Avant Squid Game, la fiction avait déjà mis en scène des jeux tordus où survivre relevait de la stratégie, du sang-froid… ou de la pure chance. Qu’il s’agisse de pièges sadiques, de jeux télévisés meurtriers ou de compétitions imposées par des systèmes dystopiques, ces films, séries et anime repoussent les limites de l’horreur sociale.

Si tu as adoré les épreuves cruelles de la série coréenne, ces titres vont te plonger dans des univers où perdre n’est jamais une option. Et dans certains cas, le simple fait de jouer est déjà une condamnation.

Saw (2004)

Dans Saw, le jeu est simple : survivre à un piège. Mais les règles changent à chaque fois, et la volonté de vivre est la seule monnaie d’échange. James Wan signe ici un film culte qui a lancé une franchise entière, avec un concept aussi sadique que fascinant : Jigsaw, un tueur moraliste, piège ses victimes dans des dispositifs mortels censés les pousser à « apprécier la vie ». Plus psychologique qu’un simple slasher, Saw pose une question brutale : jusqu’où irais-tu pour t’en sortir ? Si les épreuves de Squid Game t’ont marqué, ici, tu n’auras pas le moindre instant pour respirer.

Battle Royale (2000)

Avant Katniss Everdeen et bien avant Gi-hun, il y avait Battle Royale. Le film japonais de Kinji Fukasaku est une référence absolue en matière de jeux mortels. Des lycéens envoyés sur une île, forcés de s’entretuer jusqu’au dernier survivant. Le tout encadré par un gouvernement autoritaire. Brutal, frontal, dérangeant, Battle Royale n’a pas peur de mettre en scène la cruauté à l’état pur. Il a influencé des générations entières de récits dystopiques et reste, encore aujourd’hui, l’un des films les plus intenses de sa catégorie.

Alice in Borderland (2020 - série)

Quand Tokyo devient un terrain de jeu mortel, la réalité bascule dans Alice in Borderland. Adaptée du manga de Haro Aso, cette série japonaise mêle thriller, science-fiction et survie dans une version alternative de la ville, où les participants doivent relever des épreuves mortelles classées par type et niveau de difficulté. Chaque carte gagnée permet de prolonger son « visa », autrement dit sa vie. Ultra efficace, visuellement marquante, et psychologiquement tendue, Alice in Borderland pousse les mécaniques de jeu bien plus loin que Squid Game.

Cube (1997)

Dans Cube, un groupe d’inconnus se réveille dans un labyrinthe de pièces cubiques, chacune pouvant être piégée mortellement. Personne ne sait pourquoi ils sont là, ni comment s’en sortir. Ce huis clos mathématique repose sur la paranoïa, l’instinct de survie et la collaboration forcée. Minimaliste et angoissant, Cube reste l’un des thrillers de science-fiction les plus originaux de la fin des années 90. Un précurseur discret des jeux de mort sans maître de cérémonie, où l’ennemi est l’environnement lui-même… et parfois les autres.

Hunger Games (2012)

Dans Hunger Games, le jeu est un outil politique. Chaque année, douze districts doivent envoyer deux adolescents pour participer à un combat à mort, diffusé à la télévision. Si le public acclame, le Capitole contrôle. La saga portée par Jennifer Lawrence mélange critique sociale, survival et manipulation médiatique. Bien que plus soft que Squid Game en termes de violence graphique, la portée symbolique des Hunger Games est immense. Et derrière les flèches de Katniss se cache un système de contrôle glaçant.

The Belko Experiment (2016)

Des employés de bureau se retrouvent enfermés dans leur immeuble et contraints par une voix anonyme à s’entretuer pour survivre. Voilà le point de départ de The Belko Experiment. Derrière ce concept absurde se cache une satire mordante sur le monde du travail et la déshumanisation. Le film ne fait pas dans la finesse, mais il va droit au but, avec une montée en tension brutale et sanglante. Parfait pour ceux qui veulent voir ce que donnerait Squid Game dans une version corpo et sans pitié.

13 Tzameti (2005)

Ce film géorgien-français réalisé par Gela Babluani plonge un jeune homme dans un jeu clandestin où des hommes misent sur des vies humaines dans une version sinistre de la roulette russe. En noir et blanc, froid, sec, presque documentaire, 13 Tzameti tord le cou au spectaculaire et explore une violence sourde, ancrée dans la misère sociale. Pas de jeu flashy ni de décors futuristes ici, juste un engrenage fatal. Une vraie claque, plus réaliste et glaçante que beaucoup de blockbusters.

Kaiji: Ultimate Survivor (2007 - anime)

Dans l’anime Kaiji, le héros accepte de participer à des jeux d’argent tordus pour rembourser ses dettes. Mais rien ne se passe jamais comme prévu. Chaque jeu est un piège psychologique redoutable, où perdre, c’est s’endetter encore plus… ou pire. Ce qui distingue Kaiji des autres titres de cette liste, c’est la place accordée au mental : bluff, manipulation, stratégie, lâcheté. Les règles changent, mais la dette reste. Et dans ce monde, même la victoire a un prix. À voir absolument si tu cherches une version cérébrale de Squid Game.

Death Parade (2015 - anime)

Dans Death Parade, les morts doivent passer par un bar étrange où le barman les soumet à des jeux apparemment anodins, mais aux enjeux existentiels. Ces épreuves déterminent si l’âme du joueur mérite la réincarnation ou la disparition totale. Le contraste entre l’esthétique feutrée et la brutalité morale des jeux crée un malaise constant. Plus introspectif que sanglant, l’anime joue sur la psychologie humaine et sur la part d’ombre que chacun cache en lui. Une perle sombre et philosophique, à mille lieues du divertissement classique.

Btooom! (2012 - anime)

Imagine te réveiller sur une île, obligé de jouer à une version réelle d’un jeu vidéo de combat avec des bombes… C’est le cauchemar que vit Ryōta dans Btooom!. L’anime reprend les codes de Battle Royale, mais les modernise avec une dimension technologique et tactique. Les participants doivent tuer pour quitter l’île, tandis qu’un mystérieux commanditaire tire les ficelles. Rythmé, violent, et étonnamment centré sur les émotions des personnages, Btooom! montre à quel point l’humain est prêt à tout quand il n’a plus rien à perdre.

Gantz (2004 - anime)

Dans Gantz, la mort n’est que le début. Après leur disparition brutale, les protagonistes sont ressuscités par une sphère noire nommée Gantz, qui les envoie participer à des chasses à mort contre des créatures extraterrestres. Chaque mission est un massacre, et le ton de la série est sans concession. Glaçant, nihiliste, ultra-violent, Gantz met en scène un jeu absurde où les règles n’existent que pour mieux être brisées. Un classique de l’animation adulte, réservé aux estomacs solides.

Darwin’s Game (2020 - anime)

Darwin’s Game, c’est un jeu mobile qui se transforme en cauchemar réel. Une fois inscrit, le joueur se retrouve dans un affrontement grandeur nature où chacun possède un pouvoir spécial appelé « Sigil ». Ce survival urbain mélange habilement suspense, action et tension permanente. Les combats sont dynamiques, les alliances fragiles, et chaque décision peut être fatale. Pour les fans de Squid Game, cet anime propose une version surnaturelle et nerveuse des jeux mortels.

Où regarder ces films et séries en streaming ?

Si tu veux explorer d’autres jeux mortels plus tordus les uns que les autres, cette sélection est dispo sur plusieurs plateformes de streaming. Clique sur les logos ci-dessous pour afficher uniquement les titres inclus avec tes abonnements, ou utilise “réinitialiser” pour voir l’ensemble de la sélection sur JustWatch.

La bande de fringuants adolescents traqués par un mystérieux tueur en ciré a marqué toute une génération avec sa formule horrifique déclinée sur plusieurs films.

Classique du slasher post-Scream, le film Souviens-toi… l’été dernier (1997), réalisé par Jim Gillespie, a aussi permis de réunir une belle brochette d’acteurs qui, pour beaucoup, sont devenus les visages cultes des années 2000. Plus de 25 ans plus tard, une nouvelle suite (et non un reboot) sort au cinéma le 16 juillet 2025, incluant les deux héros qui ont survécu : Freddie Prinze Jr. et Jennifer Love Hewitt. L’occasion de prendre des nouvelles de tous les visages marquants de l’inoubliable premier opus.

Nous vous proposons un guide JustWatch autour des comédiens du premier film Souviens-toi… l’été dernier (1997). Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming.

Jennifer Love Hewitt (Julie James)

Après sa prestation dans la peau de la charmante et courageuse Julie James, Jennifer Love Hewitt s’est imposée dans les années 2000 comme une figure emblématique des séries tv. On l’a vue dans Ghost Whisperer (2005-2010) et The Client List (2012-2013). Plus récemment, elle est revenue au thriller avec un rôle dans 9-1-1 (2018-). 

Sarah Michelle Gellar (Helene York)

Avant de devenir la mythique Buffy Summers dans Buffy contre les vampires (1997-2003), Sarah Michelle Gellar avait fait sensation dans le film de Jim Gillespie. Elle a également participé à Scream 2 (1997) et Sexe Intentions (1999). En 2002, elle est Daphne Blake dans l’adaptation du dessin animé Scooby-Doo (2002).

Ryan Philippe (Barry William Cox)

Le petit ami beau gosse un poil insupportable a fait du chemin en un quart de siècle. Après le film de Jim Gillespie, Ryan Philippe a poursuivi sa carrière avec Sexe Intentions au côté de Reese Witherspoon (qui deviendra sa femme). Il bifurque ensuite vers des rôles plus adultes, notamment à la télévision (Shooter, Big Sky).

Freddie Prinze Jr. (Ray Bronson)

L’amoureux de Julie dans Souviens-toi… l’été dernier a longtemps incarné le gendre idéal dans des comédies romantiques comme Elle est trop bien (1999) ou Scooby-Doo, où il partageait l’affiche avec Sarah Michelle Gellar. S’il s’est fait plus discret ces dernières années, il a trouvé un nouveau souffle dans le doublage (notamment Star Wars Rebels) et les coulisses de la WWE.

Johnny Galecki (Max Neurick)

Il n’avait qu’un petit rôle dans le film mais Johnny Galecki s’est ensuite taillé une jolie carrière à la télévision puisque The Big Bang Theory (2007-2019) l’a rendu mondialement célèbre avec le rôle de Leonard, geek romantique et maladroit.

Anne Heche (Melissa “Missy” Egan)

Dans l’apparition brève mais troublante, Anne Heche campait Melissa Egan, la sœur du “suicidé”. Déjà remarquée à l’époque pour ses talents d’actrice, Anne Heche mèbe ensuite une carrière riche, entre comédies romantiques et projets plus indépendants. On l’a vue dans Donnie Brasco (1997), Ally McBeal (1997-2002), Six jours, sept nuits (1998), ou encore Psycho (1998).

Où revoir en streaming le casting du premier film de la saga “Souviens-toi… l’été dernier” ?

Les films et séries dans lesquels les comédiennes et comédiens de Souviens-toi… l’été dernier (1997) ont ensuite joué sont disponibles à la location ou en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films et séries sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films ou séries tous services confondus.

Symbole de puissance et parfois de chaos, monstre apocalyptique à abattre, ou parfois compagnon fidèle et guide bienveillant, le dragon n’a jamais cessé de se faire sa place au cinéma et enflammer les imaginaires des (télé)spectateurs. Le succès dans les salles obscures de Dragons (2025) en version prises de vue réelle, remake du film d’animation culte de DreamWorks, montre à quel point cette créature mythologique a traversé les siècles pour rester ancrer dans les objets culturels.

Nous vous proposons un guide JustWatch des dix films incontournables mettant en scène des dragons et dans quelles productions les retrouver. Tout en vous rappelant où regarder ces films sur les plateformes de streaming.

Dragons (2010)

Bien plus qu’un film pour enfants, Dragons a su et sait toujours distraire les plus grands grâce à un combo mêlant prouesse technique (de l’époque) et une grande application esthétique grâce à un directeur de la photographie chevronné (Roger Deakins, 15 fois nommé aux Oscars et 2 fois récompensés pour Blade Runner 2049 et 1917). Au scénario, l’aventure et l’humour rendent l’épopée très agréable et les batailles sont à la hauteur.

Le Hobbit : La Désolation de Smaug (2013)

Adapté de Tolkien, Le Hobbit : La Désolation de Smaug, deuxième volet de la trilogie, met en scène un dragon aussi redoutable qu’intelligent qui détient un trésor : Smaug, incarné en langue originale par la voix glaçante de Benedict Cumberbatch. Un duo avec Martin Freeman déjà expérimenté car les deux acteurs étaient les héros de la série Sherlock (2010-2017). Visuellement impressionnant,il est sans doute l’un des dragons les plus réussis du cinéma. Signé Peter Jackson, ce volet excelle dans les scènes de combat avec l’animal légendaire. 

L’Histoire sans fin (1984)

L’Histoire sans fin, met en scène l’imaginaire d’un enfant prenant vie. Un dragon au pelage de labrador très attachant fait partie du tableau : un dénommé Falkor, qui accompagne le garçon, nommé Atreyu, dans sa quête pour sauver le royaume de Fantasia. Bien avant l’ère du numérique, la bestiole de 13 m de long est un animatronique très impressionnant pour l’époque, entièrement motorisé donc, et fabriqué avec une structure en métal recouverte de mousse, de latex et de fausse fourrure. La tête était contrôlée par une équipe de marionnettistes cachés sous le plateau.

Harry Potter et la Coupe de feu (2005)

Quand le héros à lunettes découvre qu’il va devoir affronter un Magyar à pointes dans Harry Potter et la Coupe de feu, l’instant est grave : ce dragon a la réputation d’être le plus énervé de toutes les espèces imaginées par l’autrice ! Avec beaucoup de talent, le film réussit à donner forme à la créature imaginée sur papier, et son souffle de feu ne passe jamais très loin du petit sorcier ! Les effets spéciaux servent bien le spectacle de ce tournoi entre écoles.

Le Règne du feu (2002)

Et si les dragons avaient causé la fin du monde ? Entre Mad Max (1979) et Game of Thrones (2011-2019), Le Règne du feu est un film d’anticipation qui met en scène des dragons géants, réveillés sous les fondations de Londres et qui réduisent l’humanité à l’état de néant. Alors que tout semble perdu, Quinn (Christian Bale), chef d’une petite communauté repliée dans un château en ruine, et Van Zan (Matthew McConughey), soldat américain charismatique, relance l’espoir d’un affrontement fatal contre le dragon mâle alpha. Un film culte pour les amateurs de dragons destructeurs.

Maléfique (2014)

Dans Maléfique, cette relecture du conte de La Belle au bois dormant du point de vue de la sorcière, Angelina Jolie incarne une sorcière gothique avec plus de nuances que l’originale, bien loin de la méchante unidimensionnelle des versions classiques. Dans cette version, il y a un moment iconique où Diaval, le corbeau de compagnie, se transforme en dragon. Esthétique et effets spéciaux soignés sont de mise.

Eragon (2006)

Adapté du best-seller de Christopher Paolini, Eragon suit le destin d’un jeune fermier qui découvre un oeuf de dragon dans les montagnes de l’Alagaësia. De cette découverte naît Saphira, une majestueuse dragonne bleue aux ailes translucides qui va bouleverser le destin du royaume. Dernière de son espèce, elle devient le lien magique d’Eragon, faisant de lui un dragonnier. Dans ce film, l’aspect du dragon évolue : la couleur de ses ailes, la taille de sa tête et la longueur de son cou : de 20 cm quand il sort de l’oeuf, à 10 m de long pour sa taille adulte. Les équipes artistiques se sont inpirées de plusieurs animaux pour le créer, notamment le lion et l’aigle.

Peter et Elliott le Dragon (2016)

Le classique de chez Disney (1977) mélangeait déjà prises de vue réelles et animation. La relecture douce de 2016 de Peter et Elliott le dragon troque le cartoon pour une créature en images de synthèse. Réalisé par David Lowery (The Green Knight), le film suit Peter, un jeune orphelin ayant survécu seul pendant six ans dans une vaste forêt américaine, grâce à l’aide d’un dragon invisible nommé Elliott. Loin d’être un monstre effrayant, c’est un compagnon géant, velu, curieux et joueur comme un chien protecteur. Un pur conte !

La légende de Beowulf (2007)

Réalisé par Robert Zemeckis en performance capture, La légende de Beowulf revisite l’épopée anglo-saxonne millénaire avec un style visuel audacieux et une ambition mythologique marquée. Ray Winstone prête sa voix - et ses traits numérisés - au guerrier Beowulf, héros complexe, vaniteux et tourmenté, qui affronte tour à tour le monstrueux Grendel, sa mère séductrice pui un gigantesque dragon, fruit de ses propres erreurs passées. Une mise en scène spectaculaire pour une fable pleine d’action.

Donjons & Dragons : L’honneur des voleurs (2023)

Avec L’honneur des voleurs, cette adaptation du jeu de rôle culte Donjons & Dragons, la franchise trouve une adaptation ciné à sa hauteur. Le film embrasse totalement l’esprit du jeu en mêlant aventure épique, humour assumé et créatures fantastiques donc plusieurs dragons mémorables, notamment Thumberchaud, un dragon obèse et paresseux mais dangereux.

Où voir tous les dix meilleurs films avec des dragons en streaming ?

Les films avec des dragons ont toujours ponctué l’histoire du cinéma : notre sélection permet de varier les plaisirs, entre action, émotion et aventures épiques. Ils sont disponibles à la location ou en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Avec son charisme naturel et son énergie unique, Lindsay Lohan a traversé les années 2000 en incarnant des rôles devenus cultes, entre comédies ado, drames engagés et parodies explosives. Si son parcours a connu des hauts et des bas, son talent éclate à chaque apparition. Et cette année marque un événement très attendu : la sortie de Freaky Friday 2 : Encore dans la peau de ma mère, le 6 août 2025, qui réunit à nouveau Lohan et Jamie Lee Curtis pour un nouveau switch générationnel.

L’occasion parfaite de se replonger dans les rôles les plus marquants de sa carrière. Voici une sélection de ses films incontournables à voir ou revoir, et où les retrouver en streaming.

Lolita malgré moi (2004)

Le film qui a définitivement inscrit Lindsay Lohan dans la culture pop. Dans Lolita malgré moi, elle incarne Cady Heron, une ado jusqu'alors élevée en Afrique, qui découvre la jungle impitoyable d'un lycée américain. Comédie mordante à souhait, scénarisée par Tina Fey, ce teen movie acide a fait date. Et Lohan y brille par son équilibre entre maladresse touchante et détermination discrète. Elle y incarne avec une sincérité désarmante cette héroïne tiraillée entre popularité et authenticité. Un classique générationnel qui continue de faire école.

Machete (2010)

Dans Machete, Lindsay Lohan joue les bad girls dans un délire grindhouse signé Robert Rodriguez. Elle y campe April, une fille de pasteur mélancolique et dévergondée, entichée d'une vengeance sanglante. Un second rôle étrange mais marquant, dans un film aussi violent que volontairement absurde. Entre fusillades, nonnes armées et provocations délirantes, Lohan y dévoile un pan plus noir de sa carrière. Une apparition aussi fulgurante qu'inattendue, qui rappelle que l’actrice n’a jamais eu peur de se salir les mains pour des rôles atypiques.

À nous quatre (The Parent Trap, 1998)

Difficile d'oublier À nous quatre, où Lindsay Lohan incarne à la fois Annie et Hallie, deux jumelles séparées à la naissance qui se retrouvent dans un camp de vacances. Ce double rôle lui a valu une reconnaissance immédiate et a posé les bases d'une carrière prometteuse. Fraîche, drôle et pleine d'énergie, Lohan était déjà la star. À seulement 11 ans, elle y démontre un naturel bluffant et un sens du timing comique étonnant. Un grand classique familial qui ne vieillit pas, avec un charme intact.

Bobby (2006)

Film choral réalisé par Emilio Estevez, Bobby revient sur les dernières heures de Robert Kennedy. Lindsay Lohan y campe une jeune femme prête à épouser un soldat pour lui éviter le Vietnam. Un rôle plus grave et nuancé pour l'actrice, qui s'inscrit ici dans une fresque humaine et politique. Elle y apporte une douceur résignée et une intensité discrète, loin de ses rôles plus tape-à-l'œil. Ce film confirme qu’elle peut briller dans un registre dramatique plus sobre.

Freaky Friday : Dans la peau de ma mère (2003)

Dans cette comédie culte, Lindsay Lohan échange de corps avec sa mère (Jamie Lee Curtis). Freaky Friday repose entièrement sur leur duo détonant et une énergie comique très feel good. Lohan y excelle dans l'art de la comédie physique et de l'expression adolescente. Elle incarne à merveille le désarroi d’une ado coincée dans le corps d’une adulte, et inversement. C’est le genre de film qu’on revoit avec plaisir, pour ses scènes hilarantes et son charme inaltéré.

The Last Show ( 2006)

Réalisé par Robert Altman, The Last Show est une chronique tendre et crépusculaire sur une émission de radio qui touche à sa fin. Lindsay Lohan y incarne Lola, la fille d'une chanteuse country, tiraillée entre ses ambitions artistiques et son héritage familial. Un petit bijou mélancolique, à la lisière entre comédie musicale et hommage au vieux monde. Lohan y révèle une vulnérabilité nouvelle, parfaitement à sa place dans ce casting prestigieux.

Grandeur nature ( 2000)

Dans Grandeur nature, Lindsay Lohan tente de ramener sa mère à la vie avec un sortilège. À la place, elle donne vie à sa poupée mannequin (Tyra Banks). Un téléfilm Disney aux accents de conte de fées, qui a durablement marqué toute une génération. Lohan y dévoile déjà une aisance bluffante pour les rôles sensibles et drôles à la fois. Entre émotion sincère et humour tendre, elle s’impose comme une jeune actrice redoutablement douée.

Irish Wish (2024)

Dans Irish Wish, Lindsay Lohan retrouve les comédies romantiques à l’ancienne avec un charme assumé. Elle y incarne Maddie, une jeune femme au cœur brisé qui souhaite en secret épouser l’homme qu’elle aime... le jour de son mariage avec une autre. Grâce à un vœu magique, elle se réveille dans la peau de la future mariée. Tourné dans les paysages enchanteurs de l’Irlande, ce conte moderne joue sur les codes du genre tout en laissant à Lohan l’espace pour briller à nouveau dans un registre doux, drôle et sincère. Un film feel good qui marque le retour d’une actrice qu’on aime voir heureuse à l’écran.

Freaky Friday 2 : Encore dans la peau de ma mère (2025)

Elle est de retour ! Plus de 20 ans après le film culte, Lindsay Lohan retrouve Jamie Lee Curtis pour une suite très attendue. Freaky Friday 2 : Encore dans la peau de ma mère sort en 2025 et promet un nouvel échange de corps générationnel, entre nostalgie et nouveauté. Un retour en fanfare qui confirme que l'actrice n'a rien perdu de son aura. On y retrouve l’énergie de la première époque, avec un brin de maturité et beaucoup de tendresse. Les fans n’attendent plus que le 6 août pour replonger dans ce chaos délicieux.

Où voir les films de Lindsay Lohan en streaming ?

Des classiques Disney aux thrillers plus sombres, les films de Lindsay Lohan sont répartis sur différentes plateformes. JustWatch vous permet de trouver en quelques clics où voir chaque titre en fonction de vos abonnements. Dans la liste ci-dessous, vous pouvez cliquer sur les logos de vos plateformes préférées pour n’afficher que les films qui vous sont disponibles, ou bien cliquez sur “réinitialiser” pour afficher la liste complète. L'idéal pour redécouvrir une carrière aussi variée qu'attachante.

Depuis 1977, Freaky Friday revisite à sa manière le mythe du choc des générations, en propulsant mères et filles dans le corps l’une de l’autre. Et alors que Freaky Friday 2 : Encore dans la peau de ma mère s’apprête à sortir le 6 août 2025, avec le retour très attendu de Jamie Lee Curtis et Lindsay Lohan, c’est le moment parfait pour (re)voir toute la saga.

Entre comédie familiale et satire douce-amère sur les relations parents-enfants, chaque opus a marqué son époque à sa façon. Voici tous les films Freaky Friday dans l’ordre, avec les infos pour les regarder en streaming.

Un vendredi dingue, dingue, dingue (1977)

Tout commence en 1977 avec Un vendredi dingue, dingue, dingue, porté par Barbara Harris et Jodie Foster. L'histoire met en scène une mère débordée et une ado rebelle qui, après une dispute explosive, échangent mystérieusement de corps. Le concept est simple, mais redoutablement efficace : en endossant la vie de l'autre, mère et fille vont réaliser qu'aucune vie n'est aussi simple qu'elle en a l'air. Ce premier opus, avec son esthétique seventies et son charme un peu vintage, reste une vraie madeleine de Proust pour toute une génération. Une comédie familiale comme on n’en fait plus, pleine de maladresses tendres et de moments absurdes.

Freaky Friday : Dans la peau de ma mère (2003)

Véritable phénomène des années 2000, Freaky Friday : Dans la peau de ma mère modernise le concept en surfant sur l’énergie pop de l’époque. Jamie Lee Curtis et Lindsay Lohan forment un duo improbable et terriblement attachant. La première est une psy surmenée, la seconde une ado en pleine crise identitaire. Leur échange de corps, causé par des gâteaux chinois un peu trop magiques, donne lieu à une avalanche de scènes cultes. Jamie Lee Curtis y livre une performance jubilatoire, tandis que Lohan confirme son talent comique. C’est drôle, rythmé, sincère, et toujours aussi pertinent sur le fond : apprendre à se voir à travers les yeux de l’autre.

Freaky Friday (2018)

Produit pour Disney Channel, cette version 2018 adapte la comédie musicale inspirée du roman original de Mary Rodgers. Dans ce téléfilm haut en couleur, Heidi Blickenstaff et Cozi Zuehlsdorff interprètent une mère chef de cuisine et une ado musicienne qui, à la veille d’un grand concours, voient leurs corps échangés par magie. Si le budget est plus modeste, l’énergie ne manque pas. Le format musical apporte une touche de fraîcheur et de légèreté bienvenue, avec des chansons pop qui viennent ponctuer les moments-clés. Une relecture sympathique et pleine de peps, pensée avant tout pour les plus jeunes… mais qui fonctionne aussi chez les nostalgiques.

Freaky Friday 2 : Encore dans la peau de ma mère (2025)

Vingt ans après le succès de la version 2003, Jamie Lee Curtis et Lindsay Lohan rempilent pour une suite très attendue : Freaky Friday 2 : Encore dans la peau de ma mère. Cette fois, c’est au tour de la fille de la fille de vivre l’expérience… avec quelques complications générationnelles en prime. Le film joue à fond la carte de la nostalgie, tout en actualisant les enjeux avec finesse : parentalité, passage à l’âge adulte, transmission. L’alchimie entre Curtis et Lohan fonctionne toujours, et le récit fait le pari d’un humour plus mordant, mêlé à une sincérité émouvante. Le duo revient plus fort que jamais pour un film qui promet de raviver les souvenirs… et d’en créer de nouveaux.

Où regarder les films 'Freaky Friday' en streaming ?

Bonne nouvelle : la saga Freaky Friday est surement disponible sur plusieurs plateformes de streaming. Pour retrouver rapidement chaque film, JustWatch est l’outil parfait : il vous permet de savoir où regarder chaque opus selon vos abonnements. Que vous soyez team Jodie Foster ou Jamie Lee Curtis, vous n’aurez plus qu’à vous installer confortablement pour (re)vivre ces échanges de corps cultes, pleins de rires, d’amour… et de chaos familial bienveillant.

Né dans les années 80 sous l'égide de Troma Entertainment, The Toxic Avenger est un ovni du cinéma de genre. Satire grotesque, gore volontaire, super-héros difforme… Rien ne prédestinait Toxie à devenir culte. Et pourtant, quatre films et un reboot avec Peter Dinklage plus tard, la saga revient plus en forme que jamais. Voici les cinq films Toxic Avenger à voir dans l'ordre, avec où les retrouver en streaming.

The Toxic Avenger (1984)

Premier épisode, première claque. The Toxic Avenger pose les bases d'un univers aussi répugnant qu'attachant. Melvin, un concierge maladroit, tombe dans un baril de produits chimiques et devient un monstre difforme à la force surhumaine. Derrière les litres de faux sang et l'humour crasse, une vraie critique sociale pointe le bout de son nez. Entre justicier difforme et satire de l'Amérique reaganienne, ce film underground est devenu un classique pour les amateurs de nanars engagés. Une curiosité à (re)découvrir absolument.

The Toxic Avenger 2 (1989)

Toxie part au Japon dans The Toxic Avenger 2 ! Dans cette suite plus absurde encore, notre héros part retrouver son père biologique. L'occasion d'un déluge de bastons grotesques, de maquillages à petit budget et de scènes délirantes. Moins subversif que le premier, ce deuxième opus mise tout sur la surenchère cartoonesque. C'est le début d'une longue dérive volontairement incohérente qui fait le charme de la saga. Les fans de séries Z jubilent, les autres… sont prévenus.

The Toxic Avenger 3 (1989)

Sorti la même année que le 2, ce troisième volet est un patchwork de scènes supprimées, de nouvelles intrigues et d'idées barrées. Toxie vend son âme pour retrouver une vie normale… avant de se rendre compte que le capitalisme a un goût amer. Plus cheap encore que les précédents, cet épisode est souvent considéré comme le plus faiblard, mais il a ses défenseurs. Notamment pour sa critique décalée de la marchandisation du héros.

The Toxic Avenger 4 (2001)

Retour aux sources (et au trash) en 2001 avec The Toxic Avenger 4. Derrière ce titre parodique se cache sans doute le volet le plus gore et le plus assumé de la saga. Multiples dimensions, clins d'œil outranciers et vulgarité revendiquée : Troma fait du Troma, et les fans adorent. Plus abouti techniquement, ce film marque le retour d'une équipe pleinement consciente de son héritage à contre-courant. Une référence du cinéma bis.

The Toxic Avenger (2025)

Le reboot de 2025 promet un choc des cultures : Peter Dinklage, Kevin Bacon et Elijah Wood dans une réinvention ultra-stylisée du mythe Toxie. Produit par Legendary Pictures, ce nouveau Toxic Avenger modernise le concept tout en gardant l'ADN déjanté des originaux. Plus ambitieux, plus visuel, mais toujours corrosif, le film s'adresse autant aux fans de la première heure qu'à une nouvelle génération avide de super-héros mutants pas comme les autres. Un come-back à ne pas rater.

Où regarder les films ‘Toxic Avenger’ en streaming ?

Les aventures de Toxie sont disponibles sur plusieurs plateformes, mais pas toujours au même endroit. Sur JustWatch, vous pouvez trier facilement les films en fonction de vos abonnements, et savoir en quelques clics où voir chaque épisode de la saga, du classique de 1984 au reboot de 2025. De quoi plonger dans l'univers radioactif de Troma sans se prendre la tête.

Chris Evans est à l'affiche de Materialists, le nouveau film de Celine Song, qui nous avait déjà fait chavirer en 2023 avec Past Lives. Il joue le rôle de John, un acteur de théâtre en devenir, toujours amoureux de son ex-petite amie, Lucy (Dakota Johnson). Lucy travaille dans une agence de matchmaking et alors qu’elle semble avoir développé un regard très pragmatique sur l’amour, elle rencontre Harry (Pedro Pascal) qui pourrait bientôt la faire changer d’avis sur les relations amoureuses et le mariage. Un triangle amoureux à New York avec Chris Evans, Dakota Johnson et Pedro Pascal? Il n’en faut pas plus pour nous convaincre d’aller voir Materialists, en ce moment au cinéma.Chris Evans n’en est pas à sa première romance sur grand écran. En effet, l’acteur qui a incarné Captain America pendant plusieurs années a souvent mentionné son amour pour les films romantiques. D’ailleurs, pour son premier film en tant que réalisateur, Before We Go (2014), l'acteur avait également choisi une de nous présenter une romance new-yorkaise, aux allures de Before Sunrise (1995). Si vous trouvez aussi que les comédies romantiques lui vont à merveille, nous vous avons préparé un petit guide des romances dans lequel l’acteur a tourné.

Before we go (2014)

Si Chris Evans a plusieurs fois mentionné son côté romantique ainsi que son amour pour les films de ce genre, il n’est pas étonnant de voir que son premier film en tant que réalisateur est également une romance. Dans Before We Go (2014), Chris Evans joue le rôle d’un musicien qui rencontre une femme s’étant fait voler son sac à main et ayant râté son train pour Boston. Les deux inconnus passent la nuit à arpenter les rues de New York, tout en apprenant à se connaître. Même si Before We Go a parfois du mal à s'écarter des clichés du genre, c’est un film touchant, sincère et par-dessus tout, très romantique. Si vous êtes déjà fan de la trilogie Before et des histoires d’amour qui se développent en temps réel, au cours d’une nuit ou d’une seule journée, Before We Go est parfait pour vous. 

Comment Séduire une Amie (2024)

Dans Comment Séduire une Amie (2024), Chris Evans est un scénariste cynique, très critique envers les comédies romantiques et encore plus envers l’amour et le mariage en général. Lors d’une soirée, il rencontre une jeune femme, jouée par Michelle Monaghan, avec qui le courant et son humour sarcastique passent tout de suite… jusqu’au moment où il découvre qu’elle est déjà fiancée à un autre homme. Si le côté plus humoristique de ce film ne sera pas au goût de tout le monde et n’en fera pas un classique du genre, il plaira tout de même aux avides de romance, et particulièrement aux fans du trope ‘’d'amis à amants’’. Si vous avez aiméLe Témoin Amoureux (2008), où deux amis tombent amoureux mais n’osent se l’avouer que la veille du mariage de l’un d’entre eux, Comment Séduire une Amie mérite le coup d'œil.

The Loss of a Teardrop Diamond (2008)

Adapté d’un scénario longtemps perdu et écrit par Tennessee Williams lui-même, The Loss of a Teardrop Diamond (2008) se passe dans les années 1930 dans le sud des Etats-Unis. Fisher Willow (Bryce Dallas Howard), est une jeune femme issue d’une famille aisée avec un penchant pour le scandale et la rébellion. Elle tombe sous le charme de Jimmy (Chris Evans), un jeune homme issu d’une famille de rang social bien inférieur à la sienne. Mais le jour où Fisher perd une de ses boucles d’oreilles en diamant, la relation entre les deux jeunes gens se voit être compromise. Avec ce titre, nous passons à un autre trop très apprécié des fans de romance, celui d’ennemis à amants. En effet, le charme principal de ce film réside dans la relation difficile qu'entretiennent les deux personnages principaux qui sont constamment en conflit, puisqu’ils viennent de deux mondes différents, à une époque où les classes sociales n'étaient pas supposées se mélanger. Cet amour interdit et inavoué fait réellement la force de ce drame romantique d'époque. 

Ghosted (2023)

Dans Ghosted (2023), Chris Evans tombe éperdument amoureux de Ana de Armas. Les deux tourtereaux, Cole et Sadie, commencent une romance passionnée, et Cole pense même que sa nouvelle petite-amie pourrait bien être le grand amour de sa vie. Mais du jour au lendemain, Sadie ne donne plus de nouvelles à Cole, qui se rend compte qu’il a été ghosté. En réalité, Sadie est une espionne et Cole se retrouve embarqué dans une mission très dangereuse, alors qu’il décide de retrouver Sadie pour la reconquérir. Bien que l’histoire soit d’abord plus axée sur la relation naissante entre Cole et Sadie, le film devient rapidement un pur film d’action, ce qui pourrait en perdre plus d’un, mais le côté romantique sera bel et bien tenu par Chris Evans, dont le personnage fera tout pour essayer de reconquérir Sadie. Ghosted se trouve à mi-chemin entre The Gray Man (2022), pour les scènes d’action, et L’Espion qui m’a larguée (2018) pour le côté un peu plus comique et romantique du film.

