses más oscuros. Todavía más perturbador es preguntarse si lo que sucede es obra de lo sobrenatural, o de cada miembro de la familia sucumbiendo a sus peores impulsos.
2. La bruja (2015)
El largometraje debut de Robert Eggers (y primer crédito como actriz de Anya Taylor-Joy) es el ejemplo paradigmático del tipo de películas que establecieron a A24 como un sello de prestigio dentro del cine de terror (y que popularizaron la errónea noción del “terror elevado”).
Sin embargo, el nivel artístico de La bruja es algo que el estudio rara vez ha igualado, y pocas películas (salvo la filmografía del propio Eggers, como El faro) han podido igualar, tanto en la meticulosa construcción de su mundo—las inclemencias de Nueva Inglaterra del siglo XVII—como de su historia—sobre una joven de una familia puritana que abraza la naturaleza ante el vacío de fe—. Madre oscura y Cuando acecha la maldad encuentran territorio en común, pero sin el inglés antiguo y la desolación rural, no es exactamente lo mismo.
1. Vi el brillo del televisor (2024)
Si La bruja fue una de las manifestaciones iniciales del terror autoral que distinguiría al repertorio de A24, Vi el brillo del televisor (I Saw the TV Glow) estaría destinada a convertirse en una de sus expresiones más brillantes, nostálgica e inquietante por partes iguales. Dirigida por Jane Schoenbrun, la película comienza en los 90 y sigue a dos solitarios adolescentes (Justice Smith y Jack Haven) unidos por su afición a un singular programa de televisión juvenil que transforma sus vidas en un nivel profundo. De un día para otro, sin embargo, las cosas cambian.
Es un trabajo singularmente lynchiano en el mejor sentido de la palabra, no derivativo, sino evocativo de las vibras de clásicos como Mulholland Drive para brindar una exploración de la identidad de género y de la profunda oscuridad de la represión, o de sentirse atrapado en el propio cuerpo.
Renate Reinsve: sus películas y series, rankeadas (incluyendo ‘Valor sentimental’)
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Luego de recibir el premio a Mejor actriz del Festival de Cannes por La peor persona del mundo, Renate Reinsve se ha convertido en una de las actrices más aclamadas de su generación, aparentemente de la noche a la mañana. Sin embargo, ha trabajado en el cine noruego desde 2011, e incluso recibió el premio Hedda para la actuación en teatro en 2014.
A raíz de su colaboración con el director Joachim Trier, su carrera ha emigrado a otros países como Estados Unidos, donde ha realizado dramas independientes e incluso series de televisión. Para que conozcas más sobre su trayectoria, aquí rankeamos las películas y series de Renate Reinsve, incluyendo Valor sentimental.
1. La peor persona del mundo (2019)
A pesar de que ha construido una filmografía a partir de la película que la convirtió en estrella, lo cierto es que nada en ella ha superado (aún) su trabajo en La peor persona del mundo. Cual “coming-of-age tardío”, esta película sobre cuatro años en la vida de una mujer navegando las aguas del amor y su vocación profesional vive y muere por su interpretación como una joven carismática en busca de sentido y conexión.
Es una película emotiva y poderosa que ha hablado a toda la generación millennial sobre los vaivenes de la adultez, en un modo similar a como Antes del atardecer o (500) días con ella harían en su momento. Aún insuperable en las respectivas filmografías de Reinsve y el director Joachim Trier, aunque ambos han estado cerca.
2. Valor sentimental (2025)
Ganadora del Grand Prix en Cannes, Valor sentimental es otra formidable colaboración entre Joachim Trier y Renate Reinsve, quien aquí es acompañada por un elenco impecable en una historia sobre hacer cine. La trama sigue la fracturada relación entre una actriz (Reinsve) y su padre, un aclamado director de cine (Stellan Skarsgård), que se complica cuando éste decide realizar una película profundamente personal y vinculada a la historia familiar.
Esta es una película que aborda muchos temas, en una narrativa que entreteje las vivencias personales y familiares con la expresión artística, y esta misma como una forma de sanar y conectar. Tiene algo tanto para fans de Aftersun como de La isla de Bergman e incluso del director Nanni Moretti, quien presenta reflexiones relacionadas sobre el cine en Lo mejor está por venir.
3. Armand, una acusación peligrosa (2024)
En el thriller Armand, una acusación peligrosa (dirigida por Halfdan Ullmann Tøndel, nieto de Ingmar Bergman y Liv Ullmann), Renate Reinsve interpreta a una joven madre viuda cuya vida comienza a desmoronarse cuando es llamada al colegio de su hijo de seis años, a quien se acusa de agredir sexualmente a otro niño. Por medio de diálogo en largas tomas tensas, se van desgranando y sugiriendo las dinámicas familiares que podrían haber dado lugar a lo que realmente sucedió: los niños son primos, sus madres son cuñadas, y parece haber tensiones en ebullición bajo la superficie.
Ullmann toca temas espinosos donde, similar a La caza de Thomas Vinterberg, se reflexiona sobre las aguas de la “verdad”, enturbiadas por resentimientos, histeria y corrección política. La película oscila erráticamente en ritmo, incluso ahondando en elementos oníricos, pero si algo la sostiene y la vuelve fascinante es, de nuevo, la actuación de Reinsve en un rol de una madre bajo niveles ingentes de tensión.
4. Un hombre diferente (2024)
El salto oficial de Renate Reinsve al cine estadounidense vino con la comedia psicológica Un hombre diferente, aunque en un papel secundario—aunque igualmente maravillosamente ejecutado—. La trama sigue a un hombre deformado por neurofibromatosis (Sebastian Stan) que se enamora perdidamente de su vecina, una atractiva dramaturga. Al conseguir una milagrosa cura para su condición, él decide asumir una nueva identidad y comenzar de nuevo. Comienza a acercarse a la mujer cuando descubre que ella está escribiendo una obra inspirada en él, pero todo se complica cuando entra en escena un carismático actor (Adam Pearson), seguro de sí mismo a pesar de su condición.
Con El hombre elefante como su obvio referente, la película dirigida por Aaron Schimberg lidia con cuestiones complejas como las expectativas de la seguridad masculina y la identidad performativa. En ese sentido, Renate constituye un elemento central para el análisis, pues el trabajo de su personaje como dramaturga va al fondo de los entrecruces entre verdad y ficción en el arte.
5. Descansa en paz (2024)
Renate Reinsve también ha tenido un par de incursiones en el cine de terror, y la mejor es esta singular película de zombis. En el thriller de terror Descansa en paz (Handling the Undead), los muertos de Oslo vuelven milagrosamente a la vida. La trama se desarrolla como tres historias independientes en este suceso, con Renate interpretando a una joven madre que aún llora la muerte de su pequeño hijo, cuando este regresa inesperadamente a la vida.
Sin embargo, hay que decir que esto no es cine de zombis en el sentido convencional, pues en vez de adoptar las convenciones del terror como espectáculo, adopta un ritmo más pausado para abrazar la contemplación de la muerte y el luto (con Reinsve fenomenal, de nuevo). Es una película basada en una novela del escritor John Ajvide Lindqvist, quien también es autor de Déjame entrar, otra singular propuesta de terror vampírico.
6. Un final diferente (2024)
En el romance de ciencia ficción Un final diferente, dirigida por el italiano Piero Messina, Renate Reinsve realiza un papel dual. Por un lado es Zoe, una mujer que murió trágicamente en un accidente de auto, dejando a su esposo Sal (Gael García) con culpa del superviviente. La hermana de Sal, Ebe (Bérénice Bejo) trabaja en una compañía llamada Aeternum, cuya innovadora tecnología permite descargar temporalmente las memorias de los seres queridos en otras personas para poder despedirse de ellas. Así, Sal comienza a encontrarse con Ava (también Reinsve), la mujer que aloja los recuerdos de su amada.
La película aborda el luto de un modo similar a Descansa en paz, pero por vía de una ciencia ficción que te recordará a series como Black Mirror o a La bestia, de Bertrand Bonello (francamente superior, si somos sinceros). Y de nuevo, es Renate Reinsve quien entrega la actuación más cautivadora y luminosa del elenco.
7. Se presume inocente (2024)
La otra incursión de la actriz en Hollywood vino en Se presume inocente (Presumed Innocent), miniserie de Apple y remake de la película homónima con Harrison Ford. Se trata de un thriller en el que una fiscalía de Chicago es puesta de cabeza cuando uno de los suyos (Jake Gyllenhaal) se convierte en el principal sospechoso de una colega (Renate Reinsve), lo que también devasta su vida familiar al revelarse que ambos tenían un amorío.
Mucho menos concisa que su versión fílmica, Se presume inocente es de los papeles menos cautivadores de Renate sencillamente en razón de que su rol es breve y poco profundo, más un macguffin que un personaje bien construido. Es, por lo menos, un thriller legal interesante, que disfrutarás si te gustan títulos similares como Jurado No. 2.
8. Oslo, 31 de agosto (2011)
El debut cinematográfico de Renate Reinsve y su primera colaboración con Joachim Trier, Oslo, 31 de agosto es un drama sobre un adicto a la heroína en recuperación (Anders Danielsen Lie) quien intenta reconectar con sus viejos amigos y conocidos durante un día (es un remake libre de El fuego fatuo, de Louis Malle).
La incluimos en este ranking puesto que se trata del debut de Reinsve, aunque en realidad apenas si aparece en la película (aunque dejó tal impresión en Trier que la invitaría a su determinante segunda colaboración juntos). La película forma parte de la “trilogía de Oslo” del director junto con Reprise: Vivir de nuevo y La peor persona del mundo (siendo Danielsen Lie el actor en común entre las tres).
9. Villmark 2 (2015)
La primera incursión de Renate Reinsve en el terror sería en Villmark 2, también conocida como Bosque tenebroso 2 en algunos territorios. Esta película de terror noruega sigue a un grupo de trabajadores que deben registrar un sanatorio abandonado para confirmar que no haya residuos tóxicos previo a su demolición, pero una vez dentro se encuentran con cosas más tenebrosas.
Es uno de los primeros papeles de la actriz en cine, pero es uno de los menos notables porque es, en esencia, una producción de terror genérica sobre sitios abandonados y embrujados, claramente inspirada en propuestas mejor ejecutadas como Session 9 o lo que eventualmente sería la coreana Gonjiam: Hospital maldito.
Universo ‘El conjuro’: todas las películas, en orden cronológico
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
El Universo El conjuro (The Conjuring Universe), también conocido en algunos territorios como Universo Expediente Warren, es una de las sagas de terror más exitosas en la historia del cine. También es una de las más extensas, pues después de El conjuro, la franquicia ha tenido varios spin-offs que, estrenados en desorden, pueden ser un dolor de cabeza para hilar la historia.
¿La solución? Ver todas las películas del Universo El conjuro no en orden de estreno, sino en orden cronológico. En esta guía te diremos cómo verlas en esta secuencia para que no te pierdas en este mundo siniestro.
La monja (2018)
Situada en Rumanía durante 1952, La monja (The Nun) es, de lejos, el primer relato en orden cronológico dentro del Universo El conjuro, aunque en realidad es un spin-off creado para la villana titular (Bonnie Aarons), introducida en El conjuro 2.
La trama sigue a una novicia (Taissa Farmiga) y a un sacerdote experto en exorcismos (Demián Bichir) que investigan el suicidio de una monja, lo que los conduce a descubrir un secreto profano y terrible en el convento que pone a prueba su fe. Tan influenciada por El exorcista como por El bebé de Rosemary, en cierto sentido.
Annabelle 2: La creación (2017)
Sí, el “2” en el título localizado puede ser de lo más confuso, pero que no te engañe: Annabelle 2: La creación (Annabelle: Creation) es una precuela que, como el título sugiere, es una precuela que narra la creación de la muñeca titular, quizá el personaje más emblemático en el Universo El conjuro además de los propios Warren.
Situada en California mayormente durante 1955, la película sigue a un creador de muñecas y a su esposa que, más de una década después de la trágica muerte de su pequeña hija, abren las puertas de su hogar a varias niñas y una monja de un orfanato clausurado. Sin embargo, pronto se vuelven el objetivo de una entidad maligna por conducto de la muñeca. Aunque superior al primer spin-off de la muñeca, sigue siendo menos interesante que otras películas de muñecos poseídos (para muestra, hace falta ver lo que la japonesa Dollhouse hace con menos).
La monja II (2023)
Aunque es secuela directa de La monja, esta es la tercera entrega en orden cronológico del Universo El conjuro, situada en Francia durante 1956. La monja II (The Nun II) sigue una vez más a la hermana Irene (Taissa Farmiga), la única sobreviviente al encuentro con Valak (Bonnie Aarons), quien ahora debe proteger a las estudiantes de un convento contra la monja demoníaca.
Es, por mucho, uno de los puntos más bajos de la saga, que peca de los vicios de otras franquicias interconectadas como el Universo Cinematográfico de Marvel, que se enredan demasiado en su propia mitología en vez de contar una historia interesante por sí misma. Sin embargo, para los completistas, es esencial para seguir la trayectoria del demonio titular en camino a El conjuro 2.
Annabelle (2014)
Estrenada tan solo un año después de El conjuro, Annabelle es el primer spin-off del Universo El conjuro, y tiene un vínculo directo con esta primera película. En la secuencia inicial de la misma, Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga) hacen una presentación sobre la muñeca y explican el origen de sus poderes. Esa historia es expandida en esta precuela, situada en California durante 1967. La trama sigue a una joven pareja (Annabelle Wallis y Ward Horton) que esperan a su bebé, y que son atacados por miembros de una secta lo que conduce, aparentemente, a la posesión de una muñeca que tienen en casa.
Es una película que abordó el terror doméstico visto en propuestas como Babadook de forma interesante, aunque no con la misma elegancia que El conjuro. Pero eso sí, contribuyó a popularizar el terror de muñecas poseídas de formas que Muñecos malditos o Vacaciones de terror jamás hubieran podido imaginar.
Como dato, la película está conectada a Lobos al acecho (Wolves at the Door) por el actor Eric Ladin, quien tiene el mismo papel en ambas películas. Sin embargo, no es parte oficial del Universo El conjuro. También establece un vínculo con otra película de la saga por medio del padre Pérez (Tony Amendola).
El conjuro (2013)
La película que lo comenzó todo, El conjuro (The Conjuring), se sitúa en Rhode Island mayormente durante 1971, y sigue a los investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren, que ayudan a la familia Perron a enfrentarse a eventos perturbadores en su nueva casa. Aquí también se introduce al personaje del padre Gordon (Steve Coulter), cuya presencia en otras películas sirve como tejido conectivo de la saga.
Con una trama tan bien construida como sus jumpscares, esta película dio nueva vida al terror sobrenatural comercial, con fuerte inspiración en películas como Juegos diabólicos (Poltergeist) de la mano del director James Wan, quien ya había entregado otro gran trabajo similar con La noche del demonio (Insidious).
Annabelle 3: Viene a casa (2019)
La tercera—y hasta ahora, última—película sobre la muñeca emblema del Universo El conjuro es, al mismo tiempo, una especie de paréntesis o “intercuela”, pues se sitúa inmediatamente después de El conjuro y tiene relación directa. Annabelle 3: Viene a casa (Annabelle Comes Home) se sitúa en 1972 y comienza con Ed y Lorraine Warren confiscando a la muñeca titular para confinarla en su sala de artefactos con ayuda del padre Gordon, donde consideran que estará segura. Y lo está, hasta que salen de viaje y el cumpleaños de su hija Judy (Mckenna Grace) resulta en la liberación de la muñeca, que invoca a otros demonios y espíritus.
Es una de las películas menos impactantes de toda la saga, pero se aprecia la originalidad de tomar elementos ya conocidos y hacer algo diferente con ellos. En específico, esta historia se desenvuelve bajo el tropo de “adolescentes en una casa embrujada”, más en el estilo de El despertar del diablo (The Evil Dead).
La maldición de La Llorona (2019)
Esta película, que no debe confundirse con la mexicana de 1963 con el mismo título, es la que menos conexiones tiene con el resto del Universo El conjuro y, en muchas instancias, no se le considera como tal. En todo caso, sólo cuenta con la presencia del padre Pérez (Tony Amendola) y una mención a los Warren para establecerla como parte del mismo universo.
Inspirada en el mito latinoamericano homónimo, La maldición de La Llorona sucede en Los Ángeles en 1973 (con un prólogo 300 años antes, en 1673) y sigue a una mujer (Linda Cardellini) que debe luchar contra el espíritu maligno titular que busca robarse a sus hijos. No es, ni remotamente, la propuesta más interesante basada en La Llorona (distinción que sí merece la película de Jayro Bustamante del mismo año), pero es un giro entretenido a un mito popular latino.
El conjuro 2 (2016)
A partir de aquí, la cronología del Universo El conjuro deja de ser tan confusa: sólo hay que seguir la continuidad principal en orden de estreno. El conjuro 2 comienza en 1976 y sigue a los Warren una vez más en la investigación de un nuevo caso, inspirado en el poltergeist de Enfield en Londres. Esta es la película que establece una conexión directa con el spin-off de La monja.
Al igual que otras películas de El conjuro, ésta se inspira en acontecimientos reales, en este caso, el citado poltergeist de Enfield. Por si quieres comparar adaptaciones, dicha historia también fue explorada en la miniserie La maldición de Enfield, que dramatiza los hechos a partir de grabaciones de audio reales.
El conjuro: El diablo me obligó a hacerlo (2021)
Situada en 1981 y de regreso en los Estados Unidos, El conjuro: El diablo me obligó a hacerlo es, probablemente, la entrega más morbosa de todo el Universo El conjuro. La trama, sobre un joven (Ruairi O'Connor) cuya posesión demoníaca lo orilla a cometer brutales asesinatos, está inspirada en el juicio a Arne Cheyenne Johnson, el primer caso en el que la defensa alegó posesión demoníaca para alegar su inocencia.
Aunque la secuencia inicial es aterradora, es aquí donde comienza a verse un declive notorio en la calidad narrativa de las películas en la continuidad principal. Si quieres saber más sobre esta historia, checa el documental de Netflix Juicio al diablo (The Devil on Trial).
El conjuro 4: Últimos ritos (2025)
La conclusión oficial de la saga de los Warren en el Universo El conjuro, la cuarta entrega también se inspira en hechos, el caso de la familia Smurl, y se sitúa en 1986, el punto más próximo a la actualidad en el orden cronológico de la saga. El conjuro 4: Últimos ritos sigue a Ed y Lorraine Warren investigando un último caso paranormal, ahora con ayuda de su hija Judy (aquí interpretada por Mia Tomlinson).
Es, quizá, la entrega más débil de la historia de los Warren, por lo que quizá sea para bien que sea la última. Si quieres conocer más sobre el caso Smurl, también puedes ver la película La mansión embrujada (The Haunted), de 1991.
Jamie Campbell Bower: ‘Harry Potter’ y otras 5 películas para ver a Vecna de ‘Stranger Things’
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Aunque actualmente es más famoso como el villano Henry Creel, mejor conocido como Vecna, el británico Jamie Campbell Bower tiene una trayectoria que va mucho más allá del elenco de Stranger Things. El actor ha tenido varios papeles, tanto complejos en producciones independientes como pequeños en sagas notables.
Si quieres conocer más de su trabajo fuera de Stranger Things, aquí tienes una selección de películas con Jamie Campbell Bower.
La saga Harry Potter y Animales fantásticos (2001-2022)
Dado que no es uno de los papeles principales (al menos no en la historia de Harry y Voldemort), es posible que hayas olvidado la presencia de Jamie Campbell Bower en la saga de Harry Potter, donde también interpreta a un villano. Específicamente, él es la versión joven del mago tenebroso Gellert Grindelwald, rol que sería adoptado por Johnny Depp y Mads Mikkelsen a partir de Animales fantásticos.
Campbell Bower interpreta el papel en dos instancias específicas, ambas en flashback. Una en la primera parte de Las reliquias de la muerte, y una vez más en Los crímenes de Grindelwald, la segunda entrega de las precuelas.
Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet (2007)
Aunque Vecna y el joven Grindelwald son sus papeles más famosos hasta la fecha, Jamie Campbell Bower tuvo un papel secundario pero que luce más sus talentos en Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet, musical de terror dirigido por Tim Burton.
Notable porque aquí, el actor consigue presumir su voz como cantante, en el rol del joven marinero Anthony, que se enamora de Johanna (Jayne Wisener). Ambos cruzan caminos con el peligroso barbero titular (Johnny Depp), y logran escapar con sus vidas.
La saga Crepúsculo (2008-2012)
Habrás notado que Jamie Campbell Bower tiene una afinidad artística a proyectos que tienen que ver con el terror y la fantasía, así que no es de extrañar que también haya sido parte de la saga Crepúsculo, incluso si fue en un papel secundario.
Comenzando con Luna nueva y de nuevo con Amanecer y su segunda parte, el actor interpretó a Cayo (o Caius), uno de los antiguos líderes de los Volturi y el más cruel de los tres, que tiene uno de los decesos más dignos de mención en la batalla climática, misma que resulta ser sólo una visión. Incluso hasta el final, intenta provocar la lucha para castigar a los Cullen, sin éxito.
Cazadores de sombras: Ciudad de hueso (2013)
Jamie Campbell Bower tendría uno de sus protagónicos más relevantes en Cazadores de sombras: Ciudad de hueso, basada en el libro homónimo de Cassandra Clare, primero de una saga de fantasía juvenil.
En la película, él interpreta a Jace, el protagonista masculino, un chico perteneciente a un grupo de hermanos dedicados a cazar demonios y demás seres oscuros que buscan apoderarse del mundo, e interés romántico de la protagonista femenina (Lily Collins). Campbell Bower da una buena actuación, pero la película no fue bien recibida ni por los fans de las novelas ni por el público general, lo que condujo a un reboot televisivo (donde Jace es interpretado por Dominic Sherwood).
Horizonte: Una leyenda americana (2024)
El actor también tiene un papel en la épica western concebida por Kevin Costner, situada en el periodo de inestabilidad después de la Guerra de Secesión estadounidense.
En Horizonte: Una leyenda americana seguimos a un amplio elenco de personajes en este periodo, en un complejo entramado de intereses, alianzas y traiciones. Jamie Campbell Bower interpreta, una vez más, a un villano: Caleb, quien asesina a un hombre a sangre fría. La expansiva historia continúa en un segundo capítulo (con dos más en camino, en teoría), aunque Campbell Bower ya no aparece en él.
Emmanuelle (2024)
Una de las películas más interesantes en el repertorio de Jamie Campbell Bower es Emmanuelle, que si bien es un rol secundario, ya resulta más complejo por la pura naturaleza del material.
Aunque es la enésima adaptación cinematográfica de la novela erótica de Emmanuelle Arsan, esta versión dirigida por Audrey Diwan (con Noémie Merlant y Naomi Watts en el elenco) reimagina al personaje titular como una ejecutiva de una cadena de hoteles lujosos, que visita la sucursal de Hong Kong y tiene diferentes experiencias que la hacen reencontrarse con su sexualidad. Campbell Bower interpreta a Sir John, con quien la protagonista tiene varios sensuales y reveladores diálogos.
‘Avengers: Doomsday’: Las películas y series que debes ver antes
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Con el estreno de la quinta entrega cinematográfica de Los Vengadores en diciembre de 2026 ya aproximándose, es buen momento para comenzar con la lista de deberes. Mucho ha cambiado en el Universo Cinematográfico de Marvel (¡y en el multiverso!) antes de la llegada del Doctor Doom (Robert Downey Jr.).
Así que, si no has estado al corriente de las (extensas) últimas fases del UCM, a continuación te diremos cuáles son las películas y series esenciales para ver antes de Avengers: Doomsday, con algo del contexto que necesitarás saber entre una película y otra dentro de lo que se conoce como “Saga del Multiverso”.. Pequeños spoilers de cada una a continuación.
Avengers: Endgame (2019)
El status quo del UCM es determinado en Avengers: Endgame, el clímax de su fase 3. La batalla contra Thanos (Josh Brolin) abre la puerta a los viajes en el tiempo y, por consiguiente, a las repercusiones multiversales que veremos en las siguientes fases. Además, hay otras dos conexiones importantes: por un lado, esta película marca el “retiro” de Steve Rogers (Chris Evans) como el Capitán América (aunque ya se confirmó su regreso en Doomsday). Por otro lado, y aunque aún no sabemos si habrá relación entre ambos personajes al ser interpretados por Robert Downey Jr., aquí vemos el sacrificio de Tony Stark/ Iron Man para salvar el universo.
Además, fuera de la ficción, el UCM nunca ha sido tan grande como cuando se estrenó Endgame, con la posible excepción de Spider-Man: Sin camino a casa. Avengers: Doomsday será la prueba de fuego para ver si la saga aún contiene el poder de convocatoria que la llevó a esas alturas.
La trilogía original de X-Men y X-Men: Días del futuro pasado (2000-2006, 2014)
Una de las grandes sorpresas del extenso anuncio del elenco para Avengers: Doomsday, fue la presencia de varios actores que formaron parte de la saga original de X-Men, como Sir Patrick Stewart, Sir Ian McKellen, James Marsden y Alan Cumming. Si bien la presencia de estas versiones de los personajes ya era una posibilidad (Stewart y Kelsey Grammer ya habían aparecido en otras entregas), esto nos confirma que el multiverso también parece abarcar otras franquicias basadas en personajes de Marvel, más allá del UCM.
Eso significa que tendríamos que volver a la muy extensa saga cinematográfica de X-Men, lo cual supone una enorme tarea en sí misma. Sin embargo, para efectos de Doomsday, puedes quedarte con las primeras tres entregas (X-Men, X-Men 2 y X-Men 3: La batalla final), que presenta a estas iteraciones de los personajes. También recomendamos complementar con X-Men: Días del futuro pasado, dado que aún desconocemos si la iteración más nueva de la franquicia también formará parte en algún momento (además de que trata sobre otra historia de viajes en el tiempo y dimensiones paralelas, para entrar en ambiente).
Loki (2021-2023)
Una de las primeras producciones en lidiar con el concepto del multiverso y las variantes (versiones de universos alternativos de un mismo personaje) directamente a raíz de los eventos de Avengers: Endgame, fue la serie Loki. La versión original que conocimos del personaje (Tom Hiddleston) murió a manos de Thanos en Avengers: Infinity War, pero los viajes en el tiempo de Endgame tuvieron como consecuencia que el Loki de los eventos de Avengers: Los Vengadores de 2012 usara el Teseracto para escapar.
Al final de la serie (y de un largo camino de redención), Loki colabora con la Autoridad de Variación Temporal (TVA en inglés) y acepta su destino como guardián de las líneas temporales—concluyendo una trama que estaba profundamente vinculada a Kang (Jonathan Majors), un personaje ya oficialmente retirado de la narrativa—. Muchos pensamos que sería lo último que veríamos del personaje, pero dado que Hiddleston fue anunciado como parte del elenco de Doomsday, algún rol tendrá que jugar como la entidad que puede mirar todo el multiverso.
Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos (2021)
¡Hey! ¿Recuerdan a Shang-Chi? Uno de los héroes de más reciente debut en el UCM tuvo su primera entrega en solitario en 2021, y no lo hemos vuelto a ver… hasta ahora. Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos es una de las películas que, en apariencia, tiene menos implicaciones para la narrativa del multiverso, así que el anuncio de Simu Liu en el elenco de Avengers: Doomsday extrañó a algunos.
Sin embargo, hay que recordar que la escena post-créditos de su película insinuaba ya una conexión con una amenaza superior conectada a los Diez Anillos, el artefacto que le da su poder. Aún está por verse cómo se conectará con el resto de la narrativa, pero esto ya coloca a Shang-Chi en las órbitas de Bruce Banner (Mark Ruffalo), la Capitana Marvel (Brie Larson), Wong (Benedict Wong) y, por extensión, los Vengadores.
Doctor Strange en el Multiverso de la locura (2022)
Excluyendo a Loki, Doctor Strange en el Multiverso de la locura es la primera gran exploración del UCM de los conceptos del Multiverso y las variantes, con el héroe titular (Benedict Cumberbatch) adentrándose en varios universos paralelos y lidiando con las graves implicaciones cósmicas del encuentro entre dimensiones. Esta película tiene una conexión directa con la serie WandaVision (que a su vez aborda repercusiones de Endgame), así que quizá quieras revisarla antes.
Si bien el propio Cumberbatch no ha sido confirmado como parte del elenco de Avengers: Doomsday, esta película marcó el primer crossover oficial entre la vieja saga de X-Men y el UCM con la presencia del Charles Xavier de Patrick Stewart como parte de los Illuminati. Probablemente será pieza clave para entender cómo otras variantes suyas cruzarán a la continuidad principal. Además, con el debut de América Chávez (Xochitl Gomez), parecen haberse plantado las semillas para una versión de los Jóvenes Vengadores.
Thor: Amor y trueno (2022)
Previo al anuncio del regreso de Chris Evans como Steve Rogers, el único miembro original de los Vengadores en Avengers: Doomsday iba a ser Thor (Chris Hemsworth). Su última aparición fue en Thor: Amor y trueno, aventura que lo sacó del retiro para combatir a Gorr, el carnicero de dioses (Christian Bale) y reencontrarse con su viejo amor, Jane Foster (Natalie Portman).
Es una película que tiene pocas conexiones con la trama del multiverso, si somos sinceros, así que habrá que ver cómo se justifica el regreso del Dios del trueno quien, dicho sea de paso, es un orgulloso padre de familia al final de esta historia. Y quién sabe, quizá hagan algo con Hércules (Brett Goldstein), quien debutó en la escena post-créditos y sabrá Kevin Feige si lo volveremos a ver.
Pantera Negra: Wakanda por siempre (2022)
Gran parte del elenco de Pantera Negra: Wakanda por siempre fue confirmada para Avengers: Doomsday, tanto los héroes (Letitia Wright, Winston Duke) como los antagonistas (Tenoch Huerta). Incluso si la secuela de Pantera Negra no tiene ramificaciones multiversales, es un hecho que, con o sin T’Challa (Chadwick Boseman), Wakanda sirve un rol fundamental en la defensa de la Tierra.
Hay otros puntos interesantes, puesto que la presencia de Namor (Huerta) significaría la presencia de un segundo antagonista usualmente asociado a los Cuatro Fantásticos (además de Doom). ¿Y será que Shuri (Wright) podría liderar a la versión del UCM de los Jóvenes Vengadores?
Ant-Man & The Wasp: Quantumania (2023)
Ant-Man & The Wasp: Quantumania tiene que ser la película más incómoda en el UCM en este momento. Y no sólo porque es horrible de ver (ay, MODOK), sino porque esta iba a ser la introducción oficial de Kang el Conquistador (Jonathan Majors), quien estaba pensado para ser el gran villano de la Saga del Multiverso (hasta que Majors se metió en problemas personales y todo tuvo que ser reescrito para acomodar a Doctor Doom).
Está por verse si la saga hará “la vista gorda” o si habrá una transición explicada dentro de la narrativa. Lo único que sabemos es que Scott Lang/ Ant-Man (Paul Rudd) está confirmado como parte del elenco de Avengers: Doomsday, y tiene sentido: desde Endgame, es de los personajes más vinculados a la narrativa del multiverso, y podría tener un rol que jugar en la lucha contra Doom en ese sentido, sin mencionar que Scott tiene un nexo con otro personaje confirmado: Ava Starr/ Ghost (Hannah John-Kamen).
The Marvels (2023)
La secuela de Capitana Marvel no tiene un nexo tan directo, en apariencia, con Avengers: Doomsday, pues presenta una aventura más o menos contenida en sí misma. The Marvels reúne a Carol Danvers/ Capitana Marvel (Brie Larson) con la sobrina de su mejor amiga, la agente Monica Rambeau (Teyonah Parris) y la joven heroína Ms. Marvel (Iman Vellani) en una misión intergaláctica para detener una revolución Kree.
Sin embargo, la escena post-créditos concluye con Monica cruzando a un universo paralelo donde es recibida por el mutante Hank McCoy (Kelsey Grammer) de los X-Men y por una versión alternativa de su madre, Maria Rambeau (Lashana Lynch), quien aquí se hace llamar Binary (no es la primera variante de Maria que vemos, pues ella es la Capitana Marvel en uno de los universos visitados por Doctor Strange). Ojo, también, con otra semilla de los Jóvenes Vengadores: Ms. Marvel se inspira a buscar a otros jóvenes héroes como Kate Bishop (Hailee Steinfeld, quien debutó en Hawkeye).
Deadpool & Wolverine (2024)
Si bien ni Hugh Jackman ni Ryan Reynolds han sido confirmados como parte del elenco de Doomsday, ni la propia Deadpool & Wolverine tiene implicaciones narrativas importantes para la misma, es requerida por varios motivos. El primero: Channing Tatum, quien debutó aquí como su ansiada versión de Gambit, sí está confirmado en la quinta entrega de Los Vengadores.
Además, al involucrar a Wade Wilson/ Deadpool (Reynolds) con la TVA, esta película confirma la continuidad antigua de X-Men de Fox como parte de las múltiples líneas temporales que conforman el multiverso del UCM. Y no sólo eso: el gag de Chris Evans resulta más divertido en retrospectiva.
Capitán América: Un nuevo mundo (2025)
Aunque tiene más nexos con Hulk: El hombre increíble (¡de 2008!) que con la Saga del Multiverso, Capitán América: Un nuevo mundo es esencial por ser determinante para el status quo de los Vengadores entrando al conflicto con Doom. Aunque inicialmente dudoso de su rol como el nuevo Capitán América, Sam Wilson (Anthony Mackie, confirmado para Avengers: Doomsday) concluye esta historia como el líder de un nuevo equipo de Vengadores. Danny Ramirez también está confirmado para regresar como Joaquin Torres, el nuevo Falcon.