(S)ex List (2011)

(S)ex List (2011) met en scène Chris Evans et Anna Faris qui jouent Colin et Ally, des voisins de palier dans un immeuble New Yorkais. Après avoir lu un article selon lequel une femme aurait moins de chance de trouver un mari si elle a eu 20 amants ou plus, Ally se replonge dans son passé et fait le point sur ses 19 ex petits-amis. Paniquée à l'idée de ne jamais se marier, elle fait appel à son voisin, un bourreau des cœurs sans scrupule, pour l’aider à retrouver tous ses exs et découvrir si l’un d’entre eux pourrait être le bon... (S)ex List possède peut être plus le côté comédie que le côté romantique, ce qui en fait un film léger, sans prétention aucune de révolutionner le genre. Il reste tout de même un film très agréable et drôle à regarder, surtout pour le nombre de guest-star improbables à la minute qu’il possède. (S)ex List se trouve directement dans la lignée de L’Abominable Vérité (2009), où deux ennemis deviennent associés puis sont finalement pris à leur propre jeu et tombent amoureux. 

Le Journal d’une Baby-Sitter (2007)

Avant de faire partie des Avengers, Chris Evans et Scarlett Johansson étaient tous les deux à l'affiche du Journal d’une Baby-Sitter (2007), une comédie dans laquelle Annie, une jeune femme qui vient d'être diplômée, cherche encore quelle sera sa vocation et à quoi ressemblera sa vie. Le jour où elle sauve un petit garçon à deux doigts de se faire renverser, Annie rencontre la très riche mère du petit, qui lui offre un emploi de nounou.  Annie accepte et se retrouve propulsée dans l’univers mondain de l’Upper East Side, et fait par la même occasion la rencontre d’un étudiant d’Harvard qui habite dans l’immeuble dans lequel elle travaille désormais. La romance entre les personnages est parfois un peu secondaire dans ce film et pourtant, elle est l’un des charmes et des atouts principaux de l’histoire, car encore une fois, Chris Evans prouve que la romance est un genre qui lui va à merveille. Un film idéal si vous êtes en mal de cette atmosphère bien particulière des romances New-Yorkaises des années 2000. Digne successeur de Filles de Bonne Famille (2003), Le Journal d’une Baby-Sitter sera le choix parfait pour une soirée nostalgique, thème romance années 2000 à New York.

Fidèle à son habitude de soutenir des visions singulières et indépendantes, A24 s’est imposé comme l’un des studios les plus audacieux du cinéma indépendant américain. La société de production et de distribution a notamment façonné une nouvelle manière d’aborder la fantasy, loin des grandes fresques épiques ou des mondes standardisés à la Tolkien.

Dernier opus de fantasy en date, sorti en avril dernier : La légende d’Ochi (2025), qui met en scène de mystérieuses créatures au fin fond des Carpates.

Nous vous proposons un guide JustWatch des films fantasy soutenus par la société A24 depuis sa création en 2012. Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming.

Everything Everywhere All at Once (2022)

OVNI cinématographique tourné avec un budget limité (25 millions de dollars), Everything Everywhere All at Once met en scène une Michelle Yeoh survitaminée en gérante de laverie qui se retrouve embarquée dans un multivers. Les scènes d’action sont délirantes, le mélange de science-fiction et fantastique parfait. Le film a séduit le public et les critique puisqu’il a récolté 7 Oscars. 

The Green Knight (2021)

Relecture libre de la légende arthurienne, The Green Knight suit Gauvain, jeune neveu du roi Arthur, qui accepte de relever le défi lancé par un mystérieux chevalier vert : frapper ce dernier, à condition de recevoir un coup équivalent un an plus tard. Gauvain décapite le chevalier… qui ramasse sa tête et repart tranquillement. Dans un contre-emploi fascinant, le comédien Dev Patel prête ses traits à ce héros parti pour un voyage aussi philosophique que psychologique. Tourné en Irlande, le film bénéficie d’un travail esthétique exceptionnel, inspiré des enluminures médiévales.

The Lobster (2015)

Avec The Lobster, Yorgos Lanthoimos offre une histoire fantastique inventive et non moins féroce, à la fois fascinante et perturbante, parfois surréaliste. Dans l’univers du film, être célibataire est interdit. Toute personne sans partenaire est envoyée dans un hôtel où elle dispose de 45 jours pour trouver l’amour, sans quoi elle sera transformée en un animal de son choix. David, interprété par Colin Farrell, choisit le homard. Dans cette réinvention du réel que propose le réalisateur, les thèmes de la solitude, la pression sociale et l’absurdité des conventions sont traitées sous forme d’une fantasy froide, clinique et conceptuelle. Prix du Jury à Cannes !

Beau is Afraid (2023)

Dans ce labyrinthe cinématographique de trois heures qu’est Beau is Afraid, à mi-chemin entre le conte fantastique et la psychanalyse, le réalisateur Ari Aster pousse à l’extrême la veine d’un cinéma halluciné. Joaquin Phoenix y joue Beau Wassermann, un homme anxieux et solitaire qui vit dans une ville gagrenée par la violence. Lorsque sa mère meurt brutalement, il doit se rendre à ses funérailles, donnant lieu à une quête à la fois physique et mentale où le réel se tord à chaque étape. Ici la fantasy est plus psychologique que livrée avec le décor.

Under the Skin (2014)

Oeuvre de science-fiction aux accents fantastiques, Under the Skin est une expérience de cinéma où la fantasy se fait introspective, mutique. Une extraterrestre (Scarlett Johansson) débarquée sur Terre sous forme humaine, parcours les routes d’Ecosse pour séduire des hommes solitaires et les absorber dans une sorte de néant liquide. Sans explication directe. Le film progresse par ellipses et impressions, et dans ce thriller spatial, l’être venu d’ailleurs découvre peu à peu l’humanité.

Lamb (2021)

Entre drame rural et mythe païen, Lamb montre l’histoire d’un couple endeuillé et d’un agneau pas comme les autres, dans une ferme isolée d’Islande. L’animal possède des traits humains et le couple décide de l’adopter comme un enfant. Cette créature faire du film une oeuvre de fantasy où une logique mythologique se glisse dans un cadre réaliste. Le film ne cherche jamais à expliquer mais se regarde plutôt comme une parabole douce et étrange, où la douleur humaine trouve une réponse animale.

A Ghost story (2017)

Dans le genre énigmatique, poétique et intemporel du catalogue d’A24, A Ghost Story est en bonne place avec cette histoire d’homme mort venant hanter - juste vêtu d’un drap blanc - la maison qu’il partageait avec sa femme. Face à Rooney Mara, Casey Affleck joue ce fantôme vivant l’éternité comme une prison, incapable de partir et témoin du passage du temps. L’oeuvre signée David Lowery est contemplative, lente et sort des sentiers battus.

The Witch (2017)

Premier long métrage de Robert Eggers, The Witch, film esthétiquement très fort a redéfini les contours de la fantasy horrifique contemporaine. Sombre, lent, hypnotique, il interroge la naissance de la peur dans une société dominée par la religion. Le pitch ? Dans la Nouvelle-Angleterre du XVIIe siècle, une famille puritaine est contrainte à l’exil par sa communauté et s’installe à l’orée d’une forêt sinistre où des visions et peut-être de la sorcellerie viennent perturber la famille. Entre réalité et croyance, la frontière est floue.

High Life (2018)

Dans High Life, la réalisatrice française Claire Denis nous emmène sur le terrain glissant de la science-fiction spatiale avec un film radical et déroutant qui s’inscrit dans la lignée des oeuvres les plus étranges du studio. Un groupe de criminels condamnés à mort accepte de commuer leur peine et devenir les cobayes d’une mission spatiale en dehors du système solaire. Le voyage est métaphysique, avec des éléments fantastiques.

La légende de Ochi (2025)

Fantasy sensorielle et poétique, La légende d’Ochi raconte la quête d’une enfant dans un monde semi-sauvage, quelque part entre légende ancienne et nature fantasmée. L’histoire suit une fille muette qui s’échappe de sa communauté pour suivre une mystérieuse créature, Ochi. Ensemble, ils traversent un monde magique, à la recherche de sens, de liberté et d’un lien perdu avec le vivant. Un parcours initiatique qui mélange réalisme et magie, paysages bruts et éléments surnaturels, sans effets numériques tapageurs.

Où voir tous les dix meilleurs films de fantasy du studio A24 en streaming ?

Les films sortis du studio A24 sont sont disponibles à la location ou en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Dans le groupe de geeks le plus célèbre de la télévision, héros d’une sitcom qui a duré 12 saisons, les théories scientifiques fusaient à la vitesse de la lumière !

Sheldon, Leonard, Raj et Howard vivaient en orbite autour de leurs passions : la physique, les comics et les jeux vidéos… une routine perturbée par l’emménagement de Penny, serveuse réveuse et actrice sans succès qui découvrait leur monde très spécial. Que sont devenus les comédiens incarnant cette bande attachante ?

Nous vous proposons un guide JustWatch pour vous faire découvrir les parcours des comédiennes et comédiens de la série The Big Bang Theory hors de cette colocation au long cours, et on vous rappelle où voir des films et des séries auxquels ils ont participé.

Jim Parsons (Sheldon Cooper)

Depuis la fin de The Big Bang Theory en 2019, Jim Parsons a su rebondir en diversifiant ses projets à la fois devant et derrière la caméra. En tant qu’acteur, il a incarné Henry Wilson dans Hollywood (2020), une mini-série de Ryan Murphy où il jouait un agent manipulateur. Dans le drame romantique Spoiler Alert (2022), deux ans plus tard, il joue Michael Ausiello. En tant que producteur, il a signé le spin-off de The Big Bang Theory avec Young Sheldon et a pris en charge sa narration en voix off. 

Kaley Cuoco (Penny)

Après son rôle de Penny, Kaley Cuoco a su explorer de nouveaux horizons de jeu : elle a été une hôtesse de l’air impliquée dans une enquête criinelle dans The Flight Attendant (2020-2022). Elle a joué dans Based on a True Story (2023-2024), une comédie dramatique qui explore l’obsession américaine pour les true crimes. Dans le thriller attendu en 2026, Vanished, elle incarnera une femme à la recherche de son petit ami disparu lors d’un voyage en train. Depuis 2019, elle prête sa voix au personnage de Harley Quinn dans la série animée du même nom.  

Johnny Galecki (Leonard Hofstadter)

Pour celui qui jouait Leonard, l’amoureux de Penny, la fin de la série a marqué pour le comédien un retrait radical des plateaux hollywoodiens, pour privilégier une vie privée et familiale. Johnny Galecki s’est recyclé en tant que producteur TV en fondant sa propre société et a fait naître le projet The Cleanse (2018), une comédie noire dans laquelle il a également joué.

Simon Helberg (Howard Wolowitz)

Sous le costume de l’ingénieur excentrique au look rétro improbable dans The Big Bang Theory, Simon Helberg a eu une vie après sa prestation la plus célèbre : on l’a vu dans Annette (2021) de Leos Carax, l’épisode 1 de Young Sheldon (2021), dans Poker Face (2023-) et bientôt dans The Audacity, en production.

Mayim Bialik (Amy Farrah Fowler)

Mondialement connue grâce à son rôle d’Amy Farrah Fowler, Mayim Bialik a une vie depuis l’arrêt de la série. Elle a incarné le rôle principal de la sitcom Call me Kat (2021-2023), produite par Jim Parsons. Elle y interprète une femme qui ouvre un café pour chats après avoir quitté son poste de professeure. Elle a aussi joué dans Young Sheldon comme ses camarades et est au casting du prochain film de Jim Jarmusch, Father Mother Sister Brother, aux côtés de Tom Waits et Adam Driver.

Kunal Nayyar (Rajesh Koothrappali)

Après l’expérience The Big Bang Theory, Kunal Nayyar incarne un tueur e série dans un épisode de Criminal :UK (2020), puis joue dans Suspicion (2022), le thriller psychogique d’Apple TV+, au côté d’Uma Thurman. Enfin il sera bientôt Scrooge dans Christmas Karma, adapté d’Un chant de Noël de Charles Dickens, avec Eva Longoria.

Où voir ou revoir les principaux acteurs au casting de la série 'The Big Bang Theory' ?

Pour (re)découvrir les talents dont la notoriété a explosé avec The Big Bang Theory, voici un aperçu des œuvres marquantes de la suite de leur carrière, disponibles en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires pour explorer leurs filmographies. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films et séries sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films et séries tous services confondus.

Hunger Games va faire son retour sur grand écran en 2026 avec Lever de soleil sur la Moisson. Si en 2023, La Ballade du Serpent et de l'Oiseau Chanteur mettait en lumière la jeunesse du Président Snow et de Lucy Gray, c’est cette fois au tour d’Haymitch, incarné par Woody Harrelson dans la saga originale, d’être au centre de ce nouvel opus.

Le roman, toujours écrit par Suzanne Collins, est sorti en mars 2025 et le casting du film a quant à lui été annoncé au fur et à mesure des semaines suivantes sur le compte Instagram officiel de Hunger Games, pour le plus grand bonheur des fans qui ont acclamé ce casting 5 étoiles. 

Joseph Zada (Haymitch Abernathy) 

Précédemment joué par Woody Harrelson - Le jeune acteur australien de 20 ans, Joseph Zada, incarnera Haymitch Abernathy qui a été désigné comme tribut du District 12 pour les 50ème Hunger Games. Il sera le premier et unique vainqueur de son district jusqu’à l’arrivée de Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) et Peeta Mellark (Josh Hutcherson). Si l’acteur est pour l’instant peu connu du grand public, il donnait déjà une prestation poignante début 2025 dans la série australienne Invisible Boys. Cet été, il était également à l’affiche de la série We Were Liars sur Prime Video. Il apparaîtra dans À l'Est d'Éden sur Netflix en 2026. 

Whitney Peak (Lenore Dove Baird) 

Whitney Peak a été choisie pour incarner le rôle de la rebelle et téméraire Lenore Dove, qui est également la petite amie d'Haymitch. Vous avez pu apercevoir la comédienne dans Hocus Pocus 2 en 2022 ainsi que dans le reboot de la série Gossip Girl, et elle sera bientôt à l’affiche de Trap House. Dans le film, Lenore Dove est musicienne et se retrouve régulièrement en danger à cause de la nature de ses chansons : nous verrons donc sûrement Whitney Peak dévoiler ses talents de chanteuse dans Lever de Soleil sur la Moisson.

Mckenna Grace (Maysilee Donner)

D’abord dépeinte comme arrogante et froide, Maysilee Donner s'avère rapidement être une amie loyale lors des Hunger Games. C’est l’actrice américaine Mckenna Grace qui l’incarnera à l'écran. Le public la connaît très bien pour avoir joué à de nombreuses reprises la version enfant de certaines stars d’Hollywood : en 2019, par exemple, elle incarnait le rôle de Carol Danvers (Brie Larson) enfant dans Captain Marvel ; elle a également joué le rôle de la très jeune Sabrina Spellman (Kiernan Shipka) dans Les Nouvelles Aventures de Sabrina. Mais Mckenna Grace a réellement percé sur grand écran grâce à sa prestation dans Mary (2017), Ghostbusters: Afterlife (2021) et The Handmaid’s Tale (2017-2025). La jeune comédienne a donc démarré sa carrière lorsqu’elle était enfant, et a toujours su montrer toute sa versatilité, ce qui en fera sans aucun doute une véritable force à l'écran pour ce nouveau chapitre de Hunger Games.  

Jesse Plemons (Plutarch Heavensbee) 

Précédemment joué par Philip Seymour Hoffman - Jesse Plemons s’est rapidement imposé à Hollywood comme un acteur aux milles facettes, ce qui en fait un choix parfait pour reprendre le rôle de Philip Seymour Hoffman, en tant que jeune Plutarch Heavensbee, le chef d’équipe de tournage du Capitol. Nommé aux Oscars en 2022 pour son rôle dans The Power of the Dog et lauréat du prix d'interprétation masculine au Festival de Cannes en 2023 pour Kinds of Kindness, Plemons a récemment joué dans Killers of the Flower Moon (2023), Civil War (2024) et Zero Day (2025). Son charisme et son talent ne sont plus à prouver, et bien qu’il reprenne le rôle du regretté Philip Seymour Hoffman, souvent considéré comme l’un des meilleurs acteurs modernes, il ne fait aucun doute qu’il est le choix de casting parfait pour incarner Plutarch Heavensbee.

Elle Fanning (Effie Trinket) 

Précédemment jouée par Elizabeth Banks - L’annonce du casting d’Elle Fanning pour incarner la jeune Effie a été, pour les fans, l’une des meilleures nouvelles concernant ce nouveau film. Effie Trinket étant l’un des personnages préférés et les plus complexes de la saga, Fanning était depuis plusieurs mois déjà le choix numéro 1 de nombreux fan-castings. Future hôtesse des tributs, conseillère et amie de Katniss Everdeen et de Peeta Mellark, Effie s’est rapidement imposée comme un personnage indispensable à cet univers. Parallèlement à cette aventure à Panem, Elle Fanning était également au Festival de Cannes cette année, où elle y a présenté Valeur Sentimentale (2025). Ces dernières années, ses fans ont également pu la suivre dans The Great (2020-2023), mais aussi dans Un Parfait Inconnu (2024), Maléfique (2014), Les Proies (2017).  Elle sera à l’affiche cette automne de Predator: Badlands (2025). 

Maya Hawke (Wiress) 

Précédemment jouée par Amanda Plummer - Maya Hawke de Strangers Things (2016-2025), Vice-Versa 2 (2024) et Asteroid City (2023) incarnera la gagnante des 49ème Hunger Games, connue pour avoir survécu dans une arène faite de miroirs et à en être ressortie physiquement indemne. Cette fois encore, le casting de la jeune actrice pour jouer Wiress a été plébiscité par beaucoup de fans. En plus de sa carrière d'actrice (elle incarnera bientôt la danseuse Lucia Joyce dans un biopic), Maya Hawke mène également une carrière de musicienne, son dernier album étant sorti en 2024.

Kelvin Harrison Jr. (Beetee Latier)

Précédemment joué par Jeffrey Wright - Beetee, incarné par Jeffrey Wright dans la saga originale, est un véritable expert en électronique et en électricité. Il est aussi le grand gagnant des 34ème Hunger Games, et sera joué par Kelvin Harrison Jr., que le public a pu découvrir ces dernières années dans Chevalier (2023), Cyrano (2022) ou encore Elvis (2022), dans lequel il incarnait B.B.King. Il a également été annoncé que l’acteur incarnera bientôt le peintre new-yorkais Jean-Michel Basquiat au cinéma dans Samo Lives.

Kieran Culkin (Ceasar Flickerman)

Précédemment joué par Stanley Tucci - Ceasar Flickerman, présentateur des jeux à la télévision du Capitol, représente à lui seul toute l’extravagance, l'opulence et la capacité d’endoctrinement du Capitole dans cette saga. Cette fois-ci c’est Kieran Culkin, la star de Succession (2018-2023) et lauréat de l’Oscar du meilleur dans second rôle en 2025 pour son rôle dans A Real Pain, qui reprendra les rênes de ce personnage phare de la saga. Stanley Tucci campait déjà ce personnage à la perfection dans la franchise originale, mais Culkin saura sans aucun doute interpréter ce personnage avec toute les nuances et la subtilité nécessaires. 

Ralph Fiennes (President Snow) 

Précédemment joué par Donald Sutherland et Tom Blyth - Pour la première fois, nous avons ici un personnage qui a déjà été incarné par deux acteurs différents : le grand Donald Sutherland a interprété magnifiquement le Président Snow dans les premiers films, et Tom Blyth a également donné sa propre (et plus jeune) version du grand antagoniste de la saga dans La Ballade du Serpent et de l'Oiseau Chanteur. C’est à présent à Ralph Fiennes de s'attaquer à ce personnage aussi terrifiant que complexe.

Est-il encore nécessaire de présenter le comédien, qui a incarné un autre méchant iconique de la littérature et du cinéma : Voldemort dans la saga Harry Potter ? Mais la filmographie iconique de Ralph Fiennes inclut également La Liste de Schindler (1993) qui lui a valu une nomination aux Oscars, mais aussi Le Patient Anglais (1996), Bons Baisers de Bruges (2008) et The Grand Budapest Hotel (2014). Après sa nomination aux Oscars pour son rôle dans Conclave (2024), Ralph Fiennes a également été à l’affiche de 28 ans plus tard (2025), dans un rôle étonnant qu’il retrouvera début 2026 dans Le Temple des morts.

Les adieux tant attendus ont eu lieu. Le 10 septembre 2025, le film Downton Abbey 3 : Le Grand final nous a offert la conclusion de 15 années d’engouement pour la famille Crawley et son personnel.

Les personnages, qui ont d’abord eu une vie sérielle avant d’être les sujets de trois long métrages, ont baigné une dernière fois dans l’Angleterre du début du siècle dernier, dans un contexte de transformation politique et sociale.

Les différents protagonistes de l’univers Downton Abbey méritent qu’on s'intéresse à eux dans l’ordre de leurs aventures romanesques : d’abord les six saisons de la série, puis le premier film sorti en 2019, suivi du second en 2022 et enfin le dernier, en 2025. JustWatch vous explique tout.

Downton Abbey (2010-2015)

Là où tout a commencé. En 2011, débarque en France la série britannique Downton Abbey et avec elle sa cohorte de personnages divisés entre la famille Crawley et leurs domestiques. Créée par Julian Fellowes, l’histoire débute en 1912, au lendemain du naufrage du Titanic, et traverse les grandes secousses de l’époque. Tensions entre l’aristocratie et la classe ouvrière, changements sociaux et événements historiques majeurs (Première Guerre mondiale et pandémie de grippe espagnole) : la série traite de nombreux sujets à travers une double lecture des gens « d’en haut » et des gens « d’en bas ».

Le succès de Downton Abbey, qui compte 6 saisons et 52 épisodes, ne tarde pas à devenir mondial. Et le château de Highclere dans le Hampshire, qui sert de décor, un haut lieu du tourisme ! La série s’adresse autant aux amateurs de drames historiques qu’aux passionnés de grandes sagas familiales car l’intime se mêle au contexte politique et social avec une grande habileté. La finesse de l’écriture, la richesse des dialogues ont fait la réputation de ce huis clos très chic, à rapprocher de The Gilded Age (2022– ) ou Gosford Park (2001) de Robert Altman.

Downton Abbey (2019)

Trois ans après la fin de la série, la manoir de Downton rouvre ses portes au cinéma. Réalisé par Michael Engler, déjà à la manœuvre pour plusieurs épisodes de la série, ce premier long-métrage réunit l’intégralité du casting original, de Michelle Dockery à Hugh Bonneville en passant par Elizabeth McGovern, et feu Maggie Smith. L’intrigue se passe en 1927, après la fin de la dernière saison, et tourne autour de la visite royale du roi George V et de la reine Mary à Downton Abbey, provoquant une effervescence tant chez les aristocrates que leurs domestiques.

On y retrouve le même esprit que dans la série avec des intrigues familiales et des secrets bien gardés. Ce passage au grand écran est une réussite : l’esprit et la légèreté de la série est bien là, sa dimension grand public respectée. 

Downton Abbey II : Une nouvelle ère (2022)

Réalisé cette fois par Simon Curtis, Downton Abbey 2 : Une nouvelle ère (2022) est en revanche de nouveau scénarisé par Julian Fellowes. Cette fois, la franchise mêle deux intrigues : l’une centrée sur un tournage de film muet au château (clin d'œil aux débuts d’Hollywood), qui oblige les Crawley à une modernité qu’ils regardaient jusque là de loin ; l’autre sur la découverte d’un passé mystérieux en Méditerranée, la comtesse douairière Violet héritant d’une villa.

À mon avis, ce deuxième opus est le plus intéressant des trois films car il parvient à élargir le champ narratif de la franchise - avec du glamour et de l’exotisme - tout en gardant l’élégance qui fait sa marque. La métaphore du passage du temps joue à plein tube et on s’achemine doucement vers la conclusion de la saga.

Downton Abbey III : Le Grand Final (2025)

Annoncé comme le dernier chapitre de la saga, Downton Abbey 3 : Le  Grand Finale (2025) conclut les arcs narratifs des personnages principaux et explore les défis auxquels la famille Crawley est confrontée en entrant dans les années 1930. Julian Fellowes est de nouveau à l’écriture (tout comme Simon Curtis à la réalisation) pour ce film qui va clore 15 ans d’engouement pour ces personnages so british. Deux ans après le décès de Lady Violet, et un an après le Krach boursier de Wall Street, les nobles de Downton finissent de profiter de la saison londonienne avant de regagner leur château de campagne avec une encombrante nouvelle : le frère de Cora est au bord de la faillite, ce qui met en danger les projets de la famille.

Si le scénario tient sur quelques lignes, l’enjeu n'est pas là. Tout tient au plaisir de retrouver une dernière fois les visages de la série et ce dernier film est déjà empreint de la nostalgie qu’on a à les quitter à la fin du film. À noter que la regrettée Dame Maggie Smith, décédée en septembre 2024, n’est pas de la partie mais est pourtant omniprésente !

Et ensuite ? Le créateur de la série, Julian Fellowes, n’a pas complètement fermé la porte à une suite de la saga, sous forme de spin-offs en évoquant notamment « un spin-off avec certains des personnages les plus jeunes » au micro du Daily Mail en janvier 2024. Si le manoir rouvre ses portes, les fans - moi la première - seront à l’heure pour le tea time !

Du baiser à l'envers de Spider-Man aux retrouvailles de N'oublie jamais, le cinéma regorge de scènes d'amour qui transcendent le cadre de l'écran. Ces baisers nous hantent, nous émeuvent, nous restent en mémoire comme des instants suspendus. Certains sont fougueux, d'autres retenus, certains célèbrent la passion, d'autres la douleur. Voici une sélection des baisers les plus iconiques du grand écran, ceux qui ont marqué la pop culture, l'imaginaire collectif… et parfois, une époque toute entière.

Spider-Man (2002) – Peter et Mary Jane

Le baiser à l’envers entre Spider-Man (Tobey Maguire) et Mary Jane (Kirsten Dunst) est devenu une icône du cinéma de super-héros. Suspendu par sa toile dans une ruelle pluvieuse, Peter Parker se laisse glisser tête en bas pour un baiser aussi improbable que bouleversant. Ce moment réunit l’extraordinaire et l’intime, l’adrénaline et la tendresse. Le contraste entre l’action et la vulnérabilité rend la scène inoubliable. C’est un geste furtif, chargé de tension romantique, qui condense l’essence même du personnage de Spider-Man : un héros masqué, tiraillé entre ses responsabilités et ses émotions. Un instant culte, souvent imité mais jamais égalé.

L'inconnu du lac (2013) – Franck et Michel

Sur les rives d’un lac isolé, Franck (Pierre Deladonchamps) et Michel (Christophe Paou) s’embrassent avec une intensité brute, presque animale. Ce baiser de L’inconnu du lac mêle désir, mystère et danger, comme une étincelle qui allume un feu sombre. Il n’est pas qu’un prélude à une passion : il est l’instant où tout vacille. Entre le souffle court et le silence de la nature, c’est une scène où l’érotisme se teinte d’inquiétude, de fascination et de peur. Un moment troublant, sensuel et inoubliable, à l’image du film lui-même, radical et hypnotique.

L'empire contre-attaque (1980) – Han et Leia

Dans L’Empire contre-attaque, le baiser entre Han Solo (Harrison Ford) et Leia (Carrie Fisher) incarne l'aboutissement d'une tension romantique installée depuis Un nouvel espoir. C’est dans la froideur métallique du Faucon Millenium, au cœur du conflit galactique, que ces deux figures charismatiques s’abandonnent enfin l’un à l’autre. Ce moment n’est pas seulement une parenthèse sentimentale, mais une preuve de confiance dans un univers en guerre. Han, habituellement sarcastique et fuyant l’émotion, laisse ici entrevoir une tendresse sincère, tandis que Leia, stratège et résistante, se dévoile. Un baiser culte, à la fois intime et emblématique, où l’amour devient un acte de bravoure.

Autant en emporte le vent (1939) – Rhett et Scarlett

Dans Autant en emporte le vent, le premier baiser entre Rhett Butler (Clark Gable) et Scarlett O'Hara (Vivien Leigh) ne se donne pas facilement. Il surgit au cœur des conflits, chargé de tension et d’orgueil. C’est une étreinte entre deux forces contraires, qui ne savent s’aimer qu’en se défiant. Ce moment cristallise l’amour passionnel et toxique, et résume à lui seul toute l’ambiguïté du film. Il ne s’agit pas d’un simple échange romantique, mais d’une scène qui concentre l’énergie brute d’un amour impossible. Une scène devenue légendaire, traversant les décennies sans perdre son souffle dramatique.

La Vie d'Adèle (2013) – Adèle et Emma

Le premier baiser entre Adèle (Adèle Exarchopoulos) et Emma (Léa Seydoux) dans La Vie d’Adèle est un moment suspendu, un point de bascule entre innocence et révélation. Leur échange, filmé avec une sincérité troublante, déborde de tendresse, d’appréhension et de désir. Il ne s’agit pas simplement d’un acte romantique, mais d’un bouleversement existentiel, d’un éveil du cœur et du corps. La caméra, au plus près des émotions, capte chaque frisson, chaque hésitation. Une scène culte, intime et viscérale, qui reste gravée comme l’un des baisers les plus puissants du cinéma contemporain.

Call Me by Your Name (2017) - Elio & Oliver

Le baiser entre Elio (Timothée Chalamet) et Oliver (Armie Hammer) dans Call Me by Your Name est une caresse estivale, une promesse fragile d’amour et de découverte. Dans la lumière chaude de l’Italie des années 80, ce moment délicat marque l’exploration d’un désir naissant. C’est un échange de regards, de souffles, de silence aussi, où l’on comprend que tout va changer. Ce baiser n’est pas seulement celui de l’amour, mais celui du passage à l’âge adulte, de la mélancolie de ce qui ne durera pas. Une scène suspendue, chargée d’émotions infinies.

Le Secret de Brokeback Mountain (2005) – Ennis et Jack

Lorsque Ennis Del Mar (Heath Ledger) retrouve Jack Twist (Jake Gyllenhaal) après une longue séparation, leur baiser devient un cri silencieux, un déferlement d’émotions contenues. Ce moment dans Le Secret de Brokeback Mountain, échangé dans l’ombre d’un mur, est brut, brutal même, tant il porte le poids de l’interdit, du manque, de l’amour refoulé. C’est un baiser qui dit tout ce qui ne peut être dit à voix haute dans l’Amérique des années 60. Une scène d’une intensité rare, qui marque à jamais le spectateur. C’est la douleur d’aimer, la joie de se retrouver, et le drame de devoir se cacher.

Diamants sur canapé (1961) – Holly et Paul

Dans Diamants sur canapé, sous une pluie battante et au milieu des klaxons new-yorkais, Holly Golightly (Audrey Hepburn) et Paul Varjak (George Peppard) s’embrassent après bien des hésitations. Ce baiser, au cœur de la ville, mêle romantisme absolu et fragilité des sentiments. Il marque la fin d’un long cheminement émotionnel, entre fuite de soi et envie d’aimer. C’est le point final parfait d’un film en équilibre entre comédie, drame et élégance. La musique, le chat, la pluie : tout contribue à faire de cette scène un classique du cinéma romantique. Une leçon de style et de sentiment.

Dirty Dancing (1987) – Baby et Johnny

Dans Dirty Dancing, entre Baby (Jennifer Grey) et Johnny (Patrick Swayze), la tension est palpable dès les premiers pas de danse. Leur baiser est le fruit d’une montée en puissance, d’une alchimie physique qui finit par s’embraser. Sur fond de musique estivale et de chorégraphies électrisantes, ce baiser incarne la fougue d’un amour de vacances qui bouscule les conventions. Ce n’est pas qu’un moment romantique : c’est une explosion de liberté, d’émancipation et de désir. Une scène qui reste gravée, comme la bande-son du film, dans toutes les mémoires.

Queer (2024) - William & Eugene 

Le baiser entre William (Daniel Craig) et Eugene (Drew Starkey) dans Queer ne laisse personne indifférent. Adapté du roman semi-autobiographique de William S. Burroughs, le film s’ancre dans un Mexique moite et crépusculaire, théâtre d’un désir obsédant et insaisissable. Cette scène, filmée avec une tension sourde et une sensualité troublante, devient le cœur émotionnel du récit. Il ne s’agit pas d’une simple étreinte, mais d’un moment suspendu entre deux âmes errantes, une collision entre attirance et détresse. Porté par deux interprètes à contre-emploi, ce baiser embrase l’écran et laisse une empreinte durable, aussi sulfureuse que mélancolique.

Grease (1978) – Sandy et Danny

Le baiser entre Sandy (Olivia Newton-John) et Danny (John Travolta) sur la plage, au début de Grease, capture l’insouciance d’un été amoureux. C’est un instant doux, presque nostalgique, avant les complications du lycée et des apparences sociales. Ce moment, simple mais fort, ouvre le bal d’une romance emblématique, rythmée par la musique et les tensions adolescentes. Un baiser qui a lancé l’une des histoires d’amour les plus chantées du grand écran.

N'oublie jamais (2004) – Allie et Noah

Après des années de séparation, Allie (Rachel McAdams) et Noah (Ryan Gosling) se retrouvent sous une pluie battante, dans l’une des scènes de  les plus reprises de la pop culture. Leurs lèvres se rejoignent dans une explosion de passion, de regret et de soulagement. C’est un baiser de retrouvailles, mais aussi de réparation. Il symbolise un amour que ni le temps ni les différences sociales n’ont pu éteindre. Un pur moment de cinéma romantique.

Jeux d'enfants (2003) – Julien et Sophie

Dans Jeux d’enfants, Le jeu de Julien (Guillaume Canet) et Sophie (Marion Cotillard) devient de plus en plus sérieux jusqu’à culminer dans un baiser final à la fois poétique, tragique et brûlant. C’est un baiser d’enfant devenu adulte, une déclaration d’amour déguisée en défi. La scène, surréaliste, entoure le couple d’un béton onirique, comme figé dans le temps. Une fin énigmatique pour une histoire d’amour hors norme.

Match Point (2005) – Nola et Chris

Dans un champ de blé anglais, sous une pluie soudaine, Nola (Scarlett Johansson) et Chris (Jonathan Rhys Meyers) s’embrassent avec une intensité presque déstabilisante. Ce baiser dans Match Point est à la fois interdit et irrésistible. Il incarne la montée en tension érotique qui traverse le film. Plus qu’un simple moment romantique, il est annonciateur de chaos, révélateur d’une passion qui brûle plus fort que la morale.

Moulin Rouge (2001) – Satine et Christian

Dans la comédie musicale Moulin Rouge, Satine (Nicole Kidman) et Christian (Ewan McGregor) s’aiment dans un tourbillon de décors baroques, de mensonges et de mélodies grandioses. Dès leur premier baiser, échangé sur scène sous le feu des projecteurs, leur histoire devient une tragédie flamboyante. Ce n’est pas qu’un simple geste romantique, c’est l’acte fondateur d’une passion dévorante, mise en musique par le cabaret et orchestrée par le destin. Chaque baiser entre eux est une montée dramatique, un crescendo d’amour impossible où tout – du regard aux larmes – semble écrit pour être chanté. Une scène à la fois éblouissante, cruelle et inoubliable.

Coup de foudre à Notting Hill (1999) – Anna et William

Quand Anna (Julia Roberts) déclare à William (Hugh Grant) qu’elle est juste « une fille, debout devant un garçon… », elle livre l’une des répliques les plus cultes du cinéma romantique. Le baiser qui suit, d’une douceur désarmante, incarne l’abandon des masques, la vulnérabilité offerte en gage d’amour. Dans Coup de foudre à Notting Hill, cette scène mêle pudeur et sincérité, entre la star mondiale et le libraire discret. C’est une bulle de tendresse dans un monde surmédiatisé, un instant suspendu où deux solitudes se rejoignent. Une scène qui a traversé les décennies comme une déclaration universelle d’amour simple et profond.

Roméo + Juliette (1996) – Roméo et Juliette

Dans Roméo + Juliette, le premier baiser entre Roméo (Leonardo DiCaprio) et Juliette (Claire Danes), échangé à travers l’eau d’un aquarium, est une vision moderne et explosive de la romance shakespearienne. Filmé avec la patte baroque de Baz Luhrmann, ce geste mêle pureté et transgression, fixant dès le départ le ton d’un amour incandescent et maudit. Ce n’est pas seulement un baiser, c’est un vertige, une collision de regards, de jeunesse et de destin. Il résume à lui seul toute la folie amoureuse que le film va déployer. Une étincelle visuelle et émotionnelle restée gravée dans les mémoires cinéphiles.

Titanic (1997) – Rose et Jack

Le premier baiser de Jack (Leonardo DiCaprio) et Rose (Kate Winslet) à la proue du Titanic est une image imprimée dans la mémoire collective. Dans le vent et face à l’horizon, les bras tendus comme des ailes, c’est un moment suspendu où la passion défie les classes sociales et l’inéluctabilité du naufrage. Cette scène incarne l’ivresse d’un amour total, à la fois naïf et profond, dans un monde en train de sombrer. James Cameron l’a filmée comme une promesse d’éternité dans un océan d’impermanence. Un instant sublime et tragique, devenu l’une des icônes les plus universelles du cinéma romantique.

Top Gun (1986) – Pete et Charlotte

Dans Top Gun, Sur fond de synthétiseurs, de sueur et de tension militaire, Pete « Maverick » Mitchell (Tom Cruise) et Charlotte Blackwood (Kelly McGillis) s’embrassent dans une séquence qui mêle sensualité, frisson et insouciance de pilote. Ce baiser, enveloppé de musique eighties et de lumières tamisées, incarne une époque et un style. Il ne s’agit pas seulement d’une parenthèse amoureuse, mais d’un moment de cinéma pop, où la passion prend le pas sur les dialogues. Une scène brûlante de désir et de tension contenue, entrée dans l’histoire autant pour son kitsch assumé que pour son intensité émotionnelle.

The Last of Us (2023) - Bill & Frank  

Dans une série post-apocalyptique où tout semble voué à disparaître, le baiser entre Bill (Nick Offerman) et Frank (Murray Bartlett) dans The Last of Us surprend par sa douceur et son humanité. Leur histoire, racontée en un seul épisode, bouleverse par sa sincérité. Ce baiser incarne la tendresse au milieu du chaos, la connexion de deux âmes dans un monde hostile. Un moment rare à la télévision, où la représentation LGBTQIA+ se déploie sans caricature, avec poésie et pudeur. Une scène d’amour sincère, qui transcende le genre pour toucher à l’universel.

Drive (2011) – Le Conducteur et Irene

Dans un ascenseur baigné d'une lumière blafarde, le Conducteur (Ryan Gosling) se tourne vers Irene (Carey Mulligan) et l’embrasse, comme pour suspendre le temps. Ce baiser silencieux, d’une lenteur presque irréelle, contient plus de mots que toute une conversation. Il dit le désir, le renoncement, la tendresse et l’orage qui gronde à venir. Juste après, la violence éclate, mais dans cette brève parenthèse, le film offre une des scènes les plus bouleversantes de sa filmographie. Minimaliste dans sa mise en scène, maximaliste dans l’émotion, ce baiser est devenu l’instant le plus humain d’un homme sans nom, une scène classique de Drive.

La Belle et le Clochard (1955) – Lady et Clochard

Dans La Belle et le Clochard, leur baiser en partageant un spaghetti est devenu l’un des plus célèbres du cinéma, toutes espèces confondues. Lady et Clochard, deux chiens issus de mondes opposés, s’unissent le temps d’un dîner aux chandelles improvisé, sous les notes d’un accordéon. Ce fil de pâte partagée, jusqu’au contact final des museaux, incarne la magie d’un amour naissant avec une simplicité désarmante. La scène, aussi innocente qu’iconique, fait fondre les cœurs depuis des décennies. Elle condense tendresse, humour et romantisme dans une séquence animée qui continue de marquer petits et grands, génération après génération.

Où revoir ces scènes mythiques et ces baisers inoubliables ?

Si ces baisers vous ont marqué autant qu’ils ont marqué l’histoire du cinéma, il est peut-être temps de les redécouvrir. Bonne nouvelle : bon nombre de ces films sont disponibles en streaming sur des plateformes comme Netflix, Prime Video, Disney+ ou Canal+. Pour les retrouver en un clin d'œil, JustWatch vous permet de savoir exactement où chaque titre est disponible selon vos abonnements. De quoi revivre ces moments inoubliables… ou les découvrir pour la toute première fois.

Le prochain choc du MCU se profile, et il porte un nom : Avengers: Doomsday. Avec cette nouvelle superproduction, Marvel semble décidé à faire sauter toutes les limites, entre collision de multivers, retours improbables et menaces d’une ampleur inédite. 

Mais avant de plonger dans ce tourbillon cosmique, mieux vaut prendre un peu de recul. Car Doomsday n’arrive pas de nulle part : il s’inscrit dans une fresque longue de plus de quinze ans, tissée de sacrifices, de trahisons, de renaissances et de ruptures temporelles. 

Voici une sélection essentielle pour remettre les pendules à l’heure et savourer pleinement ce qui s’annonce comme l’un des chapitres les plus denses (et fous) de l’univers Marvel.

X-Men (2000–2019)

Avant que le MCU ne devienne l’empire que l’on connaît, X-Men (2000) posait déjà les bases d’un cinéma de super-héros plus adulte, plus torturé. C’est en 2000 que Bryan Singer lance la machine, en mêlant allégorie politique, réflexions identitaires et action musclée. Au fil des années, la saga explore toutes les facettes de ses personnages : leurs doutes (Le Commencement, 2011), leurs échecs (Apocalypse, 2016), leurs adieux bouleversants (Logan, 2017). Aujourd’hui que les mutants ont officiellement leur place dans le multivers Marvel, leur héritage prend un tout autre relief. Leur rapport au pouvoir, à la différence et au rejet, fait écho aux dilemmes que devront affronter les Avengers dans Doomsday. Difficile d’imaginer les nouveaux équilibres sans eux.

X-Men: Days of Future Past (2014)

Sans doute l’un des volets les plus ambitieux du côté mutant. Days of Future Past (2014) mêle deux générations de X-Men dans un scénario vertigineux où passé, présent et avenir se télescopent. Le voyage dans le temps, les lignes réécrites, les choix impossibles : tout y est. C’est aussi un des premiers films à poser concrètement la question des conséquences du multivers. Si le MCU se nourrit aujourd’hui de ces concepts, Days of Future Past en a été un éclaireur. Pour comprendre à quel point le temps peut devenir un piège, ce film est indispensable. Et il ne fait aucun doute que Doomsday viendra marcher sur ces traces.

Avengers (2012)

Retour à l’essentiel. Avengers (2012), le tout premier, reste une pierre angulaire. Il a prouvé que rassembler des héros issus de films distincts pouvait fonctionner, et même créer quelque chose de plus grand. Ce n’est pas juste un film d’action efficace : c’est une leçon de dynamique de groupe, de conflits d’ego et de victoires collectives. Voir ces figures apprivoiser leurs différences pour former un vrai front uni, c’est assister à la naissance d’une famille dysfonctionnelle mais puissante. Ce socle émotionnel est ce qui rend Doomsday possible : sans cette fondation, le chaos du multivers n’aurait pas le même poids.

Avengers: Infinity War (2018)

C’est le film qui a tout changé. Infinity War (2018) ne suit pas les règles. Il commence comme une aventure classique... et finit comme une tragédie. Thanos n’est pas juste un méchant de plus : c’est un antagoniste avec une vision, dérangeante, mais cohérente. La défaite est totale, les héros impuissants. Rarement un blockbuster aura autant osé frustrer son public. Et c’est précisément pour ça qu’il reste si marquant. Pour entrer dans Doomsday avec la bonne énergie, il faut se souvenir de ce que signifie la perte. Et Infinity War en est la parfaite incarnation.

Avengers: Endgame (2019)

Point final d’une époque, et déclaration d’amour à tout un univers. Endgame (2019) est à la fois un hommage aux origines et un adieu bouleversant à certains piliers du MCU. C’est aussi un récit dense, presque méta, qui revient sur les moments clés de la saga tout en ouvrant la porte à la suite. Le voyage dans le temps devient outil de réparation, mais aussi de deuil. Tony Stark, Steve Rogers : leurs trajectoires trouvent ici leur conclusion. Comprendre Doomsday, c’est aussi accepter que le passé pèse sur chaque décision. Et que le futur se bâtit sur ces sacrifices.

Shang-Chi et la Légende des Dix Anneaux (2021)

Souvent sous-estimé, Shang-Chi (2021) introduit pourtant des éléments qui pourraient bien être décisifs pour la suite. En mêlant traditions asiatiques, art martial chorégraphié et objets mystiques puissants, le film enrichit l’univers Marvel d’un pan plus spirituel et symbolique. Les Dix Anneaux, en particulier, restent encore largement mystérieux. Sont-ils liés à Doom ? Aux dimensions parallèles ? Rien n’est sûr, mais tout est possible. Shang-Chi lui-même, entre passé douloureux et quête d’équilibre, pourrait incarner ce nouveau type de héros : plus humain, plus hésitant, mais aussi plus libre. Un profil parfait pour survivre au chaos de Doomsday.

Spider-Man: No Way Home (2021)

C’est peu dire que No Way Home (2021) a marqué un tournant. Ce n’est pas juste un film de super-héros, c’est un hommage vibrant à plus de vingt ans de cinéma Spider-Man. En réunissant Tobey Maguire, Andrew Garfield et Tom Holland, Marvel ne joue pas seulement la carte de la nostalgie : il offre un récit profondément humain sur la responsabilité, la solitude et le deuil. Peter Parker, plus vulnérable que jamais, doit faire face aux conséquences déchirantes de ses choix, avec des répercussions qui dépassent sa propre réalité. Ce film casse littéralement les murs du MCU pour ouvrir un jeu narratif plus risqué, plus libre. Une étape incontournable pour comprendre l’ampleur du chaos multiversel dans Doomsday.

Doctor Strange in the Multiverse of Madness (2022)

Avec Multiverse of Madness (2022), Sam Raimi injecte une bonne dose de bizarrerie gothique et de tension psychologique au MCU. On y suit un Doctor Strange plus tiraillé que jamais, confronté aux limites de sa propre morale et à une Wanda Maximoff consumée par le chagrin. America Chavez, capable de voyager entre les dimensions, vient ajouter une touche d’espoir et de nouveauté dans un récit aux airs de cauchemar cosmique. L’introduction des Illuminati, aussi brève qu’intrigante, laisse entrevoir un monde où la hiérarchie des pouvoirs pourrait être totalement bouleversée. Ce film est une plongée vertigineuse dans l’inconnu — et un avertissement : manipuler le multivers n’est pas sans conséquences.

Thor: Love and Thunder (2022)

Love and Thunder (2022), le quatrième volet des aventures de Thor, divise. Et c’est ce qui fait aussi sa singularité. Taika Waititi continue de bousculer les codes avec une approche plus décalée, parfois burlesque, mais il n’oublie pas d’explorer les blessures de ses personnages. Le retour de Jane Foster en Mighty Thor et la présence de Gorr, joué par un Christian Bale habité, donnent au film une vraie colonne vertébrale émotionnelle. Ce n’est pas juste une aventure cosmique : c’est une réflexion sur la foi, la perte et le sens du sacrifice. À l’heure où Doomsday s’apprête à ébranler les fondations même du cosmos, ces questionnements sur le rôle des dieux et leur fragilité prennent tout leur sens.

Black Panther: Wakanda Forever (2022)

Difficile d’imaginer un film plus chargé en émotion. Wakanda Forever (2022) est autant un récit de transmission qu’un hommage vibrant à Chadwick Boseman. La disparition de T’Challa ouvre une ère de tensions, d’incertitudes et de nouveaux enjeux. Shuri prend la relève, tiraillée entre la science et le deuil, tandis que le Wakanda se confronte à la diplomatie mondiale. L’arrivée de Namor et du royaume sous-marin de Talokan ajoute une nouvelle couche géopolitique fascinante. Ce film, plus ancré que cosmique, interroge les fondations du pouvoir et les rivalités à venir. Dans une phase où les alliances sont plus fragiles que jamais, Wakanda Forever prépare le terrain d’un Doomsday où les lignes ne seront plus aussi clairement dessinées.

Ant-Man et la Guêpe : Quantumania (2023)

Souvent perçu comme une figure secondaire, Scott Lang se retrouve ici projeté au cœur d’un conflit aux dimensions vertigineuses. Quantumania (2023) bascule le MCU dans une nouvelle phase où le royaume quantique devient une zone de chaos, de révélations et de menaces. Kang, enfin dévoilé, y incarne une forme de mal plus conceptuelle, plus terrifiante : celle du temps qui se déforme, des réalités qui s’effondrent. Ce n’est pas juste un nouveau méchant, c’est une entité narrative en soi. Si le ton léger du film désoriente parfois, l’ambition est là : poser les jalons d’un futur où tout peut basculer d’une version à l’autre. Même si son interprète Jonathan Majors est désormais écarté du MCU, Kang pourrait tout de même avoir un rôle à jouer dans Doomsday.

Loki (2021-)

C’est sans doute la série la plus importante pour comprendre les fondements actuels du MCU. Loki (2021-) n’est plus un simple trublion : il devient le témoin privilégié d’un monde qui se délite, où le libre arbitre vacille. La TVA, les variantes, la ligne temporelle sacrée... tout est mis à nu. Et surtout : He Who Remains, première version (inquiétante) de Kang. Cette série pose les questions philosophiques les plus profondes de l’univers Marvel, en montrant que la structure même du temps est une illusion fragile. À l’aube de Doomsday, Loki apparaît comme l’un des rares personnages à en avoir compris les règles — ou leur absence. L’anti-héros gagne en profondeur et en complexité, et ça lui va si bien.

The Marvels (2023)

The Marvels (2023) mise sur l’énergie collective : trois héroïnes, trois approches du pouvoir, et une seule ligne narrative de plus en plus instable. Carol Danvers, Monica Rambeau et Kamala Khan forment un trio inattendu mais attachant, propulsé dans un enchevêtrement de réalités qui échappent à toute logique. Les échanges de places, les ruptures dimensionnelles, les liens familiaux à distance : tout évoque une tension croissante entre individualité et destin partagé. Si le film reste plus léger que d'autres, il participe activement à cette sensation que l’univers Marvel est au bord de l’effondrement. Un avant-goût assumé du chaos de Doomsday.

Deadpool & Wolverine (2024)

À la fois événement pop et pari narratif, Deadpool & Wolverine est une passerelle explosive entre l’ancien monde des X-Men et le MCU version multivers. Le retour de Hugh Jackman aux côtés de Ryan Reynolds fait des étincelles, mais au-delà des blagues et des références, c’est un moment clé pour l’intégration des mutants dans l’univers principal. Le ton décalé ne doit pas faire oublier le potentiel dramatique d’une telle rencontre. Même si les deux mutants ne sont pas annoncés -pour le moment- au générique du film, le duo pourrait être le joker narratif de Doomsday, en introduisant de manière inattendue des éléments capables de rebattre toutes les cartes — y compris les plus absurdes.

Captain America: Brave New World (2025)

Après les hésitations et les doutes de Falcon and the Winter Soldier, Sam Wilson prend enfin son envol en tant que nouveau Captain America. Mais le monde qu’il doit représenter n’a plus rien à voir avec celui de Steve Rogers. Brave New World (2025) explore les tensions sociales, politiques et idéologiques qui déchirent l’Amérique post-Blip. Entre manipulations gouvernementales et menaces latentes, ce film est certes plus terrestre, mais pas moins crucial. Il redéfinit ce que signifie être un héros, à une époque où les repères s’effondrent. Avant le choc global de Doomsday, il fallait un rappel : les batailles se jouent aussi ici, sur le sol, dans les cœurs et les urnes.

Thunderbolts* (2025)

Voici venir l’équipe qu’on n’attendait pas. Thunderbolts rassemble les outsiders, les brisés, les ambivalents. Pas vraiment des méchants, pas vraiment des héros non plus, mais quelque chose entre les deux... au point de se voir rebaptisés New Avengers ! Cette alliance bancale, formée de figures comme Yelena, Bucky ou Red Guardian, fonctionne selon ses propres règles. Là où les Avengers brillent par leur vertu, les Thunderbolts avancent dans les zones grises. Et c’est précisément cette zone qui risque de s’étendre dans Doomsday. Face à une menace absolue, ces méthodes peu conventionnelles pourraient être les seules à faire la différence. D'autant que ce sont les Thunderbolts qui sont les premiers témoins de l'incursion d'un étrange vaisseau frappé d'un « 4 ».

Les 4 Fantastiques, premiers pas (2025)

Les fans espéraient peut-être un peu plus de Doom dans Les 4 Fantastiques, premiers pas (2025). Le méchant campé par Robert Downey Jr. ne s’invite qu’à la toute fin du long métrage, encapuchonné et de dos, dans une scène post-générique qui annonce l’importance que prendra Franklin, le fils de Sue Storm (Vanessa Kirby) et Reed Richards (Pedro Pascal), dans Doomsday. Ce film sert donc essentiellement de chapitre introductif pour la célèbre famille Marvel, dans un univers parallèle au rétro-futurisme sixties du plus bel effet. L’occasion de montrer qu’en conjuguant les forces de l’Homme-Elastique, la Femme Invisible, la Torche Humaine et La Chose (et avec l’aide de la Surfeuse d’Argent), nos héros peuvent stopper l’appétit d’entités cosmiques comme Galactus. Leur apparition est donc stratégique avant le tumulte de Doomsday.

La Nintendo Switch 2 est enfin sortie le 5 juin, mais la hype autour de l’univers Nintendo ne retombe pas pour autant. Pour tous ceux qui n’ont pas encore mis la main sur la console ou qui souhaitent prolonger l’expérience autrement, le cinéma offre une passerelle idéale entre nostalgie et modernité.

Qu’il s’agisse de franchises officielles, de clins d’œil affectueux ou de relectures inspirées, les adaptations vidéoludiques liées à Nintendo ne manquent pas. En attendant de replonger dans les mondes de Link, Mario ou Samus, voici 12 films à (re)voir pour explorer l’univers Nintendo autrement — avec fun, nostalgie et un brin de chaos numérique.

Super Mario Bros. Le film (2023)

Adaptation officielle et ultra-réussie, Super Mario Bros. Le film nous plonge dans l’univers coloré et frénétique du Royaume Champignon. Mario, Luigi, Peach, Bowser et toute la clique sont là, dans un grand huit d’action, de gags et de clins d’œil aux fans de toutes générations. Porté par les voix de Chris Pratt, Anya Taylor-Joy et Jack Black, le film s’offre une animation de haut vol et une vraie tendresse pour ses personnages. C’est un divertissement familial bien calibré, accessible aux enfants comme aux nostalgiques. Le blockbuster d’Illumination a cartonné en salles, devenant l’une des adaptations de jeux les plus populaires de l’histoire.

Détective Pikachu (2019)

Détective Pikachu est un virage narratif original pour la franchise Pokémon, mêlant film noir et comédie familiale. Dans un monde où les Pokémon vivent aux côtés des humains, Tim Goodman fait équipe avec un Pikachu qui parle (et qui a la voix de Ryan Reynolds) pour résoudre la disparition de son père. L’univers visuel est foisonnant, les Pokémon plus réalistes que jamais, et le ton trouve un bel équilibre entre humour et mélancolie. Le film jongle habilement entre hommage et renouveau, et réussit à séduire aussi bien les fans de la première heure que les néophytes. Une réinvention attachante qui mérite largement le visionnage.

Les Mondes de Ralph (2012)

Si ce n’est pas un film Nintendo à proprement parler, Les Mondes de Ralph rend un vibrant hommage à toute l’esthétique arcade. Ralph, méchant d’un jeu vidéo oublié, décide de devenir un héros en sautant de jeu en jeu. Caméos de Bowser, Sonic, Pac-Man ou encore Q*bert… le long-métrage regorge de clins d’œil aux licences phares de Nintendo. Loin de se contenter de la nostalgie, le film de Disney explore aussi des thématiques modernes comme la quête de soi, le besoin de reconnaissance et l’évolution du rôle des personnages de jeu vidéo. Un récit plein de cœur et d’humour.

Sonic, le film (2020)

Bien que Sonic soit historiquement l’emblème de SEGA, Sonic, le film partage l’univers des consoles Nintendo grâce aux jeux croisant les deux licences. Ce film hybride entre live-action et animation suit Sonic, hérisson bleu supersonique, tentant d’échapper à l’impitoyable Dr. Robotnik (Jim Carrey). Avec son ton léger, ses punchlines efficaces et son énergie débordante, le film a surpris par sa popularité. Il a su conquérir les fans et les curieux, et relancé l’intérêt pour une saga vidéoludique culte. Une suite a rapidement vu le jour, prouvant que la nostalgie bien menée peut encore séduire les salles obscures.

Scott Pilgrim (2010)

Adapté du comic de Bryan Lee O’Malley, Scott Pilgrim est une lettre d’amour à la culture geek. Entre bruitages 8-bit, barres de vie et références à Zelda, ce film réalise un pont jouissif entre jeu vidéo et comédie romantique. Michael Cera y campe un musicien paumé qui doit affronter les sept ex diaboliques de sa copine. La mise en scène inventive signée Edgar Wright est un feu d’artifice régressif, pop et maîtrisé, mêlant bastons survoltées et second degré savoureux. Un ovni visuel, devenu culte, qui plaira à tous ceux qui ont grandi manette en main.

Pokémon : Mewtwo contre-attaque (1998 / 2019)

Classique absolu, Pokémon : Mewtwo contre-attaque reste une pierre angulaire de l’univers Pokémon. Sorti en 1998, le film met en scène l’affrontement entre Mewtwo et Mew dans un mélange de science-fiction, de philosophie et de pokéballs. Le remake en images de synthèse sorti en 2019 modernise le style mais conserve toute l’essence émotive de l’original. Cette version permet aux jeunes générations de découvrir cette histoire fondatrice tout en offrant une piqûre de nostalgie aux anciens. Un incontournable pour comprendre l’impact mondial de la franchise Pokémon.

Pokémon : Le pouvoir est en toi (1999)

Suite directe du premier film, Le pouvoir est en toi voit Sacha et ses amis pris dans une tempête climatique liée à l’équilibre entre les Pokémon légendaires. L’intrigue explore des thèmes écologiques et mystiques, renforcés par des visuels marquants et une bande-son culte. Le film est ambitieux, davantage contemplatif, et creuse des thématiques plus adultes que la série. Un volet parfois sous-estimé qui mérite d’être redécouvert, notamment pour sa construction épique et ses enjeux mythologiques.

Free Guy (2021)

Avec Free Guy, Ryan Reynolds prête ses traits à un PNJ de jeu vidéo qui, un jour, se met à penser par lui-même. Loin d’être tiré d’une licence Nintendo, le film baigne pourtant dans l’imaginaire vidéoludique commun, avec des références claires à Zelda, Mario ou encore Mega Man. Il s’amuse des mécaniques absurdes du gaming en ligne et brocarde la surmonétisation des jeux actuels tout en livrant une vraie réflexion sur le libre arbitre numérique. Sous ses dehors colorés de comédie d’action, Free Guy pose des questions étonnamment profondes et fait preuve d’une sincère tendresse pour les mondes virtuels. Entre satire et récit initiatique, c’est un film aussi fun que pertinent.

Bayonetta: Bloody Fate (2013)

Bayonetta: Bloody Fate transpose l’action démente du jeu Bayonetta en film d’animation pur jus japonais. L’héroïne, sorcière badass aux pouvoirs surnaturels, y affronte anges et créatures infernales avec une classe absolue. Si le film est avant tout destiné aux fans du jeu, il reste une porte d’entrée efficace pour appréhender l’univers tordu, hyperstylisé et assumé d’une franchise culte. Le tout avec une animation nerveuse et une bande-son électrisante. Un condensé de style et de chaos à savourer sans retenue.

Pixels (2015)

Pixels imagine un monde où les jeux vidéo classiques deviennent une menace bien réelle. Pac-Man, Donkey Kong, Space Invaders… tous débarquent pour attaquer la Terre dans une invasion rétro complètement folle. Même s’il ne s’agit pas d’une adaptation Nintendo officielle, la présence massive de Donkey Kong justifie sa place ici. Réalisé par Chris Columbus, porté par Adam Sandler, le film joue la carte du délire total avec des effets spéciaux tape-à-l’œil et un humour assumé. C’est un joyeux chaos visuel, pétri de nostalgie, qui rend hommage aux bornes d’arcade de notre enfance. Une expérience pop-corn qui parlera autant aux gamers qu’aux amateurs de comédies absurdes.

Super Mario Bros. (1993)

Premier long-métrage adapté de la franchise, Super Mario Bros. est un OVNI. Détesté à sa sortie, adulé depuis par certains fans, le film de 1993 propose une relecture cyberpunk de Mario et Luigi. Dennis Hopper en Roi Koopa, Bob Hoskins en Mario : casting improbable pour résultat déroutant, mais culte. Entre décors glauques, scénario délirant et répliques étranges, ce film est devenu un objet de fascination pour les curieux du 7e art vidéoludique. À voir comme un vestige d’une époque où Hollywood ne savait pas encore comment adapter les jeux vidéo.

Final Fantasy VII : Advent Children (2005)

Sorti directement en vidéo, Final Fantasy VII : Advent Children est une suite visuelle spectaculaire au jeu culte de Square Enix. Même si Final Fantasy n’est pas une franchise Nintendo exclusive, le lien historique avec les consoles de Big N est fort. Ce film en images de synthèse ultra-soigné plaira surtout aux fans de Cloud, Sephiroth et Midgar, mais son esthétique impressionne encore aujourd’hui. Un film qui mise sur le style, l’action chorégraphiée et l’émotion latente, parfait pour prolonger l’univers du JRPG phare des années 2000.

Où regarder ces films adaptés ou inspirés de jeux Nintendo ?

Bonne nouvelle : la plupart de ces titres sont disponibles sur les principales plateformes de streaming comme Netflix, Prime Video ou Apple TV+. Pour savoir où regarder chaque film en fonction de vos abonnements, rendez-vous sur JustWatch. En quelques clics, vous pourrez retrouver le film qu’il vous faut pour patienter jusqu'à l'annonce (ou le lancement) de la Nintendo Switch 2. Bonus : c'est aussi un excellent moyen de redécouvrir à quel point Nintendo a marqué l’imaginaire collectif, bien au-delà des manettes.

Avec Destination Finale: Bloodlines, la saga culte est revenue en 2025 pour un sixième volet très attendu. Même si peu de détails ont filtré sur l'intrigue, les fans espèrent retrouver les mêmes recettes qui ont fait le succès de la franchise : des morts spectaculaires, un suspense implacable et la présence invisible mais implacable de la Faucheuse. Si vous aimez cette alchimie de tension, de fatalité et de mise en scène sadique du destin, voici 10 films dans le même esprit à voir ou revoir dès maintenant.

Saw (2004)

Saw introduit une nouvelle façon de faire peur, plus sadique, plus psychologique. Si Destination Finale met en scène une force abstraite, Saw la remplace par un tueur en série machiavélique : Jigsaw. Le point commun ? Des morts imaginées comme des puzzles morbides, où chaque erreur est fatale. Le premier film est intense, claustrophobe, avec un twist final glaçant. Il a déclenché une saga à succès qui a largement puisé dans le côté "piège mortel" des Destination Finale. La tension monte à chaque séquence, et l'horreur découle moins de la violence graphique que de l’idée de devoir choisir sa propre mort. Une référence incontournable pour les amateurs d’angoisse stratégique.

The Descent (2005)

The Descent délaisse les visions prémonitoires mais conserve le même goût pour les situations sans issue et la tension viscérale. Un groupe de femmes part explorer une grotte isolée et se retrouve piégé dans l'obscurité, traqué par des créatures souterraines. Le film marie habilement horreur psychologique, claustrophobie et terreur pure. Comme dans Destination Finale, on assiste à une chute inéluctable vers le chaos, où chaque erreur coûte la vie. Son ambiance oppressante, ses jeux de lumière et ses décors naturels étouffants en font une expérience intense. Et surtout, il renforce ce sentiment de fatalité, où la survie n’est qu’une illusion fragile.

It Follows (2014)

It Follows met en scène une malédiction transmissible, dans laquelle une entité prend n’importe quelle forme pour traquer lentement ses victimes. Le film repose sur un concept simple mais redoutablement efficace, avec une tension constante et une ambiance pesante. Comme dans Destination Finale, le danger est inévitable, inarrêtable, et pousse les protagonistes dans une spirale de paranoïa. La mise en scène minimaliste et l'esthétique rétro ajoutent une touche unique. Le rythme lent accentue l’angoisse, et la menace omniprésente rappelle que le destin — ou ici la malédiction — peut frapper à tout moment. Un film qui hante longtemps après la projection.

La Cabane dans les bois (2011)

Dans La Cabane dans les bois (2011), cinq amis partent passer le week-end dans une maison isolée en pleine forêt, sans se douter qu’ils sont les pions d’un sacrifice orchestré par une mystérieuse organisation. Le film déconstruit brillamment les codes de l’horreur tout en conservant une mécanique de fatalité implacable, chère à Destination Finale. Chaque décision semble scellée à l’avance, et le récit joue avec le spectateur jusqu’à une conclusion aussi surprenante que cynique. Cette mise en abyme du genre horrifique interroge sur notre rapport aux conventions narratives. Les morts sont tout aussi inévitables que spectaculaires, et le film réussit à allier humour noir, gore et réflexion.

Happy Birthdead (2017)

Avec Happy Birthdead, on change de ton mais pas de mécanique. L’héroïne revit indéfiniment le jour de sa mort, à la façon d'un Un jour sans fin version slasher. Chaque tentative de survie apporte un nouvel élément d’enquête. Le film joue avec les codes du genre, tout en restant fun et rythmé. Comme Destination Finale, il mêle horreur, humour noir et logique de boucle où la mort semble impossible à éviter. Le rythme enlevé et l’énergie de l’actrice principale contribuent à en faire un film aussi divertissant que tendu. Une belle réussite qui renouvelle avec fraîcheur le concept du destin implacable.

Invisible Man (2020)

Invisible Man renoue avec une tension constante : on ne voit jamais le danger, mais il est partout. Le film met en scène une femme traquée par son ex-compagnon, censé être mort, qui revient sous une forme invisible. Cette menace sourde et permanente n’est pas sans rappeler la Mort dans Destination Finale. Ici aussi, le moindre geste peut avoir des conséquences dramatiques, et le sentiment d’impuissance est total. La mise en scène joue sur le vide et l’invisible, rendant chaque plan potentiellement terrifiant. C’est une œuvre moderne, nerveuse, qui explore avec intelligence la peur du contrôle invisible et de l’injustice qui plane.

Mister Babadook (2014)

Mister Babadook suit une mère célibataire et son fils aux prises avec un livre pour enfants inquiétant qui semble invoquer une entité malveillante. Le film bascule peu à peu dans une atmosphère anxiogène où le deuil, la folie et le surnaturel s'entremêlent. Comme dans Destination Finale, l’horreur n’est pas toujours frontale, mais la menace est omniprésente, inévitable et psychologiquement étouffante. La performance d’Essie Davis ajoute à la crédibilité émotionnelle de l’ensemble, et le film se distingue par sa manière de traiter le trauma sous forme de conte horrifique. Une œuvre subtile et glaçante, souvent comparée aux classiques du genre.

Smile (2022)

Dans Smile, la mort frappe les personnes qui croisent le chemin d'une entité qui se transmet comme un virus. Les protagonistes tentent de briser la chaîne avant qu’il ne soit trop tard. Le film partage avec Destination Finale une même logique : une menace impossible à fuir, qui frappe de manière imprévisible, souvent de façon visuellement marquante. Avec son esthétique chirurgicale, ses moments de pur malaise et ses séquences choc, Smile impose un style efficace. Il se nourrit de la paranoïa moderne et du sentiment que le mal rôde sous la surface du quotidien. Une descente lente mais brutale vers la folie.

Countdown (2019)

Dans Countdown, une application mobile prédit avec exactitude la date et l’heure de la mort de ses utilisateurs. Lorsqu’une infirmière découvre qu’il ne lui reste que quelques jours à vivre, elle tente de déjouer le destin. Le film repose sur une mécanique de fatalité numérique, où l’issue semble inévitable. La tension monte à chaque minute qui passe, dans une course contre la montre bien pensée, rappelant l’implacabilité de la Mort dans Destination Finale. L’idée de mêler technologie et horreur fonctionne plutôt bien, même si l’exécution reste classique. Une série B assumée, divertissante et angoissante, pour les amateurs de suspense chronométré.

Action ou vérité (2018)

Action ou vérité transforme un simple jeu en malédiction : les participants doivent choisir entre vérité ou action, mais s’ils refusent ou mentent, ils meurent. Le film joue sur l’idée d’un piège surnaturel inéluctable, où les règles deviennent mortelles. Comme dans Destination Finale, la logique du jeu est rigide et le moindre écart conduit à une punition fatale. Le scénario, bien que parfois prévisible, garde un rythme soutenu. On y retrouve ce plaisir coupable d’assister à des épreuves de plus en plus cruelles. Un film calibré pour le public ado, mais qui coche toutes les cases du divertissement horrifique à tension.

Où regarder ces films en streaming ? 

Certains de ces films sont disponibles sur plusieurs plateformes majeures comme Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+ ou encore Paramount+. Cliquez sur les logos ci-dessous pour voir ceux accessibles avec vos abonnements, ou utilisez « réinitialiser » pour afficher toute la sélection. Vous pouvez aussi activer les alertes JustWatch pour être informé des prochaines sorties similaires à Destination Finale: Bloodlines.

À l’occasion des Crunchyroll Anime Awards 2025, de nombreux titres phares ont été récompensés pour leur excellence artistique, narrative ou technique. De Solo Leveling à Frieren, en passant par DANDADAN ou encore Look Back, l’année a été riche en créations marquantes. Ces distinctions mettent en lumière le dynamisme et la diversité du paysage animé contemporain.

Cette édition 2025 confirme l’attrait grandissant pour les œuvres audacieuses, aussi bien du côté des studios que du public. Voici un tour d’horizon des anime primés cette année, avec un rappel de leurs distinctions avant chaque description.

Solo Leveling

Récompenses : Anime de l’année, Meilleure action, Meilleure bande originale, Meilleur ending, Meilleure nouveauté, Meilleur personnage principal (Sung Jinwoo)

Solo Leveling est l’adaptation très attendue du webtoon phénomène, et son succès n’a pas déçu. On y suit Jinwoo, un chasseur de donjons considéré comme le plus faible de son époque, qui va voir sa destinée bouleversée après une mission fatale. Grâce à un style visuel impressionnant, une animation fluide et percutante et une ambiance sonore puissante, la série a su séduire un large public. L’univers sombre mais fascinant, associé à une montée en puissance haletante du protagoniste, en fait un incontournable de l’année. Solo Leveling a logiquement raflé de nombreuses récompenses, confirmant son statut de série phare en 2025. Son rythme effréné et ses enjeux croissants en font une expérience addictive.

Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba – En route vers l'entraînement des piliers

Récompenses : Meilleure animation, Meilleure suite

Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba – En route vers l'entraînement des piliers confirme le savoir-faire exceptionnel du studio Ufotable. Dans cet arc, Tanjiro et ses compagnons poursuivent leur préparation en vue d’un affrontement décisif contre Muzan, sous la supervision des plus puissants pourfendeurs : les Piliers. L’histoire mêle révélations sur les personnages, entraînements intenses et montée en tension dramatique, tout en conservant une qualité d’animation impressionnante. Le soin porté aux émotions et au rythme narratif fait de cette nouvelle saison une étape essentielle du parcours des héros. Un jalon technique et émotionnel qui justifie pleinement ses récompenses aux Anime Awards.

DANDADAN

Récompenses : Meilleur character design, Meilleure chanson d’anime, Meilleur opening

DANDANDAN propose un mélange explosif de science-fiction, surnaturel et comédie, s’imposant comme l’un des anime les plus originaux de l’année. Son univers loufoque, ses scènes d’action dynamiques et ses personnages hauts en couleur ont conquis les spectateurs. Le design de ses personnages, très expressifs, couplé à une direction musicale percutante et un opening inoubliable (Otonoke), en font une œuvre aussi fun qu’exigeante. DANDADAN démontre qu’on peut surprendre tout en captivant, et s’est hissé avec brio dans les titres les plus plébiscités de 2025. Il prouve que l’audace narrative et le style peuvent cohabiter à merveille. C’est bruyant, c’est coloré, ça part dans tous les sens, c’est drôle. On aime.