El regreso de Chris Evans podría ser un “disparo en el pie” para el viaje que ha tenido Sam hasta ahora, y habrá que ver cómo se justifica. Sin embargo, como cabeza de sus Vengadores, Sam entrará en conflicto directo no sólo con Doom, sino con otra facción que ostenta el título… (la película es un tanto redundante con la serie Falcon y el Soldado del Invierno, pero dado que introduce a otro personaje clave, quizá sería bueno revisarla antes).
Thunderbolts* (2025)
Florence Pugh, Lewis Pullman, Sebastian Stan, Wyatt Russell, David Harbour y Hannah John-Kamen: todo el elenco principal de Thunderbolts* regresa para Avengers: Doomsday, algo que se veía venir desde que la escena post-créditos de la película los colocó en un curso de colisión directo con Los Cuatro Fantásticos. No sólo eso: dado que el equipo acaba siendo renombrado como los Nuevos Vengadores por una treta de Valentina Allegra de Fontaine (Julia Louis-Dreyfus), ya se compraron el conflicto con los Vengadores oficiales de Sam Wilson.
Ojo, una vez más, con los Jóvenes Vengadores, pues Hawkeye estableció la amistad de Yelena Belova (Pugh) con Kate Bishop (Hailee Steinfeld).
Los 4 Fantásticos: Primeros pasos (2025)
La última película del UCM de 2025 (y también penúltima antes de Avengers: Doomsday, sólo sucedida por la cuarta aventura de Spider-Man) es la predecesora natural para el conflicto con Doctor Doom. Si bien el villano no es el antagonista principal de Los 4 Fantásticos: Primeros pasos, sí tiene un cameo en la escena post-créditos.
El cuarteto titular formado por Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Ebon Moss-Bachrach y Joseph Quinn está confirmado en el elenco de Doomsday, lo que era inevitable: Doom es el archienemigo de los Cuatro Fantásticos, su antagonista elegido en todas las adaptaciones previas, así que no iba a pasar mucho tiempo sin que se enfrentaran. Y seguramente jugarán un rol determinante en esa lucha.
Taylor Swift: Todas sus películas, rankeadas de mejor a peor
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Nadie, ni sus detractores, podrían discutir que Taylor Swift es una de las artistas más grandes y exitosas del pop no sólo en la actualidad, sino en la historia de la música. Como ícono popular que es, su talento no se ha limitado a los escenarios, sino que también se ha extendido a la pantalla tanto en cine de ficción como en documentales y películas de conciertos (como la histórica The Eras Tour).
Para conocer a Taylor Swift más allá de la música, organizamos todas sus películas de mejor a peor en este ranking, incluyendo sus participaciones en cine de ficción.
1. Folklore: Sesiones en Long Pond Studio (2020)
Por mucho que Taylor Swift brille con la grandilocuencia masiva de The Eras Tour, hemos de argumentar que su mejor película—y la que más revela de ella como artista—es mucho más íntima y contenida. Se trata de Folklore: Sesiones en Long Pond Studio, en el que Swift—también como directora aquí—se reúne con sus productores en el remoto estudio Long Pond para interpretar juntos, por primera vez, su álbum Folklore, que fue grabado y producido de forma aislada durante la pandemia.
El encanto está en la intimidad del experimento, en el que Swift no sólo interpreta las canciones del álbum, sino que revela mucho de su significado y proceso creativo. Y si algo demuestran títulos como Get Back de The Beatles, es que el artista es tanto el que vemos en el escenario rindiendo la enésima interpretación de un tema, como el que la construye y le da forma en privado, desde el corazón. Y el documental sobre Folklore es esto último, un regreso a las raíces antes de todas las conversaciones sobre las cifras millonarias de The Eras Tour.
2. Taylor Swift: The Eras Tour (The Final Show) (2025)
La gira The Eras Tour fue tan larga que, en el ínter, Swift incluso lanzó un álbum nuevo, The Tortured Poets Department. Llegado ese punto, los conciertos de la gira comenzaron a integrar una expansión del setlist hacia el final de la gira.
Así que si quieres experimentar esta versión del concierto, la película que debes ver es The Eras Tour (The Final Show) que, como sugiere el título, es la grabación de la presentación final de la gira en diciembre de 2024, en Vancouver. Son 207 minutos de Taylor Swift, en una película de concierto que difícilmente será superada en escala, quizá sólo comparable con títulos como This is It de Michael Jackson.
3. Taylor Swift: The Eras Tour (2023)
Ya demasiado se ha escrito sobre la histórica gira The Eras Tour, la más taquillera de la historia por un artista musical, desmenuzada y explotada ad infinitum. La película The Eras Tour es una manifestación de esto, con una presentación exhaustiva del concierto de principio a fin, para beneplácito tanto de quienes no pudieron experimentarlo en vivo, como de quienes quieren revivirlo.
Más grandilocuente y excesivo pero igual de impactante que grandes películas de conciertos como Stop Making Sense de Talking Heads, es un despliegue de Swift en la cumbre de sus poderes y en el clímax de su narrativa, para ver con la docuserie The End of an Era como complemento (y claro, como tantas cosas en su carrera, también tiene una “Taylor’s Version” que es la que se encuentra en Disney+). Es el mejor punto de partida posible para quienes no conocen a la artista, y para completistas sólo es superada por dos títulos: uno todavía más exhaustivo, y otro más íntimo.
4. Taylor Swift: Miss Americana (2020)
Los terrenos más interesantes de la filmografía de Taylor Swift contiene los documentales y los conciertos. Titulado a partir de su canción “Miss Americana & the Heartbreak Prince” de 2019, Miss Americana es un documental de aquellos que típicamente ofrecen una “mirada íntima” a la vida y carrera del artista titular (como Selena Gomez: Mi mente y yo o BLACKPINK: Light Up the Sky).
Sin embargo, el documental es una pieza clave en la narrativa de Swift como artista y celebridad, pues delinea su transición de ser “solamente” una cantante a tomar control de su carrera, su voz, y abrazar su poder como una de las estrellas más influyentes en el planeta.
5. Día de los enamorados (2010)
Día de los enamorados (Valentine’s Day) es, hay que decirlo, una versión menor de estas películas románticas de ensamble como Realmente amor o A él no le gustas tanto, en las que se entrelazan varias historias de amor y desamor con, claro, final feliz.
Taylor Swift tiene otro papel menor pero muy divertido como Felicia Miller, la amiga de una de las protagonistas, Grace (Emma Roberts), quien tiene un nuevo novio, Willy (Taylor Lautner). La película da a Swift una rara oportunidad de demostrar su vis cómica, pero además es un momento clave en el lore swiftie, pues durante el rodaje nació su romance con Lautner.
6. All Too Well: The Short Film (2021)
Vale la pena incluir este cortometraje—que es más un videoclip musical prolongado—por la sencilla razón de que aquí vemos a Taylor Swift como una artista en el sentido más amplio: All Too Well es escrito, dirigido y coprotagonizado por ella en una historia sobre el desamor que también cuenta con la participación de Sadie Sink (famosa por Stranger Things) en una cautivadora actuación.
Es, ante todo, un experimento de Swift como artista más que una película que despliegue sus talentos como cantante o como actriz. Esencial para los completistas.
7. Cats (2019)
Sí, lo sabemos: Cats es una película infame que sólo tiene dos argumentos para, quizá, convertirse en una película de culto con el paso del tiempo. El primero: que su apartado visual es tan feo que debe verse para creerse, lo que refuerza esta cualidad de “tan malo que es bueno” obligatoria en mucho cine de culto. Y el segundo, claro, es Taylor Swift.
Precisamente por esto es que la película rankea más alto en este ranking, pues aunque no es nada amable con los ojos, estamos aquí por Taylor. En la película interpreta a Bombalurina, por lo que contribuye al número musical “Macavity”. Pero no sólo eso, sino que Swift también coescribió un tema original para la adaptación cinematográfica, “Beautiful Ghosts”, mismo que aparece en varias instancias durante la película y que ella misma interpreta en los créditos. Entre menos se diga de la Cats más allá de esto, mejor, pero podrá ser tolerable si adoras los musicales de teatro como Chicago o Wicked llevados al cine.
8. Ámsterdam (2022)
La incursión dramática más reciente de Taylor Swift es, también, la más breve en una película que tampoco consiguió dejar mucha huella. Inspirada en el Complot de los negocios de 1933, Ámsterdam es la historia de tres amigos (Christian Bale, Margot Robbie y John David Washington) que intentan desenmarañar el misterioso asesinato de un general retirado.
Taylor tiene un pequeño papel como Liz Meekins, una mujer por cuyo asesinato son incriminados los protagonistas, iniciando los eventos de la trama. La cantante trae presencia al papel, pero es tan breve y superficial que tampoco tiene oportunidad de ser memorable en una película que tampoco lo es, al ser uno de los trabajos menores del director David O. Russell (Los juegos del destino). Para ver si eres más fan de los misterios de crimen como Asesinato en el Expreso de Oriente que si eres, de hecho, fan de Taylor Swift.
9. El dador de recuerdos (2014)
El dador de recuerdos (The Giver) es una adaptación de la novela juvenil de ciencia ficción distópica de Lois Lowry. La trama se sitúa en un mundo donde la humanidad ha reprimido sus emociones y deseos por medio de fármacos, y se reproduce por medio de ingeniería genética. Un joven (Brenton Thwaites) es el siguiente en línea para convertirse en Receptor de Memorias, sucesor de El dador (Jeff Bridges), guardián de todos los recuerdos del mundo anterior. Sin embargo, al descubrir la verdad sobre el mundo en el que vive, comienza a experimentar emociones y a disentir con el orden de las cosas.
Taylor Swift tiene otro papel pequeño pero impactante como Rosemary, la hija de El dador, quien es fatalmente abrumada por las emociones de lo que descubre durante su entrenamiento como Receptora de memorias. Una vez más, tampoco la vemos mucho, y la película tampoco es la mejor, con un abordaje superficial de lo que otras propuestas como THX 1138 o incluso Black Mirror han explorado con mayor profundidad.
10. El Lórax: En busca de la trúfula perdida (2012)
Uno de los primeros trabajos de Taylor Swift en el cine ni siquiera la presentó frente a la cámara, pero sí detrás del micrófono para una película animada. El Lórax: En busca de la trúfula perdida es una adaptación del libro infantil homónimo de Dr. Seuss sobre un mundo donde toda la vegetación es artificial y un chico, Ted (voz en inglés de Zac Efron), quiere ganarse el corazón de la chica de sus sueños al encontrar un árbol real.
Esa chica, Audrey, es interpretada por Taylor Swift en la versión original en inglés, complementando un reparto con otros nombres como Danny DeVito y Jenny Slate. Es una bella animación y una gran adaptación de la obra de Dr. Seuss como El Grinch, pero va más abajo en el ranking de Taylor porque ella es una pequeña parte de un todo mucho mayor.
Las chimeneas de Netflix, rankeadas de peor a mejor
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Las fiestas decembrinas son el tiempo perfecto para reunirnos con los seres queridos y compartir momentos cálidos para formar recuerdos alrededor de deliciosa comida, un rico chocolate y una acogedora chimenea. O, porque Netflix quiere tu atención hasta cuando no la tiene, también puedes sólo darle play a una de sus chimeneas virtuales.
Claro que, así como sucede con sus películas y series, no todas son iguales. Esto es entretenimiento, después de todo, hay lo peor y lo mejor escrito, lo más trepidante, emotivo o visualmente interesante, inteligente incluso. Para que no te quedes fuera, rankeamos aquí las chimeneas de Netflix.
9. Chimenea crepitante clásica (2010, 2015-2024)
Si en vez de mirar una buena película de Navidad (sin importar lo mala que sea) prefieres ocupar tu pantalla con una simulación constante pero sencilla, la Chimenea crepitante clásica es para ti puesto que es, básicamente, una chimenea. Ni más ni menos. Con el mismo encanto guionístico de ver el pasto crecer mientras se sueña con algo de calor hogareño.
Una forma de entretenimiento tan emocionante que ha rendido diversos spin-offs. La clásica viene con variante de abedul y hasta con música. También hay una versión de cabaña rústica (para aquello de fingir que eres Cameron Diaz en El descanso) e incluso una suntuosa estancia blanca (en caso de que quieras sentirte Kevin McCallister en Mi pobre angelito 2). Todas ideales para hacer como que estás en un lugar mejor, en vez de absorto ante la pantalla mientras el resto de tu familia convive de verdad.
8. Los hombres lobo: Chimenea (2024)
Ahora que sí quieres ponerle algo de encanto a tu chimenea virtual, Netflix también las tiene inspiradas en sus propiedades intelectuales más famosas, como Los hombres lobo. ¿Recuerdas, Los hombres lobo? Gran película familiar de fantasía. Es francesa.
Los hombres lobo: Chimenea es, en esencia, una fogata en el bosque, que es marginalmente más emocionante que ver madera arder en un hueco en la pared de tu casa. ¿Por qué no mejor ver lo mismo, pero en un bosque? Puntos extra porque la amenaza de los aullidos lupinos podría llevar la imaginación hacia la amenaza de un licántropo y no hacia el tío que despotrica por poner ingredientes novedosos a su ponche. Esa es otra clase de transformación.
7. Bridgerton: Chimenea (2024)
Ahora que, si lo tuyo son los dramas románticos de tintes austenianos y te gusta sentirte en Orgullo y prejuicio, esta es la chimenea para ti. Inspirada en la serie Bridgerton, esta chimenea parece sacada directamente del siglo XIX para imaginarte que disfrutas de la Navidad no en la sala de tu casa, sino en un auténtico salón con un buen libro y té.
Claro que Bridgerton: Chimenea, de nuevo, es sólo una chimenea pero vintage. Faltaría un componente crucial de la serie, que es el romance con pretendientes que llenan el ojo y mueven el corazón. Así que quizá sí llévate algo de Jane Austen contigo…
6. Hechizados: Chimenea (2024)
¿Alguna vez deseaste adentrarte en un mundo de Disney? Esto no es eso, pero casi, pues esta chimenea se basa en la fantasía musical animada Hechizados (Spellbound), sobre una adolescente que debe lidiar con una maldición que ha transformado a sus padres en bestias. Cosa que, de cierto modo, también puede suceder en las reuniones familiares navideñas, si lo piensas.
Hechizados: Chimenea es, igual, una fogata en el bosque, pero gana puntos por mantener el estilo de animación de la película, con todo y una atmósfera mágica para soñar con una aventura en la que, al final, se acaben las discusiones familiares.
5. The Witcher: Chimenea (2021)
Si buscas un mayor sentido de aventura al ver el fuego arder, entonces la opción es The Witcher: Chimenea. De nuevo, la pantalla no trae más que llamas, pero ya es muy diferente verlas en una hoguera del gran salón Kaer Morhen, que ha dado refugio a incontables brujos.
Además, esta chimenea de Netflix arde al son de las composiciones musicales de Sonya Belousova, Giona Ostinelli y Joseph Trapanese que suenan en la serie. Perfectas para contemplar el fuego intensamente como Geralt en vez de jugar un juego de mesa, que es lo que Henry Cavill haría.
4. El juego del calamar: Chimenea (2024)
Nada dice “convivencia familiar” como un debate sobre la precariedad tan extrema de una clase trabajadora que se ve orillada a tomar medidas drásticas para salir de la pobreza, muchas veces para beneficio y espectáculo de la élite. Que es exactamente lo que sucederá si optas por El juego del calamar: Chimenea y tienes que explicarle a tu tía qué es esa muñeca en la repisa y de qué se trata la serie.
Modelada a partir de la oficina del Líder (Lee Byung-hun) de la serie coreana, esta chimenea es interesante por la contradicción del concepto—una serie distópica sobre las desigualdades económicas—y su ejecución—una inocente fogata navideña—. Si la conversación se pone incómoda, siempre puedes desviar la atención al decir que todo está bien, que El juego del calamar es sólo un inocente reality show y que nada de lo que dice la serie se parece remotamente a la realidad. ¡Diversión!
3. Merlina: Chimenea (2025)
A veces, una cena navideña requiere un ligero toque de asesinato. No, no queremos decir que asesines a ningún miembro de tu familia, sino que adereces la reunión con algo del aura de misterio que sólo Merlina (Wednesday) puede conjurar.
La chimenea de Merlina es ideal para quienes necesitan al menos un ligero toque de terror en su Navidad. Modelada a partir de la oficina de la directora Weem (Gwendoline Christie) en la Academia Nevermore, aquí tendrás algo interesante qué mirar y una atmósfera perversa, con todo y ruidos extraños y hasta neblina. Quizá algo se oculte en los rincones oscuros, incluso…
2. Stranger Things: Chimenea (2025)
Dado que Stranger Things es la serie insignia de Netflix, resulta en efecto extraño (perdón) que esta chimenea sólo haya llegado en 2025. Sobre todo considerando que se basa en uno de los elementos visuales más emblemáticos de la primera temporada: las luces navideñas que Joyce (Winona Ryder) utiliza para improvisar un alfabeto y comunicarse con su hijo, Will (Noah Schnapp), atrapado en el Otro Lado.
A decir verdad, esta chimenea es como las otras, con un giro ochentero y cotidiano. Pero nada es cotidiano en Hawkins, así que esta podría ser la opción para familias que tienen por lo menos un miembro lo suficientemente desorientado para “hacer un Joyce” (o “hacer un Roy Neary” de Encuentros cercanos del tercer tipo, una de las principales influencias de la serie).
1. Las guerreras K-Pop: Chimenea (2025)
La mejor chimenea de Netflix no es una chimenea, o no del todo. La de Las guerreras K-Pop no es como tal fuego, sino que es Gwi-Ma (voz de Lee Byung-hun), el rey de los demonios que devora almas humanas con el afán de desatar su ira por el mundo. Feliz Navidad, en efecto.
Por este motivo, además de ganar puntos por originalidad, es la mejor de las chimeneas de Netflix hasta ahora. No sólo eso, sino que además arde al son de versiones instrumentales de las melodías en la excelente banda sonora de la película, como “Golden” y “Free”, entre los hits de 2025.
‘Misión: Imposible’: todas las películas en orden cronológico
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Protagonizada por Tom Cruise, Misión: Imposible es una de las sagas más emocionantes e impresionantes del cine de acción y de espionaje. Las aventuras de Ethan Hunt para salvar al mundo de organizaciones criminales y otros agentes rebeldes han emocionado al público por prácticamente 30 años, incrementando los riesgos con cada entrega y, claro, innovando con escenas de riesgo cada vez más espectaculares que han hecho de Cruise una leyenda dentro del género.
Esta saga es una de las mejores que puedes ver si buscas entretenimiento con historias y secuencias de riesgo para morderte las uñas. Si con la más reciente entrega, Sentencia final, quieres comenzar a conocerla, en esta guía encontrarás lo que debes saber para ver todas las películas de Misión: Imposible en orden.
Misión: Imposible (1996)
La primera entrega de la saga es dirigida por Brian De Palma y sigue el espíritu de las series de televisión de 1966 y la posterior de 1988 en las que se basa, aunque se trata de un reboot completo. La película introduce a la Fuerza de Misiones Imposibles (IMF) y presenta a Ethan Hunt (Cruise), en una búsqueda desesperada para descubrir quién lo ha incriminado por las muertes de todos sus compañeros.
Misión: Imposible es una película en un registro muy distinto a todo lo que vendría después, por lo que la disfrutarás más si buscas una historia de espías más clásica—con algunos elementos estrafalarios como los cambios de casa—y no tanto las alucinantes secuencias de acción que definirían a la saga posteriormente. Sin embargo, las semillas para las convenciones de las futuras películas fueron sembradas aquí, como las historias de un agente enfrentándose a probabilidades imposibles, y operando fuera de los protocolos para sacar la verdad a flote con ayuda del hacker Luther Stickell (Ving Rhames). Además, la película original es responsable por una de las imágenes que han definido a la saga, tan famosa que lo sabrás cuando la veas.
Misión: Imposible 2 (2000)
Una advertencia sobre la segunda película de Misión: Imposible, para bien y para mal: esta es la más distinta de toda la saga, tanto en trama como en estilo. La segunda misión de Ethan Hunt lo ve unir fuerzas con una ladrona profesional (Thandiwe Newton) para recuperar un virus genéticamente modificado en el poder de un agente rebelde de la IMF (Dougray Scott), quien también es antiguo amante de la mujer.
Misión: Imposible 2 es una película muy diferente en su sensibilidad por una razón importante: es dirigida por John Woo, maestro del cine hongkonés de artes marciales (quien dirigió icónicas películas como The Killer o Una bala en la cabeza, y en Hollywood también hizo la icónica Contra/Cara). Por lo tanto, aquí te encontrarás con una película con florituras extremas en secuencias de acción que rompen las leyes de la física, aderezadas por un cierto tono romántico. Todos estos factores la vuelven una entrega que ha dividido a los fans de la saga, y quizá te suceda a ti también. Si eres como yo, podrás verla como un divertido paréntesis en la historia de Ethan Hunt, pues además es la película con menos implicaciones en el resto de la saga.
Misión: Imposible 3 (2006)
La tercera entrega es donde la saga comienza a parecerse más al enorme espectáculo de acción y espionaje que ofrecería en las futuras entregas, y además comienza a introducir elementos narrativos para una continuidad más extensa y con un regreso a un tono más aterrizado (similar a lo que fue Casino Royale, estrenada en el mismo año, para la saga del 007. Ethan Hunt comienza esta historia como un agente retirado, que debe volver a activarse para cazar a un peligroso traficante de armas (Philip Seymour-Hoffman).
Misión: Imposible 3 fue el largometraje debut como director de cine de J.J. Abrams, y hay que decirlo, tiene algunos problemas de ritmo. Sin embargo, con un villano tan escalofriante en la piel de Hoffman, secuencias de acción más espectaculares y la introducción de otro miembro vital del equipo de Hunt en Benji Dunn (Simon Pegg), se trata de una película que debes ver. No sólo por ser un parteaguas en el camino de la saga hacia el espectáculo del más alto calibre, sino porque la trama tendrá repercusiones en varias entregas futuras.
Misión: Imposible – Protocolo fantasma (2011)
La cuarta misión de Ethan Hunt eleva las apuestas: luego de quedar implicada en un bombardeo del Kremlin, la IMF es desmantelada. Por lo tanto, Ethan Hunt y compañía deben limpiar sus nombres una vez más y detener una posible guerra nuclear, pero ahora sin el acceso a los recursos de la agencia. Con el grupo en la clandestinidad y contra probabilidades aplastantes, quizá sea la entrega de esta saga más parecida a la de Jason Bourne.
Incluso si no has visto la película, es posible que algo tengas grabado en la mente sobre Misión: Imposible – Protocolo fantasma. En particular: la trepidante escena de Tom Cruise pendiendo de una cuerda en el exterior del rascacielos Burj Khalifa, en Dubái. Es aquí donde la saga evoluciona y adquiere su marca distintiva: entregar, con cada nueva película, una secuencia de acción emblemática para arrancar el aliento, ejecutada por Tom Cruise en la realidad para impactar al público con el realismo de lo plasmado en pantalla. Incluso si la trama no deja mucha marca, estarás de acuerdo en que es lo de menos en estos casos.
Misión: Imposible – Nación secreta (2015)
La quinta entrega de Misión: Imposible ve a Ethan Hunt enfrentarse a una organización secreta de agentes de inteligencia que se han rebelado contra sus gobiernos. Su implicación en una misión lo pone en la mira de la CIA, obligándolo una vez más a operar bajo el radar. Si Bond tiene a Spectre, Hunt tiene a El Sindicato.
Lo que Misión: Imposible – Nación secreta carece de originalidad en el guión, lo compensa con la introducción de varios elementos clave de la saga. Esta es la primera entrega dirigida por Christopher McQuarrie, quien elevaría las siguientes películas a nuevas alturas (literalmente). Además, aquí tenemos la introducción de Ilsa Lund (Rebecca Ferguson), redondeando al equipo más estable de Hunt en toda la franquicia. Sin embargo, sí hay que decirlo, puede ser que te resulte la película menos memorable de la saga, fuera de la icónica escena fuera del avión, que cumple la promesa de proponer una secuencia alucinante con cada nueva película.
Misión: Imposible – Repercusión (2018)
Una vez más, Ethan Hunt y compañía deben enfrentarse a la posibilidad de un ataque nuclear devastador, ahora perpetrado por un terrorista (un macabramente genial Sean Harris) y un misterioso extremista anónimo. En esta misión, también son puestos a prueba el carácter, resiliencia y moralidad de nuestros héroes, desarrollando más la personalidad de Hunt, que hasta entonces había sido interpretado por Cruise como un hombre de acción invencible, más que como una persona.
Misión: Imposible – Repercusión es, a mi gusto y el de varios fans, la mejor película de toda la saga. McQuarrie y Cruise lo dejan todo en secuencias de acción alucinantes—incluso sin haber visto la película, probablemente te enteraste de la secuencia del salto HALO–, combates brutales, y persecuciones donde cada segundo cuenta para salvar o condenar al mundo. Es, en todo sentido, la entrega más emocionante de todas, casi una culminación de todo lo que el cine de espías era hasta este punto, desde las intrincadas tramas internacionales de la saga de James Bond, a los combates realistas de Bourne. Por ello, te recomendamos ver las películas en orden para disfrutar de la progresión.
Misión: Imposible – Sentencia mortal (2023)
La séptima entrega fue concebida como la primera de una historia en dos partes en la que Ethan Hunt deberá enfrentarse a las repercusiones de todas las decisiones que ha tomado en cada misión. Ahora debe enfrentarse a sus dos adversarios más peligrosos: la Entidad, una poderosa Inteligencia Artificial rebelde, así como a Gabriel (Esai Morales), un misterioso asesino con una vendetta personal contra Hunt, y que busca controlar a la Entidad.
Misión: Imposible – Sentencia mortal es donde el crescendo de la saga tiene algunos tropiezos. Morales brinda uno de los villanos más exagerados en la galería de antagonistas de Hunt, en un registro diferente al resto del elenco, más parecido al de un supervillano de caricatura. Además, el que la historia haya sido dividida en dos partes hace que las cosas, por naturaleza, queden inconclusas hacia el final de un metraje que introduce varios hilos narrativos y nuevos personajes en el camino. No diría que es una mala película en absoluto, pero se nota que la ambición creativa ha comenzado a salirse de control. Sin embargo, si consigues ignorar estos puntos, esta película no sólo ofrece una de las secuencias más espectaculares de toda la franquicia, sino uno de los oponentes más escalofriantes para Hunt: la Inteligencia Artificial. Una historia más cercana a los terrenos de Minority Report (también con Tom Cruise) o de la serie Black Mirror.
Misión: Imposible – Sentencia final (2025)
Como sugiere el título de la octava entrega de la saga, aquí concluye no sólo la narrativa introducida en Sentencia mortal, sino que se amarran los hilos narrativos introducidos desde las primeras películas. Ahora, Ethan Hunt y su equipo deben emprender una misión suicida para conseguir el código fuente de la Entidad y detenerla antes de que ésta se haga de los códigos de lanzamiento de todas las naciones con armamento nuclear.
No hay confirmación oficial de que Misión: Imposible – Sentencia final sea la última entrega de la saga, pero para todo efecto y propósito, hay que asumir que lo es: el gran arco narrativo de Ethan Hunt parece llegar a un final definitivo, luego de ser confrontado con una IA que no sólo amenaza a la humanidad en la narrativa, sino que de manera metatextual, parece amenazar a la creatividad cinematográfica misma. Naturalmente, Cruise lo da todo en no una, sino dos secuencias de infarto (una de ellas, casi como un homenaje a la secuencia emblemática de Intriga internacional a la milésima potencia). Sin embargo, debes saber que esta película recompensa la paciencia: dura casi tres horas y tales secuencias están concentradas en el último acto. Otra señal de que la ambición de la franquicia ya estaba cobrando factura, pero si en efecto es el final definitivo, es uno bastante digno.
X-Men: Todas las películas en orden cronológico
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Los cómics de superhéroes no serían lo que son hoy sin los X-Men de Marvel, con poderes tan fascinantes como su abordaje de temáticas como la discriminación y la xenofobia. Lo mismo podría decirse del cine: el salto de los mutantes a la pantalla grande abrió las puertas para el cine de superhéroes como lo conocemos hoy.
Sin embargo, con un cuarto de siglo a cuestas, se ha convertido en una saga cinematográfica difícil de seguir, debido a precuelas, reboots, cambios de cast y modificaciones retroactivas de continuidad que contradicen eventos entre películas. Por ello, aquí te explicaremos el orden cronológico para ver todas las películas de X-Men, teniendo en cuenta que, en realidad, tenemos dos líneas de tiempo que se desprenden de X-Men: Días del futuro pasado. Si te resulta confuso, más abajo encontrarás cómo ver todas las películas en su orden de estreno.
X-Men: Primera generación (2011)
Ya vamos a confundirnos desde el principio, pues esta película fue concebida como un reboot de la franquicia hasta ese punto, aunque retroactivamente es considerada una precuela de la primera película. Situada en 1962, la trama narra el comienzo de la amistad entre Charles Zavier (James McAvoy) y Erik Lehnsherr “Magneto” (Michael Fassbender), y con ello, el origen del equipo y de la Academia Xavier para Jóvenes Dotados.
X-Men: Primera generación es, a mi gusto, la mejor película de toda la franquicia: además de actualizarla para una nueva época y alejarla de los trajes de piel de los 2000 (con un diseño de producción más realista, post-Batman Inicia), se trata también de un buen thriller de la Guerra Fría, con no pocas similitudes con La caza al Octubre Rojo. Como en toda buena historia de X-Men, su corazón está en la creciente brecha ideológica entre Xavier y Magneto, llevando a su inevitable y trágica rivalidad. Fassbender en particular es brillante para representar la complejidad moral y psicológica de Magneto, aunque el resto del elenco—con nombres como Jennifer Lawrence, Kevin Bacon y Rose Byrne—también hace un gran trabajo.
X-Men: Días del futuro pasado (2014)
Esta secuela es donde las cosas se ponen interesantes, pues es aquí donde se divide el orden cronológico para ver las películas de X-Men. Adaptada de la saga de cómics homónima, esta historia ve al equipo en una lucha desesperada para evitar su extinción ante los letales robots Centinelas, en el año 2023. Para cambiar el destino de los mutantes, envían la conciencia de Logan/ Wolverine (Hugh Jackman) a su cuerpo en el año 1973, para evitar la creación de los Centinelas en el pasado.
Para los fans de la saga cinematográfica, X-Men: Días del futuro pasado es una experiencia singular y gloriosa, pues al estar situada en dos épocas distintas, permite unir en una sola película a los elencos tanto de las películas originales de los 2000, como de la nueva continuidad establecida con Primera generación. La trama no está tan pulida—tiene más paradojas temporales que Volver al futuro y Avengers: Endgame juntas—y, si no tienes en mente que esta película es como un reboot suave, todo lo que viene después podría confundirte.
Sin embargo, para simplificar las cosas y no caer en spoilers, sólo debes saber que en Días del futuro pasado, la cronología se divide en dos. En una continuidad, la narrativa sigue con X-Men: Apocalipsis. Si, en cambio, quieres continuar con la historia alternativa, salta directo a X-Men orígenes: Wolverine, que sigue la continuidad clásica.
X-Men: Apocalipsis (2016)
La tercera entrega de la “nueva” continuidad ve el ascenso de Apocalipsis (Oscar Isaac), el ancestral y más poderoso de los mutantes, que luego de un milenio inactivo despierta en 1983 para reclutar a Magneto y a otros con el objetivo de establecer un nuevo orden mundial. Detenerlo será labor de un nuevo y más joven equipo de X-Men bajo el liderazgo idealista de Xavier.
Si eres fan de los cómics clásicos o incluso de la serie animada de los 90, X-Men Apocalipsis es, hasta ahora, la película que más ha capturado ese espíritu. No es ni remotamente perfecta: Apocalipsis, uno de los mutantes más icónicos y formidables de los cómics, aquí es traducido en clave de supervillano genérico, y la trama está más orientada hacia la acción que hacia el desarrollo de personajes o del eterno conflicto ideológico entre Magneto y Xavier (aunque con un tono más solemne, similar al del Universo Extendido DC de Zack Snyder). Sin embargo, para cualquier fan de X-Men, pocas cosas se comparan con ver a nuevas iteraciones de personajes clásicos como Cyclops (Tye Sheridan), Jean Grey (Sophie Turner), Storm (Alexandra Shipp) y Psylocke (Olivia Munn) en pantalla.
X-Men: Dark Phoenix (2019)
Este es el segundo intento de la franquicia por adaptar la emblemática saga de la Fénix oscura de los cómics, una vez más con resultados mixtos. La trama de la película se sitúa en 1975 y narra cómo Jean Grey (Turner) recibe una entidad cósmica en su cuerpo que incrementa sus poderes mentales. Mientras ella lucha con las repercusiones psicológicas para no lastimar a sus seres queridos, fuerzas de otros mundos intentan controlarla.
X-Men: Dark Phoenix es una decepcionante entrega final para esta continuidad de la franquicia, que no emociona ni conmueve más allá de la actuación de Sophie Turner y el vínculo entre Xavier y Magneto, los pocos puntos que sobresalen sobre un batidillo de CGI poco inspirado. Es una producción poco cohesiva, en parte debido a modificaciones posteriores al rodaje principal, según reporters, para modificar el final de la película y que no se pareciera al de Capitana Marvel, producción de la entonces rival Marvel Studios que involucraba a los alienígenas Skrulls. Todos los rumores indican que Dark Phoenix fue víctima del tejemaneje corporativo por la compra de 21st Century Fox por parte de The Walt Disney Company, que se concretó en ese año.
Deadpool (2016)
Aunque técnicamente un spin-off, esta película sucede ya en el siglo XXI y se sitúa dentro de la misma “nueva” continuidad. Seguimos a un personaje totalmente nuevo—en esta versión de los eventos, al menos—: Wade Wilson (Ryan Reynolds), un soldado de las fuerzas especiales canadienses con baja deshonrosa, convertido en mercenario, que parece encontrar la felicidad cuando se enamora. Sin embargo, pronto descubre que su cuerpo está invadido por cáncer. En un acto desesperado se somete a un tratamiento experimental que despierta sus genes mutantes latentes, pero lo deja horriblemente desfigurado. Ahora equipado con un factor regenerativo y la capacidad de romper la cuarta pared, decide cazar al responsable.