Frieren

Récompenses : Meilleurs décors, Meilleur drame, Meilleur personnage secondaire (Fern), Meilleur réalisateur (Keiichiro Saito)

Frieren revisite le genre de la fantasy en s’intéressant à l’après-quête. L’elfe magicienne Frieren, autrefois membre d’un groupe de héros, part à la redécouverte de l’humanité. La série brille par sa finesse émotionnelle, ses arrière-plans sublimes et la justesse de sa narration contemplative. Sous la direction inspirée de Keiichiro Saito, l’anime s’impose comme un récit d’introspection poétique et visuellement somptueux. Son succès critique est tel qu’il s’impose parmi les œuvres majeures de ces dernières années, salué autant pour sa tendresse que pour sa maturité. Frieren est une ode à la mémoire et au temps qui passe, magnifiquement illustrée. Par moment, Frieren dépasse le stade de l’anime pour devenir une véritable expérience. 

Mashle: Magic and Muscles

Récompenses : Meilleure comédie

Mashle: Magic and Muscles imagine un monde où la magie règne, mais où le héros, Mash, n’a que ses muscles pour survivre. Il défie les codes du shônen magique avec un humour absurde, des gags visuels marquants et des références malicieuses. Mash, avec sa force démesurée et son sérieux imperturbable, s’attire des situations rocambolesques dans une école de magie. Le ton burlesque et décalé a séduit le public, faisant de Mashle une comédie immanquable. C’est une parodie assumée et réussie du genre, portée par une écriture rythmée et efficace.

Ninja Kamui

Récompenses : Meilleure création originale

Ninja Kamui est une série intense et stylisée qui modernise le mythe du ninja dans un cadre contemporain. L’intrigue, violente et nerveuse, suit un ancien assassin traqué par son passé. Le tout est sublimé par une mise en scène percutante et des séquences d’action saisissantes. Grâce à son identité visuelle forte et à un récit mature, Ninja Kamui réussit le pari d’offrir une œuvre originale, aussi divertissante que viscérale. Une belle démonstration de l’audace des créations originales en 2025, et une vitrine de ce que l’animation peut produire de plus percutant hors des adaptations.

Re:ZERO – Starting Life in Another World – Saison 2

Récompenses : Meilleur isekai

Re:ZERO – Starting Life in Another World – Saison 2 plonge à nouveau Subaru dans des boucles temporelles infernales où chaque choix peut être fatal. L’écriture des personnages, la noirceur du récit et la complexité de l’univers en font une suite puissante et marquante. La tension émotionnelle est constante, portée par une réalisation à la hauteur de ses ambitions. Un isekai toujours aussi poignant, qui justifie pleinement sa récompense. Ce second arc pousse encore plus loin les dilemmes moraux et les épreuves psychologiques du héros.

Makeine: Too Many Loosing Heroines!

Récompenses : Meilleur anime Slice of life

Makeine: Too Many Loosing Heroines! suit un lycéen entouré de prétendantes qui, selon les codes classiques, sont toujours les « perdantes » dans les histoires d’amour. L’anime joue habilement avec les stéréotypes romantiques, adoptant un ton à la fois léger et réflexif. Ses dialogues acérés et ses retournements pleins d’autodérision offrent une lecture nouvelle des comédies lycéennes. Une vraie surprise dans la catégorie slice of life. Derrière son apparente légèreté, l’œuvre glisse un regard critique et malin sur les archétypes du genre.

Look Back

Récompenses : Meilleur film

Look Back, adaptation de l’œuvre de Tatsuki Fujimoto (Chainsaw Man), est un récit sensible et profond sur deux lycéennes passionnées de dessin. En un moyen métrage poignant, il explore la créativité, la solitude et la perte avec une justesse rare. Le style épuré de l’animation accentue la force émotionnelle de l’histoire. Cette œuvre à fleur de peau, aussi courte que marquante, s’impose comme une nouvelle preuve du génie narratif de Fujimoto. Une expérience qui marque durablement, même bien après le générique de fin.

Blue Box

Récompenses : Meilleure romance

Blue Box raconte la rencontre entre Taiki, lycéen discret adepte de badminton, et Chinatsu, basketteuse populaire. Cette romance douce et réaliste explore les sentiments adolescents avec pudeur, dans le contexte d’une passion commune pour le sport. L’alchimie entre les deux personnages, les petites scènes du quotidien et une atmosphère feutrée ont conquis les amateurs du genre. Une romance simple, sincère et bien écrite. Elle incarne la beauté des petits instants, sans surenchère ni clichés.

Spy x Family

Récompenses : Personnage le plus attachant (Anya Forger)

Spy x Family continue d’enchanter grâce à la petite Anya, télépathe espiègle et irrésistible. Avec ses répliques décalées, ses mimiques hilarantes et ses efforts pour comprendre le monde adulte, elle est devenue une icône. Véritable moteur comique et affectif de la série, Anya rassemble les générations autour de son charme unique. Ce prix consacre son statut de personnage emblématique de l’animation moderne. Elle incarne à elle seule la douceur et la folie de Spy x Family.

Kaiju N°8

Récompenses : Meilleur comédien de doublage (français) – Adrien Antoine

Kaiju N°8 met en scène Kafka Hibino, nettoyeur de cadavres de monstres, qui devient lui-même un kaiju. Dans sa version française, le personnage prend vie grâce à la performance d’Adrien Antoine, dont la voix retranscrit avec intensité les dilemmes du héros. L’interprétation saluée de ce vétéran du doublage démontre l’importance croissante des versions françaises dans le succès international des anime. Un vrai gage de qualité et de reconnaissance pour le travail des comédiens francophones.

Où regarder ces anime en streaming ?

La majorité des titres mentionnés sont disponibles sur les principales plateformes de streaming comme Crunchyroll, Netflix et autres services. Pour vérifier leur disponibilité en fonction de vos abonnements, rendez-vous sur JustWatch. Cliquez sur les icônes ci-dessous pour filtrer par plateforme ou réinitialisez pour explorer toute la sélection.

L’approche des vacances d’été vous file des angoisses : comment occuper vos enfants, neveux, petits-cousins… pendant cette longue période ? Phineas et Ferb, les demi-frères animés très inventifs, ont toujours une solution pour ne pas s’ennuyer à cette période, quitte à partir dans des délires qui les dépassent.

Tandis que leur sœur Candice les surveille du coin de l'œil, le duo construit des montagnes russes dans le jardin, un usine à glaces géantes, un portail dimensionnel… tandis que leur ornithorynque sauve secrètement le monde.

Nous vous proposons un guide JustWatch de tous les films et séries autour des personnages de Phinéas et Ferb, dans l’ordre de leur sortie  en vous rappelant où les regarder sur les plateformes de streaming.

Phineas et Ferb (2007-2015)

La série originale introduit pour la première fois Phineas Flynn et Ferb Fletcher, des demi-frères toujours prêts à mettre sur pied des inventions dingues pendant leurs vacances d’été, tandis que leur sœur Candice tente de les dénoncer. Les épisodes commencent toujours par une idée de Phinéas, trop grande pour leur jardin, trop folle pour leur âge ou trop inventive pour être réaliste. Peu importe car tout est possible et rire n’est pas une option.

Phineas et Ferb, le show (2010)

Spin-off de la série, cette émission met en scène Phinéas et Ferb dans des entretiens de 3 minutes avec des personnalités, façon talk-show à l’américaine. Jack Black a inauguré la série de 20 échanges qui comptent Taylor Swift, David Beckham, Ben Stiller ou encore Emma Roberts.

Phineas et Ferb, le film : Voyage dans la 2e dimension (2011)

Le succès de la série donne l’idée à Disney de sortir un premier film adapté de la série d’animation. Chronologiquement, l’intrigue de ce film d’action se passe pendant la saison 3. Phinéas et Ferb se retrouvent dans cette dimension parallèle plus sombre et plus froide où tout ce qu’ils connaissent est inversé… et ils découvrent que Perry, leur ornithorynque de compagnie, est un agent secret ! 

Phineas et Ferb : Mission Marvel (2013)

Le duo s’immisce cette fois dans l’univers des super-héros de Marvel Comics : Spider-Man, Hulk, Iron Man, Thor et les méchants Crâne rouge, MODOK, Venom et Whiplash. Un rayon désintégrateur de Doofenshmirtz frappe accidentellement New York, cette belle liste de héros perdent leurs pouvoirs et atterrissent dans le jardin de Phinéas et Ferb qui vont les aider à redevenir supers !

Phineas et Ferb : Star Wars (2014)

Le duo comique s’embarque vers une galaxie lointaine et célèbre la saga mythique : un crossover qui donne l’occasion à Disney de réunir deux marques qui fonctionnent bien. Ici les deux inventeurs se retrouvent apprentis Jedi et Perry l’ornithorynque-agent secret est embauché au service de la Rébellion, face à Dark Vador. Il faut savourer les batailles spatiales et courses-poursuites sur Tatooine !

Phineas et Ferb/Milo Murphy (2018)

Dans ce spin-off, le cousin hyper-optimiste et un peu malchanceux de la famille Murphy, Milo, voit sa vie gouvernée uniquement par la fameuse “Loi de Murphy”, à savoir tout ce qui peut mal tourner, tournera mal. Mais grâce à ses cousins, il découvrira que même dans le chaos, il y a toujours une solution, même bricolée à la dernière minute.

Phineas et Ferb, le film : Candice face à l’univers (2020)

Nouveau spin-off, cette fois le personnage qui prend le plus la lumière est Candice. Quand la sœur de Phinéas et Ferb se retrouve accidentellement propulsée dans l’espace, loin de son jardin et de ses tentatives désespérées pour coincer ses frères, c’est toute sa vision du monde qui bascule. 

Où voir tous les films et séries 'Phinéas et Ferb' ?

Les comportement délirants des deux demi-frères n’ont plus de secrets pour vous ? Découvrez les spin-off ou films que vous n’avez peut-être pas encore vu en vous rendant sur les plateformes de streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films et séries sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films et les séries tous services confondus.

Les amateurs de jeux vidéo ont de quoi se réjouir : les univers issus du gaming continuent d’inspirer Hollywood et les plateformes de streaming. Avec le succès public et critique de The Last of Us, les studios redoublent d’ambition pour transposer les plus grandes franchises sur grand et petit écran.

Les mois et années à venir s’annoncent riches en adaptations, certaines étant déjà en production, d’autres en développement. Nous vous proposons un guide JustWatch de dix adaptations de jeux vidéo à venir, avec les dates de sorties et où les regarder, notamment sur les plateformes de streaming. 

Elden Ring (date inconnue)

Parmi les plus attendues, l’adaptation d’Elden Ring, un des jeux vidéo les plus vendus de tous les temps avec 30 millions d’exemplaires écoulés, sorti en 2022 et cocréé par Hidetaka Miyazaki et George R.R. Martin. L’histoire se déroule dans un univers peuplé de dragons, de monstres et de châteaux. Produit par A24, le réalisateur Alex Garland (Civil War, Annihilation) a été choisi pour mettre en scène ce film.

Super Mario Bros. - Le film 2 (2026)

Fans du plombier moustachu ? Le plus gros succès en salles de 2024 reviendra au cinéma pour une suite prévue le 1er avril 2026. Peu d’informations ont été dévoilées concernant son contenu. Nintendo a fait savoir que l’histoire élargirait le monde de Mario et que les réalisateurs du premier film, Aaron Horvath et Michael Jelenic, seront de retour aux commandes.

Street Fighter (date inconnue)

Adaptation attendue des amateurs de jeux de combat : Street Fighter. Aucune date officielle n’a été donnée, la seule information existant à ce jour sur le projet est qu’il sera réalisé par Kitao Sakurai. Côté casting, certaines rumeurs évoquent Jason Momoa, Andrew Koji et Noah Centineo pour ce qui se voudra un reboot du film culte des années 1990 avec Jean-Claude Van Damme, Raul Julia et Wes Studi.

Assassin’s Creed (date inconnue)

Déjà cinq ans que Netflix a annoncé la production de la série en live action Assassin’s Creed, l’une des marques les plus connues de l’entreprise française Ubisoft. Le projet est toujours d’actualité mais prend du temps, après le départ en 2023 du showrunner de l’équipe Jeb Stuart.

The Witcher, saison 4 (2025)

Les amateurs de jeux vidéo ont bien le calendrier en tête : la saison 4 de The Witcher devrait débarquer sur Netflix avant la fin de l’année. Aucune date n’a encore été communiquée mais on connaît déjà un bouleversement majeur : le visage de Geralt de Riv va changer puisque le comédien Henry Cavill a quitté la série, remplacé par Liam Hemsworth.

Fallout, saison 2 (décembre 2025)

Achevée le 7 mai, la production de la saison 2 de Fallout en est désormais au peaufinage avant une sortie prévue à la fin de l’année. L’héroïne Lucy MacLean (Ella Purnell) se lance dans une quête pour retrouver son père (Kyle MacLachlan), après avoir découvert ses liens avec Vault-Tec. Nouveauté au casting : Macaulay Culkin incarnera un génie fou.

The Legend of Zelda (2027)

Le très attendu film en prises de vue réelles The Legend of Zelda sortira le 24 mars 2027. Le tournage n’a pas encore commencé, il est prévu en Nouvelle-Zélande entre novembre 2025 et avril 2026 dans des décors naturels avec un casting dont les rumeurs parlent d’Hunter Schafer pour incarner Zelda. À la caméra : le réalisateur Wes Ball (La Planète des singes : Le Nouveau Royaume) et une production - Sony Pictures- qui travaillerait en étroite collaboration avec Shigeru Miyamoto, le créateur de la saga.

Mortal Kombat 2 (octobre 2025)

Les fans de jeux de combat seront servis avec Mortal Kombat 2, la suite de la première adaptation du jeu vidéo homonyme d’Ed Boon et John Tobias, qui sortira le 22 octobre 2025 en salles. Même équipe créative : Simon McQuoid, qui avait déjà dirigé le premier film en 2021, reprend sa place derrière la caméra. Et Karl Urban reprend son rôle de Johnny Cage.

Return to Silent Hill (date inconnue)

Adaptation du jeu vidéo Silent Hill 2, le film Return to Silent Hill sortira prochainement en salles. À la mise en scène, le cinéaste français Christophe Gans, déjà à la manoeuvre pour le premier opus et qui a promis une atmosphère encore plus cauchemardesque. L’histoire suivra James Sunderland, incarné par Jeremy Irvine, dévasté par la perte de sa femme, et qui reçoit une mystérieuse lettre de sa part, ce qui le pousse à retourner à Silent Hill. 

Gears of War (date inconnue)

Double projet réjouissant pour les amateurs de jeux vidéo : Gears of War va être adapté à la fois en film et en série animée par Netflix. Le film en live-action pourrait bien être réalisé par David Leitch (John Wick, Bullet Train), actuellement en négociations avec la production, tandis que le scénario serait signé Jon Spaihts (Dune). Concernant la série animée, aucune information supplémentaire n’a filtré.

Où voir les dix adaptations de jeux vidéo les plus attendues ?

Que vous soyez fan de fantasy, d’action ou d’horreur, il y a forcément une adaptation de jeu vidéo faite pour vous. Pour savoir où voir les prochaines transpositions de franchises cultes, il suffit de suivre notre guide JustWatch qui vous donnera toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Pedro Pascal s’est imposé comme l’un des acteurs les plus populaires de sa génération. Révélé au grand public grâce à ses rôles dans Game of Thrones et Narcos, l’acteur chilien-américain a depuis enchaîné les projets marquants. En 2023, il est acclamé pour sa performance dans The Last of Us, série HBO adaptée du jeu vidéo à succès, où il campe Joel, un survivant dans un monde post-apocalyptique.

En 2025, il s’apprête à rejoindre le Marvel Cinematic Universe dans le rôle de Reed Richards alias Mr. Fantastique, dans Les 4 Fantastiques : Premiers pas, attendu en juillet. Il reprendra ce rôle dans Avengers: Doomsday, prévu en 2026. Voici les films et séries incontournables de Pedro Pascal, entre science-fiction, drame, action et animation.

The Last of Us (2023–2024)

Cette série est un projet marquant dans la carrière de Pedro Pascal. The Last of Us propulse Pedro Pascal dans le rôle de Joel, un homme endurci par la perte et la violence, chargé d’escorter une adolescente immunisée dans un monde ravagé. Sa performance tout en retenue, vulnérable et puissante, a été saluée comme l’une des meilleures de sa carrière. Diffusée sur HBO, la série a été un immense succès critique et public, consolidant encore davantage la notoriété de l’acteur. La série est adaptée du jeu vidéo culte de Naughty Dog, et Pascal parvient à capturer toute l’émotion et la douleur du personnage, tout en formant un duo poignant avec Bella Ramsey. Entre scènes d'action intenses et moments d’intimité bouleversants, The Last of Us s’impose comme un sommet dans la carrière de l’acteur.

The Mandalorian (2019–2023)

Dans The Mandalorian, série phare de Disney+, Pedro Pascal incarne Din Djarin, un chasseur de primes solitaire. Son charisme transparaît même sous le casque emblématique du personnage. Il y forme un duo touchant avec Grogu, alias « Baby Yoda », dans une aventure intergalactique qui a su relancer l’univers Star Wars sur petit écran. La série mélange western et space opera avec efficacité, et Pascal parvient à transmettre toute une palette d’émotions malgré un visage souvent masqué. Son interprétation sobre et efficace a largement contribué au succès de la série, et son personnage est devenu l’un des nouveaux visages les plus populaires de la saga Star Wars.

Le Robot Sauvage (2024)

Le Robot Sauvage permet à Pedro Pascal de s’aventurer dans l’animation avec finesse. Dans ce film d’animation produit par DreamWorks, Pedro Pascal prête sa voix à un personnage majeur aux côtés de Lupita Nyong’o. Il y démontre une fois encore sa polyvalence, dans un récit à la fois poétique et familial, centré sur l’amitié entre une jeune fille et un robot échoué sur une île. Le film, qui mêle aventure, réflexion écologique et récit initiatique, a été salué pour la qualité de son animation et sa sensibilité. Pascal y incarne un robot protecteur, sensible et mystérieux, donnant une touche d’émotion supplémentaire à l’histoire. Une œuvre tendre et universelle qui montre une nouvelle facette de l’acteur.

Game of Thrones (2014)

Pedro Pascal marque les esprits dans la saison 4 de Game of Thrones avec son interprétation flamboyante du prince Oberyn Martell. Charismatique, séducteur et animé par un désir de vengeance, il devient rapidement l’un des personnages préférés des fans… jusqu’à sa scène de mort devenue culte. Son duel final face à Gregor Clegane reste l’un des moments les plus choquants de la série. Malgré sa brève présence, Pascal insuffle à Oberyn une profondeur rare, entre noblesse, provocation et douleur intime. Ce rôle a été un véritable tremplin pour sa carrière internationale, l’ouvrant à des productions plus ambitieuses.

Narcos (2015–2017)

Dans Narcos, Pedro Pascal joue Javier Peña, un agent de la DEA engagé dans la traque de Pablo Escobar puis des cartels de Cali. Son rôle évolue au fil des saisons, montrant sa capacité à incarner des personnages complexes, tiraillés entre devoir et désillusion. Pascal livre une performance intense, portée par une narration efficace et une tension constante. Son personnage devient peu à peu un pilier moral au cœur d’un système corrompu. Grâce à son jeu sobre et précis, il donne corps à l’un des rôles les plus réalistes et nuancés de la série. Une performance marquante dans un rôle très écrit.

Un talent en or massif (2022)

Un talent en or massif permet à Pedro Pascal d’explorer un registre comique inattendu. Dans cette comédie d’action décalée, Pedro Pascal donne la réplique à Nicolas Cage, qui joue une version fictive de lui-même. Pascal y incarne un milliardaire fan de l’acteur, mêlant humour, autodérision et scènes d’action. Leur alchimie est saluée, et le film devient rapidement culte auprès du public. Derrière l’absurde assumé du scénario, Pascal trouve l’occasion de jouer avec son image, entre second degré et sincérité. Le film séduit par sa légèreté, son rythme et la complicité évidente entre ses deux stars. Une belle démonstration de son aisance dans le registre comique.

Si Beale Street pouvait parler (2018)

Si Beale Street pouvait parler est un drame poignant dans lequel Pedro Pascal joue un second rôle. Dans ce drame poignant réalisé par Barry Jenkins, Pedro Pascal tient un petit rôle mais apporte une présence notable. L’histoire, adaptée du roman de James Baldwin, suit un jeune couple afro-américain confronté à une injustice raciale. Un film intense et sensible, qui montre aussi le souci de l’acteur de s’investir dans des projets porteurs de sens. Pascal incarne un personnage secondaire touchant, dont la scène est brève mais pleine de tension. Ce choix de casting illustre sa volonté de contribuer à des films engagés, même dans des apparitions limitées. Une participation sobre, mais symboliquement forte.

Equalizer 2 (2018)

Equalizer 2 met en scène Pedro Pascal dans un rôle ambivalent et tendu. Pedro Pascal joue un ancien collègue de Robert McCall (Denzel Washington) dans cette suite du thriller d’action. Le film prend un virage plus personnel pour les deux personnages, et Pascal s’impose comme un adversaire crédible, ambigu et intense. Une performance solide dans un rôle plus classique mais efficace. Dans ce face-à-face tendu, l’acteur insuffle à son personnage une noirceur contenue qui contraste avec son registre habituel. Son implication dans cette superproduction témoigne aussi de son ancrage progressif dans le cinéma d’action hollywoodien. Un rôle marquant dans sa montée en puissance au box-office.

Triple frontière (2019)

Dans Triple frontière signé Netflix, Pedro Pascal partage l’affiche avec Ben Affleck et Oscar Isaac. Ils incarnent d’anciens soldats américains planifiant un braquage dans une zone instable d’Amérique du Sud. Le film explore loyauté, cupidité et survie, avec Pascal en ex-soldat lucide et pragmatique. Sa performance met en lumière son talent pour jouer des personnages moralement ambigus, impliqués dans des situations à la fois intimes et explosives. Grâce à une distribution solide et une mise en scène immersive, le film capte l’essence d’un thriller militaire moderne, et le rôle de Pascal y trouve parfaitement sa place.

Kingsman : Le Cercle d’or (2017)

Kingsman : Le Cercle d’or permet à Pedro Pascal de briller dans un registre plus décalé. Pedro Pascal rejoint la franchise britannique dans le rôle de Whiskey, un agent américain des Statesman. Avec son lasso électrique et son style de cow-boy, il apporte une touche décalée et stylée à cette suite explosive et survoltée. Un rôle fun qui montre une autre facette de son jeu. Grâce à son énergie communicative et sa présence scénique, il s’impose sans mal au sein d’un casting chargé. Le film, riche en cascades et en gadgets délirants, permet à Pascal de briller dans un registre plus divertissant, tout en consolidant sa popularité auprès du grand public.

Prospect : L'ambre de la lune verte (2018)

Prospect : L'ambre de la lune verte offre à Pedro Pascal un rôle de mercenaire tout en subtilité. Dans ce film de science-fiction indépendant, Pedro Pascal incarne un prospecteur intergalactique sur une planète hostile. Le film repose sur une atmosphère intimiste et une esthétique artisanale. Pascal y livre une performance nuancée et humaine, dans un récit de survie loin des standards hollywoodiens. Le long-métrage, salué pour sa sobriété et son ambiance immersive, met en valeur le talent de l’acteur dans un format minimaliste. Face à une jeune fille déterminée à survivre, son personnage oscille entre menace et figure paternelle, complexifiant les dynamiques classiques du genre. Une œuvre discrète mais remarquable.

Gladiator II (2025)

Très attendu, Gladiator II de Ridley Scott sortira en novembre 2025. Pedro Pascal y joue aux côtés de Paul Mescal et Denzel Washington. Si son rôle est encore gardé secret, sa présence au casting renforce l’ambition du film, suite directe du chef-d’œuvre oscarisé de 2000. L’histoire suivra Lucius, neveu de l’empereur Commode, désormais adulte, confronté aux intrigues et à la violence de Rome. L’implication de Pascal dans une production aussi prestigieuse souligne l’ampleur prise par sa carrière ces dernières années. Il s’agira sans doute d’un événement cinématographique majeur, tant attendu par le public que par la critique.

Où regarder ces films et séries en streaming ?

La majorité des œuvres mentionnées sont disponibles sur les principales plateformes de streaming comme Netflix, Prime Video, Disney+, Canal+ ou Apple TV+. Avec JustWatch, vous pouvez vérifier facilement leur disponibilité en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour filtrer selon vos services, ou réinitialisez pour accéder à toute la sélection. N'oubliez pas de créer votre liste personnalisée et d’activer les notifications pour suivre Pedro Pascal dans ses futurs rôles.

Chez Julia Ducournau, le sang coule à flot, les corps souffrent, mutent, s’ouvrent… L’esthétique prime chez cette réalisatrice unique qui maîtrise l’art des chocs visuels, essentiellement dans le body horror, sous-genre du cinéma de l’horreur auquel elle s’adonne le plus.

Entrée très vite dans la cour des grands, la réalisatrice a décroché la Palme d’or à Cannes en 2021 avec Titane, et a été sélectionnée en Compétition avec Alpha pour l’édition 2025 (sans décrocher de prix).

JustWatch vous propose un guide de ses films, classés dans l’ordre de sortie du plus ancien au plus récent, pour mieux avoir en tête la filmographie naissante mais déjà incroyablement marquante de cette spécialiste désormais incontournable du genre.

Junior (2011)

Court métrage de fin d’études, Junior (2011) annonce déjà les obsessions de la cinéaste. On y découvre Justine, adolescente garçon manqué qui voit son corps se transformer de manière étrange à l’approche de la puberté. Une mutation physique qui devient le miroir de sa métamorphose intérieure. Ce film, qui a très bien été accueilli en festivals, a agi comme un laboratoire d’idées pour Grave dont l’héroïne porte d’ailleurs le même prénom.

Tourné à la Fémis avec un ton à la fois cru et décalé, Junior impose déjà une esthétique viscérale et charnelle. Julia Ducournau y filme le corps adolescent comme un territoire de bouleversements et de contradictions. Son approche est moins fantastique qu’organique, transformant la métamorphose en métaphore de la construction de soi. Dans le même style, on pense au film d’horreur Teeth (2017) avec son héroïne au vagin denté ou encore Ginger Snaps (2010) avec cette fois la transformation d’une ado en loup-garou.

Grave (2016)

Le film Grave (2016) a révélé Julia Ducournau. Il suit Justine, étudiante vétérinaire et végétarienne, qui développe un goût inattendu pour la chair crue après un bizutage. Entre pulsions incontrôlées et conflits familiaux, Grave explore les thèmes du désir, de la construction de soi, de la sororité, de l’identité et du lien familial. La réalisatrice y traite déjà de sa fascination pour le thème de l’humanité cachée derrière l’horreur. 

Présenté à la Semaine de la Critique à Cannes, le film a provoqué un véritable choc. Porté par Garance Marillier, il fait du corps un langage émotionnel à part entière. Si vous aimez les récits de métamorphose féminine et les initiations radicales, Grave s’inscrit dans la lignée de Carrie (1976) l’adaptation de Stephen King par Brian de Palma avec cette même métaphore du corps féminin comme source de peur et de pouvoir, ou du très trash The Neon Demon (2016) de Nicolas Winding Refn.

Titane (2021)

Palme d’or à Cannes en 2021 - Julia Ducournau est seulement la seconde femme à obtenir la récompense, 28 ans après Jane Campion -, Titane a choqué avec son univers mutant ultraviolent. On y suit Alexia (jouée par une actrice inconnue à l’époque, Agathe Rousselle), jeune femme au passé traumatique qui vit avec une plaque de titane dans la tête depuis un accident d’enfance. Entre pulsions de mort, métamorphose corporelle et fausse identité, Ducournau tisse une histoire étrange et violente.

Passionnée de films d’horreur et de mythologie, Julia Ducournau a eu l’idée de ce film après avoir eu un flash autour d’une créature blessée au squelette incassable. Avec Titane, la réalisatrice pousse encore plus loin son exploration du corps et de l’identité. Le film brouille les frontières entre humanité et mécanique. Radical et poétique à la fois, il s’inscrit dans la lignée d’œuvres transgressives comme Crash (1996) de David Cronenberg qui mêle accidents de voiture et plaisir sexuel, Under the Skin (2013) de Jonathan Glazer qui fait de Scarlette Johansson une extraterrestre chasseuse d’hommes, ou encore Possession (1981) d’Andrzej Zulawski.

Alpha (2025)

Troisième long métrage de la réalisatrice présenté à Cannes, où il n’a pas reçu de prix, Alpha (2025) est le nom d’une ado de 13 ans qui vit au Havre dans les années 1980 avec sa mère, médecin dans un service hospitalier traitant des malades atteints d’un virus mystérieux. Évitée par ses camarades en raison de rumeurs sur une nouvelle maladie, Alpha cherche à s’intégrer. Dans ce film sur une épidémie fictive, Julia Ducournau évoque clairement celle du Sida. Si le body horror est moins présent que dans ses deux opus précédents, la réalisatrice filme quand même la mutation des corps dans le contexte de l’adolescence et de la maladie, avec un solide casting où se croisent Mélissa Boros, Tahar Rahim, Golshifteh Farahani et Emma Mackey.

Plus intime et mélancolique que les précédents films, Alpha explore la vulnérabilité des corps et la peur du contact à travers le regard d’une enfant. Visuellement plus sobre, le film marque une évolution vers un cinéma davantage porté sur l’émotion, sans renoncer à sa dimension organique et sensorielle. Sa poésie trouble n’est pas sans rappeler des drames adolescents comme Virgin Suicides (1999) de Sofia Coppola ou It Follows (2014) de David Robert Mitchell.

Si vous n’avez jamais réfléchi à la fin de vie la plus stupide qu’il peut vous arriver, les scénaristes de la franchise Destination Finale (2000) ont pris un malin plaisir à les imaginer à votre place.

En six films dont le dernier Destination finale : Bloodlines est en salles depuis le 14 mai 2025, les tragédies se sont enchaînées, souvent de manière aussi improbable que grotesque et ironique avec en toile de fond l’idée que, quoi que vous fassiez, la mort vous rattrapera toujours ! 

Nous vous proposons un guide JustWatch des morts qui resteront gravées pour toujours dans la mémoire des amateurs de la franchise Destination finale. Tout en vous rappelant où retrouver chaque film sur les plateformes de streaming.

1. L’opération des yeux

L’angoisse d’un raté quand on se fait opérer des yeux s’incarne parfaitement dans cette scène de Destination finale 5 (2011), où une cliente est victime d’un laser qui la déchiquète littéralement après une série de réactions en chaîne. Le médecin s’absente de la pièce et la victime, allongée avec l'œil maintenu ouvert par des instruments, se retrouve coincée par la machine démoniaque.

2. La vitre 

Dans le genre horrifique, cette mort fait froid dans le dos : dans Destination finale 2 (2003), Tim Carpenter (James Kirk) est pulvérisé en plein jour par une plaque géante de verre qui lui tombe sur la tête. La faute à une nuée de pigeons qui, en s’envolant, a gâché la vue d’un ouvrier œuvrant sur le chantier voisin.

3. La cabine de bronzage 

Dans Destination finale 3 (2006), le pire cauchemar des amateurs de bronzage arrive à deux clientes d’une cabine d’UV qui se retrouvent mortellement coincées dans cet espace exigu après un enchaînement de circonstances dramatiques. La température augmente à tel point qu’elles finissent brûlées dans ce qui ressemble, à l’image, à deux cercueils.

4. Le camion et les troncs d’arbres

Cette mort est peut-être la plus anxiogène de la saga car n’importe quel automobiliste se souvient avoir roulé derrière un camion transportant des troncs d’arbres. Que se passe-t-il quand le chargement se détache ? Dans Destination finale 2 (2003), un policier en fait les frais en se faisant pulvériser hors de sa voiture tandis qu’un motard plutôt bien parti pour survivre, fini écrasé par son propre engin.

5. La gymnaste aveuglée

Dans Destination finale 5 (2011), la compétition de gymnastique vire au drame dans un enchaînement de micro-événements fatal : la gymnaste Candice Hooper (Ellen Wroe), qui vient de survivre à l’effondrement du pont de North Bay, se balance aux barres asymétriques lorsque de la mélanine projetée vers les barres asymétriques l’aveugle, la déséquilibre et la fait tomber comme un pantin désarticulé sur le sol, sa colonne vertébrale brisée en deux.

6. La scène d’étranglement dans la douche 

Dans le premier opus de Destination finale (2000), le personnage de Tod se fait attrapper par la mort alors qu’il se prépare tranquillement dans sa salle de bains. Tombé dans la douche, le fil à linge n’en fait qu’à sa tête et l’étrangle sans remords.

7. Tuée par l’ascenseur

Dans Destination finale 2 (2003), Nora Carpenter, qui doit faire face à la mort de son fils, entre dans un ascenseur où un monsieur (un tueur en série) attend déjà avec les bras chargés d’une caisse contenant des prothèses. Ses cheveux se prennent dans un crochet et c’est la panique. Tentant de sortir, les portes de l’ascenseur se referment sur son cou et l’ascenseur redémarre…

8. Aspiré par la pompe de la piscine

Qui n’a pas eu peur de se faire aspirer par le trou au fond d’une piscine publique ? Dans Destination finale 4 (2009), un homme se retrouve dans la position d’être coincé assis sur la sortie de la pompe de la piscine. Dans l’incapacité de remonter, et toujours aspiré, il finit déchiqueté par la machinerie.

9. L’escalator qui bugge

Dans le genre gore, dans Destination finale 4 (2009), le personnage de Lori, en tentant de s’échapper d’un centre commercial en flammes, tombe à la base d’un escalator en marche. Sa jambe est prise dans les marches métalliques et elle est aspirée par le mécanisme. De quoi nourrir nos peurs des machines qui déraillent !

10. L’explosion dans l’avion

Cette mort n’est pas la plus innovante mais c’est la première de la saga dans Destination finale (2000) donc reste gravée dans les annales. Alex, le héros, a la vision de son avion explosant en plein vol et préfère descendre de l’appareil avec quelques autres passagers superstitieux. Depuis l’aéroport, les quelques survivants assistent impuissants à l’explosion.

Où voir ou revoir les plus morts les plus choquantes de la franchise 'Destination finale' ?

Elles jouent avec nos angoisses les plus profondes : les morts de la saga Destination Finale rivalisent de créativité dans l’horreur. Après les avoir classé, on vous dit où les films sont disponibles en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Depuis son apparition mémorable depuis le toit du Stade de France lors de la cérémonie de clôture des Jeux Olympiques de Paris à l’été 2024, le monde entier ne peut plus ignorer l’appétence de Tom Cruise pour les cascades.

Avant ce spectaculaire saut, le comédien avait déjà largement fait ses preuves devant la caméra de nombreux réalisateurs, notamment dans la franchise Mission : Impossible. Un goût pour le danger qu’il met en pratique depuis des décennies.

Nous vous proposons un guide JustWatch des cascades de Tom Cruise qui resteront gravées pour toujours dans la mémoire des cinéphiles. Tout en vous rappelant où regarder les productions dans lesquelles il apparaît et où les retrouver sur les plateformes de streaming.

1. Tenant fermement l’aile d’un avion dans Mission : Impossible - The Final Reckoning (2025)

À plus de 2 km d’altitude et avec un vent à 225 km/h, Tom Cruise a défié les lois de la gravité dans Mission : Impossible - The Final Reckoning en s’accrochant aux ailes d’un avion en plein vol, seulement retenu par un câble. Le comédien a raconté à quel point il était difficile de respirer dans ces conditions, et des moments d’évanouissement inhérents à cette cascade.