Hay que decirlo, Deadpool no es exactamente una gran película para los estándares espectaculares de X-Men: el villano (Ed Skrein) es genérico en el mejor de los casos, y el elenco está compuesto por personajes menores o francamente desconocidos de la saga. Pero ahí está gran parte del encanto, pues esto permite a Reynolds brillar como un personaje que tiene la libertad de hacer referencias y burlas a la manera en que funcionan las franquicias cinematográficas de superhéroes. Ese humor—y la habilidad de Reynolds para ejecutarlo—es el as bajo la manga de esta película y de sus secuelas, entre la autorreflexividad hiperviolenta de Kick-Ass y el realismo establecido por producciones como El caballero de la noche y el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM).
Deadpool 2 (2018)
Por si no hubiera ya suficientes líos con líneas temporales en la saga de X-Men, la secuela ve el debut del mutante viajero del tiempo, Nathan Summers/ Cable (Josh Brolin). Ahora, Wade Wilson debe formar al equipo conocido como X-Force para proteger a un joven mutante perseguido por Cable, mientras intenta modificar otros eventos del pasado.
Deadpool 2 abraza la naturaleza de estos spin-offs casi como una parodia hiperviolenta que se burla de la enredada cronología de las películas de X-Men. Probablemente no recordarás muy bien de qué se trató al final, pero sí recordarás los guiños, referencias y chistes sobre el pasado de la saga que, si eres conocedor, te arrancarán más de una carcajada. Una vez más, el humor de Ryan Reynolds es el plato principal (insistiendo en un estilo que ha desplegado siempre, más repetitivo aún en Free Guy), demostrando que existen matrimonios perfectos entre actor y personaje incluso si la narrativa resulta inconsecuente.
Los nuevos mutantes (2020)
Un spin-off que lleva la saga de X-Men hacia un terreno novedoso: el del terror psicológico. La película sigue a un grupo de cinco mutantes adolescentes ingresados a una institución secreta que busca “curarlos” de sus peligrosos poderes, aunque en realidad hay motivos más siniestros detrás.
Los nuevos mutantes es otro spin-off de la franquicia que tenía bastante potencial, al confinar a sus protagonistas a una institución al estilo de Atrapado sin salida, pero por vía de Babadook. El resultado es más genérico que interesante y desperdicia su prometedor elenco—con nombres como Anya Taylor-Joy, Maisie Williams y Alice Braga—. Sin embargo, presenta una de las propuestas más originales para una película de superhéroes en décadas, así que podrías disfrutarla si buscas algo dentro del subgénero con un sabor diferente. Hay que advertir que su posición en la cronología es un tanto ambigua: se sitúa aproximadamente en la época contemporánea de su estreno, pero nunca se establece con claridad.
Logan: Wolverine (2017)
Situada en 2029, esta película sigue a Logan (Jackman) y al avejentado Charles Xavier (Patrick Stewart), de los pocos mutantes sobrevivientes, que deben proteger a una joven mutante llamada Laura (Dafne Keen) para llevarla a un rumorado refugio en la frontera entre Estados Unidos y Canadá. La versión de superhéroes de Niños del hombre, en cierto modo.
Lo que evita que esta película se corone como la mejor de X-Men es que, en realidad, no se trata sobre el equipo sino sobre Wolverine, pero eso no significa que no sea una seria contendiente para el puesto. Logan: Wolverine es un thriller y road movie que presenta un viaje tan lleno de acción y tensión como de emociones—la producción fue originalmente concebida como despedida de Hugh Jackman en el papel—, en una línea similar a Sin lugar para los débiles. Además, no hace falta haber visto todas las otras entregas para entenderla: más que una película de superhéroes, es una historia de redención sobre un hombre que encuentra la compasión para proteger a alguien más que sí mismo.
La posición de Logan: Wolverine en la saga de X-Men es complicada. El hecho de que Deadpool y Wolverine (que sucede en 2024) se desprenda de esta historia, la sitúa en la continuidad “nueva”, aunque es ambiguo si debería ir o no hasta el final. Por otro lado, la participación de Patrick Stewart como Charles Xavier también puede volverla el final de la continuidad “clásica”, en una versión alternativa de los hechos donde la extinción de los mutantes no fue prevenida después de Días del futuro pasado. Puedes optar por ambas vías, el caso es disfrutarla.
Deadpool y Wolverine (2024)
Las cosas sólo se complican más en la tercera historia de Deadpool, que ahora no sólo trata sobre viajes en el tiempo, sino por el multiverso. Para evitar el fin de su universo, Wade Wilson debe encontrar a una variante “ancla” de Logan (Hugh Jackman), pero se enfrenta a un oficial corrupto de la Autoridad de Variación Temporal (TVA), que lo destierra a un limbo conocido como el Vacío.
Deadpool y Wolverine, situada en 2024, complica las cosas por una variedad de motivos. El primero es que integra a esta continuidad de los X-Men al UCM como uno de sus muchos universos paralelos junto con el de Los 4 Fantásticos de Fox. Y lo hace, además, aludiendo al final de la franquicia, Logan: Wolverine—aunque cronológicamente hay inconsistencias, pues dicha película se sitúa en 2029—. Es Deadpool por vía de Loki, en esencia, donde el metahumor es más hilarante que nunca, así que si eres ya un iniciado tanto de la saga X-Men como del UCM, encontrarás aquí un festín de crossover que, como cereza del pastel, cuenta con el regreso de Jackman al papel que lo volvió ícono.
X-Men orígenes: Wolverine (2009)
La continuidad clásica comienza con esta precuela que, como indica el título, narra los orígenes de uno de sus personajes más populares: Logan/ Wolverine (Hugh Jackman). Abarcando desde 1845 hasta 1979, la película aborda la historia del antihéroe, pasando por su participación en diversas guerras hasta ser sometido a los experimentos que le dieron su emblemático esqueleto de adamantio.
X-Men orígenes: Wolverine es, a pesar de los esfuerzos monumentales de Hugh Jackman, una película genérica en el mejor de los casos, y repleta de clichés insufribles del cine de acción en el peor, más cercana en su sensibilidad a aquellas películas de Hulk y de Elektra de inicios de los 2000. Además, para los fans más puristas, es una cuchillada por la espalda en su manera de adaptar a Deadpool—sí, Ryan Reynolds tiene su primera aparición como una versión del personaje en esta película—. Así que aquí te dejo dos formas de disfrutar esta producción: de manera irónica para reírte de ella después con las películas de Deadpool, o como un capítulo estrictamente necesario para entender al personaje de Wolverine de cara a las películas originales de X-Men.
X-Men (2000)
En esta primera película, perteneciente a la continuidad clásica, se establece a Logan (Jackman) y Rogue (Anna Paquin) como los protagonistas en un conflicto entre las dos facciones de mutantes: el pacifista Charles Xavier (Patrick Stewart) y Magneto (Ian McKellen).
X-Men es la película que lo comenzó todo no sólo para los mutantes de Marvel, sino para el cine de superhéroes moderno, pues abrió las puertas para películas como El hombre araña (2002) y expandió las posibilidades planteadas por Superman o Batman, de los pocos héroes traducidos a la pantalla hasta entonces. Si la ves por primera vez tantos años después de su estreno, podrá parecerte algo anticuada: los uniformes de cuero y los efectos especiales gritan “años 2000”. Pero lo cierto es que, como un todo, es una gran entrada al mundo de X-Men por establecer las dinámicas de esta saga en términos muy digeribles.
X-Men 2 (2003)
La lucha de los mutantes no sólo por la tolerancia, sino por sus vidas, continúa en esta secuela inspirada en el cómic X-Men: Dios ama, el hombre mata de 1983. Ahora, los X-Men de Charles Xavier deben unir fuerzas con la Hermandad de Mutantes de Magneto para combatir al Coronel William Stryker (Brian Cox), quien busca apoderarse de la computadora buscadora de mutantes, Cerebro, para llevar a cabo su genocidio.
X-Men 2 es la rara secuela que no sólo acierta donde su predecesora tuvo éxito, sino que mejora muchas cosas y plantea una historia más seria, la equivalente de El imperio contraataca de esta saga, para decirlo de alguna manera. Es más grande en todo sentido, introduciendo a nuevos personajes y subtramas, pero sin expandirse demasiado y perder el control (como sucede hoy con tantas películas del UCM). Las actuaciones están en su punto, y los efectos están más pulidos. Estarás de acuerdo en que es otra serie contendiente al puesto de mejor película de X-Men junto a Logan: Wolverine y Primera generación.
X-Men 3: La batalla final (2006)
El clímax de la trilogía original de X-Men pone al equipo y al mundo mutante en una encrucijada. Ahora existe una “cura”, así que los mutantes pueden elegir si mantener sus poderes (y ser condenados a la marginalidad), o existir como humanos normales. Al mismo tiempo, Jean Grey (Famke Janssen) resurge gracias a la Fuerza Fénix, lo que amenaza al mundo entero.
X-Men 3: La batalla final fue el primer intento de adaptar la saga de la Fénix oscura al cine, pero los resultados dividieron al público. Al introducir tantos personajes nuevos en dos subtramas, se perdió el enfoque de la saga en el desarrollo de los protagonistas, brindando resoluciones fáciles o inmerecidas para muchos hilos narrativos introducidos en las dos entregas previas—excesos que se volverían comunes en las megafranquicias posteriores, como en Avengers: Endgame—. Será improbable que te parezca la mejor de la trilogía original, pero es indispensable verla para saber el desenlace de la historia y, sobre todo, conocer el siguiente paso para Wolverine.
Wolverine: Inmortal (2013)
A la vez secuela de X-Men orígenes: Wolverine y de La batalla final, esta película continúa la historia de Wolverine, ahora amnésico y desprovisto del factor regenerativo que lo volvía inmortal. Sumergido en el mundo del crimen organizado de Japón, deberá reconstruir su pasado mientras pone a prueba sus límites físicos y emocionales.
Wolverine: Inmortal es una película infinitamente superior a X-Men orígenes: Wolverine, brindando un desarrollo mucho mejor fundamentado y atractivo para el personaje, sin descuidar la espectacularidad de la acción—influenciada por clásicos japoneses de época como Samurái (1954) y 13 asesinos (1963)—ni tampoco requerir haber visto todas sus predecesoras para poder entenderla. Es, fuera de la propia Logan: Wolverine, una de las mejores entregas de Hugh Jackman como el personaje.
Ten en cuenta que el desenlace de Días del futuro pasado elimina los eventos de La batalla final y Wolverine: Inmortal en esta cronología.
King Kong: todas las películas en orden de estreno
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
También llamado el “Rey de las bestias” o “La octava maravilla del mundo”, King Kong es uno de los monstruos fundamentales en la historia del cine de terror, de aventuras y de acción, que se ha convertido en un ícono de la cultura pop. Ha sido reinterpretado varias veces a lo largo de las décadas, adaptando al personaje a diversas épocas y contextos. Hoy, incluso es protagonista de la saga MonsterVerse junto a Godzilla.
Para conocer todas las etapas de este multifacético monstruo en la historia del cine, a continuación te presentamos una guía con todas las películas de King Kong en su orden cronológico de estreno.
King Kong (1933)
Cuando King Kong se estrenó en 1933, los estudios cinematográficos estaban buscando nuevas formas de atraer al público a las salas, en plena crisis económica. Y los directores Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper entregaron una forma de escapismo espectacular inédita hasta ese momento, combinando técnicas cinematográficas como retroproyección con animación en stop motion para dar vida a la Isla Calavera y su imponente monarca.
Puede que, para sensibilidades actuales, sea una película anticuada por su exotismo, pero incluso hoy, las técnicas empleadas en su realización resultan impresionantes. Claro que lo mejor de todo es el propio Kong, traído a la vida por la marioneta creada por Willis H. O'Brien, una de las más meticulosamente expresivas de su tiempo y capaz de generar simpatía incluso en audiencias del siglo XXI. Podría parecerte poco espectacular comparada con las películas que se hacen hoy, pero si aprecias el nivel de artesanía que requerían estos efectos especiales (previamente visto en El mundo perdido, y que hoy se mantiene vivo con el cine en stop motion como Coraline y la puerta secreta), descubrirás, en efecto, la octava maravilla del mundo.
El hijo de Kong (1933)
El hecho de que la secuela, El hijo de Kong (Son of Kong) se haya estrenado en el mismo año que su predecesora, dice bastante de la lógica detrás de su creación. Ante el descomunal éxito en taquilla de la original, el director y productor Ernest B. Schoedsack se apuró a aprovechar la sensación para realizar una continuación que reutiliza varios de los sets y situaciones.
La trama ve al arruinado Carl Denham (Robert Armstrong) arruinado tras su responsabilidad en la destrucción de Nueva York por Kong, por lo que emprende un regreso desesperado a la Isla Calavera en busca de un tesoro. Sin embargo, lo que encuentra es un gorila gigante, similar a Kong pero más pequeño. Se trata de una secuela definitivamente inferior, pero que por lo menos intenta hacer algo diferente (algo poco común el día de hoy), optando por el humor y la aventura en vez del drama con toques de terror de la original. Algo que sí comparten ambas, sin embargo, es la calidad de los efectos especiales de Willis H. O'Brien, fenomenales para la época. Si aprecias estos efectos especiales tan artesanales y buscas historias de aventuras exóticas como Un gran dinosaurio o El hijo de Godzilla dale una oportunidad.
King Kong vs. Godzilla (1962)
La franquicia de King Kong se mantuvo oficialmente dormida por varias décadas, hasta que hubo esfuerzos—un tanto polémicos por cuestiones de derechos—de realizar una película del personaje en Japón con el estudio Toho, responsable por la franquicia de Godzilla. Después de muchas vueltas, el resultado fue King Kong vs. Godzilla, dirigida por Ishirō Honda (considerado el padre de este tipo de cine). Se trata de la tercera película en las franquicias de ambos monstruos, y su primer encuentro oficial en pantalla.
Aquí, Kong abandona la animación en stop motion para adaptarse al estilo del cine de kaijūs, tradicionalmente realizado con actores en botargas en escenarios miniatura. Es algo, a falta de un mejor término, muy sui generis, que probablemente encontrarás involuntariamente cómico (sobre todo para audiencias occidentales), pero que también tiene un encanto singular que no podrás negar, y que incluso podrías disfrutar. Además, es historia cinematográfica por ser el primer gran encuentro entre los dos monstruos, ya por entonces icónicos en el imaginario popular. Un encuentro que además, sentó la pauta para la franquicia de Godzilla en adelante, enfrentándose a nuevos monstruos en combate con cada entrega. Está a leguas de lo que haría la saga del MonsterVerse décadas más tarde con Godzilla vs. Kong, más en la línea de su predecesora, Gigantis, el monstruo de fuego.
El regreso de King Kong (1967)
King Kong vs. Godzilla no sería la única película del personaje producida por Toho e Ishirō Honda en el tradicional estilo del cine de kaijūs. El regreso de King Kong (King Kong Escapes) sería la segunda y última inspirada en la serie animada The King Kong Show producida también por Toho con el estudio estadounidense Rankin/Bass.
Es una rareza en la que Kong, finalmente, acaba adoptando el papel de héroe, en una trama que involucra espionaje y científicos malvados—aprovechando la popularidad del cine de espías, en ascenso con la saga de James Bond, con la que tiene algunos elementos temáticos en común—. La película goza de las mismas virtudes y curiosidades de su predecesora: ambas con actores en botargas, escenarios miniatura y un presupuesto relativamente bajo, por lo que puede provocarte algunas risas involuntarias. ¿Lo mejor? Que Kong recibe a su propio alter-ego mecanizado, Mechani-Kong, así que se volverá todo un deleite si disfrutas de estas producciones de combates entre monstruos, y en particular Godzilla contra Cibergodzilla, máquina de destrucción.
King Kong (1976)
El primer remake oficial de la película original llegaría en 1976, siguiendo una trama muy similar, pero enmarcándola en el contexto de su década, lo que trajo cambios interesantes al argumento y a su lectura. King Kong de 1976 comienza con una expedición petrolera a una isla remota, que tiene por polizón a un paleontólogo (Jeff Bridges en uno de sus roles tempranos), quien trata de advertirles del peligro al que se dirigen. En el camino descubren la balsa a la deriva de la joven Dwan (Jessica Lange en su debut).
Estas pequeñas diferencias sitúan a la película en la crisis energética de los años 70, al mismo tiempo que presenta una alegoría que ha sido leída por algunos como pro-ambientalista, y por otros como una crítica al intervencionismo estadounidense. Además, en busca de crear su propia iconografía, el clímax no sucede en la cima del Empire State, sino de las Torres Gemelas del viejo World Trade Center de Nueva York. Es una visión más violenta y madura de la historia tradicional de Kong, que quizá no te parezca tan memorable como la original, pero que finalmente abandona la animación en stop motion a cambio de botargas, efectos más elaborados, y una conciencia reflexiva más propia de la década marcada por Apocalypse Now, que también sentará las bases para Kong: La isla calavera.
King Kong 2 (1986)
Menos conocida es la secuela de esta última versión de King Kong. Titulada King Kong 2 (King Kong Lives), es, de lejos, una de las peores producciones jamás realizadas sobre el personaje, con una trama estrafalaria y extrañas mezclas de ciencia ficción con romance. A menos que seas un fan de hueso colorado o un completista, te recomendamos ampliamente dejarla pasar.
La película parte de la premisa de que Kong no murió en el World Trade Center y que se le ha mantenido en coma por una década, pero se requiere encontrar a otro de su especie para una transfusión que le permita recuperarse. Así entra en escena una Lady Kong, mientras un par de personajes humanos mantienen un romance paralelo. Es una película que encuentra destellos de buen entretenimiento cuando el propio Kong está en pantalla, enfrentándose a la civilización humana. Pero con tantos elementos extraños y un elenco que no se compra la realidad de la película, resulta, por mucho, la entrega del personaje que merece quedar en el olvido. La equivalente a la Godzilla de 1998 en el canon del simio gigante.
El poderoso Kong (1998)
Tan multifacético es Kong en la historia del cine, que ha protagonizado géneros que normalmente no se asociarían a una película de monstruos. ¿Quieres una demostración? Entonces tienes que ver El poderoso Kong (The Mighty Kong), una animación musical, coproducción entre Estados Unidos y Corea del Sur.
La historia básica es la misma, pero con números musicales aleatoriamente insertados aquí y allá—como uno en el que Ann Darrow baila en la costa de una isla—. Es, claramente, una producción dirigida a niños, con una colorida animación en 2D—guardando distancias, en un estilo que recuerda a las películas de La Tierra antes del tiempo de Don Bluth—, algunos elementos nuevos y un desenlace más amigable para el público infantil. Una curiosidad singular en la historia de Kong, con la misma alma melodiosa de clásicos de Disney como Tarzán, aunque no te recomendaríamos que este sea tu primer acercamiento al personaje,
King Kong (2005)
Bajo la dirección de Peter Jackson (luego del éxito descomunal de su saga cinematográfica de El señor de los anillos), el Rey de las bestias tendría su mayor salto evolutivo, en lo que muchos consideran el remake definitivo del clásico. Otros, mientras tanto, lo considerarían excesivo (en lo personal, estoy a medio camino). En todo caso, esta fue la primera vez que el personaje sería animado digitalmente, la técnica que se convertiría en el estándar a partir de este punto.
King Kong de 2005 es fiel a la original de una forma tal que no pretende trasladar la historia a la época contemporánea, sino que la sitúa, de nuevo, en los años 30. Hay algunos cambios, contextualizando más la Gran Depresión, por ejemplo. Sin embargo, la palabra que mejor ayudaría a describir este remake es “más”. Con un metraje que supera las tres horas (contra los 100 minutos de la original), esta versión expande absolutamente todo: cada combate es más largo, con más oponentes. Cada secuencia es más dramática o más terrorífica. La acción se dilata más. Es demandante, precisamente como las películas de El señor de los anillos de Jackson. Algunos podrían verlo como el perfeccionamiento del clásico, otros como un exceso, pero si se trata de acercarte al personaje por primera vez, no es un mal punto de partida.
Kong: La Isla Calavera (2017)
Aunque esta película es, técnicamente, el debut del personaje en la franquicia del MonsterVerse (iniciada con Godzilla de 2014), en realidad es una producción que funciona por sí misma como una película del personaje en solitario, así que no necesitas haber visto ninguna de sus predecesoras en dicha franquicia ni en la del propio King Kong.
Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island) toma el esqueleto básico del ya clásico relato de King Kong, pero lo enmarca en otro contexto para convertirlo en una bestia totalmente distinta. Un equipo de militares y mercenarios de Estados Unidos son reclutados para una misión de investigación secreta en una isla remota. Situada en plena Guerra de Vietnam, la película se convierte en una alegoría del fracaso estadounidense en el conflicto, con el Kong más grande visto en el cine hasta ese momento, secuencias de acción más espectaculares y violentas, y bestias más perturbadoras.
Es una película más inclinada hacia la acción y el terror, con claras inspiraciones en cine de la Guerra de Vietnam como Apocalypse Now por vía de Jurassic Park, lo que no la vuelve precisamente ideal para niños. Pero para el público más maduro, se trata de una de las reinterpretaciones más interesantes del personaje, y puede ser vista y entendida por sí sola, sin sus eventuales crossovers.
Godzilla vs. Kong (2021)
El primer encuentro oficial entre los dos grandes titanes del MonsterVerse llegó con Godzilla vs. Kong, oficialmente la cuarta película de la franquicia, y el primer reencuentro de ambos personajes en casi seis décadas. La película comienza a introducir conceptos que explican la rivalidad entre ambos, como que existe una “Tierra hueca” debajo de la superficie y de la que Kong es el rey, mientras que Godzilla gobierna sobre la superficie.
A pesar de que comienza a presentar conceptos cada vez más estrafalarios, esta entrega del MonsterVerse todavía mantiene un tono relativamente serio y solemne, con la humanidad intentando lidiar con el choque de titanes, mientras una organización planea desencadenar un arma secreta en contra de Godzilla. Pero seamos sinceros, nadie está aquí para nada de eso, sino para ver a dos íconos del cine gigantescos—simbólica y literalmente—destrozarse el uno al otro en combate. En ese sentido, la película cumple con creces, estableciendo secuencias de acción originales y bien coreografiadas que sacan provecho de las cualidades y fortalezas de cada uno de los rivales: es, en esencia, la consolidación del cine de kaijūs gracias a la tecnología de animación digital. Verás que es como ir a la lucha libre, pero en una proporción atómica.
Godzilla y Kong: El nuevo imperio (2024)
Desde el momento que vemos a Godzilla tomando una siesta en el Coliseo Romano como si fuese cama de gato, Godzilla y Kong: El nuevo imperio (Godzilla x Kong: The New Empire) se establece como una bestia totalmente distinta a sus predecesoras. Sí, se expande toda la narrativa alrededor de organizaciones secretas lidiando con titanes, hay una subtrama sobre tribus de la Tierra hueca… pero aquí, las peleas requieren menos pretextos y son más alocadas aún. Si la anterior era como lucha libre en escala atómica, esto vendría a ser un maratón de Wrestlemania entre titanes.
Es decir, no esperes una trama bien desarrollada aquí—porque además, es más tediosa que los comerciales del cine antes de la función—. Todo es un conductor para un crescendo de batallas cada vez más estrafalarias: uno a uno, en equipos, con brazos de metal, en gravedad cero. ¿Tiene mucho sentido? No realmente. Pero si lo tuyo es ver monstruos gigantes partiéndose la cara, más en el espíritu caricaturesco de Titanes del Pacífico, no podrás pedir mejor festín. Para los fans del simio hay puntos extra, pues a pesar de contar con Godzilla, esta es, más que nada, una película de King Kong.
Tessa Ía: sus mejores películas y series (además de Nadie nos vio partir)
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Nacida en la Ciudad de México, hija de la actriz Nailea Norvind y hermana de Naian González Norvind, Tessa Ía es una de las actrices jóvenes más populares de la actualidad. Debutando a los nueve años en la popular telenovela Rebelde (2004-2005) en el papel de Loli Arango, ha compartido créditos con actores como Miguel Rodarte, Karina Gidi y Juan Manuel Bernal, y ha sido dirigida por cineastas como Michel Franco y Natalia Beristáin.
Ahora ha impresionado con su actuación en la serie Nadie nos vio partir, de Netflix, basada en la novela autobiográfica homónima de Tamara Trottner. Si su interpretación te dejó con ganas de conocer más de su todavía joven trayectoria, aquí seleccionamos para ti algunas de las mejores películas y series de Tessa Ía para ver online.
Nadie nos vio partir (2025)
Basada en la novela biográfica homónima de Tamara Trottner, Nadie nos vio partir sigue la desesperada búsqueda de una madre (Tessa Ía) para recuperar a sus hijos de su esposo (Emiliano Zurita), quien los secuestra como venganza y se los lleva al extranjero. Es uno de los roles recientes de la actriz que mejor despliegan su capacidad para interpretar roles emocionalmente complejos, en este caso, de una mujer atrapada en una difícil situación que, además, enfrentó a dos de las familias judías más poderosas de México en su momento.
Esta serie de cinco episodios mezcla elementos de thriller con drama familiar, lo que lo emparenta con títulos como Kramer vs. Kramer o No sin mi hija. Sin embargo, también hay que considerar que las víctimas en la historia son niños a manos de adultos, algo que la cineasta Lucía Puenzo (directora de dos episodios de la serie) maneja con maestría en películas como La caída o El médico alemán.
Después de Lucía (2012)
Bajo la dirección del mexicano Michel Franco, podemos argumentar que Después de Lucía es la película más importante de Tessa Ía hasta el momento, pues la puso en el mapa del cine mexicano. Aquí interpreta convincentemente a una adolesente que, tras la muerte de su madre, carga con su padre deprimido al tiempo que enfrenta acoso escolar cada vez más cruel, situación que calla para proteger a su papá. El asunto termina por salirse de control, con consecuencias letales.
Franco es experto por mostrar situaciones sociales y familiares complejas como ollas de presión calentándose poco a poco, algo también visto en películas como Las hijas de Abril. Aspira a (aunque no siempre consigue) la impavidez reflexiva de Michael Haneke en títulos como Juegos divertidos (Funny Games), con la que tiene puntos narrativos en común.
Los adioses (2017)
En Los adioses, brillante biopic dirigida por Natalia Beristáin, Tessa Ía comparte con la veterana Karina Gidi el crédito de dar vida a dos facetas de la emblemática escritora Rosario Castellanos: la primera, como una introvertida universitaria en fase de enamoramiento; la segunda, como una consagrada escritora desencantada con el equilibrio entre las expectativas femeninas para la vida doméstica y las frustraciones de ser escritora en un entorno machista. Enorme mérito para ambas, sobre todo para la incipiente Ía, pues ninguna parte del díptico funciona sin la otra.
Como película dramática, Los adioses comparte la quietud reflexiva vista en No quiero dormir sola, largometraje debut de su directora. Por su ritmo y temas, podría recordarte a otras grandes películas de cineastas mujeres como Kelly Reichardt (Wendy y Lucy) o Jane Campion (El piano).
Sierra Madre: Prohibido pasar (2023)
En la serie Sierra Madre: Prohibido pasar, Tessa Ía interpreta a Roberta Parra, hija de un empresario (Miguel Rodarte) del adinerado municipio de San Pedro, México, quien decide (ingenuamente) postularse como candidato a alcalde cuando la violencia del narco amenaza con filtrarse a su comunidad. Roberta encarna la frivolidad ciega del privilegio común en esa región del país, aunque la actriz logra brindarle humanidad por medio de la comedia.
Aunque la serie satiriza a la comunidad política y empresarial de San Pedro, no es una comedia abiertamente, moviéndose más en los terrenos de películas de Luis Estrada, como La ley de Herodes o La dictadura perfecta.
Camino a Marte (2017)
En Camino a Marte, Tessa Ía protagoniza como Emilia, una joven mujer que padece una enfermedad terminal y decide escaparse con su mejor amiga, Violeta (la media hermana de Ía, Camila Sodi), en un viaje por carretera a la playa. En el camino se encuentran con un hombre (Luis Gerardo Méndez) que afirma ser un ser de otro planeta con la misión de destruir a la humanidad. Duda de su propósito, sin embargo, al enamorarse de Emilia.
El factor enfermedad la vuelve similar a road movies como Y tu mamá también, aunque el elemento del alienígena recuerda a otro gran clásico de los 80: Starman: El hombre de las estrellas, con Jeff Bridges.
Desenfrenadas (2020)
Desenfrenadas es una serie de 10 episodios en clave de road movie en la que tres amigas, de muy diferentes trasfondos y contextos, deciden salir de viaje para ahogar sus penas personales. Las cosas se salen de control cuando una cuarta chica de una situación precaria (Coty Camacho) las obliga a manejar hasta Oaxaca. El personaje de Tessa Ía, Vera, es el que más contrasta con ella: es blanca, adinerada, privilegiada y caprichosa.
Como buena road movie que explora las complejidades de ser mujer en un mundo machista, esta serie le debe mucho al clásico Thelma y Louise. Por sus temas, sin embargo, tiene puntos en común con películas tan dispares como Cindy la regia y Noche de fuego.
Películas de romance navideñas: 7 clichés extrañamente específicos que nunca faltan
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
En el enorme canon de películas navideñas encontramos de todo, desde los grandes clásicos a las típicas “tan malas que son buenas”, así como las infravaloradas y, claro, las de terror para quienes prefieren celebrar “Creepmas”. Pero también hay un tipo de películas más simples y terrenales, que encantan por su sencillez: los romances navideños, en especial los de tipo “Hallmark”.
Se trata de comfort movies en toda la extensión de la palabra, que usan todos los lugares comunes del manual para brindar una experiencia tan predecible que se vuelve entretenida y reconfortante a la vez. Sin embargo, sus historias recurren a tropos tan peculiares que resulta divertido—pero también extraño—verlos repetirse una y otra vez. Acá te contamos sobre 7 clichés en películas de romance navideñas extrañamente específicos, pero demasiado comunes.
El pueblo más navideño de todos
De acuerdo, a todos nos gusta volver a casa para celebrar la Navidad con nuestros seres queridos. Sobre todo para no estar solos después de alguna pérdida, como una ruptura amorosa o algo peor. Pero una cosa es eso, y otra muy diferente es volver al pueblo más navideño de todos, lo que puede ser una bendición o una maldición dependiendo de los gustos del protagonista.
Tomemos, por ejemplo, Sorpresa de Navidad (Haul Out the Holly), en la que después de una desilusión romántica, una mujer (Lacey Chabert) regresa a casa de sus padres, donde los vecinos harán de todo para sacar el espíritu festivo en ella. Y claro, el pueblo es, en “cuerpo” y alma, más navideño que todos los elfos de Santa Claus reunidos para una fotografía de Spencer Tunick. Lo cual se relaciona con el siguiente cliché…
Navidad… y nada más que Navidad
En el mundo real, diciembre es un mes como cualquier otro: se decora la casa un día, hay alguna fiesta o posada por ahí en algunas semanas y después se prepara la cena de Navidad, pero el resto de los días transcurren como de costumbre. Pero no en estas películas, no, señor. El alegre espíritu festivo es lo que une a las parejas, así que es requisito indispensable que los potenciales enamorados vivan en un mundo más navideño que la pesadilla más oscura del Grinch.
Por ejemplo, en Encuentro de Navidad (Mingle all the Way) de Hallmark, una mujer (Jen Lilley) acuerda asistir a todos sus eventos navideños con un hombre (Brant Daugherty) con el que ya había tenido una desastrosa cita en el pasado. Y entonces la pareja pasa el resto de la película entre decoraciones navideñas, trineos y demás actividades festivas. En Por segunda vez (Checkin’ it Twice), también de Hallmark, la pareja central (Kim Matula y Kevin McGarry) pasan por lo mismo pero le agregan hockey, por si alguna masculinidad se sintió tambalear con tanta sacarina. Es casi como si los protagonistas de estas películas no tuvieran nada mejor o diferente que hacer. Lo que nos conduce al siguiente punto.
¿Trabajo? ¿Cuál trabajo?
Muchas películas de romance navideñas tienen a protagonistas femeninas que nunca son unas “desquehaceradas”. En teoría son mujeres independientes, con profesiones y empleos… Excepto que rara vez las vemos ejerciendo. Casi siempre, sus trabajos son el mero detonante para el encuentro con el futuro esposo (ah, qué bellos tiempos eran aquellos los del progresismo).
Por ejemplo, en Un príncipe de Navidad (A Christmas Prince), seguimos a una joven periodista (Rose McIver) que acepta viajar a un país europeo ficticio para investigar al príncipe (Ben Lamb), quien duda sobre asumir la corona. Y ella ejerce el periodismo por cinco minutos completos antes de hacer… cualquier otra cosa, menos investigación periodística. Sólo recuerda su profesión para conseguir información que traerá la tensión narrativa necesaria antes de la inevitable reconciliación.
Sin pareja celosa
El enamoramiento en las películas románticas de Navidad tiene que ser inocente y fácil, así que no puede haber nada ni nadie de por medio (no puede haber ni un indicio de infidelidad, ¿qué va a decir Diosito, si no?).
¿Solución? Al menos uno de los protagonistas será viudo, elemento que de inmediato provocará simpatía (porque claro, es un alma noble pero herida). Ejemplo para este caso: Un muñeco de nieve para derretirse (Hot Frosty), en la que una mujer viuda (Lacey Chabert, una vez más) conjura mágicamente a su nuevo novio, una escultura de nieve (Dustin Milligan) que cobra vida.
Puntos extra si, además, hay un niño o niña que perdió a uno de sus progenitores y ya está buscando el sustituto. Lo que nos lleva a…
Quítese, niño metiche
En las películas de romance navideñas, todos juegan a ser casamentero, porque lo peor que puede sucederle a alguien en Navidad es estar soltero. Y nadie más interesado en crear parejitas nuevas en estas películas que las infancias, con mejores tasas de éxito que un mes completo de Tinder Premium.