2. Accroché à un avion qui décolle dans Mission impossible : Rogue Nation (2015)

Dans une séquence d’ouverture complètement dingue de Mission : Impossible - Rogue Nation, Tom Cruise se retrouve cramponné à la porte d’un Airbus pendant son décollage, évidemment attaché par un câble mais sans que le téléspectateur ne puisse le déceler. Suspendu à l’extérieur de l’appareil lancé à plusieurs centaines de km/h, grimpant jusqu’à 1500 m d’altitude, il a tourné la scène 8 fois.

3. Le saut en moto depuis une falaise dans Mission : Impossible - Dead Reckoning (2023)

Dans Mission : Impossible - Dead Reckoning, à 60 ans, Tom Cruise effectue un saut hallucinant en moto depuis une falaise. Propulsé à plein régime dans le vide, il finit par déployer un parachute. Pour préparer cette cascade, Tom Cruise raconte avoir beaucoup pratiqué le saut en parachute (plus de 500 à son actif) et enchaîné les bosses en motocross (13.000, selon la star).

4. La descente suspendue dans la salle blanche de la CIA dans Mission : Impossible (1996) 

Elle n’est pas la plus dangereuse des séquences mais assurément la plus iconique. Dans Mission : Impossible, Tom Cruise est suspendu par des câbles au-dessus du sol dans une pièce immaculée et ultra-sécurisée au sein de la CIA, où le moindre son, mouvement ou changement de température peut déclencher une alarme. Une cascade plus psychologique que physique mais avec une tension extrême quand le comédien se retrouve à quelques centimètres du sol.

5. L’escalade sans filet dans Mission : Impossible 2 (2000)

Dès l’ouverture de Mission : Impossible 2, Tom Cruise s’élève de 90 m au sommet du Canyon Moab dans l’Utah. Même si des experts étaient sur le plateau pour le guider, le comédien a grimpé contre l’avis du réalisateur John Woo qui a eu très peur pendant les sept prises nécessaires avec cinq caméras sur la falaise, une caméra dans l’hélicoptère, une autre sur une grue et des caméramens suspendus à des câbles de sécurité.

6. L’apnée extrême dans Mission : impossible - Rogue Nation (2015)

Dans Mission : Impossible - Rogue Nation, une scène de plongée sous-marine a particulièrement retenu l’attention des téléspectateurs : le comédien y retient sa respiration pendant plus de 3 minutes, sans aucune coupure, grâce à un tournage caméra à l’épaule. Comme à son habitude, le comédien s’est beaucoup entraîné avant cete perfomance.

7. Le premier saut HALO de l’histoire du cinéma dans Mission : Impossible - Fallout (2018)

Avec près d’un an de préparation uniquement consacré à cette cascade à voir dans Mission : impossible - Fallout, Tom Cruise réussit l’exploit d’être le premier acteur à réaliser un saut HALO (High Altitude Low Opening), provenant de techniques militaires risquées. Le concept ? Sauter à 7000 m d’altitude, avec l’idée d’ouvrir son parachute à très basse altitude. Le comédien a inhalé de l’oxygène pur pendant 20 minutes d’affilée afin d’éviter le choc de la décompression.

8. La course-poursuite en hélicoptère dans Mission : impossible - Fallout (2018)

Dans le même film, Tom Cruise se paie le luxe ou l’inconscience d’apprendre à piloter un hélico. Sans aucun effet spécial, il effectue devant la caméra des manœuvres très serrées dans des vallées montagneuses de la Nouvelle-Zélande. Encore un exploit technique et artistique car l’acteur a dû faire preuve de précision.

9. L’ascension du Burj Khalifa dans Mission : impossible - Protocole fantôme (2011)

Le vertige, très peu pour Tom Cruise. Dans Mission : impossible - Protocole fantôme, le comédien grimpe la plus haute tour du monde à Dubaï, haute de 828 m et 162 étages. Pour ne pas risquer sa vie, il était accroché à un harnais de sécurité durant toute la montée. Accroché, il s’est même lancé dans le vide et a couru perpendiculairement à la façade vitrée.

10. Le basejump depuis un gratte-ciel de Shanghaï dans Mission : Impossible 3 (2005)

Après avoir récupéré un objet au 56e étage d’un building en Chinen Tom Cruise, dans Mission : Impossible 3, n’a d’autre choix que de sauter… une chute libre de plus de 15 m depuis une grue. Certains plans ont été retouchés numériquement mais le comédien a fait un entraînement intensif pour préparer la cascade.

Où voir ou revoir les plus belles cascades de Tom Cruise dans la franchise 'Mission: Impossible' ?

À plus de 60 ans, Tom Cruise continue de jouer les funambules avec sa vie et prendre de gros risques pour d'impressionnantes cascades. On vous dit où les films sont disponibles en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Sorti en avril 2025, Minecraft, le film adapte enfin sur grand écran l'univers du jeu vidéo le plus vendu de tous les temps, avec plus de 238 millions d'exemplaires écoulés à travers le monde. Réalisé par Jared Hess (Nacho Libre), il met en scène Jack Black dans le rôle de Steve et Jason Momoa en Garrett Garrison, dans une aventure où quatre marginaux sont projetés dans l'Overworld.

Accueilli favorablement par le public, ce blockbuster capture parfaitement l'essence du jeu : créativité, exploration et survie dans un monde cubique aux possibilités infinies. Voici 15 films similaires à regarder en streaming si vous avez apprécié cette adaptation cinématographique unique.

La Petite Nemo et le Monde des rêves (2022)

Ce film transporte les spectateurs dans un univers onirique où une jeune fille, aidée d'un hors-la-loi excentrique, explore des rêves mystérieux pour retrouver son père disparu. À l'image de Minecraft, La Petite Nemo et le Monde des rêves propose une aventure imaginative, riche en créativité, peuplée de mondes fantastiques et visuellement époustouflants. L'héroïne façonne ses propres règles au fil de son voyage, à la manière des joueurs construisant leur propre monde dans Minecraft. L'univers visuel est à la fois enchanteur, surréaliste et imprévisible, ce qui rend chaque étape de l'aventure inoubliable pour les petits comme les grands.

Super Nacho (2006)

Réalisé également par Jared Hess, Super Nacho décalé suit Nacho, un moine mexicain passionné de lutte qui décide de devenir catcheur pour aider des enfants défavorisés. L'humour absurde, le visuel distinctif et le style original rappellent le ton léger et unique de Minecraft. Le film partage cette énergie créative et excentrique propre à la construction de mondes et de parcours singuliers. Derrière la farce se cache un récit d’émancipation et de dépassement de soi qui parle aussi à ceux qui trouvent dans le jeu vidéo un moyen de s’exprimer autrement.

Pixels (2015)

Quand des extraterrestres attaquent la Terre sous forme de personnages de jeux vidéo rétro, un groupe improbable tente de sauver la planète. Mêlant nostalgie vidéoludique et action déjantée, Pixels s'adresse aux amateurs de jeux vidéo, tout comme Minecraft. Les effets visuels colorés et dynamiques évoquent les aventures cubiques et ludiques propres à l’univers du célèbre jeu vidéo. Le film met en avant l’importance de la culture vidéoludique et son influence sur plusieurs générations.

Tron (1982)

Tron, un classique de la science-fiction, met en scène un programmeur happé dans un univers virtuel, où il doit combattre pour survivre. La confrontation entre réel et virtuel, ainsi que la créativité numérique, en font un parallèle intéressant avec l'expérience immersive que propose Minecraft. Le monde stylisé de Tron a inspiré plusieurs générations de développeurs et créateurs d’univers numériques. Pour les fans de mondes alternatifs et d’esthétique rétro-futuriste, c’est un incontournable.

Ready Player One (2018)

Dans un futur où la planète est en déclin, les habitants se réfugient dans l’OASIS, un immense monde virtuel qui offre un échappatoire à la réalité. Ready Player One, réalisé par Steven Spielberg, est une lettre d’amour à la culture geek, peuplée de références vidéoludiques. À l’instar de Minecraft, le film célèbre l’exploration, la créativité et la liberté de construire sa propre aventure. Le héros, Wade Watts, parcourt des environnements variés en quête d’indices, dans une quête qui rappelle les défis et la personnalisation propres à Minecraft. Une aventure technologique et nostalgique.

Free Guy (2021)

Dans cette comédie d’action, Ryan Reynolds incarne Guy, un personnage non-joueur dans un jeu vidéo en ligne qui prend soudain conscience de sa condition. Face au chaos numérique, il décide de devenir le héros de sa propre histoire. Free Guy questionne notre rapport aux mondes virtuels, tout en célébrant l’interactivité et l’inventivité – des piliers fondamentaux de Minecraft. Entre humour, action et émotions, le film explore la liberté de choix, les glitchs du système et l’éveil d’une conscience numérique dans un monde codé. Une expérience rafraîchissante et pleine d’énergie.

Jumanji : Bienvenue dans la jungle (2017)

Quand quatre lycéens découvrent une vieille console, ils sont transportés dans le corps de leurs avatars dans un jeu vidéo. Le décor : une jungle remplie de pièges, de quêtes, de PNJ et de règles précises. Comme dans Minecraft, chaque personnage dispose de compétences spécifiques et doit collaborer avec les autres pour survivre. Jumanji : Bienvenue dans la jungle, porté par Dwayne Johnson, Kevin Hart et Jack Black, mêle humour, action et aventure avec brio. Il met en avant le travail d’équipe, les défis progressifs et le sentiment d’immersion propre aux parties multijoueurs.

Sonic, le film (2020)

Adapté de la franchise culte de SEGA, Sonic, le film met en scène le célèbre hérisson bleu alors qu’il tente d’échapper aux griffes du Dr Robotnik sur Terre. Avec son univers coloré, son rythme effréné et sa volonté de rester fidèle au jeu tout en racontant une nouvelle histoire, le film rejoint Minecraft dans cette démarche d’adaptation réussie. Il célèbre la vitesse, la créativité et la coopération, notamment grâce à la relation entre Sonic et son nouvel ami humain. Un divertissement familial moderne qui ravira les nostalgiques comme les néophytes.

Super Mario Bros. le film (2023)

Super Mario Bros. le film remet au goût du jour les aventures de Mario et Luigi, deux plombiers de Brooklyn propulsés dans le Royaume Champignon. Visuellement éblouissant, bourré de clins d’œil à l’univers Nintendo, il adopte le ton bon enfant et l’imagination débordante qui font le charme de Minecraft. L’univers coloré, la logique de niveaux, les bonus cachés, tout y est. C’est aussi un récit d’apprentissage, d’entraide et de bravoure qui fera écho aux joueurs de Minecraft habitués à construire, affronter et progresser ensemble. En bref, le film est parfait pour passer un excellent moment, et son succès impressionnant au box office est loin d’être un hasard.

Donjons & Dragons : L'honneur des voleurs (2023)

Donjons & Dragons : L'honneur des voleurs est une adaptation très réussie du célèbre jeu de rôle, où un groupe d’aventuriers hétéroclites s’unit pour récupérer une relique volée. Avec ses quêtes, ses pièges, ses dragons et ses moments de stratégie collective, le film rappelle fortement l’expérience vécue dans Minecraft lorsqu’on explore un donjon ou qu’on entreprend une mission en multijoueur. Les paysages variés, les personnages charismatiques et l’humour bien dosé en font une aventure épique et immersive, à la fois fidèle à l’esprit du jeu et accessible à tous. Une belle surprise qui séduit autant les fans que les curieux.

Spy Kids 3-D : Mission 3D (2003)

Dans ce troisième volet de la saga Spy Kids, les jeunes héros doivent s’infiltrer dans un jeu vidéo en réalité virtuelle pour y affronter des niveaux de plus en plus périlleux. L’univers numérique, les mécaniques de gameplay, les avatars et les environnements modulables rappellent l’approche ludique et imaginative de Minecraft. Malgré son esthétique marquée par les années 2000, le film reste une référence pour les enfants des années vidéoludiques, et offre une aventure dynamique qui célèbre l’imagination technologique.

La Grande Aventure Lego (2014)

La Grande Aventure Lego raconte l’histoire d’Emmet, un ouvrier Lego ordinaire qui devient, malgré lui, le héros d’une mission pour sauver le monde. La Grande Aventure Lego partage avec Minecraft une célébration de la créativité, de la construction libre et de l’univers modulaire. L’humour méta, les multiples références culturelles et la capacité à transformer l’ordinaire en extraordinaire en font un film à la fois divertissant et intelligent, qui parlera aussi bien aux enfants qu’aux adultes fans de construction.

Les Mondes de Ralph (2012)

Ralph est un méchant de jeu vidéo fatigué de son rôle qui décide de s’échapper de son jeu pour devenir un héros ailleurs. Ce voyage à travers divers univers de jeux évoque la variété des mondes et des environnements explorables dans Minecraft. Le film aborde avec tendresse des questions d’identité, de reconnaissance et de libre arbitre, tout en rendant hommage à plusieurs générations de jeux vidéo. Un récit touchant et drôle, qui parlera à tous les passionnés de pixel et d’univers virtuels.

Angry Birds, le film (2016)

Adaptation du célèbre jeu mobile, Angry Birds suit Red et ses amis alors qu’ils défendent leur île des envahisseurs cochons. Plein d’humour, de couleurs et d’action, le film illustre comment un univers ludique peut se traduire efficacement à l’écran. Comme Minecraft, il valorise la coopération et l’ingéniosité pour résoudre les conflits, tout en s’appuyant sur une esthétique reconnaissable et une énergie constante. Idéal pour un public familial à la recherche d’un divertissement léger mais efficace.

Pokémon Détective Pikachu (2019)

Dans un monde où les humains cohabitent avec les Pokémon, un jeune homme fait équipe avec un Pikachu détective pour résoudre une mystérieuse disparition. Détective Pikachu mêle enquête, action et créatures attachantes dans un univers riche et vivant. Comme Minecraft, il permet aux spectateurs de plonger dans un monde où la logique n’est pas toujours celle du réel, mais où l’exploration, la découverte et la résolution de problèmes tiennent une place centrale. Un film aussi accessible qu’inventif, à voir en famille ou entre amis.

Où regarder ces films en streaming ?

Toutes ces œuvres sont disponibles sur les principales plateformes comme Netflix, Prime Video, Disney+, Canal+ et Apple TV+. Sur JustWatch, vérifiez rapidement leur disponibilité en fonction de vos abonnements. Profitez-en pour créer votre propre liste personnalisée et activez les notifications pour ne jamais manquer vos prochaines découvertes cinématographiques.

Quand il enlève ses lunettes et sa chemise, c’est qu’il passe à l’action. Vous l’avez ? Clark Kent prenant la cape de superman, bien sûr. Le héros volant sera de retour au cinéma le 9 juillet 2025.

Nous vous proposons un guide JustWatch des films et des séries autour des personnages de Lilo & Stitch depuis leur première apparition à l’écran en 2002. Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming.

David Corenswet (Clark Kent/Superman)

Après de brèves apparitions dans diverses séries, David Corenswet s’est fait remarquer dans la production Netflix The Politician (2019-2020), où il incarnait River Barkleu, un étudiant charismatique qui se suicide. Il a ensuite confirmé son talent en tenant l’un des rôles principaux de Hollywood (2020), produit également par Ryan Murphy, où il incarnait Jack Castello, un jeune acteur tentant de percer pendant l’âge d’or du cinéma. En 2022, il change de registre avec Pearl, film d’horreur psychologique dans lequel il est un projectionniste séduisant et mystérieux. La même année, il apparaît dans la série HBO We Own This City (2022), interprétant un enquêteur impliqué dans une affaire de corruption policière à Baltimore.

Rachel Brosnahan (Lois Lane)

Révélée au grand public grâce ses seconds rôles en tant qu’amie de Tricia Miller dans Orange is the New Black (2013-2019) et prostituée chargée de corrompre Peter Russo dans House of Cards (2013-2018), Rachel Brosnahan s’impose comme une actrice qui compte avec The Marvelous Mrs. Maisel (2017-2023), où elle joue une femme au foyer newyorkaise des années 1950 qui se lance dans le stand-up avec audace. Un Golden Globe de la meilleure actrice dans une série comique vient récompenser son travail.

Nathan Fillion (Guy Gardner/Green Lantern)

Acteur emblématique de la télévision américaine, Nathan FIllion a mis du temps avant de connaître un grand succès commercial. C’est son personnage de Rick Castle, romancier célèbre qui collabore aux enquêtes du NYPD au côté de la policière Kate Beckett (Stana Katic), qui l’a rendu mondialement célèbre. Au succès de Castle (2009-2016) succède celui de The Rookie (2018-), où il joue un policier débutant à plus de 40 ans. Sa présence en tant que Green Lantern dans le nouveau Superman n’est pas un hasard : l’acteur a souvent été dirigé par James Gunn (The Suicide Squad).

Isabela Merced (Hawkgirl)

Après s’être faite remarquer très jeune sur la chaîne Nickelodeon, Isabel Merced s’est surtout faite remarquer adulte avec un rôle dans Transformers : The Last Knight (2017) de Michael Bay, puis un rôle dans Sicario : La Guerre des cartels (2018), mais surtout dans la version en prises de vue réelle de Dora l’exploratrice intitulée Dora et la cité perdue (2019), adaptée du célèbre dessin animé.

Edi Gathegi (Mister Terrific)

D’abord au côté du Dr House (2004-2012) dans la saison 4, où il jouait le Dr Jeffrey Cole, Ed Gathegi a ensuite percé grâce à son rôle très angoissant du vampire Laurent dans plusieurs opus  de la franchise Twilight dès le chapitre 1 puis dans la peau du mutant Darwin dans X-Men : le commencement (2011). À la télévision, il incarne depuis 2022 Dev Ayesa dans For All Mankind (2019-).

Anthony Carrigan (Rex Mason/Metamorpho)

Avec son look reconnaissable entre mille, Anthony Carrigan s’est imposé comme l’acteur incontournable des seconds rôles marquants. Après avoir été aperçu dans Forgotten (2009-2010), il se fait définitivement une place à l’écran grâce à Gotham (2014-2019) en Victor Zsasz, un tueur à gages impassible puis dans la peau du mafieux tchétchène NoHo Hank dans Barry (2018-2023) qui lui vaut plusieurs nominations aux Emmy. 

Nicholas Hoult (Lex Luthor)

Enfant star dans Pour un garçon (2002) face à Hugh Grant, Nicholas Hoult est ensuite devenu un des adolescents marquants dans la série britannique Skins (2007-2008), puis s’est imposé dans les blockbusters X-Men : le commencement et ses suites où il incarne Hank McCoy. Il a brillé aussi dans Mad Max : Fury Road (2015) et Le Menu (2022).

Où voir ou revoir les précédents films ou séries en streaming des membres principaux du casting  de Superman ?

Ils ne sont pas là par hasard ! Les principaux visages du film Superman qui sort cet été ont tous une carrière plus ou moins impressionnantes derrière eux. On vous dit où leurs films et séries sont disponibles en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films et séries sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films et séries tous services confondus.

À l'occasion du Festival de Cannes 2025, retour sur une sélection de films qui ont durablement secoué la Croisette. Depuis sa création, le festival a été le théâtre de nombreuses polémiques artistiques, sociales ou politiques. Certaines œuvres ont provoqué des départs massifs en pleine projection, d’autres ont déclenché des débats virulents entre cinéphiles, journalistes et membres du jury.

Entre provocations visuelles, prises de parole dérangeantes et récits transgressifs, ces films n’ont laissé personne indifférent. Cannes ne se contente pas de célébrer le cinéma d’auteur, il l’expose dans toute sa radicalité. Voici donc une rétrospective des films qui, par leur audace ou leur excès, ont gravé leur passage dans l’histoire du festival.

Antichrist (2009) – Lars von Trier

Présenté en compétition officielle, Antichrist a provoqué des réactions extrêmes, avec des spectateurs quittant la salle et d'autres s'évanouissant face à ses scènes de violence explicite. Lars von Trier, fidèle à sa réputation de provocateur, a défendu son œuvre comme une exploration artistique de la douleur et du deuil. Charlotte Gainsbourg a reçu le prix d'interprétation féminine pour son rôle bouleversant, tandis que le film a profondément divisé la critique. Le film a également suscité des débats sur sa représentation du traumatisme psychologique, mêlant surréalisme, violence et symbolisme religieux. Certains critiques ont crié au chef-d’œuvre radical, tandis que d’autres ont dénoncé une œuvre provocatrice vide de sens. L’impact médiatique de sa projection a fait d’Antichrist l’un des exemples les plus commentés de l’histoire récente de Cannes.

Brown Bunny (2003) – Vincent Gallo

Brown Bunny, un  road movie introspectif,  a été vivement critiqué lors de sa projection, notamment pour une scène explicite entre Vincent Gallo et Chloë Sevigny. Le critique Roger Ebert l'a qualifié de « pire film de l'histoire de Cannes », déclenchant une querelle publique avec le réalisateur. Pourtant, le film a aussi reçu une ovation de 15 minutes après une version remontée, montrant combien il a cristallisé l’attention et divisé les avis. L’esthétique minimaliste et le rythme contemplatif du film n’ont pas aidé à apaiser les tensions. Avec le temps, certains y ont vu une œuvre audacieuse sur le chagrin, d’autres un exercice d’ego de son réalisateur. Son passage à Cannes reste l’un des plus controversés et emblématiques d’un cinéma qui divise profondément.

Irréversible (2002) – Gaspar Noé

Irréversible est un thriller psychologique raconté en ordre chronologique inversé, contient une scène de viol de neuf minutes en plan-séquence qui a choqué le public. Environ 200 personnes ont quitté la salle lors de la projection. Le film a néanmoins été salué pour sa mise en scène audacieuse et son exploration du thème de la vengeance. Depuis, Irréversible est considéré comme une œuvre-clé du cinéma extrême français. La bande-son oppressante et le style visuel tournoyant ont amplifié la sensation d’étouffement ressentie par une partie du public. Gaspar Noé, connu pour ses choix radicaux, s’est défendu en affirmant vouloir confronter le spectateur à l’horreur sans détour. Depuis, le film est devenu un jalon du cinéma transgressif.

Les Idiots (1998) – Lars von Trier

Deuxième film de von Trier dans cette liste, Les Idiots a provoqué un tollé en raison de ses scènes de sexualité explicite et de sa représentation controversée du handicap mental. Le film, qui suit un groupe de personnes simulant des troubles mentaux pour défier les normes sociales, a suscité de vifs débats sur les limites de la provocation artistique et le bon goût au cinéma. La mise en scène brute, dans l’esprit du Dogme95, et l’aspect documentaire du film ont renforcé la gêne ressentie. Pourtant, certains y ont vu une critique féroce des normes sociales et une réflexion sur l’authenticité. Le débat demeure encore aujourd’hui sur les intentions réelles de son auteur.

The Last Face (2016) – Sean Penn

The Last Face est un drame romantique sur fond de conflit en Afrique, avec Charlize Theron et Javier Bardem, a été unanimement critiqué pour son traitement maladroit des enjeux africains et ses dialogues jugés prétentieux. Certains critiques l'ont qualifié de « film dégueulasse » et d'« obscénité », illustrant l'échec de l'œuvre à aborder avec justesse des sujets sensibles. Sa réception glaciale reste l’une des plus marquantes de la décennie. Même les interprètes principaux ont semblé mal à l’aise face aux critiques. Le film a depuis été largement oublié, mais reste un exemple type des désastres cannois où les intentions louables peinent à se traduire artistiquement. Il est régulièrement cité dans les bilans des pires moments du festival.

Melancholia (2011) – Lars von Trier

Lors de la conférence de presse, von Trier a fait des commentaires controversés sur Hitler, déclarant qu'il « comprenait » le dictateur, ce qui a conduit le festival à le déclarer persona non grata. Malgré cela, Melancholia a été projeté et Kirsten Dunst a remporté le prix d'interprétation féminine pour son rôle dans ce drame apocalyptique. Le scandale a éclipsé, un temps, les qualités artistiques du film. Le festival a tenu à rappeler que ces propos n’avaient rien à voir avec le film lui-même, salué pour sa beauté visuelle et sa profondeur émotionnelle. La controverse n’a pas empêché Melancholia de s’imposer comme l’un des films majeurs de la carrière du cinéaste danois.

Crash (1996) – David Cronenberg

Adapté du roman de J.G. Ballard, Crash explore la fascination pour les accidents de voiture et la sexualité. Sa projection a divisé le public, certains le qualifiant de chef-d'œuvre audacieux, d'autres de film choquant et immoral. Le jury lui a pourtant décerné un prix spécial pour son originalité, affirmant la place de Cronenberg parmi les grands provocateurs du cinéma contemporain. Lors de sa projection, des spectateurs ont quitté la salle, outrés par la représentation d’actes sexuels mêlés à des collisions automobiles. Le président du jury de l’époque, Francis Ford Coppola, a dû défendre le choix du palmarès. Aujourd’hui, Crash est étudié comme une œuvre visionnaire sur la déshumanisation et le corps machine.

Fahrenheit 9/11 (2004) – Michael Moore

Fahrenheit 9/11 est un documentaire critique de la politique de George W. Bush a remporté la Palme d'Or, suscitant des débats sur la politisation du festival. Certains ont salué le courage du jury, tandis que d'autres ont estimé que le film ne méritait pas une telle distinction. À la fois triomphe et polémique, la récompense de Fahrenheit 9/11 a marqué un tournant dans l’histoire du documentaire à Cannes. La presse américaine a réagi vivement à cette Palme d’or, vue comme un acte de résistance politique en pleine guerre en Irak. Michael Moore est devenu une figure incontournable du documentaire engagé, et Cannes a affirmé son rôle de tremplin pour un cinéma qui n’hésite pas à prendre parti.

La Grande Bouffe (1973) – Marco Ferreri

La Grande Bouffe, où quatre amis se réunissent pour manger jusqu'à en mourir, a choqué par sa représentation de la décadence et de la surconsommation. Il a été accusé de vulgarité et de nihilisme, mais est aujourd'hui considéré comme une satire sociale percutante. Sa réception houleuse à Cannes n’a fait que renforcer son statut d’œuvre culte dans les décennies suivantes. Le scandale fut tel que certains spectateurs ont crié à l’insulte faite au festival. Avec le recul, La Grande Bouffe est reconnue pour sa radicalité et sa satire de la bourgeoisie. Il reste une référence du cinéma transgressif des années 70.

Titane (2021) – Julia Ducournau

Titane est un thriller mêlant violence, transformation physique et sensualité qui a remporté la Palme d'Or, divisant critiques et spectateurs. Certains ont salué son audace et son originalité, tandis que d'autres ont été déroutés par son mélange de genres et ses scènes extrêmes. Titane a confirmé Julia Ducournau comme une voix singulière et radicale du cinéma français. Le choix du jury présidé par Spike Lee a été l’un des plus audacieux de l’histoire récente du festival. Titane a permis à Julia Ducournau de devenir la deuxième réalisatrice à remporter la Palme d’or, après Jane Campion. Une consécration pour un film qui ne fait aucune concession.

Sans filtre (2022) – Ruben Östlund

Récompensé par la Palme d'Or en 2022, Sans filtre est une satire sociale au vitriol qui divise fortement. Le film explore les dérives du capitalisme, de la mode et de la lutte des classes à travers une croisière qui tourne au cauchemar. Certaines scènes scatologiques et la critique frontale des élites ont suscité rires, malaise et sifflets lors de sa projection. Cette œuvre provocante confirme le goût de Ruben Östlund pour le malaise social mis en spectacle. En mêlant satire sociale, critique acerbe de l’esthétique du luxe et renversement total des rapports de domination, Östlund livre une œuvre qui dérange autant qu’elle amuse. La Palme d’or 2022 a cristallisé les débats entre ceux saluant une farce politique très efficace et ceux dénonçant une caricature trop appuyée. Un film qui continue de faire parler de lui bien après sa projection.

La Vie d’Adèle (2013) – Abdellatif Kechiche

Lauréat de la Palme d'Or en 2013, La Vie d’Adèle a fait couler beaucoup d’encre. Les longues scènes de sexe explicites entre Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux ont suscité autant d’éloges que de controverses, y compris parmi les actrices elles-mêmes. Après la cérémonie, elles ont dénoncé les méthodes de travail éprouvantes du réalisateur, relançant le débat sur les conditions de tournage et la frontière entre exigence artistique et abus. Un film marquant mais entaché de tensions hors champ. Le Festival de Cannes a exceptionnellement décerné la Palme d’or non seulement au réalisateur, mais aussi aux deux comédiennes, saluant ainsi leur implication totale. Le débat a mis en lumière les conditions de tournage souvent minimisées dans le cinéma d’auteur. Malgré les tensions, le film reste salué pour sa puissance émotionnelle, la vérité de son récit initiatique et l’intensité de ses performances.

Taxi Driver (1976) – Martin Scorsese

Taxi Driver a remporté la Palme d'Or en 1976, mais sa projection a été marquée par des controverses. La violence du film, son ton nihiliste et l’âge très jeune de Jodie Foster dans un rôle de prostituée ont choqué une partie du public. Pourtant, le film est devenu un classique, porté par une interprétation magnétique de Robert De Niro. Il reste l’un des exemples les plus emblématiques de la capacité de Cannes à distinguer des œuvres subversives. Certains membres du jury s’étaient opposés à récompenser un film jugé trop violent, mais le président de l’époque, Tennessee Williams, avait soutenu le choix. Depuis, Taxi Driver est devenu un monument du cinéma, mais il incarne aussi cette tradition cannoise d’oser primer des œuvres dérangeantes, aux antipodes du consensus.

Enter the Void (2009) – Gaspar Noé

Avec ses visuels hallucinés et sa narration psychédélique, Enter the Void a divisé les festivaliers. Le film suit un jeune dealer à Tokyo à travers une expérience de mort imminente filmée en caméra subjective. Entre fascinés et exaspérés, les spectateurs ont vécu un véritable trip sensoriel. Certains ont crié au chef-d'œuvre visionnaire, d'autres ont dénoncé un délire prétentieux. Une expérience extrême, à l’image de son réalisateur. Présenté dans la section Compétition, le film a été décrit par certains critiques comme une expérience visuelle unique, proche de la transe. La caméra flottante, les néons de Tokyo et le traitement du voyage post-mortem ont renforcé le statut d’auteur iconoclaste de Noé. Une proposition radicale, qui incarne parfaitement l’esprit de transgression du Festival.

Où regarder ces films qui ont marqué le Festival de Cannes en streaming ?

De nombreux films cités ici sont disponibles sur les principales plateformes de streaming telles que Netflix, Prime Video, Apple TV+ ou Canal+. Pour vérifier leur disponibilité selon vos abonnements, utilisez JustWatch. Vous pouvez y créer votre propre liste et activer les notifications pour suivre les films les plus radicaux de l’histoire du festival.

Réalisateur prolifique et éclectique, Steven Soderbergh a fait beaucoup de films dans des genres très différents, à petit budget ou dans des économies de blockbusters. Depuis Sexe, mensonges et vidéo qui a lancé le renouveau du cinéma indépendant américain, il a exploré avec intelligence le polar, le drame ou encore le film de braquage. Libre dans sa façon de tourner et d’agencer ses narrations, il a souvent amené un regard critique dans ses œuvres.

Nous vous proposons un guide JustWatch de ses dix meilleurs films, dans l’ordre de notre choix en vous rappelant où les regarder sur les plateformes de streaming.

Traffic (2001)

Plusieurs Oscars à la clé pour Traffic, un film au scénario brillant qui entremêle plusieurs histoires pour mieux disséquer les rouages du trafic de drogue entre les Etats-Unis et le Mexique, ses aspects socio-politiques, géopolitiques, financiers, juridiques. Le casting est à la hauteur, avec Benicio Del Toro, Michael Douglas et Catherine Zeta-Jones, et la mise en scène intelligente.

Erin Brockovich, seule contre tous (2000)

Julia Roberts est cette héroïne de l’ombre qui a vraiment existé : une mère célibataire de trois enfants, au chômage, qui découvre un énorme scandale lié à de l’eau contaminée et décide de poursuivre la compagnie de gaz et d’électricité responsable. Pour son incarnation de cette femme vulnérable et combative, elle a reçu l’Oscar de la meilleure actrice.

Ocean’s Eleven (2001)

Film le plus rentable de Soderbergh avec ses suites Ocean’s Twelve et Thirteen, Ocean’s Eleven raconte un braquage de casino en y mettant des formes inédites : un casting 5 étoiles très complice réunissant George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon et Julia Roberts (entre autres), un ton très cool, drôle et une élégance gagnée grâce à une mise en scène ultra fluide. Bref un film de casse chic.

Ma vie avec Liberace (2013)

En racontant cette histoire d’amour fou entre l’artiste exubérant Liberace et Scott, Steven Soderbergh s’engage dans l’exercice du biopic avec subtilité et explore les zones d’ombre d’une relation marquée par le pouvoir, le mensonge et la dépendance affective, tout en mettant en lumière la solitude derrière les paillettes. Porté par les performances de Michael Douglas et Matt Damon, le film éblouit.

Contagion (2011)

Revenu à la mode au moment de la pandémie de Covid-19, Contagion se regarde comme un documentaire sur la propagation d’un virus, depuis un individu jusqu’à une échelle mondiale. On suit la progression de la maladie avec nervosité grâce à une mise en scène hyperréaliste mais très efficace qui s’intéresse autant à la famille et la perte qu’aux enjeux géopolitiques ou encore aux dérives conspirationnistes.

Sexe, mensonges et vidéo (1989)

Avec une Palme d’or à Cannes, Steven Soderbergh, seulement âgé de 26 ans, a fait très fort pour son premier long métrage ! Ce film à petit budget écrit en huit jours pose la question du sexe dans une relation, à travers un épisode de la vie de Graham, impuissant, qui prend du plaisir en réalisant des interviews de femmes se confiant sur leur vie sexuelle. Un drame psychologique sur une thématique intime.

Hors d’atteinte (1998)

Sympathique comédie entre film de braquage, thriller et romance, Hors d’atteinte met en scène un duo inédit avec George Clooney et Jennifer Lopez, baigné dans une esthétique pop et un montage non linaire qui rythme bien le récit. Les personnages ne sont pas archétypiques, les dialogues sont vifs et l’atmosphère confère au film de divertissement.

Magic Mike (2012)

Dans Magic Mike, le dénommé Mike oscille entre son travail de couvreur sur divers chantiers et son job de stripteaseur, se rêvant entrepreneur. Un récit initiatique qui n’a rien à voir avec un divertissement sexy mais creuse plutôt une réflexion autour de l’illusion du succès rapide et la difficulté de trouver sa voie. Les corps qu’on montre, les vies qu’on cache, tout un programme.

Girlfriend Experience (2009)

Film radical et volontairement dérangeant, Girlfriend Experience suit Chelsea, call-girl de luxe à Manhattan qui propose à ses clients plus que de banales relations sexuelles, mais d’être pour eux la compagne d’un soir. Son business cartonne jusqu’à une rencontre inattendue. Soderbergh questionne la marchandisation du lien humain dans un propos presque politique, avec des images très esthétisantes.

Logan Lucky (2017)

À la fois drôle, finement écrit et divertissant, Logan Lucky s’inscrit en droite ligne d’Ocean’s Eleven, c’est-à-dire un film de casse malin, avec une équipe improbable, un plan dingue et beaucoup d’obstacles avant un twist final. La famille de bras cassés compte Channing Tatum, Adam Driver et Daniel Craig, tous parfaits dans leurs rôles de ruraux américains.

Où voir les dix meilleurs films de Steven Soderbergh ?

Vous connaissez forcément une des oeuvres de Steven Soderbergh et pour (re)découvrir les meilleures, il suffit de se rendre sur les plateformes de streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Satire drôlissime d’Hollywood, The Studio met en scène Seth Rogen dans la peau de Matthew Remick, tout juste promu directeur d’un prestigieux studio américain de cinéma en déclin.

Entre des choix difficiles à faire à chaque étape de création et la gestion des artistes narcissiques, le héros tente de sauver l’entreprise en naviguant au mieux dans ce milieu bouillonnant. Originalité de cette série comptant une première saison de 10 épisodes : près de 50 figures du cinéma et de la télévision y jouent leur propre rôle dans la série, souvent avec beaucoup d’autodérision.

Nous vous proposons un guide JustWatch des dix principaux comédiens faisant un cameo dans la série The Studio. Tout en vous rappelant où regarder leurs précédentes et plus prestigieuses prestations sur les plateformes de streaming, quand elles seront disponibles.