Ejemplo perfecto: Navidad de golpe (Falling for Christmas), donde Lindsay Lohan interpreta a una consentida mujer y ejecutiva hotelera que queda amnésica tras un accidente de esquí. Es acogida, ni más ni menos, que por un simpático viudo que opera una humilde posada y que, además, tiene una encantadora hija (Olivia Perez) sin quien no tendría idea de nada.
¿Meet cute? Más como meet ugly
En las comedias románticas convencionales, es común (aunque no está escrito en piedra) que los eventuales amantes se conocerán en una situación inusual pero tierna o encantadora. Pero en las películas de romance navideñas se está rompiendo este patrón en favor de lo contrario: bienvenidos al meet ugly, donde la pareja se conoce en circunstancias incómodas, desagradables o desastrosas.
Por ejemplo, en Orgullo, prejuicio y muérdago (Pride, Prejudice and Mistletoe), la parejita (Lacey Chabert de nuevo, junto a Brendan Penny) son enemigos de la secundaria que se reencuentran por circunstancias que los obligan a estar juntos, porque el tiempo y la Navidad lo curan todo. O en ¡Qué duro es el amor! (Love Hard), un chico solitario (Jimmy O. Yang) tal cual le hace catfishing a una chica (Nina Dobrev) en una app de citas. Al final, en ambos casos, las cosas salen bien porque de eso se trata la Navidad: de perdonarlo todo y construir algo juntos incluso si los cimientos de confianza están más endebles que un castillo de cartas sobre una torre de Jenga. O algo así.
Una protagonista interpretada por Lacey Chabert
Sólo al escribir esta lista nos percatamos de lo evidente: que Lacey Chabert es la reina contemporánea de las películas de romance navideñas. Hasta aquí, ya la mencionamos en Un muñeco de Navidad para derretirse, Sorpresa de Navidad y Orgullo, prejuicio y muérdago. Pero vaya que hay bastante más de donde esas vinieron.
En sus palabras, la razón por la que Chabert hace tantas comedias románticas de Navidad es porque ama la festividad. Así que si lo que buscas en una película de romance navideña es la familiaridad, nadie ofrece más de eso que la actriz, que también ha protagonizado Navidad en Castle Hart, El tesoro Navideño (The Christmas Quest) y Una melodía navideña (A Christmas Melody) junto a la otra reina de la temporada, Mariah Carey. Quizá no logró poner de moda “fetch”, pero vaya que en esto se la tiene ganada a Lindsay Lohan.
‘Sirāt’ y las 9 mejores películas en español nominadas a los grandes premios del cine, rankeadas
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
La temporada de premios cinematográficos 2025-2026 ha comenzado, y luego de su nominación a los Globos de Oro, la producción española Sirāt: Trance en el desierto de Óliver Laxe se está perfilando como una de las favoritas para llegar al Oscar. En Cannes, incluso, ya ganó el Premio del Jurado.
Con esta trayectoria, se une al selecto grupo de películas en español que han sido nominadas a (o incluso han ganado) los grandes premios del cine, como el Oscar, el Globo de Oro o la Palma de Oro de Cannes, entre otros. Además de Sirāt, aquí seleccionamos otras 9 y las ordenamos en un ranking.
10. Una mujer fantástica (2017)
El drama chileno con tintes surrealistas Una mujer fantástica, del director Sebastian Lelio, hizo historia para la nación sudamericana: es la primera producción chilena ganadora del Oscar en la categoría que hoy se conoce como Mejor película internacional (antes Mejor película en lengua no inglesa), y segunda del país en ganar un Oscar después del cortometraje Historia de un oso. Y hablando de osos, también ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín.
La película cuenta la historia de una mujer trans (Daniela Vega) que debe lidiar con la muerte de su novio (Francisco Reyes), y con el subsecuente desprecio de la familia de éste, que se empeña en hacerla a un lado y negar su existencia. Lidia con temas de discriminación contra la comunidad LGBTQIA+ en un tono similar a Sólo un hombre, con toques de surrealismo como los vistos en Todos somos extraños, aunque es más esperanzadora y contestataria que ambas.
9. Sirāt: Trance en el desierto (2025)
Un poco de trampa aquí pues, si bien es una producción encabezada por un cineasta español (Óliver Laxe) y cofinanciada por España, la trama y contexto de Sirāt: Trance en el desierto conlleva que la película también sea hablada en idiomas como el francés y el árabe (aunque la principal es el español).
La trama sigue a un padre (Sergi López) y su hijo (Bruno Núñez Arjona) que se adentran en un rave, perdidos en las montañas de Marruecos, para buscar a la hija, que se ha perdido meses atrás en otro rave. La búsqueda se convierte en un viaje que, en papel, es como una road movie al estilo de París, Texas, pero con un piquete de Clímax de Gaspar Noé con otro poquito de Mad Max: Furia en el camino.
8. Macario (1960)
Aunque sería fácil atribuir el lugar de Macario en esta lista a puros hitos históricos—compitió por la Palma de Oro de Cannes y fue la primera película mexicana nominada al Oscar—, lo cierto es que, sencillamente, es una de las mejores películas no sólo de México, sino de América Latina.
Basada en un relato de B. Traven, la película sigue a un hombre sumido en la pobreza durante la época colonial, quien tiene encuentros determinantes con Dios, con el diablo y con la muerte misma (es un clásico fundamental del cine mexicano para el Día de muertos). Sus elementos fantásticos sobre la muerte te harán pensar en El séptimo sello de Bergman o en Cuentos de la luna pálida de Kenji Mizoguchi, y tiene ecos contemporáneos en producciones mexicanas como El diablo en el camino.
7. Fresa y chocolate (1993)
Dirigida por Tomás Gutiérrez Alea, quizá el cineasta cubano más importante a partir de Memorias del subdesarrollo, esta película fue, también, la primera de Cuba en competir por un Oscar (además de ganar otros galardones como el Oso de Plata de Berlín o el Goya).
Fresa y chocolate es una comedia dramática situada en 1979, sobre un estudiante universitario y ferviente comunista (Vladimir Cruz) que forja una improbable amistad con un artista gay (Jorge Perugorría), inconforme con la represión del régimen. Una película que tiene temas en común con Una mujer fantástica o con la biopic Antes que anochezca, también situada en Cuba.
6. Roma (2018)
El regreso del director Alfonso Cuarón a su natal México, luego de éxitos en Hollywood como Niños del hombre y Gravedad, es sin duda una de las producciones latinoamericanas más reconocidas en el circuito festivalero y de premios del Norte global, incluso si se ha tambaleado bajo el escrutinio de la crítica latinoamericana que detecta pertinentes tensiones en su representación de la clase social, pecando un poco de la idealización de Nomadland y carente de la sensibilidad de la brasileña Aún estoy aquí.
Pero es innegable que Roma, sobre la vida de una trabajadora doméstica (Yalitza Aparicio) para una familia acomodada durante los 70 en México, es formalmente formidable y emocionalmente impactante. Además de anotarse el Oscar a Mejor película internacional, Mejor director (Cuarón) y un polémico premio a Mejor fotografía, también obtuvo el León de Oro de Venecia entre otra oleada de galardones.
5. El laberinto del fauno (2006)
Muchos años antes de coronarse con obras realizadas en Hollywood—muchas, en cierto modo, reiterando los mismos temas—, el mexicano Guillermo del Toro se consagró con la que muchos siguen considerando su obra maestra: la fantasía española El laberinto del fauno, que sigue a la pequeña Ofelia (Ivana Baquero) en busca de un escape bajo la opresión del matrimonio de su madre con un oficial franquista (Sergi López) en plena Guerra civil.
La película estuvo nominada a cinco premios Oscar y ganó tres: Mejor fotografía, Dirección de arte y Maquillaje. Un desempeño menor en esa premiación respecto al que tendrían La forma del agua o su Pinocho, ya estrenadas en la cumbre de su fama. No obstante, también se llevó varios premios en los BAFTA y los Goya.
4. Relatos salvajes (2014)
Coproducida por Argentina y España, la ácida antología satírica y absurdista Relatos salvajes compitió por el Oscar a Mejor película en lengua no inglesa como representante del país latinoamericano. No ganó, pero nadie negará que es uno de los mejores exponentes de habla hispana en los Premios de la Academia, tanto en años recientes como en toda su historia. Tampoco ganó la Palma de Oro por la que sí compitió, pero sí obtuvo el BAFTA y el Goya.
La genial antología se compone de seis historias separadas pero unidas bajo temas como la violencia, la venganza y la rabia, con un elenco de luminarias como Ricardo Darín, Oscar Martínez y Érica Rivas, entre otros. En tono, está a medio camino entre el humor casi caricaturesco de Pulp Fiction y el realismo sórdido de Amores perros.
3. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)
Imposible hablar de películas en español nominadas a los grandes premios del cine sin pasar por Pedro Almodóvar, quizá el nombre más recurrente en dichos registros haciendo cine en español. Y la película responsable de catapultarlo a dicho estatus fue la comedia Mujeres al borde de un ataque de nervios, sobre una mujer (Carmen Maura) con el corazón roto ante el abandono de su amante (Fernando Guillén)... entre otras peripecias que suceden en paralelo y alrededor de ellos.
Aunque no ganó ninguno, la película aspiraba al Oscar como Mejor película en lengua extranjera, además del BAFTA y el Globo de Oro (aunque sí arrasó en los Goya). Fue un parteaguas para Almodóvar, pues representó su primera nominación a un Premio de la Academia, y también marcó un cambio en el estilo y tono de sus películas hacia lo que veríamos en tantas otras como Kika.
2. El secreto de sus ojos (2009)
La segunda ganadora del Oscar para Argentina después de La historia oficial es, sin duda, una de las mejores películas en español nominadas a los principales premios del cine. Considerada no sólo la mejor película de su director, Juan José Campanella, sino también una de las mejores producciones latinoamericanas, El secreto de sus ojos es un inteligente thriller con Ricardo Darín como un oficial de un juzgado de Buenos Aires, obsesionado con un caso de asesinato que presenció, no consiguió resolver, y que decide escribir como novela.
Obra maestra sobre los diálogos entre la verdad y la ficción para hacer sentido de la historia, la memoria y la falta de respuestas. Temáticamente, dialoga con lo que la brasileña El agente secreto sería años más tarde, aunque en una clave un tanto más cerebral.
1. Todo sobre mi madre (1999)
Todo sobre mi madre, clásico indiscutible del cine español y mundial, es Almodóvar en la cumbre de sus poderes. Situada en Madrid, la película sigue a una enfermera y madre soltera (Cecilia Roth) quien sufre la muerte accidental de su hijo (Eloy Azorín) la noche que cumplió 17 años. Destrozada, decide irse a Barcelona en busca del padre del chico.
Ganadora del Oscar, el Globo de Oro y del BAFTA como Mejor película en lengua extranjera, además del premio a Mejor dirección del Festival de Cannes, esta es la película del Almodóvar menos tragicómico y más melodramático que veríamos en películas como Volver, en clave mucho más cercana que nunca a las películas de Douglas Sirk como Imitación de la vida o Lo que el cielo nos da.
‘El caballero de los Siete Reinos’: ¿dónde encaja en la cronología de ‘Game of Thrones’?
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
El estreno de la serie El caballero de los Siete Reinos (A Knight of the Seven Kingdoms) de HBO y HBO Max en enero de 2026 abrirá un nuevo capítulo en la historia televisiva de Poniente, o Westeros, que ya hemos explorado en otras series como La casa del dragón y, principalmente, Game of Thrones. Todas ellas basadas en la saga literaria Canción de hielo y fuego y textos complementarios de George R.R. Martin.
Por supuesto, si no eres un fan acérrimo de esta mitología o de los libros, la nueva serie puede ser confusa. ¿Es una secuela o una precuela? ¿Tengo que ver algo antes? ¿Tiene implicaciones para las otras series? Vamos con calma: aquí te contaremos en dónde encaja El caballero de los Siete Reinos dentro de la cronología de Game of Thrones.
Habrá algunos spoilers de las series y los libros a continuación.
¿Cuándo comienza la historia de El caballero de los Siete Reinos?
En la historia ficticia de Poniente, el principal punto de referencia es la coronación del rey Aegon “el conquistador” o Aegon I Targaryen, quien invadió el continente y se convirtió en el primer gobernante de los Siete Reinos. Por lo tanto, los maestres clasifican la historia de Poniente como “antes de la Conquista” (a.C.) y “después de la Conquista” (d.C.).
En la cronología de Poniente, la historia de El caballero de los Siete Reinos inicia en el año 209 d.C. Es un período de relativa paz en los Siete Reinos, gobernados por el rey Aerys I Targaryen.
¿De qué trata El caballero de los Siete Reinos y cuántos años abarcará?
La nueva serie de HBO trata sobre las aventuras de un joven guerrero que acabará por convertirse en el caballero Ser Duncan “el alto” (Peter Claffey), y su pequeño escudero que, en realidad, es Aegon V Targaryen (Dexter Sol Ansell). La serie adapta las novelas cortas de George R.R. Martin conocidas colectivamente como Cuentos de Dunk y Egg, que han sido compiladas en un libro con el mismo título de la serie.
Hasta el momento, hay tres relatos sobre las aventuras de “Dunk” y “Egg”: El caballero errante (que sucede durante 209 d.C.), La espada leal (alrededor de 210 o 2011 d.C.) y El caballero misterioso (aproximadamente en 212 d.C.). Se espera que cada una de las tres temporadas planeadas adapte una de las novelas cortas, abarcando un período de aproximadamente tres a cuatro años en la historia de Poniente.
Sin embargo, la serie podría extenderse más allá de eso. El autor George R.R. Martin, quien está involucrado en la producción, ha confirmado en el pasado que tiene más Cuentos de Dunk y Egg en mente, y que podría escribirlos en simultáneo con el desarrollo de la serie, según publicó en su blog en 2023. Dado que Duncan y Aegon V mueren en el año 259 d.C., hay bastante tela de dónde cortar si la serie consigue el éxito suficiente para seguir más allá de la temporada 2, que ya está confirmada para 2027.
¿Cuál es el orden para ver El caballero de los Siete Reinos, Game of Thrones y La casa del dragón?
Al comenzar en el año 209 d.C., El caballero de los Siete Reinos sucede décadas después de los hechos que hemos visto en La casa del dragón, pero también varias décadas antes de Game of Thrones. Entre las tres transcurren alrededor de 200 años.
Es decir, si quieres ver las series en orden cronológico, tendrías que comenzar con La casa del dragón (que comienza en el año 101 d.C.), luego El caballero de los Siete Reinos (año 209 d.C.) y, finalmente, Game of Thrones (año 298 d.C.).
¿La serie ocurre después de La casa del dragón? ¿Cómo se conecta con ella?
Sí, El caballero de los Siete Reinos se sitúa décadas después de La casa del dragón.
Aunque esta última serie aún está en desarrollo (con una tercera temporada en camino), es bien sabido que adapta los episodios posteriores del libro Fuego y sangre, que recoge la historia de la dinastía Targaryen dentro de la ficción, incluyendo el conflicto interno por la sucesión tras la muerte de Viserys I (Paddy Considine en la serie).
Esto desembocó en una guerra civil por el trono entre la facción verde de la reina Alicent Hightower (Olivia Cooke) y la facción negra de la reina Rhaenyra Targaryen (Emma D’Arcy), que fue conocida como la “danza de los dragones”, y que terminó con la extinción de los propios dragones, las muertes de ambos Rhaenyra y Aegon II (Tom Glynn-Carney), y la coronación del sucesor de Rhaenyra, Aegon III. La serie abarcará del 101 d.C. al 129 d.C.
La historia de Dunk y Egg comenzará casi un siglo después de eso, por lo que habrán sucedido varias generaciones de gobernantes entre una y otra. Sin embargo, El caballero de los Siete Reinos sucederá en una época donde aún gobiernan los Targaryen, y las historias de los dragones no son todavía recuerdos tan lejanos.
¿El caballero de los Siete Reinos sucede antes de Game of Thrones? ¿Cómo se conectan las historias?
Sí, la nueva serie se sitúa poco menos de un siglo antes de los acontecimientos vistos en Game of Thrones.
Qué tan evidente será la conexión entre El caballero de los Siete Reinos y Game of Thrones dependerá de cuántas temporadas se desarrollen para la serie. Actualmente, hay vínculos sugeridos, pues Aegon V es el hermano del maestre Aemon (quien aparece en Game of Thrones interpretado por Peter Vaughan), y está confirmado que Duncan es un ancestro de Brienne de Tarth (Gwendoline Christie en la serie), aunque no está claro qué tan directamente.
En la mitología de Poniente, se establece que Dunk fue Lord Comandante de la Guardia real bajo Aegon, quien llegó a ser rey a pesar de estar lejos de la línea de sucesión (por lo que fue apodado “el improbable”). Por lo tanto, existen teorías de que ambos personajes fueron testigos de eventos clave que darían forma al futuro de los Siete Reinos, incluyendo el nacimiento de Daenerys Targaryen (Emilia Clarke, una de las protagonistas de Game of Thrones).
Las 8 franquicias más importantes que pasarían a Netflix con la compra de Warner Bros., de ‘Harry Potter’ al ‘Universo DC’
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
El gigante del streaming no piensa parar de crecer. Netflix ha cerrado un acuerdo para adquirir los estudios y plataformas de streaming bajo el paraguas de Warner Bros. Con esto, la compañía de la gran “N” roja no sólo tendría su propio catálogo de títulos originales (como Stranger Things), sino que también obtendría control sobre el legado de uno de los estudios cinematográficos más longevos, fundamentales para la historia del cine.
Más allá de las implicaciones para la industria—y a la reserva de que la adquisición no sea bloqueada por leyes antimonopolio—, hemos de asumir que Netflix tomará control de algunas de las franquicias más grandes e importantes del cine y la TV, incluyendo las de HBO y HBO Max. Aquí te contamos cuáles serían las 8 más importantes.
Harry Potter (2001-2011)
La saga cinematográfica de fantasía juvenil adaptada de los libros de J.K. Rowling es una de las propiedades más valiosas de Warner Bros. Las películas de Harry Potter estuvieron entre los éxitos de taquilla más significativos durante una década entera, e incluso la saga spin-off, Animales fantásticos, tuvo un desempeño aceptable.
Además, se esperaba una nueva adaptación de los libros en forma de una serie de televisión bajo el sello de HBO, lo que sin duda iba a dar nueva vida a la millonaria franquicia para una nueva generación. Sería sólo una de muchas producciones populares sobre las que Netflix obtendría control.
El Universo DC (DCU) y el Universo Extendido de DC (DCEU)
Aquí estamos hablando, técnicamente, de dos franquicias separadas. Sin embargo, para todo efecto y propósito, la compra de Warner Bros. por parte de Netflix significaría que el gigante del streaming supervisará todas las adaptaciones al cine de DC Comics.
Es decir, Netflix obtendría control tanto de las clásicas películas de Superman, como del cancelado Snyderverse o Universo Extendido de DC (DCEU), así como el aún incipiente Universo DC (DCU) de James Gunn, iniciado con la nueva Superman y que continuará próximamente con Supergirl. Todo eso, además de las incontables adaptaciones televisivas y animaciones basadas en este universo de superhéroes.
Game of Thrones, La casa del dragón y El caballero de los Siete Reinos
Dentro del aclamado repertorio de HBO, una de las propiedades más valiosas son las adaptaciones de las novelas de Canción de hielo y fuego de George R.R. Martin—y textos relacionados—. Estas dieron lugar a la serie Game of Thrones, que ha evolucionado para convertirse en una de las franquicias más importantes de la televisión.
La serie tiene ya dos spin-offs, en la forma de La casa del dragón (adaptación del libro Fuego y sangre con una tercera temporada en camino) y de El caballero de los Siete Reinos (misma que adaptará Los cuentos de Dunk y Egg, compilados en un libro con el mismo título de la serie). Así, Netflix obtendría control sobre uno de los fenómenos televisivos más importantes de la última década.
El señor de los anillos (y spin-offs)
Aunque con una presencia menos constante que las de otras franquicias en los últimos 25 años, es innegable que la saga de El señor de los anillos es una de las más importantes para Warner Bros. Además de la trilogía principal, ha tenido spin-offs con las películas de El Hobbit, además de una precuela animada en La guerra de los Rohirrim. Hay, incluso, un interludio sobre Gollum planeado para 2027.
Todo lo anterior quedaría bajo control de Netflix, lo cual sería muy interesante dado que la rival Amazon Prime Video cuenta con los derechos para otros relatos de la Tierra Media, lo que les ha permitido crear la serie Los anillos de poder.
Los Looney Tunes
No hay otra forma de decirlo: los Looney Tunes son mucho más que una franquicia. Son una institución del mundo del cine y la televisión, con Bugs Bunny como un símbolo de tanto peso como su rival en Disney, Mickey Mouse. Algo de este tamaño caería en manos de Netflix.
Tampoco puede negarse que los alocados dibujos animados han visto mejores días, más recordados por cierto sector del público por éxitos como Space Jam. Sin embargo, estos íconos tuvieron un decoroso regreso con El día que la Tierra explotó: Una película de Looney Tunes, habría que ver si bajo el paraguas de la “N” roja hay continuidad para su resurgimiento.
Las adaptaciones de Duna
Una de las franquicias que Warner Bros. ha conseguido lanzar con éxito en años recientes es Duna, con una adaptación en dos partes de la primera novela de una larga saga de ciencia ficción escrita por Frank Herbert.
Con una tercera película basada en El mesías de Dune también bajo la dirección de Denis Villeneuve, se trata de una de las raras franquicias que han logrado equilibrar el éxito en taquilla con el prestigio. Al igual que El señor de los anillos, han sido películas taquilleras que también reciben múltiples nominaciones a premios, una de las materias pendientes para Netflix, que hasta ahora se ha anotado victorias en el Oscar pero sólo en categorías como Mejor película internacional o cortometraje documental.
El MonsterVerse
Aunque Godzilla es un ícono japonés con décadas de historia, su exitosa adaptación estadounidense de 2014 ha dado pie a una de las franquicias más exitosas—si bien un tanto ridículas—de Warner, en alianza con Legendary Entertainment: el MonsterVerse, saga de monstruos gigantes que agrupa también a crossovers con otros monstruos clásicos, incluyendo a Kong.
Netflix también quedaría en control de estas películas sobre encuentros titánicos, aunque habría que esperar a ver qué sucede con Monarch: Legado de monstruos. La serie spin-off es oficialmente parte del MonsterVerse, pero es una producción original de Apple TV+.
El Universo de El conjuro
Aunque no es tan grande como otras franquicias en este listado, El Universo de El conjuro es, a la fecha, la de mayor taquilla en la historia del género de terror. Es, además, uno de los más lucrativos: por lo general son producciones de mediano o incluso pequeño presupuesto pero que, por lo general, lo recuperan al doble o más al estrenarse en cines.
Además, Warner ha sabido crear varios spin-offs alrededor de la continuidad principal, como Annabelle o La monja. En manos de Netflix, no dudamos que la saga también derive en series.
7 películas para empezar el Año Nuevo con una escena icónica a medianoche
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
El Año Nuevo es una celebración que trae consigo expectativas de cambio y transformación. Quizá un poco por ello, dentro de las tradiciones como ver películas en Navidad, ha nacido en internet una nueva tendencia de sincronizar las escenas más icónicas de ciertas películas populares con el cambio de año.
Si quieres despedir el año con una fiesta cinéfila y subirte a esta nueva costumbre de las fiestas, aquí te recomendamos algunas películas para comenzar el Año Nuevo con una escena icónica exactamente a la medianoche (y te decimos a qué hora exactamente comenzar a verla para la sincronización perfecta, con todo y segundos). Habrá spoilers a continuación, obviamente.
Forrest Gump (1994)
Dado que una de sus escenas más emblemáticas sucede en Año Nuevo, Forrest Gump es una elección popular para esta práctica. En 1971, Forrest (Tom Hanks) se reencuentra en Nueva York con el teniente Dan (Gary Sinise), quien luego de sus experiencias en Vietnam (donde perdió una pierna, pero sobrevivió gracias a Forrest) se ha convertido en un alcohólico amargado.
La escena es melancólica y graciosa al mismo tiempo, pues mientras Forrest recibe el Año Nuevo con inocente alegría, Dan contempla su existencia. Para hacerla coincidir exactamente con el cambio de año, comienza a verla a las 10:38:55 p.m.
Cuando Harry conoció a Sally (1989)
Una de las comedias románticas más icónicas de la historia, Cuando Harry conoció a Sally, narra las idas y venidas en la relación de los personajes titulares (Billy Crystal y Meg Ryan), que comienza en la antipatía, luego en la amistad y luego en una relación romántica con sus altibajos.
La emotiva reconciliación viene exactamente a la medianoche de Año Nuevo, en la escena final de la película. Para verla exactamente a la medianoche, dale play a las 10:30:27 p.m.
Los Cazafantasmas 2 (1989)
De acuerdo, puede que Los Cazafantasmas 2 sea la película favorita de muy pocos, salvo los fans más acérrimos de la saga (pero vamos, nada le gana a la primera). Sin embargo, es una de las películas con una escena de Año Nuevo que más valen la pena.
En el clímax, el grupo titular debe combatir un intento de Apocalipsis precisamente durante la última noche del año, una batalla que concluye con una Estatua de la Libertad sobrenaturalmente animada y “pilotada” por los cazafantasmas para ir al museo. Para sincronizar esta escena con la medianoche, comienza a verla a las 10:21:00 p.m.
El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001)
Recibir el nuevo año viene con toda clase de rituales y costumbres extrañas para atraer lo bueno, sea dinero, trabajo, relaciones, viajes o buenas experiencias en general. O, lo que es lo mismo para algunos, repeler todo lo malo. ¿Y qué mejor que tener a un poderoso mago de la Tierra Media para eso?
Para el caso, puedes recibir el Año Nuevo con Gandalf (Ian McKellen) gritando su emblemático “YOU SHALL NOT PASS!” (“¡Tú no lograrás pasar!”) al Balrog de las Minas de Moria. Sólo tienes que comenzar a ver El señor de los anillos: La comunidad del anillo (edición cinematográfica, no la extendida) a las 09:51:30.
Star Wars: Una nueva esperanza (1977)
Si quieres otra opción que haga eco de vencer a todos los males y traer un nuevo pero esperanzador comienzo, la saga de Star Wars tiene lo que buscas. Si miras el Episodio IV: Una nueva esperanza (la película original, pues), podrás ver el momento climático para recibir el Año Nuevo.
Comienza a verla a las 10:02:43 p.m. para disfrutar de un espectáculo pirotécnico de escala planetaria, con la explosión de la Estrella de la Muerte cortesía de Luke Skywalker (Mark Hamill). Brillante triunfo del bien sobre el mal para encarar una nueva vuelta al sol.
Volver al futuro (1985)
Puede que Volver al futuro no sea una película de Navidad ni de Año Nuevo, pero hay algo en ella que se compara a la emoción del conteo regresivo hacia el cambio de año. Toda la trama sigue a Marty McFly (Michael J. Fox), quien viaja accidentalmente en el tiempo de 1985 a 1955. Lo único capaz de dar el poder suficiente a su máquina del tiempo (el DeLorean) para volver, es un rayo que caerá exactamente a la medianoche.
El clímax es de lo más tenso, pues Marty y el Doc Brown (Christopher Lloyd) deben sortear toda clase de obstáculos para que su meticuloso y único plan funcione y mandar al protagonista, efectivamente, a un nuevo año. Para sincronizar su llegada a 1985 con tu Año Nuevo, comienza a verla a las 10:19:07 p.m.
Avengers: Endgame (2019)
Quizá por la enorme significancia del evento dentro de la ficción, el clímax de Avengers: Endgame ha sido abrazado—por los fans de Marvel, sobre todo—como una película para sincronizar con el Año Nuevo.
Contexto: en la predecesora inmediata, Avengers: Infinity War, Thanos (Josh Brolin) usa las Gemas del Infinito para aniquilar a la mitad de los seres vivientes del universo. En la batalla final de Endgame, Tony Stark (Robert Downey Jr.) comete el máximo sacrificio para apoderarse de las gemas y revertir el efecto, un acto restaurativo de escala cósmica que por supuesto hace eco del cambio de año. Para hacer coincidir el fatídico chasquido con la medianoche, comienza a verla a las 09:29:30. Si quieres una alternativa un poco más alegre, mejor comienza a las 09:41:34 p.m. para que coincida con el Capitán América (Steve Rogers) gritando “¡Vengadores, unidos!”.
Las películas perfectas para ver según tu “edad musical” de Spotify Wrapped
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
El resumen anual de Spotify Wrapped ya es una tradición entre los usuarios del streaming de música, que les permite conocer sus canciones más recurrentes en el año y otros aspectos de sus hábitos melómanos. Pero la edición de 2025 trajo otra métrica interesante: la “edad musical”, que revela a qué época pertenecen sus melodías más escuchadas.
Esta métrica asigna al usuario una “edad” no según su fecha de nacimiento, sino según la década a la que pertenecen sus canciones favoritas, así que un adolescente de la generación Z que escucha éxitos de los 80 tendría, en realidad, unos 40 años. ¿Qué pasaría si hacemos este ejercicio con el cine? Descubre las películas perfectas para ver según tu “edad musical” de Spotify Wrapped 2025.
Para los octogenarios: Una Eva y dos Adanes (1959)
Si tu “edad musical” equivale a la de un venerable octogenario, lo más probable es que te gusten las películas de entre las décadas de los 40 y 60, el período considerado como la “Edad de Oro” de Hollywood. En cuyo caso, no podemos dejar de recomendar al director Billy Wilder, uno de los titanes de la época conocido por títulos como Piso de soltero (The Apartment).
Y para el caso, otro de sus grandes clásicos es Una Eva y dos Adanes (mejor conocida por su título original, Some Like It Hot), una comedia que además de la dirección de Wilder tiene todo lo mejor del período: Marilyn Monroe, además de Jack Lemmon y Tony Curtis en drag con una historia perfectamente pensada para justificar una clara transgresión a la censura del Código Hays.
Para los septuagenarios: Calles peligrosas (1973)
Las personas que hoy tienen setenta años nacieron entre mediados de los 50 y 60, lo que significa que habrán crecido y alcanzado la mayoría de edad en algún punto de los 70. Este fue un período heredero de las grandes transformaciones de movimientos del cine mundial como la Nueva Ola del cine francés y uno de sus descendientes directos, el “Nuevo Hollywood”, que engendró películas transgresoras como Bonnie y Clyde o El graduado.
De este periodo de disrupción surgieron cineastas propositivos como Martin Scorsese. Así que, si tu “edad musical” equivale a una persona de 70 años, seguramente eres alguien que conoce y disfruta de las innovaciones que trajeron los autores cinematográficos de la época, consagradas en el caso de Scorsese por películas como Taxi Driver. A la sombra de este gran clásico, Calles peligrosas es menos conocida, pero igual de valiosa—y violenta—.
Para los sesentones: Sobreviven (1988)
En 2025, una persona de 60 años habrá nacido a mediados de los 60 o poco después, por lo que sus años formativos habrán caído dentro de la gloriosa década de los 80 (cuya década disfrutas más si tu edad musical es la de un sesentón). Y pocos cineastas dicen “años 80” como el genio de John Carpenter, conocido por títulos indispensables como Halloween o La cosa del otro mundo.
Los 80, sin embargo, también son una década definida por la complacencia consumista y la conformidad, por lo que nos gustaría recomendar otro de sus clásicos de culto más pertinentes por criticar precisamente eso. Sobreviven (They Live!) sigue a un hombre que, al descubrir unas gafas especiales, puede ver el mundo como realmente es: un sistema infiltrado social y políticamente por alienígenas que mantienen el control por medio de la publicidad y el consumismo. Para nada parecido a Bugonia, estreno de 2025 que a su vez es remake de la coreana Salvar el planeta Tierra.
Para los cincuentones: Anastasia (1997)
Si tu edad musical es la de un cincuentón, quiere decir que serías como una persona nacida entre mediados de los 70 y 80 que, por lo tanto, tuvo sus años más formativos entre finales de la década de los 80 o la de los 90. Fue un período emocionante para el cine, entre el surgimiento de autores nuevos (como Paul Thomas Anderson), importantes evoluciones en los efectos visuales (como Jurassic Park) y, además, el “Renacimiento de Disney” (iniciado con La Sirenita).
A la sombra de todo eso hubo algunas propuestas un poco más ignoradas que vale la pena rescatar. Durante esta década, Disney aún tenía a un rival considerable en el animador Don Bluth, que logró una de sus películas más conocidas—y similares a las de la Casa del Ratón—en Anastasia (que hoy, curiosamente, ha sido absorbida por el conglomerado mediático y ya pertenece al catálogo de Disney+).
Para los cuarentones: El viaje de Chihiro (2001)
Las personas con edad musical de 40 años son, de corazón, nacidos entre mediados de los 80 y 90, por lo que habrían tenido sus años de formación durante los 2000. Y el cambio de milenio, en el cine y muchos otros ámbitos, fue definido por varias transformaciones: interculturalidad, sincretismo nostálgico y posmoderno con un creciente lugar de la animación por computadora.
El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki no sólo es fundamental dado que derribó las fronteras de Occidente para la animación japonesa, sino que también fue innovadora al ser la primera entre las películas de Studio Ghibli en implementar elementos de animación digital. También le abriría las puertas al público mundial a otras producciones del estudio, creando un intercambio mayor de influencias. Red, de la estadounidense Pixar, no sería lo que es sin Mi vecino Totoro, por ejemplo.