Bryan Cranston

Mondialement célèbre depuis son rôle iconique de Walter White dans la série Breaking Bad, Bryan Cranston était déjà connu du public de télévision grâce à la sitcom Malcolm où il incarnait le père de famille irresponsable. Depuis on l’a vu dans Argo et Dalton Trumbo, pour lequel il a reçu une nomination à l’Oscar du meilleur acteur.

Paul Dano

Adolescent mutique dans la comédie Little miss Sunshine, jeune prédicateur dans There Will Be Blood face à Daniel Day-Lewis, il a marqué les esprits plus récemment en incarnant le Sphinx dans le film The Batman de Matt Reeves. Dans The Fabelmans, très inspiré de l’enfance en Arizona du célèbre réalisateur, il joue le rôle du père du héros.

Zoë Kravitz

La fille de Lenny Kravitz s’est fait un prénom dans le milieu du cinéma avec de nombreux rôles. Les plus emblématiques sont celui de Christina, nouvelle recrue dans les trois volets de Divergente, un rôle aux côtés de Charlize Theron et Tom Hardy dans Mad Max : Fury Road et Catwoman dans The Batman. Elle a également joué dans des séries comme Big Little Lies et High Fidelity.

Martin Scorsese

L’un des plus grands réalisateurs de l’histoire du cinéma, Martin Scorsese est l’auteur de chefs-d'œuvre comme Taxi Driver, Les Affranchis ou encore Les Infiltrés. Son œuvre très audacieuse explore souvent la violence, la culpabilité et la rédemption dans un style cinématographique puissant.

Charlize Theron

Actrice caméléon, Charlize Theron a remporté l’Oscar pour son rôle dans Monster, où elle incarnait la tueuse en série Aileen Wuornos. Elle a aussi impressionné dans Mad Max : Fury Road en Furiosa, en reine cruelle dans Blanche-Neige et le chasseur et son préquel, toujours en méchante dans Fast and Furious 8 ou dans le film d’action Atomic Blonde.

Olivia Wilde

Révélée par son rôle de Numéro 13 dans la série Dr House, elle obtient ensuite au cinéma des premiers rôles de blockbusters comme dans Cowboys & Envahisseurs et Tron : L’Héritage. Elle passe ensuite à la réalisation avec un premier film Booksmart, puis un deuxième Don’t worry Darling.

Zac Efron

Révélé par la franchise High School Musical, Zac Efron a su diversifier ses rôles : les spectateurs l’ont vu interpréter en étudant fêtard dans Nos pires voisins, dans le rôle du tueur Ted Bondy dans Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile. Il a également été salué pour son rôle de jeune dramaturge dans The Greatest Showman, au côté de Hugh Jackman.

Rebecca Hall

Actrice et réalisatrice britannique, Rebecca Hall est connue pour ses rôles dans Le Prestige de Christopher Nolan, Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen ou le blockbuster Godzilla vs Kong et sa suite Godzilla x Kong : Le Nouvel empire.

Greta Lee

La notoriété de Greta Lee tient aux rôles qu’elle a tenu dans des séries comme Poupée russe et Girls. Elle a atteint une reconnaissance critique avec Past Lives - Nos vies d’avant, un drame romantique contemplatif dans lequel elle tient le rôle principal.

Ron Howard

Réalisateur acclamé, Ron Howard a signé des films populaires comme Splash, Willow, Apollo 13, Un homme d’exception avec Russell Crowe (Oscar du Meilleur réalisateur). Il a également signé l’adaptation du best-seller de Robert Langdon : la trilogie Da Vinci Code, avec les suites Anges et démons et Inferno.

Où voir les comédiens qui ont joué un cameo dans la série 'The Studio' ?

Les films qui ont fait connaître les comédiens et/ou réalisateurs venus faire un cameo dans la série The Studio sont disponibles en streaming. Notre guide vous donnera toutes les informations nécessaires pour les trouver. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

The Handmaid’s Tale : la servante écarlate (2017-2025) est de retour pour une ultime saison 6 de dix épisodes toujours tournée autour du combat de June contre le régime totalitaire de Gilead.

La plupart des protagonistes sont de présent, dont l’incontournable Elisabeth Moss dans le rôle-titre d’une servante résistante. Nous vous proposons un guide JustWatch pour savoir où voir les comédiennes et comédiens de la série dans d’autres productions. Tout en vous aidant à savoir où voir ces films et séries sur les plateformes de streaming, quand ils sont disponibles.

Elisabeth Moss (June)

Dans la saison 6 de The Handmaid’s Tale : la servante écarlate, Elisabeth Moss incarne toujours l’héroïne June Osborne. Avant cette participation au long cours, l’actrice s’est fait connaître dans Mad Men (2007-2015) au côté de Jon Hamm, dans la peau d’une secrétaire devenant rédactrice. On l’a vu aussi dans À la Maison-Blanche (1999 - 2006) incarnant une des filles du président joué par Martin Sheen.

Yvonne Strahovski (Serena)

Avant d’incarner Serena, l’actrice australienne s’est faite connaître en tant que Sarah Walker dans la série d’espionnage Chuck (2007-2012) où elle jouait le rôle d’un agent du CIA chargée de protéger le héros, mais aussi comme Hannah McKay, la tueuse en série dans les 7e et 8e saisons de Dexter (2012-2013). Elle a également été choisie pour donner la réplique à Adrien Brody dans Manhattan Night.

Madeline Brewer (Janine)

L’amie de June, tout aussi rebelle, Janine, est interprétée par Madeline Brewer que les téléspectateurs connaissent grâce à son rôle récurrent dans une autre série à succès : Orange is the New Black (2013-2019), où elle jouait la détenue Tricia Miller. Plus récemment, elle est à l’affiche de la saison 5 de You (2018 -) dans le rôle d’une jeune libraire.

Ann Dowd (Tante Lydia)

Avant de prêter son visage à la très rigide mais parfois compatissante Tante Lydia, Ann Dowd s’est fait un nom grâe à son rôle de Patti Levin dans la série The Leftovers (2014-2017). Elle a également joué dans The Exorcist : Dévotion (2023), sixième film de la franchise. La comédienne a aussi souvent fait des petits rôles dans des séries bien connues comme New-York, unité spéciale (1999 - ), X-Files : Aux frontières du réel (1993-2018), Dr House (2004-2012).

O.T. Fagbenle (Luke Bankole)

Le mari de June, Lucas “Luke” Bankole, a joué d’autres personnages, et pas des moindres puisqu’il a incarné Barack Obama dans la série The First Lady (2022), aux côtés de Viola Davis qui jouait Michelle Obama. Il a également fait partie du casting de WeCrashed (2022), qui racontait l’ascension fulgurante et la chute de la start-up WeWork et a joué un personnage récurrent dans la série comique Loot( 2022).

Max Minghella (Nick Blaine)

Le chauffeur au sein de la société de Gilead avait d’abord brillé au cinéma, dans The Social Network (2010) où il incarnait Divya Narendra, un des co-fondateurs de Harvard Connection. Dans le thriller politique de George Clooney Les marches du pouvoir (2011), il était Ben Harper, un jeune assistant enfin dans Babylon (2022), il a joué Irving Thalberg, un producteur emblématique d’Hollywood.

Samira Wiley (Moira)

Comme Madeline Brewer, Samira Wiley, qui interprète la meilleure amie de June, est passée par la série multiprimée Orange is the New Black (2013-2019) dans la tenue d’une détenue. Elle a aussi joué aux côtés de John Boyega dans Detroit (2017) de Kathryn Bigelow et s’est lancée aussi dans le doublage avec son rôle d’Alani Davis dans la série d’animation Blade Runner : Black Lotus (2021-2022).

Amanda Brugel (Rita)

L’actrice canadienne, alias la servante Rita au sein de la maison Waterford, a une carrière cinématographique avec le rôle d’une journaliste dans Maps to the Stars (2014) de David Cronenberg, celui d’un officier dans le film Room (2015), ou encore dans Suicide Squad (2016).

Sam Jaeger (Mark Tuello)

Avant d’être l’agent du gouvernement de Gilead, Sam Jaeger s’est fait connaître pour son rôle de Joel Graham dans la série Parenthood (2010-2015) et a aussi participé à des séries comme Les Experts ou Drop Dead Diva (2009). Il a aussi écrit, réalisé et joué dans le film Take Me Home (2011).

Ever Carradine (Naomi Putnam)

Influente femme au sein de Gilead, Ever Carradine a eu d’autres rôles à son actif. Dans Commander in Chief (2005-2006),elle joue Kelly Ludlow, une conseillère politique qui met en scène Geena Davis et elle interprète Erica dans la sixième saison de Shameless (2011).

Dans quels films et/ou séries voir les comédiennes et comédiens de la saison 6 de "The Handmaid’s Tale : la servante écarlate" ?

Les comédiennes et comédiens de la saison 5 de la série The Handmaid’s Tale : la servante écarlate ont eu une vie professionnelle avant et après leur rôle dans cette série devenue culte. Notre guide vous donnera toutes les informations nécessaires pour trouver tous ces films et séries. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films et les séries tous services confondus.

Alors que la saison 8 de Love is blind a débarqué, l’information la plus importante à retenir est que l’émission de dating va avoir le droit à une version française ! Elle sera animée par notre champion de judo Teddy Riner et sa femme Luthna Plocus, et sera également - comme le format original - diffusée sur Netflix.

Aucune date n’a encore été communiquée alors pour patienter, pourquoi ne pas vous plonger dans les autres émissions qui lui ressemblent le plus ? Nous vous proposons un guide JustWatch des meilleures émissions de télé-réalité qui font de l’amour leur principal sujet, pour vous y retrouver dans la jungle des offres. Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming.

Mariés au premier regard (2016 -)

Des experts en psychologie sélectionnent des profils pour les mettre en couple selon un pourcentage de comptabilité. Les futurs mariés se rencontrent le jour de leur mariage (avec la possibilité de dire non au moment fatidique !) et au bout de quelques semaines doivent décider s’ils restent mariés ou s’ils divorcent.

L’île de la tentation (2002 -)

Des couples en crise viennent tester la force de leur amour sur une île paradisiaque où chaque partenaire va vivre dans une villa remplie de célibataires séduisants qui n’ont qu’un seul but : les faire craquer. Tentations, révélations et trahisons, les sentiments sont mis à rude épreuve.

The Bachelor (2002 -)

Un homme célibataire (une version féminine existe avec The Bachelorette) tente de trouver l’amour auprès d’une vingtaine de prétendantes. Pour favoriser les interactions, des rendez-vous de rêve sont organisés et le très convoité célibataire élimine progressivement les participantes. Il n’en restera qu’une !

Perfect Match (2023-)

Pour les nostalgiques des candidats emblématiques des émissions de dating de Netflix, cette émission propose de les faire cohabiter dans une villa où ils doivent former des couples compatibles. Chaque duo prouvant sa compatibilité obtient de pouvoir créer ou détruire les relations des autres. Rebondissements garantis.

Séduction haute tension (2020 -)

Le nom de l’émission en anglais résume aussi bien l’ambiance du show : “Too hot to handle”, traduire “Trop chaud pour gérer”. Ce groupe de jeunes célibataires sexy qui ne pense qu’à faire la fête l’est, chaud. Mais attention parce que chaque baiser ou contact physique fait baisser la cagnotte collective. Le but : créer des liens profonds sans passer par le physique.

Love Island (2015 –)

Toujours dans une villa luxueuse (la base de ce genre d’émission), des célibataires doivent se mettre en couple avec le partenaire idéal pour rester dans le jeu. Le public est invité à voter et élire son couple gagnant.

The Circle (2020)

Dans cette émission de téléréalité d’enfermement, les joueurs sont placés dans des appartements différents où ils ne se voient ni ne s’entendent jamais. Leur seul moyen de communication : un réseau social baptisé The Circle. Leur popularité est régulièrement évaluée et les moins aimés sont éliminés. Manipulation au rendez-vous.

L’ultimatum : on se marie ou c’est fini (2022-)

Difficile test pour les six couples indécis qui se présentent à cette émission : un membre du couple donne l’ultimatum de se marier ou de se séparer. Mais avant de se décider, ils passeront trois semaines avec un nouveau partenaire potentiel. Une épreuve.

90 jours pour se marier (2014 -)

Des couples formés à distance, souvent entre un Américain(e) et un(e) étranger(ère) disposent de 90 jours pour se marier sur le sol américain avec un visa. En trois mois, ils doivent affronter les doutes, le stress des préparatifs et les différences culturelles.

FBoy Island (2021 -)

Trois femmes doivent choisir un partenaire parmi un groupe d’hommes dont certains sont de véritables gentlemen et d’autres venus pour l’argent. Ne sachant pas qui est qui, les femmes doivent distinguer les sincères des manipulateurs, tout en développant de vraies connexions. Une vraie expérience.

Où voir en streaming les émissions de dating ressemblant le plus à 'Love is blind' ?

Ils sont beaux, ils aiment l’amour et les rencontres. Placés dans des endroits luxueux, ils peuvent confirmer leurs sentiments ou tout perdre. Voici la liste des émissions de téléréalité qui ressemblent le plus à Love is  blind. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quelles émssions sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les émissions tous services confondus.

Violents, imprévisibles, moralement ambigus : les anti-héros fascinent autant qu’ils dérangent. Après avoir découvert l’équipe des Thunderbolts* dans le dernier film Marvel, voici 10 autres longs-métrages issus de comics qui mettent en scène des figures troubles, entre vengeance, rédemption et chaos. De Joker à Watchmen, ces films explorent la part d’ombre des super-héros et prouvent qu’on peut être un protagoniste sans être un modèle.

Joker (2019)

Réalisé par Todd Phillips, Joker est un drame psychologique centré sur la lente descente aux enfers d’Arthur Fleck, un comédien raté souffrant de troubles mentaux. Porté par une performance inoubliable de Joaquin Phoenix, ce film s’affranchit du schéma classique des blockbusters pour livrer un portrait glaçant et humain d’un futur criminel. Avec son ambiance étouffante, sa critique sociale acide et sa mise en scène léchée, Joker a bouleversé les codes du genre. Récompensé à Venise et aux Oscars, il reste l’un des films de comics les plus marquants de la dernière décennie. Il évoque la solitude, le rejet et la violence systémique avec une rare intensité.

Deadpool (2016)

Déjanté, irrévérencieux et ultra-violent, Deadpool a redéfini les codes du film de super-héros avec un humour noir décapant. Ryan Reynolds incarne Wade Wilson, ancien militaire transformé en justicier sarcastique après une expérimentation ratée. Brisant régulièrement le quatrième mur, Deadpool joue avec les conventions du genre et assume pleinement son ton adulte. Action sanglante, vannes crues et autodérision permanente : ce succès surprise a prouvé qu’un anti-héros grossier pouvait conquérir le grand public tout en restant fidèle à ses origines comics. Le film parvient à mêler parodie, satire et émotion réelle avec une efficacité redoutable.

Logan (2017)

Dans Logan, James Mangold offre une conclusion crépusculaire à l’histoire de Wolverine. Hugh Jackman, dans son ultime apparition sous les traits du mutant griffu, incarne un héros brisé, vieillissant et en fuite. Le film se déroule dans un futur sombre où les mutants ont presque disparu. Plus western que blockbuster, Logan mise sur l’émotion, la brutalité et la relation touchante entre Logan et la jeune mutante Laura. Un adieu poignant, intime et d’une rare intensité, salué comme l’un des meilleurs films de super-héros de tous les temps. Il s'agit d'une œuvre mature, viscérale et sans compromis sur la souffrance et l’humanité du héros.

The Suicide Squad (2021)

James Gunn reprend les rênes de l’escouade la plus ingérable de DC avec The Suicide Squad. Exit le ton trop sérieux du premier opus, place à une comédie noire gore et subversive. Margot Robbie, Idris Elba, John Cena ou encore Sylvester Stallone donnent vie à une galerie de marginaux envoyés en mission suicide. Entre absurdité assumée, violence cartoon et critique du pouvoir, le film conjugue fun et anarchie avec un style visuel explosif. Un grand défouloir qui réhabilite avec brio les méchants de l’univers DC. L’humour noir y cohabite avec une réelle tendresse pour ses personnages déglingués et attachants.

Kick-Ass (2010)

Que se passe-t-il quand un ado ordinaire décide de devenir un super-héros sans aucun pouvoir ? Kick-Ass, adapté du comic de Mark Millar, répond à cette question avec un mélange d’humour noir, d’action survoltée et de satire du genre. Aaron Taylor-Johnson joue le héros amateur, bientôt rejoint par Hit-Girl, une enfant tueuse interprétée par Chloë Grace Moretz. Entre ultra-violence stylisée et ironie grinçante, le film de Matthew Vaughn offre un regard original et décapant sur le fantasme du justicier masqué. Kick-Ass reste un des films les plus jouissifs et subversifs de son époque, mêlant innocence, brutalité et absurdité avec brio.

V pour Vendetta (2005)

Dans une Angleterre dystopique dirigée par un régime totalitaire, un mystérieux homme masqué mène une rébellion aussi violente que symbolique. V pour Vendetta, adapté de la BD culte d’Alan Moore, explore les thèmes de la résistance, de l’identité et du sacrifice. Hugo Weaving incarne le charismatique V, tandis que Natalie Portman joue Evey, sa protégée. Entre esthétique marquante, discours politique et action grandiose avec des scènes de combats magnifiquement chorégraphiées, le film a marqué les esprits et popularisé le masque de Guy Fawkes comme symbole de contestation mondiale. Il pose la question du terrorisme comme forme de résistance et laisse une empreinte durable dans la culture populaire.

The Crow (1994)

Film culte des années 1990, The Crow raconte l’histoire d’un musicien revenu d’entre les morts pour venger sa fiancée. Incarné par Brandon Lee (dans son ultime rôle), le personnage d’Eric Draven devient un anti-héros gothique, silencieux et meurtrier. Esthétiquement sombre et poétique, le film de Alex Proyas mêle tragédie personnelle, romantisme noir et violence stylisée. La mort accidentelle de Lee durant le tournage ajoute une dimension mythique à ce classique du cinéma de genre. The Crow est aussi un chant funèbre sur le deuil, l’amour et la vengeance, porté par une ambiance visuelle marquante et une bande-son culte.

Birds of Prey (2020)

Harley Quinn revient sans le Joker dans Birds of Prey, un spin-off déjanté réalisé par Cathy Yan. Margot Robbie y incarne une anti-héroïne libre, violente et imprévisible, qui fait équipe avec d’autres femmes tout aussi redoutables. Le film se distingue par son esthétique flashy, son montage éclaté et ses scènes d’action inventives. Résolument féministe et irrévérencieux, Birds of Prey redonne un coup de fouet à l’univers DC tout en consolidant Harley comme icône pop de la nouvelle génération. Il célèbre l’autonomie, la sororité et la folie douce dans un feu d’artifice coloré et punk.

Venom (2018)

Avec Venom, Tom Hardy incarne Eddie Brock, un journaliste hanté par un parasite extraterrestre qui transforme son corps et sa personnalité. Ce tandem chaotique donne naissance à un anti-héros incontrôlable, violent et souvent drôle malgré lui. Bien que critiqué pour son ton inégal, Venom a rencontré un large succès grâce à son duo principal et son approche plus sombre de l’univers Marvel. La relation étrange et fusionnelle entre Eddie et Venom fait tout le sel de ce divertissement hybride. Le film propose un mélange unique entre horreur corporelle, buddy movie et comédie noire.

Watchmen (2009)

Zack Snyder adapte la bande dessinée culte d’Alan Moore avec Watchmen, une fresque apocalyptique où les super-héros sont fatigués, corrompus ou paranoïaques. Dans un monde au bord du chaos nucléaire, une enquête sur un meurtre fait ressurgir les fantômes d’un passé violent. Rorschach, Comédien, Docteur Manhattan… autant de figures ambivalentes qui incarnent l’échec du mythe héroïque. Ambitieux, sombre et visuellement saisissant, Watchmen interroge la morale, la justice et la légitimité du pouvoir à travers le prisme du genre super-héroïque. Une œuvre dense et dérangeante, souvent imitée, rarement égalée.

Où voir ces films d’anti-héros en streaming ?

Toutes ces œuvres sont disponibles sur les principales plateformes de streaming, notamment Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+, Disney+ ou d’autres Sur JustWatch, vous pouvez facilement vérifier leur disponibilité en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour afficher uniquement les titres accessibles avec vos services, ou cliquez sur « réinitialiser » pour consulter l’ensemble de la sélection. N'oubliez pas de créer votre propre liste personnalisée et d'activer les notifications pour ne rien manquer de vos anti-héros préférés.

Sorti en avril 2025, Thunderbolts* marque une nouvelle étape dans l’univers Marvel en réunissant une équipe d’anti-héros et anciens antagonistes. Plus sombre, plus ambigu, ce film met en avant des personnages complexes incarnés par un casting cinq étoiles. Ces personnages, souvent moralement ambivalents, apportent une profondeur psychologique inédite à l’univers Marvel.

Très attendu par les fans, Thunderbolts* promet un récit captivant et des performances mémorables. De Florence Pugh à Sebastian Stan, en passant par David Harbour ou Wyatt Russell, tous ces acteurs ont déjà laissé leur empreinte dans d’autres films ou séries à succès. Voici où vous les avez probablement déjà vus avant de les retrouver dans cette nouvelle aventure explosive.

Florence Pugh (Yelena Belova)

Dans Thunderbolts, Florence Pugh reprend son rôle de Yelena Belova, introduite dans Black Widow et développée dans Hawkeye. Révélée en 2016 dans The Young Lady, l’actrice britannique a explosé grâce à ses performances dans Midsommar, La Fille du docteur March ou encore Don’t Worry Darling. Elle a également joué dans Oppenheimer, Dune : Deuxième partie et le film dramatique The Wonder. Actrice intense et polyvalente, elle s’impose aujourd’hui comme l’une des figures majeures de sa génération. En quelques années, elle a su alterner cinéma d’auteur, grosses productions et univers fantastique, avec une aisance qui lui vaut l’admiration du public comme des critiques. Sa carrière en plein essor fait d’elle une actrice incontournable à Hollywood.

Sebastian Stan (Bucky Barnes / Winter Soldier)

Sebastian Stan est indissociable de son rôle de Bucky Barnes, alias le Soldat de l’Hiver, qu’il incarne depuis Captain America: First Avenger (2011). Présent dans plusieurs films du MCU, on le retrouve notamment dans Captain America : Civil War, Infinity War, Endgame et la série Falcon et le Soldat de l’Hiver. Hors Marvel, il s’est illustré dans Moi, Tonya, Pam & Tommy ou encore Fresh, où il explore des registres plus sombres et psychologiques. Il a également montré son talent dans The 355 ou We Have Always Lived in the Castle. Avec son regard intense et son jeu nuancé, Stan s’impose comme un acteur capable d’incarner la vulnérabilité derrière la façade d’un héros brisé. Sa polyvalence lui permet de naviguer avec aisance entre blockbusters et productions indépendantes.

David Harbour (Red Guardian)

Déjà aperçu dans Black Widow, David Harbour revient dans Thunderbolts en tant qu’Alexei Shostakov, alias Red Guardian. Connu du grand public pour son rôle culte de Jim Hopper dans Stranger Things, il a aussi joué dans Hellboy (2019), Violent Night et Les Noces Rebelles. Son mélange de charisme bourru et d’autodérision en fait un acteur très apprécié dans les rôles de figures paternelles atypiques. Il a également marqué des rôles dans Equalizer ou Frankenstein's Monster's Monster, Frankenstein. Acteur de caractère, il s’épanouit aussi bien dans des univers fantastiques que dans des drames ancrés dans le réel. Sa popularité durable repose sur sa capacité à incarner des personnages profondément humains avec une touche d’humour noir.

Wyatt Russell (John Walker / U.S. Agent)

Wyatt Russell a marqué les esprits en incarnant John Walker dans Falcon et le Soldat de l’Hiver, un personnage complexe oscillant entre loyauté et dérive. Fils de Kurt Russell et Goldie Hawn, il s’est d’abord fait connaître avec 22 Jump Street, Overlord ou la série Lodge 49. Il s’illustre dans des rôles de personnages ambigus, souvent tiraillés entre héroïsme et violence contenue. Avec son charisme non conventionnel, il s’impose dans des rôles rugueux et nuancés qui brouillent les frontières du bien et du mal. Sa capacité à jouer des personnages moralement complexes le rend idéal pour des récits sombres et captivants.

Hannah John-Kamen (Ava Starr / Ghost)

Hannah John-Kamen reprend son rôle de Ghost, introduit dans Ant-Man et la Guêpe. Avant cela, elle était connue pour ses apparitions dans les séries Black Mirror (Playtest), Game of Thrones ou encore Killjoys, où elle tenait l’un des rôles principaux. Elle a également joué dans Resident Evil: Welcome to Raccoon City et Ready Player One. Une actrice dynamique, habituée aux rôles intenses et aux univers de science-fiction. On l’a aussi vue dans Tomb Raider (2018) et The Stranger. Son énergie physique et son charisme font d’elle une figure montante du cinéma de genre, capable d’allier émotion et action. Sa polyvalence et sa présence magnétique à l’écran en font une actrice à suivre de près dans les années à venir.

Olga Kurylenko (Taskmaster)

Révélée en James Bond girl dans Quantum of Solace, Olga Kurylenko incarne Taskmaster, personnage mystérieux et redoutable vu pour la première fois dans Black Widow. Elle a aussi joué dans Oblivion aux côtés de Tom Cruise, Hitman, The Room et 7 Psychopathes. Entre action, science-fiction et thriller, elle s’est forgée une filmographie internationale éclectique. On a également pu la voir dans The November Man, ou Momentum. Polyglotte, elle alterne aisément les productions hollywoodiennes, européennes et indépendantes, avec une élégance qui la distingue dans le paysage du cinéma d’action. Son charisme discret et sa capacité à incarner des rôles variés lui confèrent une place unique à Hollywood.

Julia Louis-Dreyfus (Valentina Allegra de Fontaine)

Connue pour ses rôles comiques légendaires, Julia Louis-Dreyfus interprète la mystérieuse Valentina Allegra de Fontaine, apparue dans Black Widow, Falcon et le Soldat de l’Hiver et Black Panther: Wakanda Forever. Star de la sitcom Seinfeld puis de la série satirique Veep, elle a remporté de nombreux Emmy Awards. Sa présence dans le MCU apporte une touche d’ironie subtile et de manipulation politique bienvenue. Elle a également brillé dans Old Christine, All About Albert et You People. Grâce à son humour affûté et sa capacité à jouer des personnages de pouvoir, elle incarne une figure atypique dans l’univers Marvel.

Où regarder ces films et séries en streaming ?

Toutes ces œuvres sont disponibles sur les principales plateformes de streaming comme Disney+, Netflix, Prime Video, Canal+ ou Apple TV+. Grâce à JustWatch, vous pouvez rapidement vérifier leur disponibilité en fonction de vos abonnements. Profitez-en pour créer votre propre liste personnalisée et activer les notifications afin de ne jamais manquer les nouveautés concernant vos acteurs et actrices favoris. Cliquez simplement sur les logos des plateformes ci-dessous pour filtrer les résultats selon vos préférences, ou réinitialisez la sélection pour découvrir toute l'offre disponible. Une façon simple et efficace de rester au cœur de vos univers cinématographiques préférés.

Si l’on connaît par cœur les épisodes numérotés de la saga Star Wars, l’univers imaginé par George Lucas s’est aussi déployé hors de ses sentiers balisés. Séries dérivées, récits parallèles, films autonomes ou anthologies animées : ces œuvres racontent l’envers du décor et mettent en lumière des personnages secondaires ou de nouvelles époques.

Elles offrent une lecture plus vaste, plus nuancée, d’une galaxie en perpétuelle expansion. En avril 2025, la sortie de la saison 2 d’Andor sur Disney+ a confirmé l’ambition narrative de ces spin-offs. Voici un classement , des projets les plus marquants, hors saga principale — du plus acclamé au plus contesté.

1. Star Wars : Andor (2022–2025)

Andor surprend en s’imposant comme la série Star Wars la plus aboutie à ce jour. Centrée sur Cassian Andor (introduit dans Rogue One), elle explore la montée en puissance de la rébellion dans un Empire totalitaire. Le scénario dense, l’écriture adulte et la mise en scène soignée en font une œuvre engagée, proche du thriller politique. Loin des sabres laser et du folklore habituel, Andor se démarque par son réalisme et la richesse de ses personnages. La deuxième saison, sortie en avril 2025, confirme la maturité et l’ambition de cette série incontournable. La narration prend le temps de développer chaque personnage, en mettant l’accent sur les dilemmes moraux et les sacrifices personnels liés à la lutte contre l’oppression. L’univers en sort grandi, plus humain, plus crédible.

2. The Mandalorian (2019–)

Avec The Mandalorian, Disney+ a frappé fort en lançant une série à la fois accessible, élégante et respectueuse du canon. On y suit Din Djarin, un chasseur de primes solitaire, dans une aventure à la frontière du western et du space opera. L’arrivée de Grogu (alias Baby Yoda) a séduit le public, tandis que la mise en scène sobre et efficace a su redonner confiance dans l’univers Star Wars après la postlogie. La série, qui s'inspire des codes du western et du cinéma d’aventure classique, a su créer une véritable dynamique de renouveau dans la galaxie. Un succès critique et populaire devenu un pilier du renouveau de la franchise.

3. The Clone Wars (2008–2020)

Série animée emblématique, The Clone Wars comble les lacunes entre les épisodes II et III de la saga. Elle approfondit les personnages d'Anakin, Obi-Wan et introduit Ahsoka Tano, tout en explorant les complexités de la guerre des clones. Avec une narration mature et des arcs narratifs captivants, la série a redéfini l'univers Star Wars pour de nombreux fans. Sa capacité à mêler action spectaculaire, enjeux politiques et réflexions morales en fait une œuvre riche et marquante. La dernière saison, diffusée en 2020, offre une conclusion spectaculaire.

4. Star Wars :  Tales of the Jedi (2022–)

Tales of the Jedi est une série d’anthologie qui explore en parallèle la jeunesse d’Ahsoka Tano et l’évolution de Dooku avant qu’il ne devienne un Seigneur Sith. Bien que courte, elle enrichit efficacement l’univers et propose une animation soignée. Les épisodes consacrés à Dooku offrent un éclairage passionnant sur son basculement du côté obscur, rarement abordé avec autant de nuance. La série ose ralentir le rythme pour creuser la psychologie de ses personnages, offrant une vision plus introspective de la Force. Une belle réussite pour les amateurs de The Clone Wars et de récits plus profonds.

5. Star Wars Rebels (2014–2018)

Souvent considérée comme la suite spirituelle de The Clone Wars, Star Wars Rebels gagne en puissance au fil de ses saisons. Elle suit un petit groupe de résistants avant la création de l’Alliance rebelle, avec un ton plus mature que sa cible jeunesse initiale le laissait penser. Le développement de personnages comme Ezra, Kanan ou Thrawn apporte une vraie profondeur, et les liens avec les autres arcs narratifs sont habilement tissés. La série explore aussi la montée de l’Empire à travers les yeux de civils et d’insurgés, apportant une perspective plus ancrée dans la réalité quotidienne de la galaxie. Un incontournable pour les fans de l’univers étendu.

6. Rogue One: A Star Wars Story (2016)

Véritable mission-suicide dans l’univers Star Wars, Rogue One raconte comment un groupe de rebelles s’est sacrifié pour voler les plans de l’Étoile de la Mort. Mettant l’accent sur la guerre, la tension et les choix moraux, le film de Gareth Edwards s’affirme comme une œuvre adulte et sombre. Loin du manichéisme habituel, il mêle action et tragédie avec justesse. L’apparition finale de Dark Vador reste mémorable, et le ton réaliste tranche avec le reste de la saga. Le casting, porté par Felicity Jones, Diego Luna et Ben Mendelsohn, participe aussi à l’intensité du récit, qui trouve un équilibre rare entre spectacle et gravité.

7. Star Wars: The Bad Batch (2021–)

Spin-off direct de The Clone Wars, The Bad Batch suit un groupe de clones aux capacités uniques après la chute de la République. La série explore les conséquences immédiates de l’Ordre 66, tout en offrant un regard plus intime sur les soldats jadis loyaux. Avec une animation de qualité, des personnages bien caractérisés et une tonalité plus sombre que prévu, la série réussit à enrichir la période post-clonique. Elle met en lumière les mutations politiques de la galaxie, vues à travers les yeux de figures en marge, ce qui donne une épaisseur inattendue à l’intrigue. Une extension solide et bienvenue de l’univers animé de Star Wars.

8. Ahsoka (2023)

Ahsoka suit Ahsoka Tano, ancienne padawan d'Anakin Skywalker, dans sa quête pour retrouver le Grand Amiral Thrawn. Avec Rosario Dawson dans le rôle-titre, la série mélange action, mysticisme et exploration de la Force. Bien que certains critiques aient trouvé le rythme inégal, Ahsoka offre des moments forts et approfondit le lore de la galaxie. En prolongeant l’univers narratif de Rebels, elle joue la carte de la continuité pour ravir les fans de longue date tout en introduisant de nouveaux enjeux. Elle s’inscrit pleinement dans la continuité de Rebels et pose les bases de futurs récits.

9. Star Wars: Visions (2021–)

Projet original et audacieux, Star Wars: Visions propose des courts-métrages animés réalisés par des studios du monde entier, chacun avec son style et son interprétation personnelle de l’univers Star Wars. Cette série anthologique offre un espace de liberté rare dans la franchise, avec des récits expérimentaux, visuellement bluffants et parfois poétiques. Si tous les segments ne se valent pas, l’ensemble constitue une bouffée d’air frais qui prouve la richesse créative de la galaxie lointaine, très lointaine. Ce format unique permet aussi d’explorer des thèmes philosophiques ou spirituels avec une inventivité rarement vue dans les formats canoniques de la saga.

10. Obi-Wan Kenobi (2022)

Attendue depuis longtemps, la mini-série Obi-Wan Kenobi réunit Ewan McGregor et Hayden Christensen dans une aventure se déroulant entre les épisodes III et IV. Malgré des moments forts et une belle performance de McGregor, la série souffre de maladresses visuelles, d’incohérences de rythme et d’une intrigue parfois étirée. Elle offre néanmoins un regard touchant sur la culpabilité d’Obi-Wan et approfondit la psychologie de Dark Vador. Un projet imparfait mais sincère, qui gagne en émotion au fil des épisodes.

11. Solo: A Star Wars Story (2018)

Solo: A Star Wars Story retrace la jeunesse de Han Solo, depuis sa rencontre avec Chewbacca jusqu’à ses débuts de contrebandier. Bien que porté par des décors convaincants et un Donald Glover charismatique en Lando Calrissian, Solo souffre d’un manque d’enjeu et d’une production mouvementée. Alden Ehrenreich peine à s’imposer en jeune Han Solo, et l’ensemble manque d’une véritable personnalité. Malgré tout, l’aventure reste divertissante, avec des séquences d’action efficaces et un regard intéressant sur l’origine de certaines légendes de la saga.

12. Le Livre de Boba Fett (2021)

Dérivé de The Mandalorian, Le Livre de Boba Fett suit le célèbre chasseur de primes alors qu’il prend le contrôle de l’empire criminel laissé par Jabba le Hutt. Si la série promettait un western spatial nerveux, elle souffre d’un rythme inégal, de choix narratifs discutables et d’un Boba Fett étonnamment pacifié. Malgré quelques épisodes réussis (notamment ceux centrés sur Din Djarin), la série peine à convaincre sur l’ensemble. Elle reste intéressante pour les fans complétistes, mais en retrait par rapport aux autres productions récentes.

13. Star Wars: Resistance (2018–2020)

Destinée à un public plus jeune, Star Wars: Resistance prend place juste avant les événements de la postlogie. On y suit Kazuda Xiono, jeune pilote recruté comme espion pour la Résistance. L’animation en cell-shading divise, et les enjeux restent relativement simples. Moins ambitieuse que The Clone Wars ou Rebels, la série a cependant le mérite d’élargir l’univers à une nouvelle génération. Elle trouve son public avec ses messages clairs, son ton léger et son accessibilité, sans marquer durablement la saga.

14. Skeleton Crew (2024)

Annoncée comme une aventure dans l’esprit des films d’Amblin des années 80, Skeleton Crew suit un groupe d’enfants perdus dans la galaxie, tentant de retrouver leur chemin avec l’aide d’un mystérieux adulte incarné par Jude Law. La série se distingue par son ton plus familial, tout en conservant les codes visuels et narratifs de l’univers Star Wars. Créée par Jon Watts, cette nouvelle production explore une facette plus intimiste et initiatique de la galaxie. En s’adressant à un public plus jeune sans sacrifier la qualité narrative, Skeleton Crew promet un voyage initiatique aussi étonnant que touchant.

Où voir ces séries et films Star Wars ?

Découvrez où chacun de ces titres est disponible en streaming selon vos plateformes préférées. Un indice : si vous avez Disney+ et que vous êtes fans de Star Wars, vous serez heureux. Sur JustWatch, vous pouvez consulter leur disponibilité précise, créer votre propre liste de visionnage et filtrer selon vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour personnaliser votre recherche et ne rien rater des prochaines productions galactiques.

Les meilleurs scénarios sortent souvent des pages d’un livre. Des classiques comme des récits encore jamais portés à l’écran, les adaptations sont un exercice d’équilibriste pour les cinéastes qui s’y frottent. Quelles sont celles qui feront l’actu ciné de 2025 ?

Nous vous proposons un guide JustWatch des dix adaptations de best-sellers les plus attendues de l’année, déjà sorties au cinéma ou très attendues. Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming, quand elles seront disponibles.

La Femme de ménage

La saga littéraire de Freida McFadden, traduite en 40 langues et vendue à plus de 4,5 millions d’exemplaires dans le monde, va avoir le droit à une adaptation cinématographique. La date de sortie au cinéma de La Femme de ménage est déjà connue : le 24 décembre 2025, ainsi que le casting. Réalisé par Paul Feig, le long métrage sera porté entre autres par Sydney Sweeney dans le rôle de Millie, Amanda Seyfried dans celui de sa patronne.

Le pitch : Millie fait le ménage dans la maison des Winchester, famille new-yorkaise aisée chez qui elle est hébergée, s’occupant également de leur fille. Sous des dehors respectables, sa patronne, Nina, se montre de plus en plus toxique.

Changer l’eau des fleurs

Jean-Pierre Jeunet (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain) adapte le livre de Valérie Perrin publié en 2018 et écoulé à plus d’un million d’exemplaires. L’actrice principale sera Leïla Bekhti, entourée de Matthias Schoenaerts et Dominique Pinon. Aucune date de sortie n’a pour l’instant été annoncée.

Le pitch : Violette Toussaint est gardienne de cimetière. Les gens de passage et les habitués viennent se réchauffer dans sa loge et discuter à bâtons rompus autour d’un café. Un jour, un commissaire de police vient frapper à sa porte et pose des questions sur un couple qui repose dans le cimetière.

Bridget Jones : folle de lui

Quatrième livre de la saga Bridget Jones, ce dernier volet des aventures de la célibataire la plus farfelue d’Angleterre est aussi l’adaptation du troisième roman d’Helen Fielding publié en 2013. Renée Zellweger endosse une nouvelle fois le rôle de l’héroïne et Hugh Grant, après avoir été absent du troisième volet, est de retour ! Le film est sorti le 12 février 2025 au cinéma.

Le pitch : Désormais âgée de 52 ans et mère de deux enfants, Bridget Jones organise sa vie après le décès de Mark Darcy, après avoir vécu dix ans de bonheur. Elle est en quête de l’homme idéal mais ce n’est pas facile de se remettre sur le marché du célibat.

Verity

Vendu à plus de 2 millions d’exemplaires à travers le monde depuis sa sortie en librairie en 2018, le phénomène littéraire de l’autrice américaine Colleen Hoover est bientôt porté à l’écran. Au casting de ce thriller psychologique glaçant : Anne Hathaway dans le rôle-titre, Dakota Johnson et Josh Hartnett. Le tournage s’est achevé en avril 2025 et le film devrait peut-être sortir cette même année.

Le pitch : Lowen Ashleigh, une romancière en difficulté financière, se voit proposer par Jeremy Crawford une opportunité inespérée : terminer la série de romans à succès de sa femme, la célèbre Verity Crawford, accidentée et désormais incapable d’écrire. Installée dans la maison du couple, elle découvre un manuscrit dans le bureau de l’écrivaine où sont consignées des confessions glaçantes sur sa vie et son couple.

Klara et le soleil

Paru en 2021, le huitième roman de l’écrivain britannique Kazuo Ishiguro récompensé d’un Prix Nobel de littérature pour l’ensemble de son oeuvre, est l’objet d’une adaptation cinématographique : le réalisateur néo-zélandais Taika Waititi s’y attelle avec un casting de choix, comptant notamment la jeune Jenna Ortega. Prochainement en salles.

Le pitch : Klara est un robot créé pour empêcher les adolescents de devenir solitaires. Elle tente de sauver une famille d’humains avec laquelle elle connaît son premier chagrin d’amour. 

Connemara

Alex Lutz adapte le roman Connemara de l’écrivain français Nicolas Mathieu, déjà récemment adapté au cinéma par les frères Boukherma avec Leurs enfants après eux (Prix Goncourt 2018), sorti en décembre 2024. Connu en tant que comédien, Alex Lutz est déjà passé derrière la caméra avec quatre films à son actif donc Guy. Présenté au Festival de Cannes 2025, le film sortira en salles le 10 septembre prochain.

Le pitch : Issue d’un milieu modeste, Hélène a quitté depuis longtemps les Vosges. Aujourd’hui, elle a la quarantaine. Un burn-out brutal l’oblige à quitter Paris pour revenir dans la région de son enfance, entre Nancy et Epinal. Elle s’installe avec sa famille, retrouve un bon travail, mais un soir, elle croise Christophe, lointain objet de désir de ses années lycée. 

Mickey 17

Le cinéaste sud-coréen Bong Joon Ho (Parasite) a sorti le 16 avril 2025 au cinéma le film Mickey 17 avec Robert Pattinson, l’adaptation du roman de science-fiction du même nom. Une blockbuster de science-fiction empreint d’humour noir et qui fait réfléchir à l’avenir de l’humanité.

Le pitch : En difficulté financière, Mickey Barnes s’engage comme “remplaçable”, un poste où il est considéré comme jetable, envoyé dans des missions périlleuses ou utilisé comme cobaye pour des expérimentations mortelles. Grâce à une technologie de clonage, après chacune de ses morts, il est régénéré dans un nouveau corps. 

The Electric State

Les frères Joe et Anthony Russo adaptent le roman graphique Tales from the Loop, déjà transposé en série en 2020 pour la plateforme Prime Video de Simon Stalenhag. Millie Bobby Brown et Chris Pratt font équipe dans ce film rétro futuriste très divertissant. 

Le pitch : En 1990, une guerre entre humains et robots a plongé le monde dans le chaos. Quatre ans plus tard, une adolescente réalise que son nouvel ami robot lui a été envoyé par son frère disparu. Elle part à sa recherche et rencontre, en chemin, un vétéran qui va l’accompagner.

Frankenstein

Guillermo del Toro s’attaque à une figure culte du cinéma inspirée par la littérature classique : Frankenstein. La version du cinéaste mexicain autour du savant fou et sa créature devrait être fidèle au récit imaginé par l’autrice Mary Shelley avec un casting déjà dévoilé : Oscar Isaac et Jacob Elordi. La fiancée de Frankenstein prendra les traits de Mia Goth. Christoph Waltz fera aussi partie de la distribution.

Le pitch : En Europe de l’Est au 19e siècle, le docteur Pretorious part à la recherche de Frankenstein, que l’on croyait mort dans un incendie quarante ans plus tôt. Son but est de poursuivre les expériences du créateur du monstre, le Dr Frankenstein.

Running Man

Roman de Stephen King paru en 1982 sous le pseudo de Richard Bachman, The Running Man avait déjà inspiré le film Le prix du danger d’Yves Boisset avec Gérard Lanvin en 1983 et Running Man de Paul Michael Glaser avec Arnold Schwarzenegger en 1987. Cette année, c’est Edgar Wright (Baby Driver, Hot Fuzz) qui s’attaque à la mise en images du récit. Sortie le 5 novembre 2025.

Le pitch : The Running Man est un jeu télé ultra-populaire , “La Grande Traque”, dans lequel les candidats sont poursuivis par des chasseurs à travers le monde dans une compétition mortelle durant 30 jours.

Où voir les adaptations cinématographiques les plus attendues de 2025 ?

Une fois qu’ils seront sortis au cinéma, les films adaptés d'œuvres littéraires les plus marquants de 2025 seront disponibles à la location ou en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Actrice britannique à la carrière fulgurante, Florence Pugh s’est imposée comme l’une des figures les plus marquantes de sa génération. En avril 2025, elle est à l'affiche de Thunderbolts, un nouveau film Marvel très attendu dans lequel elle reprend son rôle de Yelena Belova.

Ce blockbuster vient confirmer son statut d'actrice incontournable, aussi à l'aise dans le cinéma d'auteur que dans les superproductions. Voici 10 films incontournables portés par Florence Pugh, à voir ou revoir en streaming.

Midsommar (2019)

Dans Midsommar, Florence Pugh livre une prestation bouleversante dans le rôle de Dani, une jeune femme traumatisée qui rejoint une communauté suédoise aux rituels aussi fascinants qu’inquiétants. Réalisé par Ari Aster, ce film d’horreur psychologique en plein jour est devenu culte pour son esthétique hypnotique et son ambiance anxiogène. Le jeu nuancé de Pugh y est salué comme l’un des plus forts de sa carrière. Elle incarne brillamment le basculement psychologique d’un deuil vers une réinvention radicale de soi. Ce rôle intense a définitivement assis sa réputation dans le cinéma indépendant et d’auteur.

The Young Lady (2016)

Premier grand rôle de Florence Pugh, The Young Lady (Lady Macbeth en VO) est un drame britannique sombre et tendu où elle incarne une jeune femme étouffée par un mariage arrangé et la société patriarcale. Avec une maîtrise impressionnante, elle campe un personnage complexe, ambigu et déterminé, capable de cruauté comme de lucidité. Le film, porté par une mise en scène minimaliste et une tension constante, repose en grande partie sur sa performance. Ce rôle, acclamé par la critique, a révélé l’ampleur de son talent à l’international et ouvert la voie à ses futurs projets majeurs.

Les Filles du docteur March (2019)

Dans Les Filles du docteur March de Greta Gerwig, Florence Pugh joue Amy March, la cadette volontaire et ambitieuse de la famille. Longtemps considérée comme antipathique, Amy trouve ici une réhabilitation brillante grâce à l’interprétation de Pugh. Elle incarne avec justesse les contradictions de son personnage, entre soif d’indépendance et désir d’amour. Son interprétation réinvente un personnage souvent mal aimé en lui offrant profondeur et cohérence. Elle obtient une nomination aux Oscars pour ce rôle subtil et touchant aux côtés de Saoirse Ronan, Timothée Chalamet et Laura Dern. Une performance élégante et nuancée.

Don't Worry Darling (2022)

Thriller psychologique réalisé par Olivia Wilde, Don't Worry Darling met Florence Pugh au centre d’une communauté utopique et rétro-futuriste qui cache de sombres secrets. Face à Harry Styles et Chris Pine, elle impose son intensité dramatique et porte littéralement le film sur ses épaules. Son jeu traduit avec finesse la tension intérieure et la révolte progressive de son personnage. Sa performance a été unanimement saluée, même dans un film controversé pour ses conditions de production et sa réception critique divisée. Une démonstration de sa capacité à élever un récit bancal par la seule force de son interprétation.

Oppenheimer (2023)

Dans le biopic événement de Christopher Nolan, Oppenheimer, Florence Pugh joue Jean Tatlock, psychiatre et amante du scientifique interprété par Cillian Murphy. Bien que son rôle soit secondaire, elle marque les esprits par son intensité, sa sensibilité à fleur de peau et la charge émotionnelle qu’elle apporte au récit. Elle parvient à humaniser un film dense et cérébral en incarnant un personnage écartelé entre passion, engagement et fragilité. Aux côtés d’Emily Blunt, elle tient tête à un casting prestigieux et laisse une empreinte durable malgré son temps d’écran limité.

Dune : Deuxième partie (2024)

Dans Dune : Deuxième partie de Denis Villeneuve, Florence Pugh incarne la princesse Irulan Corrino, un personnage stratégique et observateur au cœur des jeux de pouvoir de l’univers de Frank Herbert. Entourée d’un casting prestigieux (Zendaya, Timothée Chalamet, Austin Butler), elle insuffle calme et intelligence à un rôle en apparence discret mais fondamental. Sa présence élégante prépare aussi son implication dans les futures suites de la saga. Ce rôle confirme son intégration dans les plus grandes franchises contemporaines et montre sa capacité à évoluer dans les univers de science-fiction les plus ambitieux.

The Wonder (2022)

The Wonder, réalisé par Sebastián Lelio, se déroule dans l’Irlande du XIXe siècle, où une infirmière anglaise est chargée d’observer une fillette qui ne s’alimente plus mais reste en vie. Florence Pugh y campe une héroïne rationnelle, méthodique et empathique confrontée à un mysticisme local et à la pression religieuse. Le film, sombre et contemplatif, lui permet d’exprimer toute la finesse de son jeu dans un rôle introspectif, tout en tension intérieure. Avec un style visuel soigné et une narration lente, The Wonder met en valeur sa capacité à transmettre des émotions profondes à travers des silences et des regards.

A Good Person (2023)

Dans ce drame écrit et réalisé par Zach Braff, A Good Person suit une jeune femme tentant de se reconstruire après un accident tragique qui bouleverse sa vie et son entourage. Florence Pugh livre une prestation brute, honnête et émotive face à Morgan Freeman, dans un duo inattendu mais touchant. Le film aborde des thématiques lourdes comme la culpabilité, la dépression et le besoin de pardon, avec beaucoup de délicatesse. Une performance à fleur de peau, sincère et nuancée, qui confirme sa capacité à porter un récit dramatique sur ses seules épaules.

Le Chat potté 2 : La dernière quête (2022)

Dans Le Chat Potté 2 : la dernière quête, Florence Pugh prête sa voix à Boucle d’Or, une orpheline devenue cheffe de bande aux côtés des Trois Ours. Le film d’animation DreamWorks est une aventure colorée, drôle et visuellement impressionnante, qui s’adresse aussi bien aux enfants qu’aux adultes. Le personnage de Boucle d’Or, audacieux, sensible et loyal, bénéficie pleinement du charisme vocal de l’actrice. Sa performance contribue à moderniser ce conte classique en lui apportant humour et émotion. Un rôle vocal marquant qui prouve sa polyvalence, même dans l’animation.

Une famille sur le ring (2019)

Basé sur une histoire vraie, Une famille sur le ring (Fighting with My Family) raconte le parcours de Saraya, une jeune catcheuse britannique issue d’un milieu modeste, propulsée sur le devant de la scène WWE. Florence Pugh campe ce rôle avec énergie, autodérision et émotion. Elle alterne entre moments de doute, relations familiales compliquées et combativité dans un monde dominé par les apparences. Produit par Dwayne Johnson, le film mêle humour, inspiration et culture populaire. Une belle entrée dans le cinéma américain, chaleureuse et efficace.

Thunderbolts (2025)

Sorti le 30 avril 2025, Thunderbolts marque le retour de Florence Pugh dans l’univers Marvel, où elle reprend son rôle de Yelena Belova. Ce film réunit plusieurs antihéros de la saga pour une mission risquée sous l’égide du gouvernement. À ses côtés, on retrouve David Harbour, Sebastian Stan, Wyatt Russell, Olga Kurylenko ou encore Julia Louis-Dreyfus. Pugh y confirme son statut de figure centrale du MCU post-Avengers, dans un rôle physique, sarcastique et plein d’ironie mordante. Un blockbuster rythmé qui démontre son aisance dans le registre de l’action grand spectacle.

Où voir les films de Florence Pugh en streaming ?

Toutes ces œuvres sont disponibles sur les principales plateformes de streaming, notamment Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+, Disney+ ou encore OCS. Sur JustWatch, vous pouvez facilement vérifier leur disponibilité en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour afficher uniquement les titres accessibles avec vos services, ou cliquez sur « réinitialiser » pour consulter l’ensemble de la sélection. N'oubliez pas de créer votre propre liste personnalisée et d'activer les notifications pour ne rien manquer de vos acteurs favoris.

Depuis sa diffusion sur Apple TV+, la série Severance, créée par Dan Erickson et mise en scène en grande partie par Ben Stiller, s’est rapidement imposée comme une œuvre majeure de la fiction télévisuelle contemporaine.

En alliant thriller psychologique, science-fiction d’anticipation et satire du monde du travail, elle bouscule les repères du spectateur tout en instaurant un climat d’angoisse feutré. Son esthétique épurée, son univers dystopique et son propos sur la perte d’identité dans les systèmes bureaucratiques ont marqué les esprits.

Mais au-delà de son concept glaçant et de sa mise en scène millimétrée, Severance repose sur un casting d'une rare cohérence. Chaque interprète y déploie une palette nuancée, souvent en contraste avec ses rôles précédents. Voici pourquoi ces visages vous semblent familiers, et dans quelles autres productions vous avez pu les croiser.

Adam Scott (Mark)

Adam Scott incarne Mark, le personnage principal de Severance, un employé endeuillé qui accepte de "scinder" sa mémoire pour échapper à la douleur. Ce rôle dramatique marque un tournant dans sa carrière, mais vous l'avez sans doute connu dans un tout autre registre. Adam Scott est surtout célèbre pour avoir interprété Ben Wyatt dans Parks and Recreation, la comédie culte où il formait un duo emblématique avec le personnage de Leslie Knope (Amy Poehler). On se souvient de lui aussi dans le film La Vie rêvée de Walter Mitty avec Ben Stiller. Il est aussi apparu dans Big Little Lies, The Good Place, Step Brothers ou encore Party Down. Sa polyvalence entre humour absurde et intensité dramatique en fait un acteur très prisé du petit écran.

Britt Lower (Helly)

Dans Severance, Britt Lower campe Helly, nouvelle recrue rebelle du service Lumon, dont le parcours soulève de profondes questions sur le libre arbitre. Si son visage vous dit quelque chose, c’est sans doute grâce à la série Man Seeking Woman, où elle jouait Rosa, ou encore à ses apparitions dans High Maintenance ou Unforgettable. Elle a aussi fait une apparition remarquée dans Future Man. Britt Lower impressionne par sa présence à l'écran et sa capacité à osciller entre fragilité, révolte et mystère. Severance lui offre un véritable rôle de révélation.

Patricia Clarkson (Harmony Cobel)

L'actrice énigmatique derrière Harmony Cobel, la gestionnaire glaçante du bureau de Mark, est Patricia Clarkson. Récompensée à plusieurs reprises pour ses rôles au cinéma et à la télévision, elle est connue pour ses performances dans Six Feet Under, Sharp Objects (où elle joue la mère abusive d'Amy Adams) ou encore House of Cards. Au cinéma, on a pu la voir dans Shutter Island, Good Night, and Good Luck ou Pieces of April. Dans Severance, elle livre une performance glaçante, à la fois méthodique et imprévisible, qui contribue largement à l’atmosphère oppressante de la série.

John Turturro (Irving)

John Turturro prête ses traits à Irving, un employé strict et rigide, très investi dans les règles de l'entreprise. C’est l’un des acteurs les plus respectés du cinéma indépendant américain. Il est célèbre pour ses collaborations avec les frères Coen (Barton Fink, The Big Lebowski, O Brother), ainsi que pour ses rôles dans Do the Right Thing de Spike Lee ou The Night Of sur HBO. Son jeu économe et élégant confère à son personnage une profondeur inattendue. Dans Severance, son duo avec Christopher Walken ajoute une touche d’humanité subtile et bouleversante.

Christopher Walken (Burt)

Dans Severance, Christopher Walken incarne Burt, un employé d'un autre département avec qui Irving développe une relation touchante. Walken est une icône hollywoodienne, oscarisé pour Voyage au bout de l'enfer et connu pour ses rôles marquants dans Pulp Fiction, Arrête-moi si tu peux, Sleepy Hollow ou The Dead Zone. Sa présence singulière et son charisme décalé apportent une dimension poétique au personnage de Burt, tout en ancrant la série dans un répertoire de références cinématographiques puissantes. Voir un acteur de cette envergure dans une série aussi contemporaine est un vrai plaisir pour les cinéphiles.

Zach Cherry (Dylan)

Zach Cherry joue Dylan, employé loyal et suspicieux, souvent en tension entre ses obligations et ses instincts. Son visage vous est peut-être familier car il apparaît dans plusieurs comédies modernes, notamment You, Crashing ou encore Succession. Il a également un petit rôle dans Shang-Chi et la Légende des Dix Anneaux. Son sens du timing comique et son énergie à l’écran offrent à Severance un contrepoint plus vivant, à mi-chemin entre la satire et la tragédie. Sa performance ancrée dans une humanité brute contribue à rendre le personnage de Dylan l'un des plus attachants de la série.

Où regarder ces films et séries en streaming ?

Toutes ces œuvres sont disponibles sur les principales plateformes de streaming, notamment Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+, Disney+ ou encore OCS. Sur JustWatch, vous pouvez facilement vérifier leur disponibilité en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour afficher uniquement les titres accessibles avec vos services, ou cliquez sur « réinitialiser » pour consulter l’ensemble de la sélection. N'oubliez pas de créer votre propre liste personnalisée et d'activer les notifications pour ne rien manquer de vos acteurs favoris.

Le tapis rouge du 78e Festival de Cannes n’a pas encore été déroulé mais les films de l’édition 2025 font déjà parler d’eux. Qui succèdera à Sean Baker pour la Palme d’or après le succès d’Anora, couronné aussi de cinq Oscars ? Quel film, même hors compétition, créera l’événement au Palais des festivals ?

Nous vous proposons un guide JustWatch des dix films les plus attendus de cette nouvelle édition du Festival de Cannes, pour vous y retrouver dans la longue liste d’oeuvres présentées aux différents jurys et au public. Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming, quand elles seront disponibles.

Alpha, de Julia Ducournau (En compétition)

Après sa Palme d’or en 2021 pour Titane, la cheffe de fil du cinéma de genre à la française, Julia Ducournau, revient cette année avec Alpha. L’histoire d’une adolescente de 13 ans agitée qui vit seule avec sa mère. Leur monde s’écroule quand, un jour, elle rentre de l’école avec un tatouage sur le bras. Avec Tahar Rahim. Sortie prévue au cinéma le 20 août prochain.

Mission : Impossible - The Final Reckoning, de Christopher McQuarrie (Hors compétition)

Mission Impossible 8 débarque sur la croisette pour une présentation hors compétition en avant-première mondiale de ce qui sera dans doute le dernier film de la saga d’action et d’espionnage portée par Tom Cruise. Toujours très engagé dans ses cascades, Tom Cruise en a déjà dévoilé une où il est suspendu à un biplan des années 1930 fonçant à travers l’Afrique du Sud. Sortie prévue en France le 21 mai prochain.

The Phoenician Scheme, de Wes Anderson (En compétition)

Le magnat Anatole “Zsa-zsa” Korda, un des hommes les plus riches d’Europe, désigne sa fille, la nonne Soeur Liesl, comme seule héritière de l’entreprise, alors qu’elle a neuf frères. Deux ans après Asteroid City, présenté aussi à la Croisette, Wes Anderson débarque à Cannes avec The Phoenician Scheme sur un scénario cosigné avec Roman Coppola et un casting 5 étoiles : Benicio del Toro, Mia Threapleton (la fille de Kate Winslet), Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson… Sortie prévue le 29 mai au cinéma.

Eleanor The Great, de Scarlett Johansson (Un certain regard)

Après un court-métrage réalisé en 2009, Scarlett Johansson passe au long avec son premier film Eleanor The Great. Il raconte la vie d’Eleanor Morgenstein, une femme de 90 ans qui tente de reconstruire sa vie après la mort de sa meilleure amie, notamment en quittant la Floride pour New York.

Vie privée, de Rebecca Zlotowski (Hors Compétition)

Après avoir dirigé la star américaine Natalie Portman dans Planétarium, la réalisatrice française Rebecca Zlotowski met cette fois en scène Jodie Foster, dans le rôle d’une célèbre psychiatre qui, lors du décès d’une de ses patientes, commence à enquêter, convaincue de son meurtre. Sortie prévue le 26 novembre au cinéma.

Partir un jour, d’Amélie Bonnin (Hors compétition)

Pour son premier rôle, Juliette Armanet interprète Cécile qui s’apprête à ouvrir son restaurant gastronomique quand l’infarctus de son père la contraint de rentrer dans le village de son enfance. Loin de l’agitation parisienne, elle recroise son amour de jeunesse. Sortie prévue le 13 mai au cinéma pour ce film qui fera l’ouverture du festival.

The History of Sound, d’Oliver Hermanus (En compétition)

Le comédien archi-demandé Paul Mescal (Gladiator II) revient dans un drame intimiste façon Le secret de Brokeback Mountain mais au temps de la Première Guerre mondiale. Avec Josh O’Connor, ils interprètent le rôle de deux hommes qui se rencontrent en 1916, puis partent ensemble à l’été 1919 pour enregistrer les voix et la musique de leurs compatriotes américains.

Highest 2 Lowest, de Spike Lee (Hors Compétition)

Spike Lee vient présenter aux jurés cannois son nouveau thriller new-yorkais, porté par Denzel Washington, remake contemporain de Entre le ciel et l’enfer, un classique d’Akira Kurosawa. Le comédien américain y joue un magnat de la musique, réputé pour avoir “les meilleures oreilles de la profession”, qui est la cible d’une demande de rançon qui l’accule à un dilemme moral, entre vie et mort.

Eddington, d’Ari Aster (En compétition)

Le génial Joaquin Phoenix, qu’Ari Aster avait déjà fait jouer dans son film Beau is Afraid, se frotte à l’interprète-star de The Last of Us, Pedro Pascal, dans un western horifique situé dans une petite ville du Nouveau-Mexique où l’un joue le shérif et l’autre le maire, en conflit. Avec également Emma Stone et Austin Butler au casting. Sortie le 16 juillet au cinéma.

La disparition de Josef Mengele (En compétition)

L’adaptation du livre d’Olivier Guez, signé par Kirill Serebrennikov (quatre fois nommés pour la Palme d’or), revient sur les années de fuite du médecin nazi qui trouva refuge en Amérique du Sud à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Originalité de l’oeuvre, elle est entièrement racontée du point de vue du fugitif, qui tente d’échapper à son destin alors même qu’il prend conscience des crimes nazis.

Où voir les films les plus attendus du Festival de Cannes 2025 ?

Une fois qu’ils seront sortis au cinéma, les films marquants de la 78e édition du Festival de Cannes seront disponibles à la locations ou en streaming. Notre guide vous donnera alors toutes les informations nécessaires. Vous pourrez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les émissions tous services confondus.

La saison 2 de The Last of Us, confirme l’ambition de la série de HBO : mêler intensité émotionnelle et action brutale, dans un univers post-apocalyptique toujours plus riche. Si Pedro Pascal et Bella Ramsey reprennent leur duo marquant, cette nouvelle salve d’épisodes introduit également une galerie de personnages inédits interprétés par des acteurs bien connus du grand public.

Drames, blockbusters ou thrillers acclamés : les membres de ce casting impressionnant ont déjà laissé leur empreinte ailleurs. Voici où vous les avez déjà vus avant de les retrouver dans l’univers ravagé de The Last of Us.

Bella Ramsey (Ellie)

Bella Ramsey, déjà inoubliable dans la peau d’Ellie, s’est fait connaître grâce à son rôle de Lyanna Mormont dans Game of Thrones, où elle volait la scène à chaque apparition. Elle a aussi brillé dans le film médiéval Le Livre de Catherine réalisé par Lena Dunham, avec un jeu alliant humour et gravité. Elle a également doublé le personnage principal de la série d'animation Hilda sur Netflix, renforçant sa notoriété auprès d'un jeune public. Plus récemment, elle a reçu des critiques positives pour son interprétation dans Time, un drame carcéral britannique. Dans The Last of Us, elle incarne une Ellie forte, vulnérable, et toujours en évolution. Sa performance poignante continue d’être un pilier émotionnel de la série.

Pedro Pascal (Joel)

Pedro Pascal est devenu une immense star de la télévision grâce à des rôles mémorables comme Oberyn Martell dans Game of Thrones, Javier Peña dans Narcos et surtout Din Djarin dans The Mandalorian. Son jeu sobre et intense donne une dimension humaine à ses personnages, souvent hantés et protecteurs, tout en gardant une présence charismatique. Il a également prêté sa voix au personnage principal dans le film d'animation Le Robot Sauvage. Et prochainement, il rejoindra l'univers Marvel en incarnant Reed Richards dans Les 4 Fantastiques, un rôle très attendu qui marque ses premiers pas dans le MCU. En Joel, il incarne un survivant brisé mais profondément humain, capable d’émouvoir autant que d’impressionner. Sa présence reste centrale dans cette saison 2, portée par son interprétation toujours aussi juste.

Kaitlyn Dever (Abby)

Kaitlyn Dever, qui incarnera Abby dans la saison 2 de The Last of Us, est loin d’être une inconnue. Elle s’est révélée au grand public grâce à la série Unbelievable sur Netflix, où elle jouait une jeune femme victime de viol dont le témoignage est mis en doute. Elle a également brillé dans la comédie acide Booksmart, réalisée par Olivia Wilde, et dans le drame familial Dopesick, où elle tenait un rôle central face à Michael Keaton. Plus récemment, elle est apparue dans la série dramatique Apple Cider Vinegar, une production indépendante saluée pour son ton intimiste et son réalisme. Actrice précise, intense et capable de passer d’un registre à l’autre, elle semble parfaitement taillée pour donner vie à ce personnage complexe et physique.

Young Mazino (Jesse)

Young Mazino est surtout connu pour son rôle de Paul, le frère tourmenté dans Acharnés, la série dramatique de Netflix acclamée par la critique. Sa performance, tout en vulnérabilité et tension contenue, lui a valu une nomination aux Emmy Awards. Avec The Last of Us, il s’éloigne du cadre intimiste pour rejoindre un univers post-apocalyptique plus brutal, mais toujours ancré dans les relations humaines. Son charisme discret et sa sensibilité en font un choix logique pour interpréter Jesse, personnage à la fois loyal, empathique et fort.

Isabela Merced (Dina)

Isabela Merced, qui interprète Dina dans The Last of Us, a commencé sa carrière jeune, avec des rôles dans Transformers: The Last Knight et Dora et la cité perdue. Elle a récemment été saluée pour sa performance dans le film Sweet Girl sur Netflix, où elle partageait l’affiche avec Jason Momoa. Plus récemment encore, elle est apparue dans Madame Web. Capable de naviguer entre action, émotion et comédie, elle possède l’énergie et la tendresse nécessaires pour camper Dina, un personnage clé dans la dynamique de la saison 2.

Danny Ramirez (Manny)

Danny Ramirez est surtout connu du grand public pour son rôle du lieutenant Mickey Garcia dans Top Gun: Maverick, où il formait la relève aux côtés de Miles Teller. Il a aussi été vu dans The Falcon and the Winter Soldier, série Marvel où il incarnait Joaquin Torres, futur remplaçant potentiel du Faucon. Son style direct, son jeu physique et son aisance à l’écran font de lui un excellent choix pour le rôle de Manny, un personnage loyal et jovial, mais aussi redoutable en combat.

Ariela Barer (Mel)

Ariela Barer, qui jouera Mel dans The Last of Us, s’est fait connaître grâce à la série Runaways de Marvel, où elle incarnait Gert, une adolescente engagée et sarcastique. Elle a également tourné dans des films indépendants comme Sabotage, un thriller écologique salué pour son réalisme et son casting impliqué. Son jeu sincère et son regard intense lui permettent de camper des personnages à forte charge émotionnelle, ce qui colle parfaitement au rôle de Mel, chirurgienne en mission dans un monde en ruine.

Tati Gabrielle (Nora)

Tati Gabrielle est un visage familier des fans de séries. Elle a marqué les esprits dans Les Nouvelles Aventures de Sabrina où elle jouait Prudence, sorcière redoutable à l’élégance glaçante. On l’a également vue dans You (saison 3) dans le rôle de Marienne. Son style magnétique et mystérieux fait d’elle une interprète idéale pour incarner Nora, personnage impliqué dans les événements clés de l’intrigue d’Ellie. Tati Gabrielle sait transmettre la nuance même dans les situations les plus tendues.

Spencer Lord (Owen)

Spencer Lord est un nom encore discret mais que les fans de séries ont peut-être repéré dans des apparitions dans Riverdale ou DC's Legends of Tomorrow. Il a également joué dans des productions canadiennes plus confidentielles. Son rôle d’Owen dans The Last of Us pourrait bien marquer un tournant dans sa carrière, tant le personnage, tiraillé entre loyauté et humanité, offre de profondeur et de dilemmes moraux. À suivre de près dans cette saison.

Où regarder ces films et séries en streaming ?

Toutes ces œuvres sont disponibles sur les principales plateformes de streaming, notamment Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+, Disney+. Sur JustWatch, vous pouvez facilement vérifier leur disponibilité en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour afficher uniquement les titres accessibles avec vos services, ou cliquez sur « réinitialiser » pour consulter l’ensemble de la sélection. N'oubliez pas de créer votre propre liste personnalisée et d'activer les notifications pour ne rien manquer de vos acteurs favoris.

Ils effraient, manipulent, culpabilisent les princesses et nous avec, par empathie. Mais sans eux, les productions Disney n’auraient pas la même saveur ! Les méchants des studios américains constituent un sacré répertoire de personnages aux personnalités travaillées et aux looks improbables, dont les actes nuisibles n’ont jamais totalement réussi à réduire les héroïnes au silence ou à une malédiction sans fin.

Nous vous proposons un classement JustWatch des meilleurs méchants Disney qui excellent dans l’art de faire du mal à leur entourage, avec la liste des films d’animation dans lesquels les retrouver. Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming.

1. La Méchante Reine (Blanche-Neige et les sept nains)

Totalement vaniteuse, obsédée par sa propre beauté, la Méchante Reine du dessin animé Blanche-Neige est la première (1937) et la plus iconique des méchantes. Jalouse, froide et cruelle, elle va jusqu’à se transformer en vieille sorcière - vision d’horreur - pour offrir à Blanche-Neige une pomme empoisonnée.

2. Maléfique (La Belle au bois dormant)

Offensée de ne pas avoir été invitée au baptême de la princesse Aurore, cette terrifiante mais néanmoins élégante méchante lance une malédiction sur la jeune fille. Cette dernière se piquera le doigt à un fuseau à ses 16 ans et tombera dans un sommeil éternel. Maléfique a gagné en notoriété au fil des années grâce aux adaptations en live-action mettant en scène Angelina Jolie dans le rôle. 

3. Scar (Le Roi Lion)

Le frère jaloux du roi Mufasa, le dénommé Scar, a fomenté un coup d’Etat en s’alliant avec les hyènes. Voix grave, répliques venimeuses et cynisme mordant forment les atours de ce méchant lion qui ne pense qu’à régner en despote. 

4. Ursula (La petite sirène)

Sous l’océan, il n’y a pas que les lumineuses Ariel et ses sœurs mais également Ursula, une sorcière des mers omnisciente et pourvue de tentacules, bannie du royaume de Triton. Pour manipuler la petite sirène, elle utilise la ruse, négociant sa voix en échange de jambes humaines pour pouvoir approcher un beau prince. Machiavélique et démonstrative, Ursula rêve de contrôler les mers et les océans en récupérant le trident royal.

5. Jafar (Aladdin)

Avec son visage aiguisé comme une lame de couteau, Jafar, le vizir d’Agrabah, se verrait bien avec davantage de pouvoir en prenant le contrôle de la lampe magique. Doué pour utiliser l’hypnose et la sorcellerie, il n’hésite pas à transformer Jasmine en esclave et Aladdin en ennemi public n°1. 