Para los treintones: Un cadáver para sobrevivir (2016)
Quienes tienen una edad musical de 30 años según Spotify Wrapped son almas que habrían nacido entre mediados de los 90 y los primeros años del nuevo milenio. Es decir: personas criadas por franquicias como Harry Potter, El señor de los anillos, o las precuelas de Star Wars. Para cuando este grupo de edad alcanzó la mayoría de edad, las franquicias eran, precisamente, el nombre del juego. Buscar buen cine fuera de esa lógica comercial se ha vuelto un reto, pero igual es gratificante.
Para el caso, Un cadáver para sobrevivir (Swiss Army Man) es una de esas joyas medio olvidadas, dirigida por los Daniels (antes del éxito descomunal de Todo en todas partes al mismo tiempo), construida sobre un lenguaje visual postmoderno con influencias del videoclip y de la era YouTube para contar una historia sorprendentemente emotiva sobre volver a conectar con el ímpetu vital. Puntos extra por tener una gran actuación de Paul Dano, además de a Daniel Radcliffe haciendo un trabajo fenomenal para desmarcarse de la sombra de Potter.
Para los veinteañeros: Vi el brillo del televisor (2024)
Si tu edad musical de veinteañero coincidiera con tu edad biológica, en estricto sentido serías una persona nacida a comienzos del nuevo milenio y apenas alcanzando la mayoría de edad. Un periodo perfecto para descubrir nuevo cine y, quizá por medio de éste, descubrirte a ti mismo o a ti misma.
De eso trata Vi el brillo del televisor (I Saw the TV Glow), un coming-of-age autoral con elementos de terror y surrealismo tan lynchianos como en Cabeza borradora, sobre dos adolescentes descubriendo su identidad y sexualidad por vía (en cierto modo) de un programa de televisión de culto. Es un asunto inquietante, perturbador y reflexivo, pero si estás con apertura a probar y descubrir nuevas cosas, es ideal para ti.
Para menores de 18 años: Soy Frankelda (2025)
Vamos a ser un poco indulgentes con el cliché de que la animación va dirigida exclusivamente al público infantil (somos perfectamente conscientes de que no es el caso). Pero si según tu edad musical eres un alma así de joven, es momento de explorar una propuesta de animación en stop motion apta para todas las edades y que no cae dentro de las franquicias o estudios de siempre.
Porque además, la fantasía gótica de la producción mexicana Soy Frankelda brinda un mensaje importantísimo para quienes se encuentren en estos años formativos, pues habla sobre la importancia vital de creer en el arte, en una visión o propósito, y luchar por ello. Más allá de la maravillosa animación (que amarás si te gustaron Pinocho de Guillermo del Toro o la ya clásica El cadáver de la novia), es una película que se atreve a imaginar mundos e historias más allá de la lógica industrial de las franquicias.
Supergirl: sus mejores apariciones en películas y series, rankeadas
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Luego del exitoso debut de Superman de James Gunn, el Universo DC (DCU) se expandirá con la película Supergirl, protagonizada por Milly Alcock (a quien ya conocemos por La Casa del Dragón).
Aunque es el gran regreso del personaje a la pantalla grande en un protagónico, no es, ni remotamente, la primera vez que la hemos visto en cine y televisión. En preparación para el estreno de la nueva película, descubre cuáles son las mejores apariciones de Supergirl en películas y series con este ranking, que considera a Kara Danvers o Kara Zor-El, pero también a otros personajes que han portado el manto.
10. Supergirl (1984)
Esta iteración fue concebida como un spin-off de las películas de Superman con Christopher Reeve, y de hecho el personaje era parte de Superman III en los planes iniciales, para conectarla más claramente con dicho universo de ficción. Sin embargo, muchas cosas fueron cambiando en el camino y, al final, Supergirl de 1984 terminó siendo menos que la suma de sus partes.
Merece entrar en el ranking porque es, técnicamente, el debut cinematográfico del personaje. Rescata algo del espíritu de las originales con Reeve, pero fuera de Marc McClure repitiendo el rol de Jimmy Olsen para establecer un pequeño vínculo con ellas, Supergirl se siente irrelevante y poco ingeniosa en comparación, más pensada para sólo hacer algo con el personaje.
9. Superman/Batman: Apocalipsis (2010)
Una de las películas en la larga lista de producciones de la franquicia que fue conocida como DC Universe Animated, de Warner Bros. Animation, que ha adaptado varias historias clásicas de los cómics de DC. A pesar de lo que pueda sugerir el título, Superman/Batman: Apocalipsis se centra realmente en Superman (Tim Daly) y el descubrimiento de su prima, Kara Zor-El (Summer Glau), quien cae bajo el control mental de Apocalipsis.
La película adapta un arco de los cómics conocido como “The Supergirl from Krypton” de 2004, que no ha envejecido particularmente bien, pues tiene un tono irregular y ciertas decisiones narrativas hacen poca justicia al personaje, que queda en un rol más bien subordinado. La incluimos en este ranking porque es de las pocas en esta franquicia totalmente dedicadas a Supergirl. Para una mejor alternativa en la que sí aparece el personaje, recomendamos Liga de la Justicia: La nueva frontera.
8. Superman (2025)
Y no, estamos conscientes de que esta no es una película de Supergirl, en definitiva. De hecho, Kara (Milly Alcock) tiene apenas un pequeño cameo al final de Superman como la más jovial, muy fiestera y en extremo alcohólica prima de Clark (David Corenswet).
Sin embargo, la actriz deja más que una gran impresión como la contraparte más rebelde e incómoda de nuestro boy scout por excelencia. No ocupa una posición mejor porque, sencillamente, su aparición es demasiado breve, pero ya anticipa lo que podremos ver en su propio protagónico, Supergirl, que seguramente contará con la mano para los personajes incómodos pero empáticos del director Craig Gillespie, responsable por Yo, Tonya y El poder de los centavos.
7. Smallville (2001-2011)
Como una de las series de superhéroes más populares de los dosmiles, Smallville fue fundamental en establecer el boom que comenzó en aquella década, y su abordaje aterrizado del mito de Superman la volvió una favorita de los fans (si bien no gustó del todo a otros). Prácticamente todos los personajes más emblemáticos del canon tuvieron su versión en la serie.
Kara Zor-El fue eventualmente introducida en la temporada 7, interpretada por Laura Vandervoot, en la que ha sido una de las iteraciones más queridas del personaje en forma audiovisual, como un contrapunto más arriesgado y frontal para el discreto Clark (Tom Welling). Su único “problema” era que él, y no Kara, era el protagonista de la serie, así que ella también pasa al segundo plano. Sin embargo, la serie, Welling y Vandervoort abrirían la puerta para lo que vendría después en el Arrowverse.
6. Flash (2023)
Como si estuviera eternamente relegada a tener sus mejores momentos en películas de otros personajes, Supergirl también aparece en la emproblemada producción Flash, una de las últimas entregas del malogrado Universo Extendido DC, también conocido como el Snyderverse.
Este desastre de película tiene sus puntos fuertes, como el regreso de Michael Keaton como Batman. Pero incluso mejor que eso es su interpretación de Kara Zor-El, con Sasha Calle dando vida no a una heroica kryptoniana, sino a una antiheroína un tanto más cínica por haber pasado largo tiempo presa, y que tiene pocos motivos para defender el planeta de la invasión kryptoniana (la película revierte los acontecimientos de El hombre de acero). Puntos extra porque la versión de 1984 también tiene un brevísimo cameo cuando Barry Allen (Ezra Miller) vislumbra el multiverso.
5. Superman: Sin límites (2013)
Otra película de Superman dentro del DC Universe Animated en la que Supergirl tiene un papel más prominente, pero que no es del todo la protagonista. Superman: Sin límites adapta el arco de los cómics Superman: Brainiac de 2008, en el que los dos kryptonianos unen fuerzas para proteger Metrópolis de Brainiac, la peligrosa superinteligencia artificial.
Esta adaptación hace más justicia a Kara que otras en el canon animado, presentándola como un personaje más complejo y a la altura de su primo más famoso, con una sólida actuación de voz por parte de Molly Quinn.
4. Superman: La serie animada (1996-2000)
La aclamadísima Superman: La serie animada es una de las adaptaciones del superhéroe más queridas por los fans, no sólo en animación sino en general. Y Supergirl también juega un rol, aunque es imaginada aquí como una versión diferente del personaje clásico.
Introducida en un episodio doble, esta versión del personaje se llama Kara In-Ze y no es kryptoniana, sino que viene de un planeta vecino, Argo. Esta iteración del personaje es más jovial, impetuosa y un tanto inocente, ideal para la continuidad del Timmverse, compartida con otras producciones como Batman: La serie animada. Pierde puntos porque, una vez más, no está dedicada a Supergirl.
3. DC Superhero Girls (2019-2021)
Por el contrario, hay otra serie de animación que pone bajo el reflector a las heroínas de DC Comics en historias para niñas y jóvenes adolescentes. Se trata de DC Superhero Girls, cuyos pequeños episodios imaginan a Supergirl, Batgirl, Mujer Maravilla y otras heroínas como adolescentes que estudian la preparatoria y protegen al mundo.
Esta serie está dirigida a un público juvenil, con un tono más cómico y ligero, comparable al que vimos en otra serie animada de DC, Los Jóvenes Titanes en acción. Misma con la que, por cierto, tuvo un crossover.
2. Mis aventuras con Superman (2023-actualidad)
Esta iteración animada de Superman, con evidentes influencias de la animación japonesa, brinda una de las interpretaciones más interesantes de su mitología. Esta descripción de Mis aventuras con Superman se aplica también a Kara, quien aquí es introducida como una enemiga, hija adoptiva de Brainiac.
La serie brinda una progresión narrativa más detallada para todos sus personajes, y lo mismo sucede con Supergirl, quien poco a poco va encontrando terreno en común con su primo kryptoniano. Veremos más de este desarrollo en la tercera temporada.
1. Supergirl (2015-2021)
Mientras el DCU de James Gunn y Milly Alcock no digan lo contrario, la adaptación audiovisual definitiva del personaje sigue siendo la serie Supergirl, retroactivamente integrada a la continuidad del Arrowverse junto con la serie Arrow y Flash, entre otras.
A lo largo de seis temporadas, Melissa Benoist tuvo oportunidad de desarrollar a su Kara Danvers como una heroína optimista e independiente (con su primo muy lejos en otro lado del universo ficticio). Más puntos a favor porque, como parte del Arrowverse, esta versión de Supergirl participó en algunos de los crossovers televisivos más ambiciosos en la historia de las adaptaciones televisivas de superhéroes. Pero, por sí sola, demuestra que Kara Zor-El es más que suficiente para cargar una narrativa interesante por sí sola, una base fundamental sobre la que Alcock y el DCU construirán, sin duda.
Paul Dano: sus 10 mejores actuaciones, rankeadas
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Quentin Tarantino opinó que Paul Dano es “el actor más débil en el Sindicato de Actores de Cine”. Quentin Tarantino se equivoca, y mucho. Por más de dos décadas, Dano se ha consagrado como uno de los actores más versátiles y reconocidos de su generación. Es capaz de transformarse en sus personajes, no necesariamente en un sentido superficialmente físico, sino que va a lo más profundo: una transformación emocional y espiritual.
Su trayectoria en cine y televisión está repleta de roles impecables, tanto sutiles como espectaculares (sin mencionar que también es un buen director, como demuestra Wildlife). Para descubrirlo, seleccionamos 10 de las mejores actuaciones de Paul Dano en películas y series.
10. El poder de los centavos (2023)
El director Craig Gillespie es un especialista en contar historias increíbles de gente común pero con ligeros toques demenciales, como Yo, Tonya. Es un caso similar en El poder de los centavos (Dumb Money), que narra el caso del “short squeeze” de GameStop, narrada con el mismo didactismo e ironía que La gran apuesta (The Big Short).
En una película donde reina cierta sensación de absurdo y personajes igual de ridículos (cortesía de Sebastian Stan, Nick Offerman y Seth Rogen, entre otros). Pero lo que hace que el conjunto funcione como una historia de heroísmo cotidiano es precisamente Dano, cuya actuación contenida y aterrizada hace creíble a su Keith Gill como un héroe popular que cree que la gente ordinaria puede vencer a un sistema injusto (¡imagínate eso!).
9. Fuga en Dannemora (2018)
Tan capaz como es de representar personajes bondadosos, a la vez vulnerables e imperfectos, Paul Dano tiene un talento especial para dar vida a seres problemáticos, incluso despreciables y, sin embargo, encontrar (¡y transmitir!) la simpatía por ellos.
Tal es el caso de la miniserie Fuga en Dannemora, que dramatiza el escape de prisión de dos reos de la Correccional Clinton en Dannemora, Nueva York. Con Benicio del Toro y Patricia Arquette forma un formidable trío actoral para contar la historia de dos asesinos ayudados en su escape por una empleada de la prisión, en una viciada dinámica de complicidad, sexo y poder lejos de los idealismos de Sueño de fuga. Por su rol como el asesino David Sweat, Dano recibió una nominación al Emmy.
8. Batman (2022)
A medio camino entre un criminal perturbado y un hombre con aspiraciones de heroísmo popular, encontramos al personaje de Paul Dano en Batman: una versión más aterrizada (y escalofriante en niveles de Seven) de Edward Nashton, mejor conocido como El Acertijo.
Dano lo interpreta como un hombre solitario, precarizado e invisibilizado por el sistema, y que toma eso para volverlo en su contra en forma de violencia extremista, debajo de la que se esconde un ser oprimido y vulnerable. Es la clase de interpretación que requiere tantos matices emocionales como sutileza, por lo que ha sido menos apreciada que las grandilocuencias de Heath Ledger con su Guasón, por ejemplo. Dano se metió tanto en el papel que incluso debutaría como escritor de cómics con la precuela Riddler: Año uno (2022-2023).
7. 12 años esclavo (2013)
Basada en las memorias de Solomon Northup (interpretado en la película por un magistral Chiwetel Ejiofor), 12 años esclavo es un drama histórico que presenta un relato doloroso y horrible por donde se le vea: un hombre negro libre es secuestrado y vendido como esclavo, sometido por más de una década a una terrible pesadilla (películas como Harriet son un poco más sensibles con el tema).
Paul Dano tiene una participación breve en la película, pero deja una profunda impresión por lo francamente despreciable y patético que es: un carpintero que supervisa la plantación donde Solomon es explotado y sometido a múltiples humillaciones. Testamento del talento de Dano es el gusto que da verlo recibir su merecido.
6. Intriga (2013)
El tenso thriller Intriga (Prisoners) enfrenta a Paul Dano con Jake Gyllenhaal y, sobre todo, a un desquiciado Hugh Jackman. La película comienza con la desaparición de dos niñas en un pueblo de Pennsylvania. Dano es Alex Jones, un hombre perturbado y retraído que es el primer sospechoso del caso… y eventual víctima cuando uno de los padres de las niñas (Jackman) comienza a perder los estribos.
Intriga es una película que juega con la ambigüedad narrativa y moral de sus personajes (ideal si eres fan de Perdida). Y gran parte de esta ambigüedad se sostiene por la actuación de Dano como un hombre de expresión limitada, atrapado entre tragedias que no entiende, al que entendemos a veces como víctima, a veces como un monstruo, y a veces como algo en el medio.
5. Ruby, la chica de mis sueños (2012)
Ruby, la chica de mis sueños (Ruby Sparks) no sería la primera—ni la mejor—colaboración de Paul Dano con la dupla de directores Jonathan Dayton y Valerie Faris, ni con su pareja Zoe Kazan (quien escribe la película además de coprotagonizarla).
Aquí interpreta a Calvin, un escritor con bloqueo creativo que concibe a un personaje, Ruby (Kazan), quien milagrosamente cobra vida. Lo que comienza como un sueño pronto se convierte en una lucha por conciliar las versiones idealizadas de las personas con su realidad e independencia. Esto esconde algo más oscuro en el ímpetu creativo de Calvin, en una excelente película que revela las dolorosas vicisitudes personales del acto creativo (como El ladrón de orquídeas), así como la tragedia de idealizar a los seres amados para inevitablemente decepcionarse (como Anomalisa).
4. Los Fabelman (2022)
En Los Fabelman, el aclamado director Steven Spielberg presenta su 8½ , su Cinema Paradiso, su La última función de cine: un drama semi-autobiográfico sobre el nacimiento de su amor por el cine, inevitablemente entrelazado con las tragedias de su vida familiar.
Paul Dano interpreta al padre, no Arnold Spielberg sino Burt Fabelman, un hombre gobernado por la lógica y el orden, con un amor genuino e imperfecto por su familia, cuya mente racional no logra evitar su eventual colapso. Dano aborda el personaje con gentileza y calidez para sus virtudes y sus puntos ciegos, imprimiendo una cierta dignidad dolorosa en él.
3. Pequeña Miss Sunshine (2006)
Paul Dano se infiltró en nuestras simpatías colectivas al participar en el fabuloso elenco coral de Pequeña Miss Sunshine, comedia dramática sobre una familia más disfuncional que los Tenenbaums en camino a un certamen de belleza infantil, junto a Alan Arkin, Toni Collette, Greg Kinnear, Steve Carell y una jovencísima Abigail Breslin.
Su rol como Dwayne Hoover encapsula a la perfección el rango de Dano: es un adolescente ejerciendo un voto de silencio para lograr su objetivo de pertenecer a la Fuerza Aérea. La palabra escrita, las sutilezas corporales y sus ojos son su lenguaje en una actuación definida por la contención… hasta que se desmorona en una explosión de frustración, desilusión y vulnerabilidad al descubrir su imposibilidad. A pesar de ser uno de sus primeros roles prominentes, sigue siendo una de las mejores actuaciones en la carrera de Paul Dano, y muestra de su talento es que sigue mejorando consistentemente a lo largo de los años.
2. Amor y compasión (2014)
La que muchos consideran la mejor actuación de Paul Dano vino con Amor y compasión (Love & Mercy), donde interpreta a una joven versión de Brian Wilson, de la legendaria banda The Beach Boys. La película alterna entre los 60 y la vida posterior de Wilson en los 80 (interpretado por John Cusack), cuando fue tratado por el polémico psicólogo Eugene Landy (Paul Giamatti).
En una de las biopics musicales más emotivas y sensibles con su sujeto (en años recientes, quizá sólo Rocketman y Better Man se le acercan), Dano y Cusack presentan dos caras de una misma y atormentada moneda, un genio musical que tendría que lidiar con duros problemas de salud mental en su cumbre y juventud, en una larga caída al fondo en su vida posterior. Dano no recurre a la imitación tan común en otras biopics musicales, sino que va al alma del hombre para representarla en su actuación (misma que le mereció la nominación al Globo de Oro).
1. Petróleo sangriento (2007)
Para Quentin Tarantino, el “único defecto” de Petróleo sangriento (There Will be Blood) es la actuación de Paul Dano como los gemelos Paul y Eli Sunday, en su opinión incapaz de hacer frente a la grandilocuencia del legendario Daniel Day Lewis.
Más allá de que el papel, originalmente, ni siquiera era de gemelos (Dano tuvo que asumir también el rol del predicador Eli, sin preparación previa, cuando el director Paul Thomas Anderson decidió sustituir al actor original, Kel O’Neill), Tarantino no logra entender que Petróleo sangriento es una historia sobre el poder en sus diferentes tipos y sobre humillación. La avaricia descarada y cínica de Daniel Plainview (Lewis) brilla como contrapunto a la podredumbre hipócrita de Eli Sunday, en un relato sobre la tragedia de los Estados Unidos, atrapados entre Dios y el dinero.
Top 10 de mejores películas de 2025 según AFI: cómo verlas
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Comienzan los listados con lo mejor del año en el cine, y el American Film Institute (AFI) ha hecho público el suyo. La organización sin fines de lucro, que honra y educa sobre el legado cinematográfico estadounidense, ha presentado su Top 10 de las mejores películas de 2025. Un listado para tener en el radar durante la temporada de premios, pues suele ser un termómetro de las películas que podrían aspirar al Oscar—aunque no considera a las contendientes internacionales—.
A continuación, descubre cuáles son las 10 mejores películas de 2025 según AFI y cómo puedes verlas en cines u online en streaming.
Mención especial: Fue solo un accidente (2025)
Aunque el listado del AFI se limita a películas de origen estadounidense, la organización también emite un premio especial para la producción internacional que consideran más digna de mención. En 2025, el honor correspondió al thriller franco-iraní Fue solo un accidente de Jafar Panahi (director de aclamadas películas como Tres rostros y Taxi Teherán).
Con esto, la producción se perfila como una de las favoritas para el Oscar a Mejor película internacional, considerando que cuenta entre sus galardones la Palma de Oro de Cannes, tres premios en los Gotham para el cine independiente, además de varias nominaciones a los Globos de Oro 2026.
10. Wicked: Por siempre (2025)
Dada la presencia constante de su primera parte en las premiaciones del año anterior, era de esperar que Wicked: Por siempre también fuera incluida en el Top 10 de películas de 2025 según el AFI.
Aunque esta segunda película no llegó pisando tan fuerte como la anterior a la temporada de premios, se trata de una producción que toma fuerte inspiración de El mago de Oz, uno de los grandes clásicos del cine estadounidense.
9. Sueños de trenes (2025)
Una de las películas que ha ganado impulso rápidamente luego de su estreno en Netflix, es el drama Sueños de trenes (Train Dreams). Dirigida por Clint Bentley (director de El Jockey y guionista nominado al Oscar por Las vidas de Sing Sing), la película es protagonizada por Joel Edgerton como un hombre que atestigua varias tragedias a lo largo de su vida como obrero durante el siglo XX.
Bentley ha citado a Y tu mamá también y Jules y Jim como influencias en su formato narrativo, en este caso, para abordar una historia sobre el crecimiento y modernización de Estados Unidos, aunque la película también ha sido comparada con el trabajo de Terrence Malick (Días de gloria).
8. Pecadores (2025)
Más allá de un satisfactorio desempeño en taquilla, Pecadores (Sinners) es, sencillamente, una de las mejores películas del año.
El director Ryan Coogler (Fruitvale Station) parte de un relato de terror vampírico (que ha sido comparado con Del crepúsculo al amanecer) para contar una historia sobre el racismo en los Estados Unidos, sobre la persistencia del legado africano en los esclavos estadounidenses, que también integra influencias sutiles pero profundas en el cine de gánsteres (como Cara cortada), tan enraizado en la historia de Estados Unidos.
7. Una batalla tras otra (2025)
El veterano cineasta Paul Thomas Anderson, como uno de los directores estadounidenses más respetados en activo, suele ser una presencia constante en los listados de lo mejor del año en el cine. Así que, para sorpresa de nadie, Una batalla tras otra también es parte del Top 10 de mejores películas de 2025 según el AFI.
La película sigue a un grupo de revolucionarios, los French 75, que años después de separarse deben lidiar con el regreso de un antiguo enemigo. Es una película poco nostálgica que mira al pasado de Estados Unidos y sus ramificaciones en el presente, incluso si no lo hace con la incisividad de Petróleo sangriento o The Master.
6. Marty Supremo (2025)
En conjunto, los hermanos cineastas Josh y Benny Safdie suelen hacer olas y frecuentar los listados de lo mejor del año (para muestra, ahí están Good Time: viviendo al límite así como Diamantes en bruto). Por separado, sin embargo, el resultado ha sido irregular.
Ambos estrenaron sus respectivas películas como directores en solitario durante 2025, pero sólo la de Josh, Marty Supremo, llega al Top 10 del AFI (la de Benny, The Smashing Machine, también fue una biopic deportiva, curiosamente). Este drama biográfico sobre el campeón de ping pong Marty Reisman tiene a su favor, además, el protagónico de Timothée Chalamet, uno de los actores favoritos y más reconocidos de la crítica, el público y demás cuerpos votantes durante la temporada de premios.
5. Jay Kelly (2025)
Otro nombre frecuente durante la temporada—y además un cineasta muy reconocido en el circuito estadounidense—es Noah Baumbach, también director de títulos como Historia de un matrimonio.
Su más reciente película, Jay Kelly, ha tenido un paso irregular durante las premiaciones tras su estreno en Venecia, pero tiene varios elementos a su favor: George Clooney, una de las estrellas más queridas de Hollywood, en una película sobre el mundo del cine, temática que suele ser muy popular en premios y listados.
4. Hamnet (2025)
Luego de su oscarizada película Nomadland (que también formó parte del Top 10 del AFI en su año), Chloé Zhao es otra directora que comúnmente aparece en los listados de lo mejor del año.
La cineasta repite la hazaña con Hamnet, basada en la novela homónima que ficciona el matrimonio entre William Shakespeare y su esposa Anne (aquí Agnes) Hathaway ante la pérdida de su hijo. Un drama profundamente emotivo que tiene ecos de Manchester junto al mar, película de temática similar que también fue popular en la temporada de premios en su momento.
3. Frankenstein (2025)
El mexicano Guillermo del Toro ya es otro querido de la industria cinematográfica estadounidense. Con el Oscar a su nombre por La forma del agua (que también fue seleccionada en el Top 10 del AFI en su año), su Frankenstein era un título esperado en las listas de fin de año.
Es, además, una de las adaptaciones más eclécticas del clásico literario de Mary Shelley, tomando elementos de la versión de James Whale con Boris Karloff y de otras tanto más aterrizadas como recientes.
2. Bugonia (2025)
El dúo formado por el director griego Yorgos Lanthimos y la actriz Emma Stone es uno de los más formidables en el cine tanto de Estados Unidos como mundial, con resultados variables en términos de premios entre La favorita y Tipos de gentileza.
Con Bugonia, remake de la ácida comedia surcoreana Salvar el planeta Tierra, el par casi alcanza los mismos niveles de rareza vistos en Pobres criaturas, ahora con Stone en el papel de villana en una cínica historia sin héroes con raíces en la crisis de opioides estadounidense: una CEO de una corporación farmacéutica.
1. Avatar: Fuego y cenizas (2025)
Para cuando el AFI publicó su Top 10 de mejores películas del 2025, la mayoría del mundo ni siquiera había visto Avatar: Fuego y cenizas, tercera parte de la épica saga de ciencia ficción realizada por James Cameron con lo último en tecnología de efectos especiales y animación digital.
Suponemos que están contando con un éxito demoledor en taquilla, que suena bastante probable dado el historial de su saga, que narra la lucha de los alienígenas Na’vi de Pandora contra invasores humanos, con una mitología que ya se ha expandido para incluir más tribus y conflictos internos con la segunda entrega.
Elle Fanning: sus 8 mejores películas y series, rankeadas (incluyendo: ‘Depredador: Tierras salvajes’)
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Con una carrera comenzada a una cortísima edad—como la versión más pequeña del personaje de su hermana, Dakota, en Yo soy Sam—, Elle Fanning es una actriz con una carrera brillante a su corta edad. Es una joven artista que puede presumir haber participado en películas de terror como El demonio neón, dramas de autor como Valor sentimental, además de grandes franquicias blockbusters como Depredador: Tierras salvajes.
Dado que tuvo un excelente año con estas dos últimas producciones, vale la pena revisar su gran carrera hasta ahora. Por ello, aquí enumeramos las mejores películas de Elle Fanning, de “peor” a mejor. Algunos spoilers a continuación.
8. Somewhere, en un rincón del corazón (2010)
Quizá no exista un nombre más influyente al catapultar a Elle Fanning, que el de la directora Sofia Coppola. Fuera de sus pequeños papeles iniciales como actriz infantil y algunos trabajos de voz, el drama Somewhere, en un rincón del corazón fue uno de los papeles que demostraron su legítimo talento para hacer una larga carrera actoral, aquí en el rol de la hija de un actor (Stephen Dorff) hastiado y en declive.
Al igual que otras películas de la directora, como Las vírgenes suicidas o Perdidos en Tokio, presenta una historia contemplativa sobre la soledad y el absurdo. Un papel que requiere una sutileza inusual para actores tan jóvenes, pero que Fanning hizo de maravilla.
7. Galveston (2018)
La progresión de Elle Fanning como actriz infantil y juvenil a adulta sería paulatina, pero vería su madurez con su rol en Galveston, thriller criminal dirigido por la también actriz Mélanie Laurent y adaptado de la novela de Nic Pizzolatto (creador de True Detective). En la película, ella interpreta a una joven prostituta que se enreda con un matón de la mafia que sobrevive a una emboscada y la rescata, por lo que deciden huir juntos.
Es una de estas sórdidas historias de crimen donde personajes turbios buscan redención (como la propia True Detective), con el elemento de rudos veteranos que intentan proteger a alguien que aman en una vena similar a Blood Father o incluso a las películas de El justiciero con Denzel Washington (siendo que Dakota Fanning actúa en la tercera y última).
6. Depredador: Tierras salvajes (2025)
A pesar de que esta entrega de la saga Depredador es protagonizada por un guerrero Yautja un tanto más expresivo, en un viaje que deconstruye a los usuales villanos de la saga, sigue habiendo una barrera emocional y de lenguaje que es rota aquí por Elle Fanning. En Depredador: Tierras salvajes, ella interpreta no a una, sino a dos “sintéticas” (androides fabricados por la compañía Weyland Yutani, de la saga Alien): Thia y Tessa, “gemelas” en espectros de la compasión tan opuestos como sus bandos en el conflicto.
La película completa una trilogía dirigida por Dan Trachtenberg, junto con Depredador: La presa y con la antología animada Depredador: Cazador de asesinos, autorreflexiva sobre la mitología y narrativas de la saga.
5. Super 8 (2011)
Poco después de protagonizar Somewhere, una película de corte más autoral, Fanning apareció en Super 8, un thriller de ciencia ficción de J.J. Abrams de perfil completamente taquillero. La trama sigue a un grupo de niños de un pequeño pueblo que tropiezan con un tren misteriosamente descarrilado que ocultaba un ser de otro planeta, y que ha sido liberado. La joven actriz es el interés romántico del protagonista, una chica taciturna pero combativa de un hogar conflictivo.
La película es, en cierto modo, un homenaje de Abrams al cine de Steven Spielberg, como una versión adulta de E.T. El extraterrestre. Tiene toda la vibra nostálgica que la serie Stranger Things rescataría años más tarde.
4. The Girl from Plainville (2022)
Elle Fanning ha realizado poco trabajo sustancial en televisión a lo largo de su carrera, pero sus roles protagónicos han sido notables y ampliamente reconocidos. The Girl from Plainville, miniserie de drama criminal basada en hechos, es especialmente digna de mención pues, contrario a sus usuales papeles complejos pero generalmente benevolentes, este drama criminal la ve abordar a una persona directamente polémica: Michelle Carter, implicada en la muerte de Conrad Roy.
Se trata de una versión dramatizada, en narrativa no lineal, de los hechos abordados en la serie documental Te amo, ahora muere: El caso de Michelle Carter. Son temas profundamente sórdidos y perturbadores que la miniserie con Fanning trata con tacto, contrario a, por ejemplo, series como 13 Reasons Why.
3. El seductor (2017)
Somewhere no sería la última colaboración de Elle Fanning con Sofia Coppola. Actriz y directora, ambas ya consagradas, trabajarían juntas de nuevo en El seductor (The Beguiled), sobre una escuela para señoritas en años de la Guerra Civil estadounidense leal a los confederados que aloja a un soldado de la Unión herido (Colin Farrel), lo que despierta pasiones entre las jóvenes alumnas y las maestras. Fanning es una de las alumnas mayores, más rebelde y propensa a explorar sus deseos y tentaciones.
Aunque para algunos resulta menos audaz que la película original de 1971, también adaptación de la novela homónima de Thomas P. Cullinan, esta versión de Coppola es notable porque explora la tentación y el deseo femenino desde una óptica más sutil y menos cosificante. Si te gustan las intrigas en una vena similar a la de Expiación, deseo y pecado, será para ti.
2. Mujeres del siglo XX (2016)
La madurez de Elle Fanning como actriz comenzó a volverse evidente en esta colaboración con el director Mike Mills, un drama parcialmente informado por su propia experiencia siendo criado sólo por su madre a finales de los años 70. Mujeres del siglo XX sigue, precisamente, a un joven chico (Lucas Jade Zumann) criado por una madre soltera (Annette Bening), aprendiendo a descubrir su identidad con ayuda de una compañera de cuarto (Greta Gerwig) y de su mejor amiga, Julie (Fanning). Elle logra imprimir a su personaje la complejidad de una joven mujer en una fluctuante relación con su mejor amigo y consigo misma.
Esta película es, como lo fue Beginners antes y lo sería C’mon C’mon después, una sensible exploración de los enredos en las relaciones más íntimas entre seres humanos, en especial las familiares y, en este caso particular, la de madre e hijo. Indispensable si has visto alguna de las otras películas de Mills.
1. The Great (2020-2023)
En la breve pero espectacular carrera de Elle Fanning en televisión, la joya indiscutible de su corona es The Great, serie de ácida comedia absurdista tan laxamente inspirada en el ascenso al poder de Catalina la Grande que ha sido mejor descrita como una serie “antihistórica”.
La serie descansa sobre los hombros de Fanning y su coestrella, Nicholas Hoult, que aquí se muestran como dos de los grandes actores de su generación en pleno dominio de sus talentos tanto para el drama como para el timing cómico. Es, en lo que concierne a comedias de época, tan ácida e ingeniosa como La favorita de Yorgos Lanthimos, proponiendo una interpretación de las películas de época tan sarcástica como Harlots.
Winona Ryder: ranking de sus películas y series más icónicas (incluyendo ‘Stranger Things’)
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Para las generaciones más jóvenes, Winona Ryder es más reconocida como parte del elenco de Stranger Things en el rol de Joyce Byers, la ansiosa pero aguerrida madre de Will Byers (Noah Schnapp). Sin embargo, su trayectoria abarca mucho más que la serie de Netflix. Entre los 80 y 90 era una de las jóvenes actrices más brillantes y prometedoras (que es parte de la razón por la que fue elegida para participar en una serie con nostalgia por esa época).
Para que conozcas más de su formidable filmografía, aquí rankeamos las películas y series más icónicas de Winona Ryder para ver en streaming.
Jóvenes asesinos: Atracción letal (1989)
Quizá el rol más fascinante de Winona Ryder, que le permitió abarcar desde el drama hasta el humor histérico y exagerado, es la comedia Jóvenes asesinos: Atracción letal (Heathers). En ella interpreta a Verónica Sawyers, una adolescente que pertenece a un grupo de chicas populares de la preparatoria (todas las otras se llaman Heather). Sus vidas son puestas de cabeza por la llegada de un misterioso estudiante de tendencias misantrópicas y poca tolerancia a la frivolidad.
Si esta premisa te recuerda, en parte, a la de Chicas pesadas, es porque esta comedia es una de las más influyentes de su tipo. Para que tengas una idea de qué esperar, el guionista Daniel Waters la concibió con Stanley Kubrick en mente para dirigirla (inspirado por su satírica Dr. Insólito), como un contraste a las comedias adolescentes optimistas en la línea de El club de los cinco, de John Hughes.
La edad de la inocencia (1993)
La película que le valió a Winona Ryder su primera de dos nominaciones al Oscar (aquí como Actriz de reparto) fue La edad de la inocencia, romance histórico adaptado de la novela homónima de Edith Wharton y situada en Nueva York de 1870, una época en las que la alta sociedad era dominada por dinastías de estrictos códigos de conducta. Ryder es una joven y conformista mujer prometida a casarse con un prominente abogado (Daniel Day-Lewis, ni más ni menos). Sin embargo, él se enamora de la menos convencional prima de su prometida, formando un triángulo amoroso.
Ryder encarna las expectativas societales de los Estados Unidos de la llamada “edad dorada” o gilded age, lo que la hace una película ideal para ver si te gusta la serie de HBO que lleva el nombre de dicho periodo. Es, también, una de las películas más distintas en el notable repertorio del director Martin Scorsese, más similar a dramas históricos austenianos como Orgullo y prejuicio.
El joven manos de tijera (1990)
La segunda colaboración de Winona Ryder con el director Tim Burton fue todavía más icónica que la anterior. El joven manos de tijera (Edward Scissorhands) es un cuento de hadas moderno que sigue a un joven humanoide sintético (Johnny Depp, por entonces pareja de Ryder), cuyo creador murió antes de poder crearle manos, por lo que tiene tijeras por dedos. Llevado por una vendedora (Diane Wiest) a su casa en los suburbios, se enamora de su hija adolescente (Ryder).
Dentro del canon de Burton, es una película más emotiva que macabra, más cercana al tono de El gran pez, y similar a La forma del agua por su temática de monstruos empáticos y romances.
Mujercitas (1994)
Faltan dedos en las manos para contar las adaptaciones de la icónica novela de Louisa May Alcott, pero la de 1994, dirigida por Gillian Armstrong, es una de las mejores. En esta versión de Mujercitas, Winona Ryder interpreta el emblemático rol de Jo March, la ambiciosa joven que sueña con ser autora, rol que le valió su segunda (y hasta ahora, última) nominación al Oscar, ahora como Mejor actriz principal. Además, compartiendo escena con nombres como Susan Sarandon y los jovencísimos Kirsten Dunst, Claire Danes y Christian Bale.
Aunque no tenemos nada en contra de la versión de 2019 dirigida por Greta Gerwig, creemos que ésta es superior. El papel de Jo, conocida por su ímpetu rebelde, sienta de maravilla a Ryder, ya para entonces un ícono de la generación X.
Beetlejuice el súper fantasma (1988)
Tenemos que mencionar el papel que lanzó a Winona Ryder al estrellato: en Beetlejuice interpreta a la extraña y taciturna adolescente Lydia Deetz, que puede ver a los fantasmas en su casa (Geena Davis y Alec Baldwin), y que cae víctima del “bio-exorcista” del título (Michael Keaton).
Sería la primera de sus dos icónicas colaboraciones con el director Tim Burton, cuya filmografía es definida por una dirección de arte tan expresionista como caricaturesca para abordar un humor macabro que también veríamos en otras películas suyas como El cadáver de la novia, y que podría recordarte en cierto modo a Los locos Addams.
Una noche en la Tierra (1991)
Durante los primeros años de su trayectoria, era como si Winona Ryder coleccionase colaboraciones con los grandes cineastas y actores de su tiempo. Como muestra: Una noche en la Tierra, una comedia antológica del director Jim Jarmusch sobre cinco taxistas y sus fugaces vínculos con sus respectivos pasajeros en cinco ciudades diferentes durante una noche. En Los Ángeles, Winona es la taxista. ¿Su pasajera? Gena Rowlands, quien resulta ser una de sus principales influencias.
Aunque Ryder es una parte pequeña de un ensamble mayor, deja una gran impresión a punta de actitud, suciedad y una gran compañera de escena. Es una película que recuerda a otra fenomenal antología de Jarmusch, Café y cigarrillos, ambas con más actitud y profundidad de la que Pulp Fiction podría soñar.
Drácula de Bram Stoker (1992)
Siguiendo con la colección de colaboraciones notables, Winona Ryder protagonizó Drácula de Bram Stoker, dirigida por Francis Ford Coppola, en el emblemático rol dual de Mina Harker y Elisabeta, la amada por quien el vampiro titular (Gary Oldman) cruza “mares de tiempo”.
Se trata no sólo de una suntuosa producción fantástica—a menudo opacada por la obra más conocida de Coppola, El padrino—, sino también de una de las adaptaciones fundamentales del mito vampírico de Stoker. Su más reciente “hermana menor”, Nosferatu de Robert Eggers, no existiría sin ella.
La dura realidad (1994)
Winona Ryder se volvió símbolo de la generación X en virtud de muchas cosas, pero pocas películas la conectaron directamente con las aspiraciones y padecimientos de sus contemporáneos como La dura realidad (Reality Bites), que protagonizó junto a otro ícono de la época, Ethan Hawke, además de Ben Stiller, quien también debutó aquí como director.
Ryder es una videógrafa que aspira a ser documentalista, y que está dividida románticamente entre su amigo guitarrista (Hawke) y un yuppie ejecutivo de MTV (Stiller) que quiere ayudar a sus aspiraciones. Hoy considerada una película de culto, podría decirse que es lo que El graduado fue para la generación boomer o, con distancias guardadas, lo que 10 cosas que odio de ti fue para los millennials.
Stranger Things (2016-2025)
Dado el fenómeno masivo que es, parece increíble ver a Stranger Things tan abajo en el ranking del repertorio de Winona Ryder, pero a la sombra del resto de su formidable filmografía, tiene que ser así. Su rol como Joyce Byers fue su regreso triunfal a la pantalla (con nominación al Globo de Oro), y este personaje tan desbordante de emoción, expresividad y de espíritu combativo no sería el mismo sin ella.
Durante la primera temporada de la serie, por lo menos, el personaje de Joyce tuvo una influencia importante en el de Richard Dreyfuss en Encuentros cercanos del tercer tipo, otro ser obsesionado con sus certezas de lo que no puede comprobar. Otra a la larga lista de influencias para la serie. Stranger Things le abriría la puerta a Ryder para más trabajo en televisión, un medio que casi no exploró en su carrera temprana. En 2021 también fue nominada a los Premios de la Crítica por su trabajo en la miniserie The Plot Against America.
Sirenas (1990)
Un rol infravaloradísimo en la carrera de Winona Ryder es Sirenas (Mermaids), quizá porque hace mancuerna con otro nombre monumental: Cher (liderando juntas un elenco que también incluye a Bob Hoskin y una pequeña Christina Ricci). Ambas protagonizan como un incómodo dúo de madre e hija: la primera, excéntrica, libre y propensa a mudarse con toda la familia cada vez que termina una relación; la segunda, ansiosa, en busca de estructura y extrañamente obsesionada con el catolicismo.
Es una divertida película que aborda una relación disfuncional entre una madre joven y una hija adolescente, no muy distinta de lo que veríamos después en la emblemática serie Gilmore Girls y en películas como Lady Bird.
Los mejores episodios de Navidad en series de comedia, rankeados
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Los especiales navideños son una costumbre de muchas series de televisión, y las sitcoms (de situation comedies, o comedias de situación en español) son especialmente afines a la temática. En muchos casos, incluso llega a realizarse un episodio festivo por temporada.
Si sumáramos los episodios navideños de todas las sitcoms, seguramente habrá cientos de ellos (por lo menos), pero no todos pasan a la historia como leyendas televisivas. Aquí rankeamos los mejores episodios de Navidad en series de comedia, con menciones especiales para las producciones que tienen más de un digno de mención.
“Navidades a la japonesa”, partes 1 y 2 en The Office, temporada 3 (2005-2013)
A lo largo de sus nueve temporadas, la fabulosa sitcom en formato de falso documental, The Office, tuvo varios episodios navideños dignos de mención. Nos quedamos con “Navidades a la japonesa” (“Benihana Christmas”), de su tercera temporada, que además tiene la distinción de extenderse durante dos episodios cuando la serie estaba en su cúspide.
Después de un rompimiento por un error estúpido, Michael (Steve Carell) y Andy (Ed Helms) invitan a dos meseras de un restaurante japonés a la fiesta navideña de Dunder Mifflin, lo que sólo es el comienzo del caos. Por otro lado, Pam (Jenna Fischer) y Karen (Rashida Jones) organizan su propia fiesta nada más para molestar a Angela (Angela Kinsey). Mención especial para “Navidad marroquí” (quinta temporada) y para “Amigo invisible” (sexta temporada), donde la necedad de ser Santa Claus le sale cara a Michael.
“El del armadillo navideño” en Friends, temporada 7 (1994-2004)
Friends es otra sitcom con su buena tanda de episodios navideños, pero ninguno puede superar al de su séptima temporada. Ross (David Schwimmer), frustrado porque su hijo no es receptivo a sus enseñanzas del Janucá, intenta la tarea imposible de conseguir un disfraz de Santa Claus para complacerlo. Corte a: “I’m the Holiday Armadillo!”.
La sola imagen de Schwimmer en la sala con el ridículo disfraz, intentando narrar al niño la historia judía, es de lo más divertida por sí misma, y las cosas sólo se ponen más absurdas con cada minuto que pasa. Mención especial para “El de la rutina” (temporada 6), que no es exactamente de Navidad sino de Año Nuevo, pero en el que Ross y Monica (Courteney Cox) ejecutan uno de los bailes más vergonzosamente icónicos de la televisión.
“La huelga” en Seinfeld, temporada 9 (1989-1998)
Puede que la popularidad y reputación de Seinfeld haya decaído con el paso de los años, pero muy pocas series de comedia podrían presumir de haber popularizado una festividad nueva. Es precisamente por eso que destaca el décimo episodio de su novena y última temporada, “La huelga”: Kramer (Michael Richards) es introducido a la festividad secular de Féstivus, una crítica al consumismo instaurado por la Navidad, celebrada los 23 de diciembre.
Dato curioso: la festividad fue ideada como parodia por el autor Daniel O'Keefe, quien es padre del guionista de televisión Dan O’Keefe, responsable por escribir el episodio en cuestión.
“Es una Navidad soleada” de It's Always Sunny in Philadelphia, temporada 6 (2005-actualidad)
A pesar de su longevidad, It’s Always Sunny in Philadelphia es la rara serie de comedia con un solo episodio de Navidad, y cabe decir que también es uno de los más ácidos y oscuros de la televisión. Se trata del último capítulo de su sexta temporada.
El episodio sigue a los amigos—el peor grupo posible para celebrar Navidad—decididos a resignificar la festividad, que siempre ha sido un tiempo de traiciones y engaños. A pesar de las buenas intenciones, sólo acaban desenterrando montones de tramas infantiles, que podrían incluir o no robos de juguetes y algo de prostitución encubierta. ¡Diversión!
“Sin blanca Navidad” de Los Simpson (1989-actualidad)
Siendo una de las sitcoms de animación más longevas de la historia—con casi 40 temporadas y más en camino—, Los Simpson tiene un amplio repertorio de episodios navideños para escoger. Sin embargo, tendríamos que quedarnos con el primero, que casualmente también es el primer episodio de toda la serie.
Es curioso pensar que todo comenzó con un episodio navideño, pero eso habla de la efectividad de “Sin blanca Navidad” (“Simpsons Roasting on an Open Fire”), episodio inaugural de la primera temporada, para establecer todo lo que definiría a la icónica familia de Springfield: las travesuras de Bart (que aquí se hace un tatuaje), lo que obliga a Marge a invertir los ahorros de las fiestas en removerlo, que a su vez orilla a Homero a tomar un trabajo como Santa Claus de tienda departamental. Mención especial para “Marge, no seas orgullosa” (de la temporada 7).
“La incontrolable Navidad de Abed” en Community, temporada 2 (2009-2014)
A lo largo de seis temporadas, la serie de comedia Community brindó un total de cuatro episodios de Navidad, pero el que gana por puro virtuosismo conceptual y técnico es “La incontrolable Navidad de Abed”, de la segunda temporada.
Ejecutado como una genial animación en stop motion en homenaje a clásicos navideños como Rudolph, el reno de la nariz roja, tiene una trama autorreflexiva y oscura: el formato es dado porque Abed (Danny Pudi), decepcionado porque no podrá ver a su familia durante las festividades, tiene un quiebre psicológico que lo hace convencerse de que vive en un especial navideño. Da para pensar sobre la soledad que experimentan muchas personas que no tienen con quién pasar las fiestas.
“Aprieto antes de Navidad” en Bob’s Burgers, temporada 13 (2011-actualidad)
A lo largo de 16 temporadas (y contando), Bob’s Burgers ha tenido un total de 12 episodios de Navidad, situando a la familia Belcher en toda clase de situaciones chifladas alrededor de las festividades. Sin embargo, el décimo episodio de la temporada 13 tiene el que se mantiene como el mejor.
“Aprieto antes de Navidad” (“Plight Before Christmas”) comienza con la familia en una difícil decisión: los tres hijos tienen presentaciones navideñas al mismo tiempo, pero no dan importancia a la de Louise, quien tiene que leer un poema que escribió como broma. Excepto que no lo fue: cuando se dan cuenta de que ha escrito un poema sobre la alegría de estar en familia, todos corren para estar ahí. Los obstáculos son absurdos y alocados, cosa típica de la serie, pero todo se acomoda para crear un momento genuinamente bello. Una muestra de la sensibilidad de la serie.
“El señor Mojón” de South Park, temporada 1 (1997-actualidad)
Otra sitcom animada con bastante larga vida, South Park tiene un amplio repertorio de episodios navideños, y con un sentido del humor que no respeta a nada ni a nadie, ha desplegado desde orgías sangrientas de animalitos satánicos hasta Navidades iraquíes. Pero nos quedamos con el debut de la caquita navideña.
“El señor Mojón”, noveno episodio de su primera temporada, introduce a lo que, en efecto, es un excremento que canta villancicos, y al que todos creen producto de la imaginación de Kyle. El señor Mojón tendría más apariciones a lo largo de la serie de comedia, dejando su singular… marca en el humor escatológico que ha definido a esta animación.
“Ciudadana Knope” de Parks and Recreation, temporada 4 (2009-2015)
Otra grande dentro de las series de comedia en formato de falso documental, Parks and Recreation vio su mejor episodio de Navidad durante su cuarta temporada, en una historia que ve a Leslie Knope (Amy Poehler) temporalmente desempleada y fuera del departamento de parques y recreaciones, por lo que decide formar un comité externo para supervisar los fondos para diversos proyectos. Todo mientras sigue su tradición de buscar increíbles regalos de Navidad para todos sus compañeros.
Arrepentidos por siempre darle regalos mediocres, todos en el equipo se conmueven y buscan el regalo perfecto para Leslie. Nos gusta más que la alternativa, “Escándalo de Navidad”, el único otro episodio navideño de la serie en su temporada 2.
“Ludachristmas” de Rockefeller Plaza, temporada 2 (2006-2013)
La sitcom autorreferencial Rockefeller Plaza (o 30 Rock)—inspirada en las experiencias de Tina Fey como escritora para Saturday Night Live—también tuvo episodios navideños en cinco de sus siete temporadas. Para sus personajes era cosa de pesadilla, pues viniendo de familias disfuncionales, las fiestas eran un calvario para Liz (Fey) y Jack (Alec Baldwin).
Su primer episodio navideño fue “Ludachristmas”, en la temporada 2, y está para dar ansiedad a cualquiera que ha juntado a la mesa a dos familias disfuncionales. En este caso, los optimistas padres y hermano de Liz (en sus únicas apariciones en la serie) y la amargada madre de Jack, empeñada en sacar a flote las tensiones reprimidas en la otra familia. El absurdo va in crescendo, con situaciones estilo Hechizo del tiempo, referencias a Ronald Reagan, y una interpretación musical que le valió a Elaine Stritch una nominación al Emmy como actriz invitada.
Globos de Oro 2026: ¿cómo ver todas las películas nominadas?
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) ha anunciado a sus nominadas a los Globos de Oro, los premios que otorga para reconocer lo mejor del año en el mundo del entretenimiento. Con esto, arranca de lleno la temporada de premios y el banquete para los cinéfilos que buscan estar al tanto con todas las candidatas.
Si es tu caso, a continuación te decimos cuáles son las películas nominadas a los Globos de Oro 2026, en qué categorías y, sobre todo, cómo verlas. La gran mayoría se irán estrenando en cines o directamente en streaming, y aquí podrás saber a dónde ir para ver cada una.
Fue solo un accidente (2025)
Sin sorpresas para nadie, la ganadora de la Palma de Oro de este año, Fue solo un accidente, está entre las grandes contendientes de la temporada de premios.
El drama del cineasta iraní Jafar Panahi (Tres rostros), sobre un grupo de personas que lidian con quien podría haber sido su torturador bajo el represor régimen teocrático iraní, compete en los Globos de Oro 2026 como Mejor película (drama), dirección ( Panahi), película en idioma no inglés y guión.
El agente secreto (2025)
Una vez más, después de un gran año con Aún estoy aquí, Brasil está en la carrera de la temporada de premios en Hollywood con El agente secreto, del director Kleber Mendonça Filho (Bacurau: Tierra de nadie).
Wagner Moura ha hecho historia como el primer brasileño nominado en la categoría de Mejor actor (drama), mientras que el propio largometraje es candidato como Mejor película (drama) además de película en idioma no inglés.
Pecadores (2025)
El terror de Pecadores (Sinners) fue una de las sensaciones del año más allá de su género, por lo que está nominada en la polémica categoría de Mejor logro cinematográfico y taquillero, cuyos ambiguos criterios reconocen a las películas más populares.
La producción de Ryan Coogler (Fruitvale Station), quien compite por Mejor dirección, está nominada también a los Globos de Oro 2026 como Mejor película (drama), actor (Michael B. Jordan), guión, banda sonora original (Ludwig Göransson) y canción original (“I Lied to You”).
Frankenstein (2025)
El mexicano Guillermo del Toro (La forma del agua) ya es uno de los consentidos de la temporada de premios de Hollywood, por lo que no es sorpresa que su Frankenstein sea una de las producciones más populares de la fiesta cinéfila.
El largometraje va por el Globo de Oro a Mejor película (drama), dirección (Del Toro), actor (Oscar Isaac), actor de reparto (Jacob Elordi) y banda sonora original (Alexandre Desplat).
Valor sentimental (2025)
Luego del éxito mundial de La peor persona del mundo, la fenomenal dupla del director Joachim Trier y la actriz Renate Reinsve también se ha convertido en una de las preferidas del público y crítica en lo que respecta al cine internacional. Tampoco debe hacer daño que Valor sentimental (Grand Prix en Cannes) es una de esas películas sobre el propio cine, una temática que siempre demuestra ser popular entre los votantes.
Además de sendas nominaciones para Trier (dirección) y Reinsve (actriz de drama), es candidata a Mejor película de drama, actor de reparto (Stellan Skarsgård), película en idioma no inglés, guión, además de una doble nominación a actriz de reparto (Elle Fanning e Inga Ibsdotter Lilleaas).
Hamnet (2025)
Luego de la oscarizada Nomadland (pero también de un tropiezo con Eternals de Marvel), la directora Chloe Zhao regresa a la temporada de premios con Hamnet, película sobre la historia de amor que inspiraría la creación de Hamlet.
Está nominada como Mejor película (drama), dirección (para Zhao), actriz (Jessie Buckley), actor de reparto (Paul Mescal), guión y banda sonora original (Max Richter).
Una batalla tras otra (2025)
Una de las películas más nominadas de los Globos de Oro 2026 es Una batalla tras otra (One Battle After Another), del director Paul Thomas Anderson, sobre los remanentes de un grupo revolucionario que, años más tarde de sus luchas, deben enfrentarse a un antiguo enemigo y a un pasado que les persigue.
Una batalla tras otra aspira a los premios a Mejor película (comedia), dirección (Paul Thomas Anderson), actriz (Chase Infiniti), actor (Leonardo DiCaprio), actriz de reparto (Teyana Taylor), actor de reparto (doble nominación, para Benicio del Toro y Sean Penn), guión y banda sonora original (Johnny Greenwood)
Bugonia (2025)
Con sus colaboraciones previas en La favorita, Pobres criaturas y Tipos de gentileza, la dupla formada por el cineasta griego Yorgos Lanthimos y la actriz Emma Stone había cosechado, hasta ahora, bastantes nominaciones para ambos. Curiosamente, con Bugonia, sólo la actriz está en la carrera por el Globo de Oro esta vez.
La singular comedia (remake de la coreana Salvar el planeta Tierra) va por Mejor película (comedia), además de nominaciones para Stone (mejor actriz) y su coestrella Jesse Plemons (mejor actor).
Marty Supremo (2025)
Los nombres de Timothée Chalamet y de los hermanos Safdie (aunque por separado en esta ocasión) suelen ser frecuentes en la temporada de premios. Marty Supremo, biopic sobre el ascenso de Marty Reisman como campeón de ping pong, es la demostración de la regla, aunque con una cosecha modesta de nominaciones.
Marty Supremo es candidata al Globo de Oro 2026 como Mejor película (comedia), además de actor (Timothée Chalamet), y guión (de Josh Safdie y Ronald Bronstein).
La máquina: The Smashing Machine (2025)
En este año, de los dos hermanos Safdie, Benny fue el que menos reconocimientos cosechó para su película en los Globos de Oro, dado que La máquina: The Smashing Machine, biopic sobre el luchador de la UFC Mark Kerr sólo compite por dos Globos de Oro, ambos en categorías actorales.
La película sólo aspira a los premios de Mejor actor de drama (Dwayne Johnson) y de Mejor actriz de reparto (Emily Blunt).
La única opción (2025)
Luego de La decisión de partir, casi dos décadas después de Oldboy, el cineasta coreano Park Chan-wook ha amasado un vasto seguimiento del público y crítica en Occidente, y su ácida comedia La única opción (No Other Choice) compite por algunos de los principales premios en los Globos de Oro 2026.
La única opción, sobre un empleado de una empresa de papel desesperado por afianzar su trabajo. busca coronarse como Mejor película (comedia), además de Mejor actor (Lee Byung-hun) y Mejor película en idioma no inglés
Jay Kelly (2025)
El nombre de Noah Baumbach también ya se repite con mayor frecuencia en la temporada de premios, luego del éxito de producciones previas suyas como Historia de un matrimonio.
Jay Kelly, sobre un veterano actor y su representante en un viaje para reflexionar sobre sus vidas y carreras, una película suya vuelve a estar en la carrera, incluso si el propio Baumbach no lo está como director ni guionista. La película aspira a los premios para Mejor actor de comedia (George Clooney) y actor de reparto (Adam Sandler).
Nueva Ola Francesa (2025)
Podría pensarse que una película sobre la historia del cine, con uno de los grandes directores estadounidenses (Richard Linklater) detrás, tendría mejores posibilidades en la premiación.
Sin embargo, Nueva Ola Francesa, sobre la filmación de Sin aliento de Jean-Luc Godard, no obtuvo tanto reconocimiento (aunque no es la única producción dirigida por Linklater en la competencia). Tendrá que conformarse con una única nominación como Mejor película (comedia).
Blue Moon (2025)
La otra producción con el nombre de Linklater nominada a los Globos de Oro 2026 es Blue Moon, comedia sobre el letrista Lorenz Hart, quien reflexiona sobre su vida y trayectoria durante la noche de estreno de la obra Oklahoma!, de su antiguo compañero Richard Rodgers.
Blue Moon compite directamente con Nueva Ola Francesa, ambas de Linklater, como Mejor película (comedia). Ethan Hawke también fue nominado como Mejor actor de comedia.
Wicked: Por siempre (2025)
Dado el éxito de la primera parte un año atrás, era de esperarse que Wicked: Por siempre fuese una de las favoritas de los Globos de Oro 2026. Sin embargo, lo que sí fue una sorpresa fue que no quedara nominada como Mejor película.
Como “consolación”, aspira al premio al Mejor logro cinematográfico y taquillero, además de sus candidaturas en otras categorías: Mejor actriz de comedia (Cynthia Erivo), actriz de reparto (Ariana Grande), y dos nominaciones a Mejor canción original (“No Place Like Home” y “The Girl in the Bubble”).
Mátate, amor (2025)
Dado que el esperado regreso de la cineasta escocesa Lynne Ramsay (Tenemos que hablar de Kevin) tuvo su estreno en Cannes, quizá algunos esperaban un mayor empuje de la película para los Globos de Oro 2026.
Sin embargo, Mátate, amor (Die My Love), sobre una joven escritora con bloqueo creativo que lidia con su reciente maternidad, entra a la carrera con una (merecida) nominación: Jennifer Lawrence como Mejor actriz (drama).
Cacería de brujas (2025)
Dado el calibre de su equipo creativo al frente y detrás de la cámara, seguro que Cacería de brujas (After the Hunt) era una película con mayores aspiraciones a los premios. El thriller sobre una profesora de universidad envuelta en una polémica es dirigido por Luca Guadagnino (Llámame por tu nombre), además de contar con nombres como Andrew Garfield y Ayo Edebiri en el elenco.
Sin embargo, la película se anota una sola nominación: Mejor actriz de drama para la legendaria Julia Roberts.
Hedda (2025)
El trabajo de Tessa Thompson suele ser de primer nivel, como una de las mejores actrices de su generación de forma indiscutible. Hedda, basada en el clásico teatral homónimo de Henrik Ibsen, es otra demostración de ello. Thompson le da a la película su única nominación a los Globos de Oro como Mejor actriz (drama).
Lo siento, cariño (2025)
Estrenada a principios de año en el Festival de Sundance, Lo siento, cariño (Sorry, Baby) ha sido una de las apuestas dramáticas mejor recibidas del año. Dirigida, escrita y protagonizada por Eva Victor, la película trata sobre una joven profesora de literatura que lucha por sobreponerse a un evento traumático. Victor obtuvo la única nominación de la película a los Globos de Oro 2026 como Mejor actriz (drama).
Sueños de trenes (2025)
El segundo largometraje como director de Clint Bentley (director de El jockey y guionista de Las vidas de Sing Sing) también ha recibido buenos comentarios. Basada en la novela corta de Denis Johnson, Sueños de trenes (Train Dreams) sigue a un jornalero que trabaja en la construcción de un ferrocarril a inicios del siglo XX mientras lucha contra una tragedia personal.
La película está nominada a los premios para Mejor actor de drama (Joel Edgerton) y mejor canción original (“Train Dreams”).
Springsteen: Música de ninguna parte (2025)
Las biopics suelen ser las apuestas más convencionales para la temporada de premios, y las de músicos (como Un completo desconocido, sobre Bob Dylan) son particularmente populares.
La de este año es Springsteen: Música de ninguna parte, que entra a la carrera por el Globo de Oro con una sola nominación: Mejor actor de drama (para Jeremy Allen White, famoso por la serie El Oso).
Si pudiera, te daría una patada (2025)
Dado que obtuvo el premio a Mejor actriz en el Festival de Berlín a inicios de año, era de esperarse que esa fuera, por lo menos, una nominación asegurada para Si pudiera, te daría una patada (If I Had Legs, I’d Kick You), ácida comedia con elementos de terror surrealista que trae recuerdos de Cabeza borradora.
Y en efecto, esa fue la única nominación para la película, que aspira al premio para Mejor actriz de comedia (Rose Byrne). Y si algo podemos decirte, es que por ella sola vale toda la pena.
Song Sung Blue: Sueño inquebrantable (2025)
Song Sung Blue: Sueño inquebrantable es otra biopic musical, pero no en el sentido completamente convencional. La trama sigue a una banda tributo a Neil Diamond formada por un matrimonio de músicos de Milwaukee. Sin embargo, sólo una de sus dos estrellas quedó en la carrera por el Globo de Oro, con Kate Hudson como aspirante a Mejor actriz de comedia.
El testimonio de Ann Lee (2025)
La cineasta Mona Fastvold, coguionista de El brutalista, estrenó este año El testimonio de Ann Lee, una comedia histórica musical sobre la fundadora de un culto religioso. La película, sin embargo, sólo obtuvo una nominación: Mejor actriz de comedia para Amanda Seyfried, que suele ser garantía en su trabajo.
La hora de la desaparición (2025)
La hora de la desaparición (Weapons) fue otra de las grandes sensaciones en taquilla de 2025, por lo que era de esperarse que los Globos de Oro 2026 la tuvieran por candidata en la ambigua categoría de Mejor logro cinematográfico y taquillero.
Sin embargo, la película también nos dio en la Tía Gladys una de las mejores villanas de 2025, interpretada por Amy Madigan, ahora candidata a Mejor actriz de reparto.
La voz de Hind Rajab (2025)
La directora tunecina Kaouther Ben Hania (Mis cuatro hijas) presentó en 2025 una de las películas más importantes del año: La voz de Hind Rajab, que dramatiza las últimas horas de la niña palestina del título, durante su llamada de auxilio a la Media Luna Roja mientras estaba sitiada por fuerzas de ocupación israelíes en Gaza. Compite por Mejor película en idioma no inglés, y tiene altas probabilidades de ganar por el momento político.
Sirāt: Trance en el desierto (2025)
Luego de ganar el Gran Premio del Jurado en Cannes, se esperaba que Sirāt: Trance en el desierto fuera uno de los títulos más sonados de la temporada, y su nominación en los Globos de Oro 2026 parece ser el comienzo de una fructífera carrera. La producción, sobre la búsqueda de un padre y su hijo por su hija desaparecida, aspira al premio para Mejor película en idioma no inglés, además de Mejor banda sonora original (Kangding Ray).
Avatar: Fuego y cenizas (2025)
Dado el historial de las dos entregas previas, se espera que Avatar: Fuego y cenizas sea una sensación en taquilla. Sin embargo, inexplicablemente, los votantes de los Globos de Oro han decidido nominarla en la ambigua categoría de Mejor logro cinematográfico y taquillero… semanas antes de su estreno comercial.
La película también compite al premio a Mejor canción original, por el tema“Dream as One”.
Las guerreras K-pop (2025)
Una de las indiscutibles sensaciones cinematográficas del año, la animación Las guerreras K-pop, ni siquiera tuvo un estreno convencional en salas de cine. Sin embargo, la película también compite por logro cinematográfico y taquillero. Sin sorpresas, su tema principal, “Golden”, también podría llevarse el Globo de Oro a Mejor canción original.
Zootopia 2 (2025)
Con un fuerte debut en taquilla y una oleada de celebridades en el reparto de voces, la animación de Disney Zootopia 2 también es una seria contundente al ambiguo Globo de Oro como Mejor logro cinematográfico y taquillero. Además, lógicamente, tiene posibilidades de coronarse como el Mejor largometraje de animación del año.
Elio (2025)
Usualmente una de las competidoras más fuertes en cualquier temporada de premios, Pixar llega a los Globos de Oro 2026 un poco de “capa caída”. Elio, su candidata de este año, decepcionó en taquilla, pero aspira al premio para Mejor largometraje de animación.
Amélie y los secretos de la lluvia (2025)
La categoría de Mejor largometraje de animación en los Globos de Oro suele ser, por lo general y con pocas excepciones (como Flow), una carrera entre grandes estudios de animación o autores consagrados. La francesa Amélie y los secretos de la lluvia es una de dos pequeñas aspirantes francesas al premio este año.
Arco (2025)
La otra aspirante de Francia a los Globos de Oro 2026 como Mejor largometraje de animación es la fantasía y ciencia ficción de Arco. La trama se sitúa en un futuro lejano, donde los vuelos y viajes en el tiempo son posibles por medio de trajes de arcoiris. Un niño accidentalmente viaja al pasado, nuestro futuro cercano, donde conoce a una niña que hará lo posible para ayudarlo a volver a casa.
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Castillo infinito (2025)
Aunque muchos dudaban de sus posibilidades, es un hecho que Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Castillo infinito es uno de los sucesos cinematográficos más populares del año. Los Globos de Oro decidieron reconocer a la película, que en realidad inicia el arco final del anime, como candidata a Mejor largometraje de animación. Inexplicablemente, no compite también por Mejor logro cinematográfico y taquillero, a pesar de ser una de las películas de mayor recaudación de 2025.
F1: La película (2025)
Con un equipo creativo tan grande, una gran estrella ante la cámara y algunas innovaciones tecnológicas dignas de mención, estaba claro que F1: La película aspiraba a mayor consideración durante los Globos de Oro 2026. No será así, y la producción tendrá que conformarse con su candidatura a Mejor banda sonora original (Hans Zimmer)
Misión: Imposible: La sentencia final (2025)
La ¿última? Película de Misión: Imposible fue, fiel a la costumbre de sus predecesoras más recientes, otro acontecimiento en la taquilla mundial. La sentencia final parece concluir la historia de Ethan Hunt (Tom Cruise) en una nota alta, con dos de las secuencias más trepidantes no sólo de la saga, sino de la historia del cine de acción. Merecidamente, la película compite en la extraña categoría de Mejor logro cinematográfico y taquillero.
‘Zootopia 2’: los 10 mejores cameos de voz, rankeados
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Casi una década después de la primera entrega y su exitoso mundo de animales civilizados, Zootopia 2 trae de regreso a Judy Hopps (voz en inglés de Ginnifer Goodwin) y a Nick Wilde (Jason Bateman), investigando una nueva conspiración que introduce a los reptiles.
Pero esto no es lo único que trae la película, que también brinda una oleada de cameos de voz—en su versión original en inglés, al menos—, incluyendo actores que han participado en otras películas de Disney, y que seguro habrás detectado si tienes un oído agudo. Si no, acá te contamos cuáles son los 10 mejores cameos de Zootopia 2, rankeados del menos al más interesante (con algunas menciones para ciertos doblajes de la película). Ten en cuenta que habrá algunos spoilers a continuación.
10. Shakira como Gazelle
Este cameo sigue siendo importante pero también es, en definitiva, el menos interesante de Zootopia 2, en esencia porque Shakira como artista invitada es algo que ya habíamos visto desde la primera película.
Una vez más, la cantante colombiana interpreta a Gazelle, la celebridad más importante de toda Zootopia. En la secuela, tiene un papel igual de breve pero más activo, intercediendo por los protagonistas. Shakira, en colaboración con Ed Sheeran, también compone “Zoo”, el tema principal de la película.
9. Hideo Kojima como Paul Moledebrandt
Luego tenemos uno de los cameos más difíciles de identificar, pues se necesita ser fan de los videojuegos y haber visto Zootopia 2 en japonés, cosa improbable pero ahí queda el dato. El personaje es Paul Moledebrandt, un pequeño topo que vemos trabajando en las oficinas de la policía de Zootopia como técnico (papel interpretado en inglés por Josh Gad, más al respecto en breve).
Sin embargo, en el doblaje japonés de la película, el encargado de darle voz es Hideo Kojima, en su debut como actor de voz. Los fans de los videojuegos lo reconocerán instantáneamente: es el legendario creador y productor detrás de títulos como la saga Metal Gear Solid y, más recientemente, Death Stranding. Como dato curioso, el nombre del personaje es una referencia a Paul Hildebrandt, un programador que ha trabajado con Disney como desarrollador de software desde hace dos décadas, por lo menos.
8. Josh Gad como Paul Moledebrandt
El elenco de voces de Zootopia 2 incluye a múltiples talentos que han colaborado en otros importantes proyectos de Disney. No quiere decir que sus personajes como tal aparezcan en la película, pero sí son interesantes guiños para los seguidores del estudio.
En la versión original de la película, Paul Moledebrandt es interpretado por Josh Gad, quien ha tenido uno de los roles más importantes en la historia reciente de Disney. Gad es, ni más ni menos, que la voz de Olaf, alivio cómico y mascota de la exitosísima dupla de Frozen y Frozen 2.
7. Bob Iger como Bob Tiger
Otro nombre que quizá sólo dominen los iniciados en las bambalinas de Disney es el de Bob Iger. No es un actor, pero sí es uno de los ejecutivos más importantes en la historia de la Casa del Ratón, y actual CEO de la compañía. A pesar de su largo historial con Disney, Bob Iger (aquí con crédito de Robert A. Iger) nunca había dado voz a ninguno de sus personajes animados, por lo que este es su debut.
En Zootopia 2, Bob Iger interpreta a un tigre llamado Bob Tiger, quien da el clima en las noticias. Es una referencia muy específica y que requiere conocer la historia del ejecutivo, quien tuvo por uno de sus primeros trabajos ser, precisamente, un hombre del clima.
6. Roberto Palazuelos como el Alcalde Brian Winddancer
Este es un cameo de voz exclusivo del doblaje latinoamericano de Zootopia 2, pero no podemos dejar de mencionarlo por la manera en que dialoga con el actor de voz detrás del micrófono.
Luego de que los acontecimientos de la primera película dejan a Zootopia sin alcalce, el actor caballo Brian Winddancer ocupa el puesto. Es un tipo carismático, musculoso y masculino pero no muy brillante, claramente una marioneta para los personajes que sí están en el poder. Es algo que hace eco de su actor de voz, el actor de telenovelas Roberto Palazuelos, quien tiene una reputación como notable mirrey y que también ha incursionado en la política (es su segundo rol de doblaje, después de Águila y Jaguar: los guerreros legendarios).
5. Ed Sheeran como Ed Shearin
El músico Ed Sheeran tiene un rol importante detrás de cámaras en Zootopia 2, pues compuso el tema “Zoo” de la película en conjunto con Shakira. Sin embargo, también es responsable por uno de los cameos de voz más curiosos.
En la película, Ed Shearin es una oveja que es accidentalmente esquilada de forma que parece llevar brasier y tutú. El nombre es un ingenioso juego de palabras con el apellido del músico y con el verbo en inglés shear, que precisamente significa esquilar.
4. Macaulay Culkin como Cattrick Lynxley
Los antagonistas de la película son una familia de linces conocidos como los Lynxley, una dinastía que ostenta poder económico y político dentro de Zootopia. El hijo incómodo es Pawbert (voz de Andy Samberg), pero hay dos breves interacciones con sus odiosos hermanos.
Uno de ellos, Cattrick, es interpretado por el emblemático Macaulay Culkin, protagonista de Mi pobre angelito. Aunque ya mucho menos activo desde su carrera como actor infantil, el actor sigue teniendo breves apariciones en proyectos. Dada la naturaleza de este cameo, podría ser un guiño a Succession, en la que su hermano, Kieran Culkin, interpreta a uno de los hijos de otra poderosa dinastía.
3. Danny Trejo como Jesús
Buena parte de la trama de Zootopia 2 gira en torno a la búsqueda de Judy y Nick por una comunidad de reptiles, quienes han sido desterrados de la ciudad desde mucho tiempo atrás. Cuando finalmente la encuentran, conocen a Jesús, un basilisco emplumado, informante de los bajos mundos y tipo duro de manual.
¿Y quién mejor para interpretar a un tipo duro con aspecto latino que Danny Trejo? Nadie más que el prolífico actor inmortalizado por Machete podía ser la voz de Jesús, un breve papel que también tiene una de las salidas más divertidas en toda la película.
2. Dwayne “La Roca” Johnson como Zeke
¿Qué hacer cuando tienes a tu disposición a uno de los actores más famosos de Hollywood por su corpulencia y aura masculina? Si esto fuese Moana, claro que le das el papel de un semidiós como Maui. Pero eso es Zootopia 2, que continúa la tradición de la primera para la parodia.
En esta película, Dwayne Johnson, mole de 120 kilogramos de músculo, brinda voz a Zeke, que pertenece a una especie de animales conocidos como dik-dik, de los mamíferos cuadrúpedos más pequeños que hay. Después de la persecución inicial, Zeke aparece en las noticias como parte del desfile del Zootenario, que termina accidentalmente atrapado en una tuba.
1. Michael J. Fox como Michael J.
De acuerdo, este no es un cameo nada sustancial, pero se ganó el primer lugar en el ranking—y en nuestros corazones—por el ingenio del juego de palabras, si bien se pierde un poco en la traducción. Cuando Nick termina en la cárcel, hay otro zorro entre los reos, cuyo nombre es Michael J.
¿Y si le agregamos el apellido “Zorro” en inglés? Tenemos a Michael J. Fox, precisamente el actor encargado de darle voz. Es una pequeña intervención del ícono de Volver al futuro, pero también es uno de los juegos de palabras más finos en toda Zootopia 2.
‘Percy Jackson y los dioses del Olimpo’: ¿dónde más has visto al elenco de la serie?
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Dentro de la literatura fantástica juvenil contemporánea, la saga de Percy Jackson, creada por Rick Riordan, es una de las más populares gracias a su historia de magia y aventuras inspirada en la mitología griega. Aunque ya tuvo una adaptación cinematográfica (que llegó a tener una secuela), su versión televisiva ha demostrado un mayor éxito, además de mayor amplitud para adaptar la historia de las páginas con mayor fidelidad.
Y como suele ser con este tipo de producciones, ha sido una plataforma para las incipientes carreras de sus jóvenes protagonistas (además de introducir rostros veteranos a nuevas generaciones). Acá te contamos dónde más has visto al elenco de Percy Jackson y los dioses del Olimpo, tanto a sus actores juveniles como algunos de los ya consagrados.
Walker Scobell como Percy Jackson
El protagonista Percy Jackson, hijo de Poseidón, es interpretado por Walker Scobell, quien ha recibido elogios por capturar la personalidad tanto heroica como ingeniosa y sarcástica del personaje. Sin embargo, aunque su carrera en pantalla ha sido corta, no es la primera vez que ha tenido buen recibimiento.
Su debut cinematográfico vino con El proyecto Adam, película de ciencia ficción donde el piloto Adam Reed (Ryan Reynolds) viaja al pasado y se encuentra con su versión de 12 años (algo así como El encuentro conmigo pero en ciencia ficción). Scobell fue aplaudido por su mancuerna con Reynolds para interpretar juntos a un mismo personaje. También protagonizó El refugio secreto y participó en el modesto drama Mirando a través del agua.
Leah Jeffries como Annabeth Chase
La aguerrida e inteligente Annabeth Chase, hija de Atenea, es interpretada por Leah Jeffries, que debutó en pantalla a la corta edad de cinco años como Lola Lyon en la serie Empire sobre la ficticia familia Lyon, dueña de una importante compañía musical dedicada al hip hop.
Participó en casi todos los episodios de la cancelada sitcom Rel entre 2018 y 2019, antes de compartir escena con Idris Elba en la película de supervivencia Bestia, sobre un padre y sus dos hijas atrapados varados en la sabana bajo el acecho de un león. También tiene un pequeño rol en la comedia romántica Algo de Tiffany, pero su rol más prominente a la fecha sigue siendo en la serie de Percy Jackson.
Aryan Simhadri como Grover Underwood
El mejor amigo de Percy es un sátiro llamado Grover Underwood que, gracias a la magia, puede fingir ser un niño normal de 12 años. En la serie, es interpretado por Aryan Simhadri, quien ha hecho carrera principalmente en televisión, con roles en producciones para Netflix o Disney.
Su debut frente a la cámara vino con un rol secundario en la comedia familiar La pelea estelar, pero su primer protagónico sería con la película Spin, para Disney Channel. También formó parte del vasto elenco infantil en la más reciente versión del clásico Más barato por docena y, más recientemente, tuvo un pequeño rol en la esperada secuela Otro viernes de locos, como uno de los amigos de Harper (Julia Butters), la hija del personaje de Lindsay Lohan.
Dior Goodjohn como Clarisse La Rue
La voluntariosa hija de Ares, Clarisse La Rue, fue un personaje recurrente en la primera temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpo, pero se convierte en uno de los principales en la segunda.
Se trata de una actriz joven cuyo rol más relevante a la fecha es como Dior, en el que ha logrado transmitir el carácter fuerte y agresivo del personaje. Anteriormente, dio vida a Robyn Rook en la única temporada de Mi profesora favorita (remake de la serie homónima de 1986). También participó en algunos episodios del reboot de la serie juvenil de terror, ¿Le temes a la oscuridad?
Charlie Bushnell como Luke Castellan
Otro personaje que tendrá un rol fundamental a partir de la segunda temporada de Percy Jackson es Luke Castellan, hijo de Hermes, interpretado por Charlie Bushnell, quien en sus pocas apariciones ha logrado transmitir el carácter de un personaje con mucho odio y resentimiento hacia los dioses.
Bushnell ha tenido una carrera muy corta en pantalla, con participaciones en algunos cortos antes de aparecer en todos los episodios de la comedia juvenil Diario de una futura presidenta, donde interpreta al también odioso (inicialmente) hermano de la protagonista.
Virginia Kull como Sally Jackson
La desinteresada madre de Percy, Sally, es interpretada por Virginia Kull, actriz que ha realizado la mayor parte de su trayectoria en teatro y en una larga lista de esporádicos roles en televisión.
Serían demasiados títulos para citarlos aquí, así que nos limitaremos a los dos más relevantes: Emily Barnes en seis episodios de la serie Big Little Lites, y Linda McQueen a lo largo de toda la serie de terror sobrenatural NOS4A2.
Glynn Turman como Quirón / Sr. Brunner
El encargado de interpretar al señor Brunner, fachada de maestro de latín para el centauro Quirón, es el consagradísimo actor Glynn Turman, quien comenzó su larga carrera como actor siendo un niño, en 1959.
Podríamos dedicar un artículo entero para su carrera, así que mencionaremos sólo dos títulos: la serie En terapia (por la que obtuvo el Emmy como Mejor actor invitado) y, más recientemente, La madre del Blues, cuyo elenco (que incluye a Chadwick Boseman y Viola Davis) fue nominado al premio del Sindicato de Actores al Mejor reparto.
Adam Copeland “Edge” como Ares
¿Quién mejor que Adam Copeland para interpretar a Ares, dios de la guerra y padre de Clarisse? Si el nombre no te suena, quizá lo reconozcas como Edge, el veterano luchador de la WWE.
Copeland no tiene una carrera tan prolífica como actor fuera de la lucha libre, pero sí tiene un rol bastante notable: en la serie Vikingos, dio vida al guerrero Kjetill Flatnose. Un rol ideal para su experiencia y expresión intimidante, que sin duda informó su casting como Ares.
8 películas que se sienten como libros de Stephen King
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Si hay un escritor que ha dejado una huella indeleble en la cultura pop por sus historias de terror (¡y de varios otros géneros!), ese es Stephen King. Con una amplia bibliografía que sigue creciendo y constantes adaptaciones al cine y la televisión a lo largo de varias décadas, ha tenido una enorme influencia en nuevas generaciones de creadores, cuyas obras demuestran sus marcas aun si no son adaptaciones directas.
Es por ello que, probablemente, te hayas encontrado con películas que se sienten como basadas en libros de Stephen King, incluso si no lo son. Aquí seleccionamos ocho que tienes que ver si eres fan del autor y sus temas sobre el horror con tintes góticos, el trauma desde el realismo psicológico, lo inexplicable y los pequeños pueblos estadounidenses de Maine.
El teléfono negro (2022)
Comenzamos haciendo un poco de trampa: El teléfono negro (Black Phone) no se basa en una historia de Stephen King, pero tampoco es coincidencia que se sienta como una. Esto es porque fue escrita por Joe Hill, quien resulta ser su hijo.
Situada en los 70, la trama tiene todo el perfil del autor más veterano: un chico (Mason Thames) de un hogar abusivo es abducido por un asesino en serie (Ethan Hawke) y atrapado en un sótano, donde lo sobrenatural interviene cuando, por medio del teléfono del título, las víctimas anteriores intentan ayudarlo. No estás solo si te da vibras de Cuenta conmigo y de la propia It (Eso).
La hora de la desaparición (2025)
Los relatos de Stephen King suelen lidiar con misterios—usualmente de carácter sobrenatural—, en pequeños pueblos de Estados Unidos, muchas veces con historias de abuso y con niños o jóvenes involucrados de algún modo. En este caso no estamos en Maine sino en Maybrook, a las afueras de Nueva York, pero en general, La hora de la desaparición encaja con el perfil. Sólo digamos que la tía Gladys (Amy Madigan) podría estar cómodamente sentada entre Jack Torrance y Pennywise.
La trama sigue a una maestra, un padre de familia y otros personajes luego de la inexplicable desaparición de un grupo de niños casi entero de una escuela, a la misma hora de la madrugada, excepto por uno. Es otra película de terror con un bizarro sentido del humor de Zach Cregger, que te gustará si disfrutaste de Bárbaro o de misterios de desapariciones como Intriga.
Longlegs: Coleccionista de almas (2024)
Los protagonistas e incluso investigadores con algún tipo de habilidad psíquica, son comunes en la obra de Stephen King. Tal descripción aplica para el personaje de Maika Monroe en Longlegs: Coleccionista de almas, una agente del FBI que parece poseer clarividencia, una habilidad útil para resolver una serie de extraños y brutales asesinatos cometidos por padres contra sus familias antes de suicidarse, sin explicación o motivo aparente.
Dirigida por Osgood “Oz” Perkins, la película fue comparada con otros thrillers como El silencio de los inocentes. Sin embargo, está claro que le debe más a historias de King como Doctor sueño e incluso La zona muerta, o si nos vamos hacia el terreno de los thrillers con elementos sobrenaturales, podemos mencionar a Mr. Mercedes y El visitante.
Verano del ‘84 (2018)
Dado que tantas adaptaciones de Stephen King se estrenaron en las décadas de 1970, 80 y 90, el autor ha sido asociado a la nostalgia por—e incluso idealización de—dichas épocas, incluso si sus relatos no siempre se situaron en esos años. Verano del ‘84 es, en cierto modo, un eco de esto.
Se trata de un thriller con elementos de terror y aventuras que sigue a un grupo de adolescentes que investigan múltiples desapariciones sin resolver en su pequeño pueblo. Algo a medio camino entre Cuenta conmigo, Los Goonies y su contemporánea masivamente popular, Stranger Things.
Los muchachos perdidos (1987)
De nuevo, las historias juveniles en pueblos ficticios de Estados Unidos que ocultan algún secreto sobrenatural son tema frecuente en la bibliografía de King. Y si bien un poblado ficticio en California nunca va a estar tan olvidado por Dios como Derry, por ejemplo, este es apenas el primer elemento en común que tiene con Los muchachos perdidos (The Lost Boys).
Aunque con un tono más autoconsciente y cómico como película de vampiros, este clásico de culto inserta a estos seres en un contexto moderno, no muy diferente a lo que King hace con La hora del vampiro (Salem’s Lot).
En la boca del terror (1994)
En definitiva, esta película no está basada en los libros de Stephen King, pero casi podríamos decir que está inspirada en el propio escritor. Dirigida por John Carpenter, En la boca del terror (In the Mouth of Madness) trata sobre un detective en busca de un famoso autor de terror, quien parece ejercer un extraño poder sobre sus fans por medio de su obra. Sin embargo, ha desaparecido sin dejar rastro antes de entregar su más reciente manuscrito.
Aunque la película es, en parte, también un homenaje a H.P. Lovecraft, su trasfondo—e incluso un diálogo—nos lleva a pensar en King, el autor de terror más exitoso de su tiempo. Es usual que los escritores sean reflexivos sobre el acto creativo dentro de su obra, algo que el propio King ha hecho también en novelas como Miseria, por lo que podrás ver ecos de eso aquí.
La noche del demonio (2010)
Otro tema recurrente en la bibliografía de Stephen King es lo sobrenatural asfixiando el espacio tanto doméstico como psicológico, algo de lo que Eso y El resplandor son claros ejemplos. La noche del demonio (mejor conocida por su título original, Insidious) tiene influencias de ambas.
La trama sigue a una familia que, después de mudarse a una nueva casa, padece una tragedia cuando uno de los hijos se accidenta y entra en una especie de coma que los médicos no pueden explicar, e incluso requiere la intervención de psíquicos e investigadores paranormales. Una ambigüedad que tiene en común con El exorcista, por ejemplo.
La niebla (1980)
Otra película de terror dirigida por John Carpenter que podría parecer adaptada de un libro de Stephen King. Y aunque no es el caso, también tiene varios elementos en común: La niebla (The Fog) se sitúa en el ficticio pueblo costero de Antonio Bay, California, que al celebrar su centenario se enfrenta a una misteriosa niebla que parece traer consigo algo sobrenatural.
Otro pueblo ficticio olvidado por Dios donde la violencia del pasado tiene ramificaciones horripilantes bajo una entidad sobrenatural o cósmica en el presente. No muy diferente de Eso, pero en un escenario similar al de Castle Rock, otro pueblo (aunque en la costa Este) inspirado en la ciudad natal de King: Durham, Maine.
Películas de Navidad mexicanas para ver durante las fiestas
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Ver películas navideñas es una actividad común para entrar en espíritu festivo durante diciembre, pero por lo general, la convención—para bien o mal—nos lleva a optar por clásicos en el canon hollywoodense. Si estás aquí, entonces quizás quieras hacer las cosas diferente esta vez.
En México también sabemos hacer cine con la temática de la temporada. Y como no podía ser de otra forma dentro de nuestro crisol cultural, hay desde comedias con cierta sensibilidad comercial, a producciones con nuestro ácido sentido del humor, así como todo lo que hay en los dos extremos de ese espectro. Descubre una selección de películas de Navidad mexicanas para ver durante las fiestas con un toque único.
Santa Claus (1959)
Que no te engañe su título: Santa Claus es, en efecto, protagonizada por el hombre del traje rojo (interpretado aquí por José Elías Moreno), pero no en su clásica versión que reside en el Polo Norte, viaja en trineo y reparte juguetes. No, este Santa Claus vive en el espacio y, cada año en Nochebuena, tiene una lucha cósmica para salvar las almas de los niños contra un demonio llamado Precio (José Luis Aguirre), enviado por Lucifer a la Tierra para arruinar las fiestas.
Hoy, es un clásico de culto sui generis, único en su tipo, de esas películas que han sido abrazadas bajo el dudoso calificativo de “tan malas que son buenas”, en un tiempo en que México comenzaba a abrazar las costumbres extranjeras de la temporada. Sólo podía ser obra de René Cardona, el hombre que también dio al mundo maravillas como La mujer murciélago y varias películas de El Santo.
Mi niño Tizoc (1972)
Otra indispensable en el canon de las películas de Navidad mexicanas es Mi niño Tizoc, que si bien no se centra por completo en las festividades, sí es enmarcada por ellas. La película sigue a un padre (Alberto Vázquez) y su pequeño hijo (Cuitláhuac Rodríguez), indígenas de Xochimilco que padecen pobreza y discriminación. El niño sueña con ir a una posada, comer un pollo y tener una piñata. Cuando no es invitado a ninguna posada, su padre le concede su deseo para él solo, lo que será el comienzo de varios problemas.
Es una película que apela al amor por la vida a pesar de las adversidades, aunque hoy en día podría ser un poco criticada por idealizar la pobreza. Es dirigida por el legendario Ismael Rodríguez, responsable de otros clásicos fundamentales del “Cine de Oro Mexicano”, como Nosotros los pobres y Los tres García, por citar sólo algunos ejemplos.
Pastorela (2011)
Una ácida comedia que, argumentaríamos, es una de las propuestas navideñas más infravaloradas que hay. En Pastorela, a un agente de policía (el genial Joaquín Cosío) le es negado interpretar el papel del Diablo en la pastorela por el nuevo párroco (Carlos Cobos), lo que da lugar a una lucha del bien contra el mal tan surrealista que, como sólo puede suceder en México, tiene secuencias de acción, crimen y hasta terror.
Como comedia, es algo cuyo tono satírico y absurdo sólo podríamos comparar con la española El día de la bestia (otra gran película navideña) o con la ya clásica Matando Cabos, que también cuenta con geniales actuaciones de Cosío y de Silverio Palacios.
Reviviendo la Navidad (2022)
Un hombre amargado (Mauricio Ochmann) es víctima de la peor maldición posible, y ahora sólo puede vivir su día menos favorito: su cumpleaños, que también resulta ser la Navidad. Para romper la maldición, tendrá que aprender a mirar a su alrededor y a reconocer las cosas buenas en su vida.
Mauricio Ochmann ya es un rostro común en las comedias mexicanas como Ya veremos, y en Reviviendo la Navidad no hace algo muy diferente a su trabajo típico. Sin embargo, esta película tiene a su favor que mezcla premisas como las de Hechizo del tiempo (Groundhog Day) con la de la comedia Click con Adam Sandler, para construir un relato sobre aprender a reconectar con la vida y los seres queridos en Navidad.
Las rosas del milagro (1960)
Aunque no es, como tal, una película de Navidad, Las rosas del milagro trata indirectamente sobre otra festividad decembrina que, por proximidad, se vuelve parte de la temporada. La película aborda, en parte, la historia de la aparición de la Virgen de Guadalupe (cuya festividad se observa el 12 de diciembre).
Dirigida por Julián Soler, la película es un díptico dramático que, también, comienza con el romance de una princesa azteca con un miembro de una tribu rival, a modo de Romeo y Julieta. La otra parte es la historia de Juan Diego, que también ha sido contada en películas como Tepeyac, producción silente de 1917.
Navidad S.A. (2008)
En Navidad S.A., Santa Claus (Pedro Armendáriz Jr.) debe enfrentarse a que el Polo Norte se está derritiendo y que la gente ha olvidado el espíritu de las fiestas ante el consumismo, por culpa de uno de sus antiguos duendes (Mauricio Barrientos), quien lo ha convertido todo en negocio.
Por su premisa, te recordará mucho a otra película navideña de temática similar, Elf, el duende, con Will Ferrell. Sin embargo, su comedia visual llega a niveles alocados que incluso remiten al espionaje y la ciencia ficción, por lo que también en algo se parece a El regalo prometido.
El hubiera sí existe (2019)
Otra película que, si bien no trata directamente sobre la Navidad, sí se sitúa durante la festividad e incluso se inspira en uno de los clásicos de ficción de la temporada. El hubiera sí existe sigue a una joven pero insegura mujer (Ana Serradilla), que ve la vida pasar entre su trabajo monótono de oficina y oportunidades perdidas. Eso hasta que se le aparece su yo del futuro (Ofelia Medina), quien la insta a cambiar su forma de abrazar la vida.
Es, en cierto modo, parecida a Un cuento de Navidad de Charles Dickens, pero en clave de comedia romántica (Cuando sea joven con Verónica Castro tiene una temática similar), aunque también podríamos plantearla como Mi encuentro conmigo pero a la inversa, en la que un adulto se encuentra con su versión joven.
Guadalupe Reyes (2019)
Contrario a los estadounidenses, la temporada navideña en México no comienza con el Día de Acción de Gracias para terminar con Año Nuevo, sino que comienza con el Día de la Virgen de Guadalupe el 12 de diciembre y termina el 6 de enero con el Día de Reyes. A este periodo se le conoce como el “puente Guadalupe-Reyes”, periodo en el que se sitúa esta comedia sobre dos amigos (Juan Pablo Median y Martín Altomaro) que, luego de años de no verse y en plena crisis de mediana edad, deciden realizar un reto frustrado de su juventud: beber cantidades absurdas de alcohol durante las festividades.
Guadalupe Reyes es una clara heredera de comedias hollywoodenses como ¿Qué pasó ayer?, aunque con elementos de crisis de la mediana edad como en ¡Te atrapé! (Tag). De nuevo, no es totalmente sobre las fiestas en sí pero, dada su temporalidad, claramente cuenta como una película de navidad mexicana.
‘Más que rivales’ (‘Heated Rivalry’) y otras 9 películas y series de romance LGBTQ que no te harán llorar
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
En las narrativas románticas LGBTQ tanto en el cine como en la televisión, es un cliché común—y ya anticuado—que las historias terminen en tragedia para los personajes. Sin embargo, poco a poco surgen propuestas que desafían estos tropos y brindan representaciones más positivas, saludables y realistas de la comunidad.
Un ejemplo reciente es Más que rivales (Heated Rivalry), serie de romance y deportes adaptada de las novelas Game Changers, de Rachel Reid. Si buscas más propuestas con representaciones similares, aquí te recomendamos otras nueve películas y series de romance LGBTQ que no te harán llorar (ni hacer corajes).
Más que rivales (2025)
Adaptada de Heated Rivalry, el segundo libro en la saga literaria Game Changers de Rachel Reid, Más que rivales sigue la relación entre dos jugadores de hockey rivales, Shane Holland (Hudson Williams) e Ilya Rozanov (Connor Storrie), dos celebridades de la Major Hockey League. Unidos por su ambición y pasión por el deporte, su intensa rivalidad se convierte en la fachada pública para un romance que deciden mantener en secreto.
La serie sigue, en parte, la fórmula de infinidad de dramas sobre rivalidades deportivas (piensa, por ejemplo, en Rush: pasión y gloria), pero con personajes LGBTQ bien construidos que navegan por las complejidades de ser homosexuales, en un entorno donde puede haber dudas sobre ser aceptados o puede haber consecuencias negativas, pero también hay belleza en el compromiso ante la adversidad, como en El amor es extraño de Ira Sachs. Lo que nos lleva precisamente a…
El amor es extraño (2014)
En esta comedia dramática independiente, Ben (John Lithgow) y George (Alfred Molina) son una pareja homosexual de Manhattan y que, luego de casi 40 años juntos, deciden casarse cuando el matrimonio del mismo sexo se vuelve legal. Sin embargo, cuando la noticia llega a la escuela católica donde George ha trabajado por años como maestro de música, lo despiden. Sin ingresos suficientes para mantener un departamento, deciden seguir juntos pero irse a vivir por separado a casas de amigos y familiares. Tensiones maritales e intergeneracionales suceden…
Aunque sí hay algo de tragedia en El amor es extraño, el director Ira Sachs no recurre a ella de una manera sensiblera y explotadora. En su lugar, la película explora las complejas dinámicas sociales, incluso culturales y políticas que pueden ejercer presión en una relación romántica LGBTQ incluso en la actualidad, pero siempre manteniendo el enfoque en la perseverancia de la pareja para seguir juntos (con la sensibilidad de Frankie y en sentido contrario a Pasajes, otras películas suyas). Además, vemos a una pareja gay de mayor edad, algo que no es tan común todavía.
Rojo, blanco y sangre azul (2023)
Adaptada de la novela homónima para jóvenes adultos de Casey McQuiston, Rojo, blanco y sangre azul (Red, White & Royal Blue) es una película de romance LGBTQ sobre el hijo de la presidenta de los Estados Unidos (Taylor Zakhar Perez) y un príncipe británico (Nicholas Galitzine), quienes tienen un altercado público. Para mitigar la crisis diplomática, son obligados a participar juntos en una campaña mediática, con la consecuencia de que el romance florece entre ellos.
Se trata de una de esas películas románticas un tanto fantasiosas (piensa en El diario de la princesa, hasta cierto punto, o en la también similar Jóvenes altezas), con una historia LGBTQ que comienza con una rivalidad y termina en romance, similar a The Thing About Harry.
Heartstopper (2022-2025)
Quizá la serie de romance LGBTQ feel-good por excelencia en años recientes, Heartstopper se basa en la exitosa novela gráfica de Alice Oseman y trata sobre la relación entre el dulce Charlie (Joe Locke), su compañero de clase y estrella de Rugby, Nick (Kit Connor), así como las historias de su grupo de amigos durante la secundaria.
La serie no sólo destaca por su tratamiento sensible de un romance juvenil, sino también por sus florituras visuales que evocan las novelas gráficas originales (similar a lo que la película de Scott Pilgrim hace para emular el material original). También brilla por su ecléctico elenco de personajes LGBT similar a lo que vemos en Sex Education.
Sex Education (2019-2023)
Excéntrica y frontal por partes iguales, Sex Education es una brillante serie con una premisa superficialmente divertida: Otis (Asa Butterfield) tiene una actitud reservada ante la sexualidad, en parte por tensiones en su relación con su madre (Gillian Anderson), quien es sexóloga sin vínculos románticos. En la escuela, él y su compañera Maeve (Emma Mackey) establecen un negocio clandestino de sexología, lo que resuelve las vidas de varios de sus compañeros, pero crea otras tensiones—incluyendo un romance floreciente entre ambos—.
La serie es notable por representar de forma positiva no sólo romances en buena parte del espectro de la comunidad LGBTQIA+, sino también por retratar la exploración de la sexualidad bajo una luz saludable, plural, franca y positiva, no muy diferente de lo que haría después la australiana Aprendiendo a vivir (Heartbreak High), y en sentido contrario a Euphoria, que a pesar de ser plural, está repleta de azotes y abuso psicológico.
Orgullo y seducción (2022)
Un grupo de amigos homosexuales emprenden un viaje a un destino vacacional LGBTQ en Long Island, Nueva York, donde el romance florece pero es complicado por tensiones con otro grupo.
Orgullo y seducción (Fire Island) parte de la premisa de que es casi imposible hablar de ficción romántica sin pasar por Jane Austen. Aunque sería muy inexacto decir que es sólo “Orgullo y prejuicio, pero con personajes gays”, pues esta película toma el esqueleto de la historia original, lo traslada a un contexto contemporáneo, y lo utiliza para deconstruir el clasismo e incluso racismo que puede atravesar las relaciones afectivas gays en la actualidad, algo que también podemos ver en Bros.
El banquete de boda (2025)
Una comedia en la que una pareja de hombres gays (Bowen Yang y Hang Gi-Chan) y una pareja de mujeres lesbianas (Kelly Marie Tran y Lily Gladstone) acuerdan hacer un “intercambio de parejas”. Uno de ellos se casará con una de ellas para poder mantener su residencia en Estados Unidos. A cambio, ellos pagarán el tratamiento de fecundación in vitro para que ellas puedan ser madres. Sin embargo, las cosas se complican cuando son confrontados con tener que realizar un banquete tradicional con toda la familia, conservadora y homofóbica.
Remake de la película de 1993, que tenía a tres personajes en vez de cuatro, El banquete de boda (The Wedding Banquet) es otra película romántica que explora las complejidades culturales y raciales que ejercen presión sobre vínculos afectivos LGBTQ, con una trama que reflexiona también sobre las familias elegidas y las diversas formas de integrarlas.
La noche de las nerds (2019)
Protagonizada por Beanie Feldstein (Lady Bird) y por Kaitlyn Dever (The Last of Us), esta es una de aquellas comedias adolescentes en las que una noche de fiesta se sale de control. La noche de las nerds (Booksmart) sigue a dos amigas—una de ellas lesbiana—, quienes han garantizado ir a las mejores universidades, pero sienten que se han perdido de toda la diversión de la preparatoria. En vísperas de su graduación, deciden compensarlo y prometen festejar como nunca.
Se trata de una comedia coming-of-age en una línea que te recordará a Súper cool (Superbad), pero bastante más progresista y positiva con la comunidad LGBTQ, en un espíritu más cercano a El club de las peleadoras (Bottoms).
Yo soy Simón (2018)
Yo soy Simón (Love, Simon) ya es un clásico moderno de los coming-of-age LGBTQ, con su historia sobre un adolescente (Nick Robinson) que no se atreve a revelar su homosexualidad, ni siquiera a sus mejores amigos, pero que es extorsionado por un alumno anónimo de la escuela que amenaza con revelar su sexualidad si no lo ayuda a ganarse a una de sus amigas.
Es una película romántica juvenil que, además, lidia con las vicisitudes de ser un estudiante en la era de las redes sociales. La película, sin embargo, brinda una representación positiva de la experiencia de salir del clóset, sentando precedentes para otras propuestas como el spin-off, Love, Victor, y la similar Alex Strangelove.
Feliz novedad (2020)
Protagonizada por Kristen Stewart y Mackenzie Davis, Feliz novedad (Happiest Season) es una comedia romántica navideña con un giro LGBTQ: una pareja de mujeres lesbianas pasará las fiestas decembrinas con la familia de una de ellas, con el pequeño detalle de que aún no saben la verdad sobre su sexualidad.
Es una película navideña con enredos familiares en una línea similar a Navidad con los Cooper, pero con el importante cambio de que las tensiones son fuertes al interior de la misma por la orientación sexual de uno de sus miembros. Piensa en algo como Shiva Baby, pero en Navidad y con más risas.
10 series con nostalgia por los 80 y 90 mejores que Stranger Things
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Iniciada en 2016 y concluida con su quinta temporada en 2025, Stranger Things es una de las series más exitosas de Netflix, y un fenómeno de la cultura pop por muy diversos motivos. Con una narrativa situada entre mediados y finales de los 80, una de sus cualidades es brindar altas dosis de nostalgia por la época, con referencias a tantas cosas como E.T. el extraterrestre y La cosa del otro mundo, entre tantas otras.
Sin embargo, no es la única serie que hace eso—y si somos sinceros, tiene la sutileza de un martillo en ese sentido—. Si el final de Stranger Things te dejará con ganas de más vistazos al pasado, seleccionamos para ti otras series llenas de nostalgia por los 80 y 90 para ver online.
Jóvenes y rebeldes (1999-2000)
Creada por Paul Feig y condenada al fracaso debido a una errática programación, hoy Jóvenes y rebeldes (Freaks and Geeks) es considerada una serie de culto, y el periodo de su transmisión (de 1999 al 2000) no es tan lejano a la época en que se desarrolla. Con un elenco de futuras estrellas como Linda Cardellini, Seth Rogen y James Franco, la trama se sitúa entre 1980 y 1981, y sigue a dos hermanos que se unen a grupos de amigos diferentes: la mayor se junta con los holgazanes, y el menor con los nerds.
Es una serie singular en su tipo, y aunque fue cancelada relativamente pronto, el ADN de su dinámica entre diferentes grupos de personas y sus familias persiste en otras producciones como Malcolm el de en medio, The Big Bang Theory y, claro, la propia Stranger Things.
Yellowjackets (2021-actualidad)
Si lo que te gusta de Stranger Things es no sólo la nostalgia, sino la historia adolescente con elementos sobrenaturales y de misterio, Yellowjackets te hará muy feliz, aunque se sitúa en 1996. Saltando entre esa época y la actualidad, la trama sigue a un equipo de futbol juvenil femenino cuyo avión se estrella en una montaña. Abandonadas a su suerte, presencian cosas extrañas en la naturaleza y cometen cosas impensables para sobrevivir; mientras las sobrevivientes intentan, en el futuro, encubrir los secretos.
Esta serie es una de las mejores herederas que hay para la ya clásica Lost, a su vez profundamente influenciada por la monumental Twin Peaks, pero con un factor adolescente que la acerca más a la sensibilidad de Stranger Things.
Red Oaks (2014-2017)
Protagonizada por el genial Craig Roberts, Red Oaks es una divertida serie de comedia que sigue a un joven universitario que, un poco desorientado, decide aceptar un trabajo como instructor de tenis en un acomodado club campestre de Nueva Jersey durante el verano de 1985. Es decir: el mismo periodo que la temporada 3 de Stranger Things.
El trasfondo veraniego te recordará—proporciones guardadas—a la serie de comedia Acapulco, aunque por la sensibilidad actoral de Roberts, la compararíamos más con series como Premature o Mensajes de medianoche.
GLOW (2017-2019)
Pocas cosas dicen años 80 como grandes peinados y ropa de color neón, cosas que hay—y de sobra—en GLOW. La serie relata una versión ficcionada de la creación del show televisivo Gorgeous Ladies of Wrestling, pensado para promover la lucha libre femenina en 1986. Es protagonizada por Alison Brie y su elenco también presenta a nombres como Betty Gilpin y Marc Maron, entre otros.
Esta serie sobre mujeres intentando triunfar en un mundo dominado por hombres tiene mucho en común con Unbreakable Kimmy Schmidt aunque, totalmente, es más parecida a La maravillosa Sra. Maisel.
Dark (2017-2020)
Dado su estreno y temáticas que involucran a niños desaparecidos, un misterio sobrenatural con ciencia ficción y una narrativa desarrollada en los 80( al menos en parte); la serie alemana Dark fue inmediatamente comparada con Stranger Things. Sólo que esta producción, vía recursos como viajes en el tiempo, lleva la trama a muchas otras épocas en el pasado y el futuro, proponiendo una experiencia mucho más interesante.
Esta serie es otra de las herederas de Twin Peaks—y una de las mejores, hemos de decir—, con algunos elementos en común con otra serie reciente, Materia oscura.
Todo es una mierda (2018)
Aunque vemos a los protagonistas de Stranger Things crecer y madurar a lo largo de cinco temporadas, la angustia adolescente no es un elemento tan central de la trama. Quizá lo es más en la cuarta temporada, pero el enfoque está más en resolver misterios y cazar monstruos. Si lo que quieres es ver más aventuras de adolescentes en contextos normales, Todo es una mierda (Everything Sucks!) será para ti.
Aunque situada en los 90—y ya cancelada, lamentablemente—, la serie también tiene a varios personajes involucrados en un club audiovisual, nerds tan cercanos a los de Stranger Things como a los de Jóvenes y rebeldes. Además, tiene elementos en común con títulos como Esta mierda me supera y la británica The End of the F***ing World.
That ‘90s Show (2023-2024)
Esta sitcom es nostalgia pura por partida triple. That ‘90s Show, como el título indica, se sitúa en la década de los 90. Sin embargo, es secuela de otra, That ‘70s Show, que fue estrenada en los 90 y que se situaba en los 70. La serie sigue a Leia, la hija adolescente de Eric y Donna de la primera serie, durante un verano con sus abuelos en Wisconsin.
Dado el contexto, te recordará a series que se sitúan en los 90 de forma retrospectiva, como El joven Sheldon, pero también a otras sitcoms del periodo, como Malcolm el de enmedio.
Recién llegados (2015-2020)
Basada en las memorias homónimas del chef y celebridad culinaria, Eddie Huang, Recién llegados (Fresh Off the Boat) sigue a una familia de origen taiwanés-estadounidense en Florida durante la década de los 90, comenzando con su llegada desde el barrio chino de Washington y narrando las idas y venidas del negocio familiar, así como sus aspiraciones personales.
Por sus caóticas dinámicas familiares, la serie mantiene un espíritu similar al de otras producciones como Malcolm el de enmedio, The Middle, El joven Sheldon y Home Economics, por lo que la disfrutarás si conoces alguna de estas series.
This is Us (2016-2022)
Esta serie de Dan Fogelman, una de las más aclamadas de la televisión estadounidense en la memoria reciente, brinda altas dosis de nostalgia no sólo de los 80 y 90, sino de varios periodos. Esto gracias a que This is Us narra las vidas de miembros de una familia a través de diversas generaciones, saltando en diferentes tiempos entre los 70, los 80 y la actualidad.
Es una serie que, más allá de la nostalgia por el pasado, nada tiene que ver con Stranger Things. Es un drama sobre familias, amistades y tragedias, más para amantes de títulos como Cinco hermanos (Brothers & Sisters) o Everwood.
Twin Peaks: The Return (2017)
Aclaremos algo desde el inicio: Twin Peaks: The Return, es una secuela de la original Twin Peaks, situada unos 25 años después de los acontecimientos de esta última, que sucedía en los 90. Es decir: The Return no se sitúa para nada en los 90, pero la serie de David Lynch—última gran obra del director—hace algo más inteligente con el período: reflexiona e ironiza sobre él, sus valores, y cómo han evolucionado las expectativas narrativas y de consumo de la televisión desde el debut de la original, que transformó el medio para siempre.
En otras palabras, esta serie—concebida como una gran película de 18 horas—, brinda nostalgia pero también la critica, convirtiéndose en el título más interesante de este listado en automático. Es tonalmente más cercana a la película, Twin Peaks: Fuego camina conmigo, y al ser la obra cumbre de Lynch, es más compleja y críptica que sus últimas películas, como Sueños, misterios y secretos o Por el lado oscuro del camino.
Episodios de Navidad tan oscuros que no creerás que se transmitieron por TV
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
La temporada navideña es, tradicionalmente, concebida como un periodo de paz, amor, esperanza por la humanidad y reconciliación con el prójimo, como demuestran algunos de los grandes clásicos de la temporada. Sin embargo, hay visiones discordantes, a veces pesimistas, otras muy realistas y algunas más incluso irónicas o hasta cínicas. Y quienes hayan visto los especiales navideños de estas series de televisión, no dejarán mentir.
Se trata de episodios de Navidad tan oscuros que resulta increíble no sólo que hayan sido producidos, sino también que hayan llegado al aire en TV o streaming. Aquí seleccionamos algunos de ellos, para que dejes volar el lado más morboso de tu imaginación o para traer algo de acidez a tu cena familiar navideña.
“Peces” de El Oso, temporada 2 (2022-actualidad)
Las típicas cenas navideñas pueden venir con algo de incomodidad. Bien dicen por ahí que todas las familias son disfuncionales hasta cierto punto, lo que puede volver la convivencia extraña o hasta indeseable. Sin embargo, El Oso (The Bear) lleva esta premisa hasta los niveles de disfuncionalidad que vemos en el restaurante de Carmy (Jeremy Allen White) y que, además, los explican.
“Peces”, el infame sexto episodio de su segunda temporada, es un flashback extendido a unos cinco años antes del comienzo de la serie. Carmy regresa a casa para pasar la Navidad con su familia, y los resentimientos, trauma, piques y depresión crean una espiral literalmente destructiva que se sale de control. Es la clase de episodio navideño para ver si te sientes terrible respecto a tu situación familiar, pues te recuerda que siempre puede ser peor.
“Blanca Navidad” de Black Mirror, temporada 2 (2011-actualidad)
A estas alturas, la serie antológica Black Mirror ya tiene su fama establecida como una serie que explora los lados más oscuros de la tecnología, presentando desde íntimas tragedias personales hasta escenarios distópicos del futuro próximo. Estaba claro que un especial navideño en esta serie no iba a ser uno feliz.
Y en efecto, no lo es. El episodio “Blanca Navidad” de su segunda temporada trata sobre tres historias narradas por Matt (Jon Hamm) y Joe (Rafe Spall) en una remota cabaña, que exploran cuestiones como el arte del ligue en su forma más misógina, inteligencia artificial, asesinatos, la conciencia humana y el “bloqueo” de internet extrapolado a la vida real, con un giro tan siniestro y oscuro que te hará comenzar a ser un niño bueno para no quedar en la lista de “traviesos” de Santa.
“Es una Navidad soleada” de It's Always Sunny in Philadelphia, temporada 6 (2005-actualidad)
Otra serie repleta de disfunción es la ácida comedia It’s Always Sunny in Philadelphia, en la que cuatro egocéntricos amigos mantienen un bar en medio del caos por sus propios intereses personales. Claro que las fiestas navideñas iban a ser un desastre con estos tipos.
Sin embargo, “Es una Navidad soleada”, especial navideño que concluye su sexta temporada, da giros bastante turbios, con más traumas infantiles que el consultorio de un psicólogo. Aunque, al final, los personajes terminan más unidos que al comienzo, el asunto se pone particularmente denso cuando Charlie (Charlie Day) descubre cómo es que su madre conseguía pagar por las celebraciones de Navidad en casa. Sólo digamos que estaba recibiendo regalos de más Santas de la cuenta…
El especial de Navidad de BoJack Horseman (2014-2020)
Una serie animada para adultos sobre un hombre-caballo celebridad venida a menos, drogadicto y depresivo; podría parecer la opción menos idónea para un episodio navideño. Y en efecto, lo es, así que BoJack Horseman hizo lo único que podía con su especial para la temporada.
El especial de Navidad de BoJack Horseman es, en realidad, un episodio navideño sobre un episodio navideño. BoJack (voz de Will Arnett) y Todd (Aaron Paul) ven el especial de Horsin’ Around, la sitcom que el primero protagonizó en los 90. Y a partir de esta premisa, la serie reflexiona sobre las hipocresías del showbiz como sólo esta serie sabe hacerlo, trascendiendo sus gruesas capas de nihilismo para encontrar algunas verdades. Para el caso: mejor apaga la tele y ve a darle un abrazo a tu mamá.
“Cuento de Navidad” de Futurama, temporada 2 (1999-actualidad)
Situada en el lejano futuro del siglo XXX, Futurama es particularmente apta para satirizar las contrariedades y absurdos de nuestra cultura, en el siglo XXI. Su protagonista es Fry (voz de Billy West), un hombre criogénicamente congelado y despertado en el año 2999.
En el episodio “Cuento de Navidad” de su segunda temporada, Fry se siente nostálgico por las navidades de su infancia mientras descubre cómo la festividad ha evolucionado a lo largo de los siglos. En el futuro, incluso el trabajo de Santa Claus ha sido automatizado por un robot que recorre el mundo repartiendo regalos, pero las cosas dan un giro oscuro cuando su programación, excesivamente estricta, dictamina que todos han sido niños malos… y el robot opta por la solución violenta.
“La Navidad de los animalitos del bosque” en South Park, temporada 8 (1997-actualidad)
Nada escapa de las garras de la incorrección política de la sitcom animada South Park, así que claro, la serie tiene entre sus numerosas y blasfemas distinciones uno de los episodios de Navidad más oscuros y satíricos en la historia de la televisión.
“La Navidad de los animalitos del bosque”, conclusión de su octava temporada, sigue a uno de los jóvenes protagonistas, Stan Marsh (con voz del creador de la serie, Trey Parker), descubriendo a inocentes animales parlantes en el bosque, a los que decide proteger durante la Navidad. Inexplicablemente, todo se vuelve un complot para resucitar al Anticristo, y que incluye desde un Santa Claus con escopeta a orgías satánicas y un Apocalipsis en el nombre del judaísmo. Un cóctel molotov para incomodar a cualquiera en la temporada independientemente de creencias y afiliaciones, prueba de que nada está lejos del alcance de esta serie.
El episodio piloto de A dos metros bajo tierra (2001-2005)
¿Qué mejor para entrar en el espíritu navideño que sexo en un aeropuerto, metanfetaminas y la muerte del padre? Así arranca la serie A dos metros bajo tierra (Six Feet Under), con un macabro sentido del humor para contar la historia de varios hermanos que, repentinamente, se ven obligados a trabajar para mantener la funeraria que les ha dejado su padre.
Dada su premisa, el tono sombrío y la muerte son presencias constantes en esta serie, que siempre mantiene cierta morbidez en sus historias. Cabe señalar que las fiestas decembrinas volverían a ser el tema de otro episodio en la segunda temporada, Es el momento más maravilloso del año, situado en el primer aniversario luctuoso del patriarca mientras la familia debe trabajar en plena Navidad.
“La incontrolable Navidad de Abed” en Community, temporada 2 (2009-2014)
La sitcom Community es bien conocida por abordar diferentes géneros e incluso técnicas con fines autorreferenciales. “La incontrolable Navidad de Abed”, especial navideño de su segunda temporada, lleva las cosas más lejos al ser, ni más ni menos, una genial oda a la animación en stop motion.
En la superficie, podría parecer un inocente homenaje a Rudolph, el reno de la nariz roja, clásico navideño animado con esta técnica. Sin embargo, no tarda en revelarse la razón por la que el episodio fue creado de esta forma, lo que trae a la mesa conversaciones sobre salud mental y sobre la soledad que muchas personas atraviesan por la temporada. Sin embargo, la serie lo maneja con un equilibrio ideal de sensibilidad y humor, convirtiéndolo en uno de los episodios de Navidad más oscuros, pero también más relevantes.
Las 8 mejores películas y series de Pedro Pascal
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
Es el mundo de Pedro Pascal, y nosotros sólo vivimos en él. De ascendencia chilena, el actor es una de las celebridades más populares—y queridas— de Hollywood y de internet. Su rostro está por todas partes, desde grandes franquicias como el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) hasta películas de autores como Pedro Almodóvar.
Ya sea porque vives enamorado o enamorada de él, o porque quieres entender de qué va todo este fenómeno, acá seleccionamos las 8 mejores películas y series de Pedro Pascal, y así conocer su reciente—y meteórico—ascenso a la fama mundial, que lo ha llevado a ser protagonista de títulos como Amores materialistas y Los 4 Fantásticos: Primeros pasos.
The Last of Us (2023-Actualidad)
Para muchos, y por diversos motivos, esta adaptación del aclamado videojuego post-apocalíptico homónimo es el título definitivo de Pedro Pascal. The Last of Us de HBO se sitúa en una realidad alternativa de nuestro mundo, donde el calentamiento global ha permitido la proliferación en humanos del hongo parásito cordyceps, conocido por “zombificar” a los seres vivos. Pascal interpreta a Joel Miller, un hombre que perdió a su hija durante el comienzo de la pandemia. Años más tarde, es encomendado con el cuidado de Ellie (Bella Ramsey), una adolescente que parece ser inmune al hongo, por lo que debe protegerla a toda costa. En lo que concierne a historias distópicas sobre figuras paternas protegiendo a niños, tiene toda la vibra de El último camino.
Por un lado, esta dinámica del rudo y masculino protector de una niña, se ha vuelto una piedra angular de la reputación de Pascal como el “papi de internet” (incluso más que otras producciones donde tiene papeles similares). Pero hay que darle un enorme crédito al actor, pues más que una historia de zombis, o “infectados”, The Last of Us es una historia sobre la desesperanza de un mundo destruido, pero también sobre la lucha por mantener viva la llama del optimismo. Pascal entiende que hay un corazón de oro debajo del cinismo y el dolor de su personaje, y logra maravillosamente transmitir toda la complejidad de esa evolución hacia el amor y la esperanza a lo largo de múltiples episodios, lo que en verdad le brinda el tiempo necesario para desarrollar ese mundo interior.
Kingsman: El círculo dorado (2017)
Son raras las secuelas que superan a sus predecesoras y, lamentablemente, pocos argumentarían que el caso de la saga de Kingsman sea la excepción a la regla. Kingsman: El círculo dorado es la típica continuación que repite mucho de lo que hizo funcionar a la primera parte, por lo que no resulta tan fresca ni propositiva, aunque su acción frenética te gustará si disfrutaste de propuestas como Kick-Ass: Un superhéroe sin superpoderes o El escuadrón suicida.
Sin embargo, Pedro Pascal es, por mucho, uno de los mejores y más llamativos elementos de la secuela, dotando de una personalidad singular a su personaje, el Agente Whiskey. Su carisma brilla en combinación con las alocadas secuencias de acción de Matthew Vaughn, e incluso si no eres fan de la saga o de este tipo de películas, su actuación por sí sola es motivo suficiente para verla.
El peso del talento (2022)
El título de la metacomedia El peso del talento (o más elocuentemente, The Unbearable Weight of Massive Talent) no es en alusión a Pedro Pascal, sino al protagonista, Nicolas Cage, quien básicamente se interpreta a sí mismo como un actor que, víctima de sus indulgencias y problemas financieros, debe aceptar cualquier trabajo. Así, accede a visitar la mansión de un presunto narcotraficante (Pascal) durante su cumpleaños, mientras la CIA intenta sacar provecho de la situación.
Nicolas Cage es, básicamente, Nicolas Cage, por lo que recae en Pascal dotar de corazón emocional a la película, cosa nada fácil dada su cuestionable profesión. Pero el histrión demuestra aquí que también tiene una excelente vis cómica para hacer contrapeso a la grandilocuencia a menudo exagerada de su coestrella, cosa nada fácil. Además, este es un narco con corazón de oro, un cinéfilo fan de Cage y de Paddington 2 (también aquí creemos que es una maravilla y que nos hace querer ser mejores hombres, Pedro). En lo que concierne a metacomedias sobre el cine, los actores y sus vidas, tiene puntos en común con El ladrón de orquídeas (también con Cage) y con ¿Quieres ser John Malkovich?
The Mandalorian (2019-2023)
Puede que a The Last of Us le corresponda la reputación de consolidar a Pedro Pascal como el “papi de internet”, pero esa semilla fue sembrada por The Mandalorian. En este spin-off de la saga Star Wars, el actor interpreta a un frío mercenario mandaloriano, Din Djarin, en una misión para recuperar a un cierto “activo”. Cuando descubre que se trata de un bebé con sensibilidad a la Fuerza buscado por el Imperio, su compasión lo orilla a protegerlo.
Y esto desencadena tres temporadas de Din Djarin protegiendo a Grogu de las amenazas del Imperio Galáctico, efectivamente haciendo de la marioneta (cariñosamente llamada “Baby Yoda”) el primero de los hijos adoptivos de Pascal en la pantalla. Aquí, Pascal tiene que hacer mucho con poco, pues el código de honor de los mandalorianos fundamentalistas demanda nunca descubrirse el rostro. El actor tiene que trabajar con la voz y con el cuerpo para transmitir una cierta frialdad emocional que se va derritiendo. Cuando alcanza su culminación en los raros momentos donde puede mostrar su rostro, consigue un efecto de lo más emotivo. Una serie que podrán disfrutar tanto los fans del resto de Star Wars como de The Last of Us—tanto por el factor Pascal como por su temática—. También es una gran opción para fans de Firefly, otro clásico wéstern espacial.
Gladiador II (2024)
Vamos a ser claros: Gladiador II no es una gran película, una indicación más de que el director Ridley Scott está muy lejos de los días de gloria marcados, precisamente, por la primera Gladiador. Sin embargo, es el elenco—y el propio Pedro Pascal, específicamente—lo que le da un alma a esta secuela, que sigue bebiendo de la fuente de Espartaco y Ben Hur.
Aunque no es el protagonista (rol que corresponde a Paul Mescal), sí representa una fuerza antagónica—aunque noble—en el papel del general Acacio, líder del ejército romano que es leal a los ideales de Marco Aurelio (Richard Harris) y de Máximo (Russell Crowe), bajo quien entrenó y sirvió como soldado. Es decir que Pascal brinda el vínculo emocional e ideológico con el héroe de la primera parte, brindando una actuación creíble sobre un hombre trágicamente atrapado entre la responsabilidad de su cargo y los ideales que está traicionando en nombre de los emperadores.
Robot salvaje (2024)
Uno de los roles más humanos de Pedro Pascal es, irónicamente, uno en el que ni lo vemos, y ni siquiera está interpretando a un personaje humano. Se trata de la conmovedora animación Robot salvaje, de DreamWorks, cuyo corazón emocional está en la relación de la robot titular, Roz (voz de Lupita Nyong’o), varada en una isla repleta de animales, que encuentra un propósito en la crianza de un pequeño polluelo.
Aquí le toca dar voz al zorro Fink quien, irónicamente, ejerce una paternidad inicialmente renuente, más inclinado a dejar que la selección natural haga lo suyo. Pero claro, su calidez eventualmente sale a flote. No verás al actor aquí, pero la personalidad que ha enamorado a multitudes está en este personaje también, gracias a un trabajo de voz muy distinto al realizado en The Mandalorian. Si te han gustado propuestas como Gato con botas: El último deseo por su estilo de animación, o La era de hielo por su temática de familias adoptadas, será para ti.
Game of Thrones (2011-2019)
Hoy tenemos a Pedro Pascal por todas partes, pero hubo un tiempo en que no fue así. Sin embargo, el origen de su auge en popularidad puede rastrearse hasta el fenómeno mediático que fue Game of Thrones, la serie televisiva ideal para fans de El señor de los anillos, The Witcher y demás fantasías medievales del tipo.
El actor brilla específicamente en su cuarta temporada, transmitida durante 2014. Era un papel destinado a terminar pronto, pero Pascal cautivó en el rol del príncipe Oberyn Martell, que además era noble, sensual y carismático. Afortunado y prudente no tanto, al verse aquejado por representar a Tyrion Lannister (Peter Dinklage) en un juicio por combate que no tiene el mejor final para ninguno de los dos. Sin embargo, el hecho de que el personaje haya dejado una marca tal que aún es recordado entre los favoritos de los fans, ya era testimonio del carisma que el actor iba a traer a la mesa con futuros papeles.
Narcos (2015-2017)
Podríamos decir que la participación de Pedro Pascal en la serie Narcos fue la que terminó de ponerlo en el mapa. Una de las primeras producciones originales de Netflix en convertirse en un éxito ampliamente comentado, la serie inicialmente trató sobre el conflicto entre la DEA y el narcotraficante Pablo Escobar (interpretado por el brasileño Wagner Moura). Tu serie de Pedro Pascal ideal si te gustó Sicario: Tierra de nadie o Escobar.
Sin embargo, en el transcurso de sus tres temporadas, la narrativa se expandió a horizontes más amplios. Pascal formó parte del único tejido conectivo entre la gran narrativa de la serie como el protagonista, Javier Peña, el agente de la DEA con la consigna de derribar primero a Escobar y, después, al cartel de Cali. Una responsabilidad considerable, dado que la serie se basa en la verdadera historia de esta lucha contra el crimen. Peña y su compañero, Stephen Murphy (interpretado en la serie por Boyd Holbrook) son agentes reales de la inteligencia estadounidense, por lo que Pascal y Holbrook tuvieron que caminar la delgada línea entre la realidad y la dramatización con respeto.
Wicked y más adaptaciones al cine de El mago de Oz
Lalo Ortega
Editor de JustWatch
El mago de Oz, novela infantil de L. Frank Baum, es uno de los clásicos de la literatura fantástica occidental más populares y, como tal, ha sido una fuente de inspiración infinita para tantas otras obras de ficción, tanto en el cine como en otros medios. Esto incluye a la exitosísima Wicked, novela revisionista de Gregory Maguire que dio origen a la obra de teatro musical y a la película basada en esta última.
Si estás bajo el encanto del mundo de Oz ante el estreno de la segunda parte de la adaptación al cine, Wicked: Por siempre, aquí te presentamos otras adaptaciones cinematográficas de El mago de Oz disponibles para ver online.
El mago de Oz (1939)
Esta es la adaptación definitiva de El mago de Oz, no en un sentido nostálgico ni purista. Esta versión cinematográfica de 1939 es, para comenzar, en parte un musical que además se toma algunas licencias creativas. Es, además, el papel más emblemático de la legendaria Judy Garland.
Es la rara película que rescata la esencia del material original pero también lo trasciende, informando su iconografía en el imaginario popular—las zapatillas no eran originalmente de rubí, sino de plata, pero fueron cambiadas para lucir en el vibrante Technicolor, novedoso para su época—. Es un clásico visual y musicalmente icónico en el que habrán de inspirarse muchas otras adaptaciones ya sea para seguirlo o diferenciarse de él, y además es una gran fantasía atemporal para toda la familia que disfrutarás si te gustaron otras películas como Mary Poppins o Willy Wonka y la fábrica de chocolate, o el todavía más suntuoso Technicolor de Cantando bajo la lluvia.
Wicked (2024)
La novela de Gregory Maguire en que se basa el musical teatral Wicked—así como su adaptación al cine—, es un interesante ejercicio que camina la delgada línea entre el homenaje y el revisionismo crítico, valiéndose del marco establecido por L. Frank Baum para reinterpretar a la “Malvada bruja del Oeste” como una figura empática, y reflexionar desde la historia de El mago de Oz sobre temas como el poder, la discriminación, el establecimiento de narrativas oficiales con la propaganda y la radicalización de las resistencias. Nada denso.
Buena parte de esto es diluido en la obra de teatro—y en las películas, por extensión—, pero los temas se mantienen aunque sea de forma superficial, dando preferencia a una suntuosa puesta en escena que parte de la iconografía de la novela y sus adaptaciones. Una opción ideal no sólo para fans de El mago de Oz, sino también de musicales de los 2000 como Chicago, o con canciones emotivas e impactantes como El gran Showman.
Wicked: Por siempre (2025)
Como ya es tan común con las adaptaciones de franquicias taquilleras, la del musical basado en El mago de Oz también llegó en dos partes para optimizar ganancias, aunque en detrimento de la trama que termina diluida en casi cinco horas totales de metraje. La segunda parte, Wicked: Por siempre retoma la historia una vez que Elphaba (Cynthia Erivo) ha sido designada enemigo público de Oz, mientras que Glinda (Ariana Grande) se ha convertido en la imagen pública de benevolencia del régimen.
Con algunas canciones nuevas, se trata de una adaptación bastante fiel de la obra, que toca temas sobre confrontar idealizaciones y privilegios, algo que tiene en común con Amor a colores (Pleasantville) que, según el director Jon M. Chu, fue una influencia importante en la película. Hay, también, una similitud temática con El gran dictador, e incluso incluye algunas referencias visuales al clásico de Chaplin.
Oz, un mundo fantástico (1985)
Una de las adaptaciones más extrañas de El mago de Oz es esta oscura fantasía producida por Disney, concebida como continuación de la primera aventura de Dorothy. Oz, un mundo fantástico (Return to Oz) comienza con Dorothy (Fairuza Balk, años antes de Jóvenes brujas) obsesionada con su visita a Oz meses atrás, por lo que sus consternados tíos la ingresan a un psiquiátrico al considerar que alucina (sí, en serio). Llevada de nuevo al mundo mágico, descubre que ha sido conquistado por el Rey Nomo.
Es una película que inevitablemente desconcertará a los fans de la adaptación musical de 1939 con Judy Garland, pues está más en clave de las fantasías oscuras de los años 80 como La historia sin fin, Laberinto y El cristal encantado (The Dark Crystal), con todo y marionetas tan complejas como extrañamente perversas. Paradójicamente, es considerada una de las adaptaciones más fieles de la obra de L. Frank Baum, al mantener los elementos más extraños y perversos de las páginas.
Oz, el poderoso (2013)
A pesar de ser el personaje titular, hay que decir que el propio mago de Oz es rara vez abordado en profundidad. Oz, el poderoso (Oz, the Great and Powerful) es una película que funge como “precuela espiritual” para la clásica adaptación de 1939 y cuenta la historia de origen del mago, Oscar Diggs (James Franco), quien debe aliarse con tres brujas para devolver el orden a la tierra mágica.
Como expansión de la historia de El mago de Oz, tiene una vibra similar a la que presenta Wicked, aunque cabe aclarar que no forman parte de la misma continuidad, y deben ser tomadas como interpretaciones diferentes—y complementarias—del clásico de la literatura y el cine. Oz, el poderoso es un producto de su tiempo, una adaptación sobrecargada de efectos especiales digitales que llegó en la estela de la saga de Harry Potter, en una línea similar a Alicia en el País de las maravillas de 2010.
El mago (1978)
Wicked podrá ser la adaptación de El mago de Oz al teatro musical más popular, pero no es la única ni la primera. Fue precedida por una puesta en escena de Broadway moderna y urbana en clave de soul que eventualmente fue adaptada a la película El mago (The Wiz), notable, entre otras cosas, por su equipo creativo predominantemente afroamericano, con Diana Ross como Dorothy (aquí una maestra de escuela), Michael Jackson como el Espantapájaros (su único rol en cines), Richard Pryor como el Mago y arreglos musicales de Quincy Jones para los temas originales de Charlie Smalls y Luther Vandross. Es una producción, a reserva de un mejor descriptivo, sui generis, que hoy es un clásico de culto.
Es, al mismo tiempo, tanto una adaptación del clásico literario como una celebración de la música negra con enormes estrellas afroamericanas (imagina El mago de Oz por vía de Summer of Soul, o lo que Pecadores hace para el cine de vampiros). Para algo equivalente y reciente, piensa en Sneakerella, adaptación de Cenicienta filtrada por la lente de la cultura afroamericana.
Tomasín en el reino de Oz (1925)
Aunque la de 1939 es la más notable y ya tiene sus años, no fue ni de lejos el primer intento de adaptación del clásico de L. Frank Baum. Una de las más notables—y de las pocas completadas que aún conocemos en forma íntegra—fue esta versión silente de 1925, inexplicablemente titulada Tomasín en el reino de Oz en algunos territorios de habla hispana, que adapta el relato con varias libertades creativas. Por ejemplo, con una Dorothy adolescente y acompañada por granjeros disfrazados como el león, el espantapájaros y el hombre de hojalata.
La película es dirigida y coprotagonizada por Larry Semon, quien fue frecuente colaborador del icónico dúo formado por Stan Laurel y Oliver Hardy, con este último también en esta película. Es obligada para los entusiastas de Oz que quieran conocer otras adaptaciones y no se limiten a la clásica de 1939, así como quienes disfruten de la comedia de Laurel y Hardy (como en Mi amigo y yo).
Salvaje de corazón (1990)
David Lynch dijo, célebremente, que casi no pasaba un solo día sin pensar en El mago de Oz. Comprendía la influencia casi molecular del clásico en el imaginario estadounidense y, en cierto modo, casi todas sus películas son una adaptación, o por lo menos tienen influencia de la novela de Baum y de su versión cinematográfica de 1939. Sin embargo, pocas de forma tan evidente como Salvaje de corazón (Wild at Heart), que entiende el relato original como una road movie y que hace de Laura Dern su Dorothy moderna, atravesando los Estados Unidos en busca de su Ciudad Esmeralda personal. Lynch incluso toma prestada iconografía del clásico de Judy Garland.
Dicho esto, se trata de una deconstrucción sórdida de las hipocresías del sueño americano y su bondad moralina, con heavy metal, asesinatos y un Willem Dafoe que se quedará grabado en tus pesadillas. No es, en absoluto, una adaptación de El mago de Oz apta para la familia, pues está más en la línea de películas como Terciopelo azul y la serie Twin Peaks.