6. Cruella (Les 101 dalmatiens)

Dans le dessin animé Les 101 dalmatiens, il y a évidemment les adorables chiots mais aussi l’antagoniste : Cruella, une riche héritière excentrique obsédée par les manteaux en fourrure au point de vouloir capturer tous les bébés chiens pour s’en confectionner un. Sa folie, son imprévisibilité et son absence totale de morale la rendent effrayante ! Sans compter son look avec son inimitable chevelure bicolore ! 

7. Capitaine Crochet (Peter Pan)

Il a à la place d’une main un crochet qui lui vaut son surnom de Capitaine Crochet. Pirate redoutable, il est constamment en conflit avec Peter Pan qui vit sur le même territoire, le Pays imaginaire. Menaçant et rancunier, il est aussi peureux dès qu’un crocodile s’agite dans l’eau. 

8. Lady Trémain (Cendrillon)

Elle a fait beaucoup de tort à la figure de la belle-mère : Lady Trémaine est aussi glaçante que ses filles (Javotte et Anastasie) sont odieuses. Avec son calme légendaire et ses regards pleins de mépris, elle a réduit Cendrillon à l’état de servante, abusant de son pouvoir.  

9. Hadès (Hercule)

Le dieu des Enfers, Hadès, est l’un des méchants les plus charismatiques de Disney. Avec ses cheveux de flammes bleues, son débit ultra-rapide et son tempérament explosif, il complote pour renverser Zeus et dominer l’Olympe. Entre humour noir, impatience et manipulation, il incarne le chaos autant que le sarcasme. 

10. Mère Gothel (Raiponce)

Les mères ne sont pas toujours bienveillantes. Celle (adoptive) de Raiponce, Mère Gothel, est carrément abusive : elle l’élève comme sa propre fille mais uniquement pour exploiter ses cheveux magiques qui lui permettent de rester jeune. Chantage affectif et contrôle psychologique en font une femme très perverse. 

Où voir en streaming les meilleures méchantes et les plus odieux méchants de l’univers Disney ?

Les films Disney n’auraient pas le même charme sans leur méchante ou méchant de service venant perturber l’équilibre des situations. Voici le classement des meilleurs spécimens selon notre ordre de préférence. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Depuis sa première apparition en 1964 dans les pages de Marvel Comics, Daredevil est devenu l'un des héros les plus populaires grâce à son histoire sombre, son courage et ses dilemmes moraux. Plusieurs adaptations télévisées et cinématographiques ont permis d'explorer son univers riche en drame et action. Voici une liste complète des séries et films Daredevil dans l'ordre chronologique, ainsi que les plateformes où vous pouvez les regarder.

Daredevil (2003)

Le film Daredevil, réalisé par Mark Steven Johnson, marque la première apparition du justicier aveugle sur grand écran. Ben Affleck incarne Matt Murdock, un avocat de jour et justicier masqué la nuit, animé par un sens aigu de la justice. Le récit oppose Daredevil au redoutable Caïd (Michael Clarke Duncan) et au tueur Bullseye (Colin Farrell), dans une ambiance sombre et stylisée. Malgré un accueil critique mitigé, notamment en raison de certains choix esthétiques et narratifs, le film pose les bases de l’univers cinématographique du personnage. Il se distingue par une bande-son marquée par l’esthétique rock des années 2000, des scènes de combat chorégraphiées et une volonté d’explorer le dilemme moral d’un héros partagé entre vengeance et justice. Ce long-métrage, bien qu'imparfait, a contribué à populariser Daredevil auprès du grand public et reste une étape importante dans l’évolution des films de super-héros.

Elektra (2005)

Le film Elektra, suite directe de Daredevil, réalisé par Rob Bowman, se concentre sur le personnage d'Elektra Natchios, incarnée par Jennifer Garner. Ressuscitée après sa mort par des techniques mystiques, elle devient une tueuse à gages solitaire, tiraillée entre sa formation létale et un désir de rédemption. Le film approfondit les dimensions spirituelles et mythologiques de son personnage, en introduisant l'organisation de La Main et des éléments surnaturels plus marqués. Malgré une mise en scène soignée et une volonté de créer une ambiance plus introspective, le film n’a pas rencontré le succès escompté, critiqué pour son scénario convenu et son rythme inégal. Il reste toutefois une tentative notable d’étendre l’univers Daredevil en donnant un rôle central à une héroïne tourmentée.

Daredevil (Série Netflix - 2015)

La série Daredevil, créée par Drew Goddard pour Netflix, est sans doute la meilleure adaptation du personnage à ce jour. Charlie Cox y incarne Matt Murdock, un avocat aveugle le jour et justicier la nuit, dans une approche sombre, réaliste et viscérale. Saluée pour son scénario mature, ses chorégraphies de combat spectaculaires et ses personnages profonds et nuancés, la série aborde les dilemmes moraux de "Daredevil" avec une justesse remarquable. Elle explore également l'impact psychologique de la double vie du héros et ses tensions constantes avec son entourage. Les affrontements avec des antagonistes comme Wilson Fisk (Vincent D'Onofrio) et le Punisher (Jon Bernthal) sont intenses, tant sur le plan physique qu'émotionnel. Portée par une réalisation soignée et une ambiance sombre, la série s'impose comme un incontournable du genre super-héroïque.

The Defenders (2017)

La mini-série The Defenders, crossover regroupant Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage et Iron Fist, est une étape centrale de l’univers Marvel sur Netflix. Les quatre héros s’allient pour affronter l’organisation criminelle La Main, dont les agissements mettent en péril toute la ville de New York. La série mise sur la complémentarité des personnages, leurs conflits de personnalités et leur évolution à travers une alliance fragile mais puissante. Charlie Cox y reprend son rôle de Daredevil avec intensité, tout en partageant l'écran avec Krysten Ritter, Mike Colter et Finn Jones. L’alchimie entre les héros, les combats chorégraphiés et les enjeux émotionnels confèrent à cette série une vraie tension dramatique. The Defenders constitue une conclusion partielle mais efficace à plusieurs arcs narratifs entamés dans les séries solo, en offrant une lecture collective des défis que posent la justice, l’unité et le sacrifice.

Spider-Man : No Way Home (2021)

Le film Spider-Man : No Way Home offre à Charlie Cox une apparition remarquée en tant que Matt Murdock, incarnant l'avocat aveugle dans une scène brève mais symbolique. Bien que sa participation soit courte, elle a un fort impact narratif : Daredevil est officiellement intégré au MCU. Cette inclusion, très attendue par les fans, ouvre la voie à une réintégration complète du personnage dans les futures productions Marvel. L'apparition de Cox a suscité un engouement considérable sur les réseaux sociaux, ravivant l'intérêt du public pour l'univers de Hell's Kitchen. C’est un clin d’œil discret mais porteur de grandes promesses pour l'avenir du justicier masqué.

She-Hulk : Avocate (2022)

Dans la série She-Hulk : Avocate, centrée sur Jennifer Walters (Tatiana Maslany), Daredevil apparaît dans un rôle significatif, permettant d’explorer une facette plus légère et inédite du personnage. Charlie Cox s’y montre à l’aise dans un registre plus comique, sans jamais trahir l’essence du héros sombre et torturé qu’il incarne depuis plusieurs années. Sa relation avec She-Hulk, mêlant flirt, affrontements et coopération, permet de redécouvrir Daredevil sous un jour plus humain et accessible. Les scènes d’action conservent leur intensité, mais sont ici teintées d’autodérision, prouvant que le personnage peut évoluer au sein du ton plus léger du MCU sans en perdre son identité profonde.

Daredevil : Born Again (2025)

La série Daredevil : Born Again marque le retour officiel de Charlie Cox dans un projet entièrement centré sur Matt Murdock. Inspirée du célèbre arc narratif de Frank Miller, cette nouvelle version promet une immersion plus sombre et réaliste dans la psyché du justicier de Hell's Kitchen. Le récit explore les conséquences de ses choix passés, ses conflits intérieurs face à la violence, à la foi et à la justice. Avec le retour de Vincent D’Onofrio dans le rôle du Caïd, et l’introduction de nouveaux personnages-clés du MCU, la série marque un tournant majeur dans l’univers Marvel télévisé. La réalisation mise sur une atmosphère plus mature et réaliste, mêlant introspection, action brute et tensions morales à haute intensité. Daredevil : Born Again renouvelle ainsi l’identité du personnage tout en restant fidèle à ses fondations.

Où regarder les séries et films Daredevil en streaming ?

Toutes ces adaptations sont disponibles principalement sur Disney+, ainsi que certaines sur Canal+. Sur JustWatch, vous pouvez facilement vérifier leur disponibilité selon vos abonnements. Cliquez sur les logos des plateformes pour afficher uniquement les contenus accessibles, ou réinitialisez la sélection pour découvrir l'intégralité des adaptations de Daredevil. N'oubliez pas de créer votre liste personnalisée et d'activer les notifications pour suivre toutes les nouveautés liées à votre héros préféré.

Certains films sont connus autant pour leur coût pharaonique que pour leur succès populaire. Cette sélection regroupe les 10 films les plus coûteux de l’histoire du cinéma, sans ajustement à l’inflation. Budgets astronomiques, effets spéciaux spectaculaires et castings impressionnants, découvrez ces productions colossales qui ont marqué l’industrie du divertissement.

1. Star Wars : Le Réveil de la Force (2015) - 407 millions €

Star Wars : Le Réveil de la Force, réalisé par J.J. Abrams, marque le retour très attendu de la célèbre saga galactique. Ce septième épisode, doté d’un budget colossal, replonge les fans dans l’univers emblématique de George Lucas avec de nouveaux héros tels que Rey, Finn et Poe Dameron. Visuellement spectaculaire, le film combine décors grandioses, effets spéciaux révolutionnaires et une bande sonore inoubliable signée John Williams. L’importance de ce budget s’explique en partie par le désir d’Abrams de privilégier des effets pratiques et des décors réels pour une expérience immersive. Un pari réussi qui relance la franchise avec brio auprès d’une nouvelle génération de spectateurs.

2. Jurassic World : Fallen Kingdom (2018) - 394 millions €

Jurassic World : Fallen Kingdom réalisé par J.A. Bayona, prolonge l'aventure préhistorique en emmenant le public sur Isla Nublar, menacée par une éruption volcanique. Le budget massif se justifie par des effets spéciaux impressionnants, des dinosaures toujours plus réalistes et des décors immenses. Le film mélange habilement thriller, aventure et réflexion éthique sur la manipulation génétique. Chris Pratt et Bryce Dallas Howard reprennent leurs rôles avec énergie, tandis que les scènes d’action vertigineuses et le suspense constant justifient pleinement son coût faramineux, confirmant ainsi l'attrait durable de cette franchise légendaire.

3. Star Wars : L'Ascension de Skywalker (2019) - 380 millions €

Star Wars : L'Ascension de Skywalker conclut la trilogie initiée par « Le Réveil de la Force » et réalise une véritable démonstration de moyens techniques et financiers. J.J. Abrams revient derrière la caméra pour offrir aux fans une conclusion spectaculaire, marquée par des batailles spatiales épiques et des décors monumentaux. Le budget immense permet des séquences visuelles particulièrement complexes et riches en effets spéciaux, ainsi qu’un casting prestigieux avec Daisy Ridley, Adam Driver et Oscar Isaac. Malgré les critiques mitigées, la grandeur visuelle et l'ambition narrative du film en font une œuvre incontournable du cinéma blockbuster contemporain.

4. Fast and Furious X (2023) - 346 millions €

Avec Fast and Furious X, la célèbre franchise automobile atteint des sommets en termes de budget et de spectacle. Réalisé par Louis Leterrier, ce dixième opus multiplie les cascades incroyables, les poursuites automobiles extravagantes et les décors internationaux somptueux. Vin Diesel, Michelle Rodriguez et un casting toujours plus impressionnant assurent une performance énergique à la hauteur de l’investissement colossal engagé. Les scènes d'action spectaculaires, tournées à travers le monde avec une démesure assumée, garantissent aux spectateurs une expérience visuelle intense et divertissante, justifiant amplement ce budget record.

5. Pirates des Caraïbes : La Fontaine de Jouvence (2011) - 346 millions €

Quatrième épisode de la saga populaire, Pirates des Caraïbes : La Fontaine de Jouvence, réalisé par Rob Marshall, bénéficie d’un budget spectaculaire pour recréer les aventures légendaires du capitaine Jack Sparrow, interprété par Johnny Depp. Entre des décors exotiques, des effets spéciaux complexes et des séquences en mer impressionnantes, le film se distingue par sa richesse visuelle et son ambition narrative. Ce chapitre, empli de mystère et d’aventure, transporte les spectateurs dans une quête pleine d'action et d'humour, confirmant la popularité de cette saga maritime au coût exorbitant.

6. Avengers : L'Ère d'Ultron (2015) - 333 millions €

Avengers : L'Ère d'Ultron, réalisé par Joss Whedon, rassemble à nouveau les héros Marvel dans un affrontement spectaculaire contre l’intelligence artificielle Ultron. Doté d'un budget impressionnant, le film excelle dans les effets spéciaux époustouflants, les scènes d’action explosives et une distribution composée de stars telles que Robert Downey Jr., Scarlett Johansson et Chris Hemsworth. L'ampleur du film, avec ses nombreuses scènes d'action complexes et sa réalisation ambitieuse, explique largement son coût astronomique. Ce deuxième volet des Avengers a marqué durablement les fans du MCU par son intensité visuelle et narrative.

7. Avengers : Endgame (2019) - 325 millions €

Avengers : Endgame représente le point culminant du Marvel Cinematic Universe. Réalisé par les frères Russo, il conclut de manière épique et émouvante l’arc narratif débuté une décennie plus tôt. Le budget conséquent est pleinement justifié par la complexité des effets spéciaux, les nombreuses batailles spectaculaires et l'immense casting réunissant les personnages clés de la franchise. Le film, devenu culte immédiatement après sa sortie, propose une expérience cinématographique monumentale qui dépasse largement les attentes du public et garantit une satisfaction visuelle et émotionnelle incomparable.

8. Doctor Strange in the Multiverse of Madness (2022) - 320 millions €

Réalisé par Sam Raimi, Doctor Strange in the Multiverse of Madness explore les profondeurs du multivers dans une aventure visuelle et narrative fascinante. Avec Benedict Cumberbatch reprenant son rôle emblématique, le film bénéficie d’effets spéciaux spectaculaires et de scènes d’action mystiques complexes. Son budget élevé permet la création d’univers alternatifs détaillés et impressionnants, renforçant l'immersion du spectateur dans un récit original, audacieux et captivant, qui mélange habilement fantastique, horreur et super-héroïsme dans un tourbillon visuel sans précédent.

9. Avatar : La Voie de l'eau (2022) - 319 millions €

Avatar : La Voie de l'eau, réalisé par James Cameron, plonge les spectateurs dans un univers visuellement époustouflant, se déroulant principalement dans les fonds marins de Pandora. Ce film, doté d'un budget colossal, utilise des technologies de pointe pour offrir une expérience cinématographique immersive inédite. Cameron, fidèle à sa réputation, pousse les limites techniques et narratives pour livrer une aventure riche en émotion et en action. Le film séduit par sa beauté visuelle exceptionnelle et son message écologique fort, faisant de cette suite un incontournable du cinéma contemporain.

10. Ant-Man et la Guêpe : Quantumania (2023) - 301 millions €

Ant-Man et la Guêpe : Quantumania voit le retour du héros Marvel dans une aventure trépidante à travers le royaume quantique. Réalisé par Peyton Reed, ce film bénéficie d'un budget conséquent pour créer des effets spéciaux spectaculaires et un univers visuellement riche. Paul Rudd et Evangeline Lilly reprennent leurs rôles principaux dans cette production où les protagonistes affrontent des menaces inédites, avec notamment Jonathan Majors dans le rôle de Kang le Conquérant. L'ampleur des séquences d'action et les décors époustouflants illustrant le royaume quantique justifient pleinement l'importance du budget alloué, offrant une expérience visuelle captivante qui élargit significativement le MCU.

Où regarder ces films en streaming ?

Si vous souhaitez (re)découvrir ces films aux budgets colossaux et aux effets spéciaux impressionnants, consultez dès maintenant le guide de streaming JustWatch ! Vous pourrez facilement vérifier sur quelles plateformes comme Netflix, Prime Video, Disney+ ou Apple TV+ ils sont disponibles. N'hésitez pas à utiliser les filtres pour sélectionner uniquement les services auxquels vous êtes abonnés ou cliquez sur « réinitialiser » pour afficher toute la sélection. Pensez également à créer votre liste personnalisée et activez les notifications pour ne rien manquer de vos films préférés !

La mini-série Adolescence s’est rapidement imposée comme l’un des événements télévisuels de ce début d’année. Cette mini-série britannique, aussi maîtrisée que dérangeante, explore de manière frontale l’influence des réseaux sociaux sur les jeunes, et plus particulièrement la propagation des idéologies masculinistes au sein de la manosphère en ligne. En retraçant le parcours d’un adolescent de 13 ans impliqué dans un meurtre, la série interroge avec acuité les dérives d’un monde numérique où haine, frustration et isolement façonnent les esprits les plus vulnérables.

Servie par une réalisation audacieuse en plan-séquence, une tension narrative constante et des interprétations puissantes, Adolescence pose un regard implacable sur la radicalisation silencieuse des adolescents et l’impuissance des institutions à y faire face. Si vous avez été marqué par cette atmosphère oppressante et ces questionnements moraux, voici dix autres séries qui, chacune à leur manière, prolongent cette réflexion sur la violence contemporaine, l’embrigadement, et la perte de repères.

Broadchurch (2013)

Avec Broadchurch, le duo David Tennant et Olivia Colman nous plonge dans l’enquête autour du meurtre d’un jeune garçon dans une petite ville du littoral britannique. La série brille par sa manière de capturer le deuil collectif, les tensions au sein d’une communauté repliée sur elle-même, et la méfiance grandissante entre voisins. Comme dans Adolescence, chaque personnage est porteur d’un passé trouble, et la vérité se dévoile au fil d’une enquête sobre et poignante. Broadchurch réussit à entrelacer les émotions personnelles et les dynamiques sociales, en explorant comment une tragédie peut révéler les fractures d’une communauté. C’est un drame psychologique intense, où le suspense s’entrelace avec l’exploration fine des sentiments humains, servi par une écriture sensible et une ambiance pesante.

Happy Valley (2014)

Happy Valley suit Catherine Cawood, une policière déterminée du Yorkshire, confrontée à ses démons passés et à une affaire de kidnapping qui dérape. La force de la série réside dans la puissance de son personnage principal, brillamment interprété par Sarah Lancashire, et dans son écriture à la fois dure et empathique. Les décors réalistes, la brutalité sociale et les dilemmes moraux rendent chaque épisode poignant. Happy Valley partage avec Adolescence ce ton brutal mais émotionnellement authentique, où la justice n’est jamais unidimensionnelle et où les héros sont aussi faillibles que courageux. C’est une série crue, humaine, terriblement prenante, et d’une rare justesse dans son traitement des violences et des conséquences psychologiques sur les victimes comme sur les enquêteurs.

The Chef, la série (Boiling Point, 2021)

Créée par James Cummings, Stephen Graham et Philip Barantini, The Chef (titre original : Boiling Point) est une série britannique immersive se déroulant dans les coulisses d’un restaurant londonien sous tension. Chaque épisode est filmé en plan-séquence, une prouesse technique qui accentue la pression constante et le réalisme du quotidien en cuisine. Comme dans Adolescence, l’image sert ici un propos social fort, et la mise en scène brute nous plonge dans l’urgence émotionnelle des protagonistes. Avec son intensité sensorielle et son regard lucide sur les relations de pouvoir, The Chef est une série aussi haletante qu’émotive.

Unbelievable (2019)

Inspirée d’une histoire vraie, Unbelievable retrace le parcours d’une jeune femme accusée de fausse déclaration de viol, tandis que deux enquêtrices poursuivent la piste d’un agresseur en série. La série est bouleversante par la manière dont elle montre le traitement injuste réservé aux victimes, les failles systémiques de la justice et le chemin pénible vers la vérité. Toni Collette et Merritt Wever livrent des performances saisissantes, dans une mise en scène sobre qui privilégie l’écoute et l’émotion contenue. De manière similaire, Adolescence explore les conséquences de l'influence néfaste des réseaux sociaux sur les jeunes.

Toxic Town (2025)

Toxic Town s’intéresse à un scandale sanitaire survenu dans une petite ville britannique, où les autorités ont longtemps minimisé les dangers environnementaux. Cette mini-série dénonce le poids des lobbys, l’injustice faite aux citoyens et la lenteur des procédures juridiques. On y suit le combat d’habitants ordinaires face à des institutions hostiles, dans une narration serrée où les enjeux personnels croisent l’intérêt collectif. Les deux séries illustrent la vulnérabilité des individus face à des structures institutionnelles qui échouent à les protéger, que ce soit contre des dangers environnementaux ou des influences sociétales délétères. Avec un équilibre entre drame familial, tensions collectives et quête de justice, Toxic Town marque par son engagement, sa puissance narrative et son regard lucide sur la responsabilité politique.

Dans leur regard (When they see us, 2019)

Créée par Ava DuVernay, Dans leur regard raconte le calvaire des "Cinq de Central Park", cinq adolescents noirs accusés à tort de viol en 1989. Cette série poignante décrit avec une justesse rare les injustices raciales, la manipulation policière et le déni de justice. À travers une narration en quatre actes, elle explore les trajectoires individuelles, l’impact de la prison et la reconstruction après le drame. Les deux séries partagent une sensibilité commune : elles plongent au cœur de l’adolescence confrontée à une violence insoutenable, racontée du point de vue des jeunes eux-mêmes. L’interprétation des jeunes acteurs et la mise en scène émotive font de Dans leur regard une œuvre essentielle, nécessaire et inoubliable sur les biais systémiques et les réparations symboliques.

The Night Of (2016)

Avec The Night Of, HBO livre une série sombre et magistrale sur un jeune homme accusé de meurtre à New York. Le récit détaillé de son arrestation, de l’enquête et de son passage en prison montre les rouages broyeurs du système judiciaire américain. Le personnage principal, incarné par Riz Ahmed, incarne l’innocence broyée par une institution qui doute avant même de juger. Les deux séries partagent une approche narrative immersive, plongeant le spectateur dans le quotidien des accusés et de leur entourage. Elles offrent une critique sociale, mettant en lumière les défaillances des systèmes censés protéger les individus. John Turturro et Riz Ahmed livrent des prestations d’une justesse impressionnante, dans une série immersive, déchirante, qui interroge le spectateur à chaque détour de son intrigue sobrement tendue.

L’affaire Jacob Barber (Defending Jacob, 2020)

Dans cette mini-série adaptée du roman de William Landay, un procureur voit son fils accusé de meurtre. L’Affaire Jacob Barber explore la frontière floue entre amour parental, vérité et justice. La série interroge profondément le doute, la culpabilité présumée et les choix impossibles face à l’amour inconditionnel. Portée par Chris Evans dans un rôle dramatique fort, la série plonge dans les tensions familiales, les secrets enfouis et le poids des apparences. À l’instar de Adolescence, elle questionne la culpabilité, les non-dits, les apparences trompeuses et la manière dont les institutions traitent la jeunesse. Un thriller émotionnellement intense et psychologiquement troublant, à la tension insidieuse.

Criminal : Royaume-Uni (Criminal : UK, 2019)

Criminal : Royaume-Uni repose sur un concept minimaliste mais redoutablement efficace : tout se déroule dans une salle d’interrogatoire, entre suspects, policiers et avocats. La tension repose sur les dialogues, les non-dits et les tactiques de manipulation psychologique. Chaque épisode, autoconclusif, est un huis clos oppressant où la vérité se construit par couches successives. Comme Adolescence, la série mise sur l’intensité psychologique, les dilemmes moraux et la lutte pour faire émerger la vérité. La sobriété de la mise en scène, alliée à l’intelligence des scripts et à la force des performances d’acteurs, fait de Criminal une série captivante qui transforme un simple interrogatoire en théâtre d’émotions et de révélations.

Une famille presque normale (En helt vanlig familj, 2023)

Cette mini-série suédoise suit une famille dont la vie bascule lorsque leur fille est accusée de meurtre. À travers les points de vue du père, de la mère et de la fille, la série tisse un récit nuancé sur la perception de la vérité et les limites de la loyauté familiale. Une famille presque normale partage avec Adolescence son atmosphère pesante, ses jeux de faux-semblants et sa critique sociale sous-jacente. L’approche à trois voix permet une immersion fine dans les contradictions intimes de chacun, dans leurs espoirs, leurs peurs et leur solitude. C’est une série sobre, efficace, qui touche par sa justesse, ses ambiguïtés morales et sa tension toujours contenue.

Où voir ces séries similaires à 'Adolescence' en streaming ?

Toutes ces séries sont disponibles sur les principales plateformes de streaming, notamment Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+ ou encore Disney+. Sur JustWatch, vous pouvez vérifier en un clin d’œil où elles sont disponibles en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour filtrer selon vos services ou utilisez "réinitialiser" pour afficher toute la liste. Pensez également à créer votre liste personnalisée et à activer les notifications pour suivre vos séries préférées !

Le cinéma d’animation ne se limite plus aux enfants : depuis plusieurs décennies, il enchaîne les succès planétaires, attirant un public large et intergénérationnel. En 2025, Ne Zha 2 a créé l'événement en devenant le film d’animation le plus lucratif de l’histoire au box-office mondial. Ce record est l’occasion parfaite de revenir sur les dix plus grands succès du genre, en euros, en tenant compte de leurs recettes mondiales (hors inflation).

Ces films, pour devenir aussi populaires, mêlent créativité, technique, narration universelle et univers visuels spectaculaires. Qu’ils soient produits par Disney, Pixar, Illumination, Ghibli ou issus du cinéma chinois, ils ont tous marqué le public et l’histoire du box-office.

Voici les dix films d’animation les plus rentables au monde, et où les voir en streaming.

1. Ne Zha 2 (2025)

Ne Zha 2 est devenu en 2025 le plus gros succès du cinéma d’animation, avec plus de 2,1 milliards de dollars (soit environ 1,95 milliard d’euros) récoltés dans le monde, notamment grâce à l’engouement du public chinois. Cette suite du film à succès de 2019 renoue avec la mythologie traditionnelle chinoise tout en s’inscrivant dans une animation moderne et dynamique. Le film suit à nouveau le destin du jeune héros rebelle, Ne Zha, dans une aventure épique mêlant destin, pouvoir et choix personnels. Avec ses séquences d’action spectaculaires, son humour bien dosé et sa direction artistique impressionnante, Ne Zha 2 confirme l’excellence du cinéma d’animation chinois contemporain.

2. Vice-Versa 2 (2024)

Vice-Versa 2 (Inside Out 2) a récolté près de 1,7 milliard de dollars au box-office mondial (environ 1,56 milliard d’euros). Cette suite très attendue du classique Pixar explore à nouveau le monde des émotions, cette fois à l’adolescence, avec l’apparition de nouvelles émotions comme l’Anxiété ou l’Ennui. Toujours aussi inventive, cette aventure intérieure captive par sa profondeur psychologique et son humour fin. Vice-Versa 2 a séduit les spectateurs de tous âges grâce à un message universel sur la croissance émotionnelle. L'animation est soignée, les dialogues touchants, et l'univers gagne encore en richesse. Une réussite critique et commerciale pour Pixar.

3. Le Roi Lion (2019)

Le Roi Lion version 2019, réalisé en animation photoréaliste, a récolté plus de 1,65 milliard de dollars (environ 1,52 milliard d’euros). Souvent exclu des classements pour son statut de remake, il s’agit néanmoins d’un film entièrement réalisé en CGI, donc d’un pur film d’animation. Ce remake fidèle du classique de 1994 reprend l’histoire de Simba, jeune lion destiné à régner, confronté à la trahison et à l’exil. La prouesse technique est impressionnante, avec un rendu visuel saisissant. La bande originale, mêlant nostalgie et modernité, complète cette fresque animalière grandiose. Un triomphe mondial, tant critique que commercial.

4. La Reine des neiges 2 (2019)

La Reine des neiges 2 a généré environ 1,45 milliard de dollars (environ 1,33 milliard d’euros) au box-office mondial. Ce second volet retrouve Elsa, Anna, Kristoff et Olaf dans une quête à travers une forêt enchantée pour découvrir les origines des pouvoirs d’Elsa. Le film gagne en maturité, abordant des thématiques plus sombres sur l’identité, le passé familial et la responsabilité. Visuellement somptueux et musicalement entraînant, il parvient à plaire à toute la famille tout en élargissant son univers. Si le premier film était centré sur l'amour sororal, celui-ci explore davantage la notion de destin. Une suite à la hauteur, aussi ambitieuse qu’émouvante.

5. Super Mario Bros. Le film (2023)

Super Mario Bros. Le film a dépassé toutes les attentes avec plus de 1,36 milliard de dollars (environ 1,24 milliard d’euros) de recettes mondiales. Produit par Illumination en partenariat avec Nintendo, ce film rend un vibrant hommage à l’univers du célèbre jeu vidéo. Mario, Luigi, Peach et Bowser sont réunis dans une aventure colorée et rythmée, mêlant humour, action et nostalgie. L'animation est dynamique et fidèle à l’esthétique des jeux, tout en proposant une histoire accessible à toutes les générations. Grâce à un bouche-à-oreille extrêmement positif et un capital sympathie énorme, Super Mario Bros est devenu un phénomène planétaire auprès des petits comme des grands.

6. La Reine des neiges (2013)

La Reine des neiges, avec près de 1,29 milliard de dollars (environ 1,18 milliard d’euros) au box-office mondial, est sans doute l’un des films les plus emblématiques de Disney. L’histoire d’Elsa, princesse aux pouvoirs glacés, et de sa sœur Anna, a conquis le monde entier. Outre son succès commercial, le film a profondément marqué la pop culture, notamment grâce à la chanson « Libérée, délivrée ». Son message sur l’amour familial et l’acceptation de soi a touché un large public. Mélange de conte classique et de modernité, La Reine des neiges a redéfini les codes du film de princesse pour une nouvelle génération.

7. Les Indestructibles 2 (2018)

Les Indestructibles 2 a engrangé plus de 1,24 milliard de dollars (environ 1,13 milliard d’euros) au box-office mondial. Le film reprend là où le premier s’était arrêté, inversant les rôles traditionnels : cette fois, c’est Hélène (Elastic Girl) qui part en mission tandis que Bob reste à la maison pour s’occuper des enfants. Cette dynamique familiale donne lieu à des scènes hilarantes mais aussi touchantes, notamment avec Jack-Jack, le bébé aux pouvoirs imprévisibles. Pixar allie ici spectacle, humour et réflexion sur les rôles parentaux. Avec une animation de haut vol et un scénario rythmé, Les Indestructibles 2 reste l’un des meilleurs films de super-héros animés.

8. Les Minions (2015)

Les Minions a atteint environ 1,16 milliard de dollars (environ 1,06 milliard d’euros) de recettes, confirmant le succès de l’univers Moi, moche et méchant. Ce spin-off revient sur l’origine de ces petites créatures jaunes avant leur rencontre avec Gru. Leur quête pour trouver un nouveau maître diabolique les mène jusqu’à Scarlett Overkill, une super-méchante exubérante. Le film repose largement sur l’humour absurde et le charisme des Minions, toujours aussi incompréhensibles que drôles. Si le scénario reste simple, l’efficacité comique et le rythme effréné du film ont séduit le public mondial. Un divertissement familial efficace, devenu un incontournable du catalogue Illumination.

9. Toy Story 4 (2019)

Toy Story 4 a rapporté environ 1,07 milliard de dollars (près de 975 millions d’euros) au box-office mondial. Pixar offre ici une conclusion émouvante à la saga initiée en 1995. On y retrouve Woody, Buzz et les autres jouets, rejoints par de nouveaux personnages mémorables comme Forky ou Duke Caboom. Le film aborde avec finesse les thèmes du changement, de l’abandon et de l’émancipation. Visuellement bluffant, il impressionne aussi par sa capacité à émouvoir et à faire rire. Toy Story 4 prouve qu’un quatrième opus peut encore surprendre, tout en bouclant une saga culte avec élégance et émotion.

10. Toy Story 3 (2010)

Toy Story 3 a généré plus de 1,06 milliard de dollars (environ 965 millions d’euros), devenant à l’époque l’un des plus grands succès du cinéma d’animation. Ce troisième volet voit Andy partir pour l’université, laissant ses jouets face à un avenir incertain. Le film brille par sa narration poignante, son humour toujours efficace et une touche finale profondément émotive. Pixar réussit un pari rare : faire d’un film pour enfants une œuvre universelle sur le passage à l’âge adulte et la transmission. Toy Story 3 reste l’un des meilleurs films du studio et une conclusion magistrale à une trilogie devenue culte.

Où voir ces films d’animation en streaming ?

Si vous souhaitez (re)découvrir ces films d’animation incontournables, rendez-vous sur le guide de streaming JustWatch. Vous pouvez filtrer votre recherche par plateforme, genre, prix, classification d’âge ou note, et créer votre propre liste personnalisée. Cliquez sur les logos ci-dessous pour afficher uniquement les films disponibles avec vos abonnements, ou cliquez sur « réinitialiser » pour accéder à l’intégralité de la sélection.

Elle est officiellement commandée mais n’a pas encore de destination ! La quatrième saison de l’incontournable série The White Lotus devrait bientôt dévoiler ses contours, après le succès de la troisième qui offrait comme d’habitude un savoureux spectacle d’humour noir où se croisent et s’entre-déchirent les clients fortunés et les employés d’un complexe hôtelier de luxe en Thaïlande. Mike White, son créateur, a encore réussi le pari d’une satire mordante sur les inégalités sociales et privilèges de classe à travers un nouvel exemple de vacanciers aux comportements détestables et problèmes personnels ramenés dans leurs valises. Pour retrouver un peu d’esprit et des thématiques de la série, il est possible de se tourner vers d’autres productions où le luxe est toxique, les apparences un mensonges et les personnages loin d’être charmants. JustWatch vous propose une sélection de 10 shows aussi luxueux qu'ambivalents.

Nine Perfect Strangers (2021)

Dans Nine Perfect Strangers, cette mini-série psychologique où le bien-être devient source d’angoisse, Nicole Kidman incarne une mystérieuse thérapeute à la tête d’un centre de retraite luxueux. Ce huis clos thérapeutique transforme peu à peu les promesses de guérison en paranoïa collective. Le lien avec The White Lotus est évident : même décor paradisiaque, même galerie de personnages névrosés venus fuir leur quotidien, et surtout la même idée que le luxe ne protège pas du chaos intérieur. Un choix idéal pour les fans qui cherchent une tension moins satirique mais tout aussi dérangeante.

The Resort (2023)

Un couple s’offre des vacances de rêve au Mexique pour leur dix ans de mariage. Mais une fois sur place, ils se plongent dans une histoire non résolue : la disparition quinze ans plus tôt de deux personnes. The Resort partage avec The White Lotus un décor de carte postale qui sert de toile de fond à une introspection brutale. Moins cynique, mais tout aussi captivant pour les amateurs de récits fragmentés et de secrets bien enfouis. 

Big Little Lies (2017-2019)

Avant Nine Perfect Strangers, David E. Kelley et Nicole Kidman avaient déjà signé ce drame ciselé sur les mensonges et violences tapis sous la surface dorée de la bourgeoisie californienne. À Monterey, des mères de famille impeccables se retrouvent mêlées à une affaire de meurtre. Dans Big Little Lies, comme dans The White Lotus, les apparences sociales sont trompeuses, les tensions larvées explosent à la moindre étincelle, et la critique des privilèges est aussi élégante que cruelle. À voir absolument si vous aimez les récits où l’intime bascule dans le tragique.

Bad Sisters (depuis 2022)

Dans le genre comédie noire et satire dramatique, Bad Sisters a plusieurs éléments de ressemblance avec The White Lotus. Situations tendues et absurdes, luxe et comportements décalés de ses personnages et surtout une critique sociale très acerbe. L’histoire ? Les sœurs Garvey, liées par la mort prématurée de leurs parents, se font la promesse de toujours se protéger mutuellement. Quand un beau-frère décède, la compagnie d’assurance cherche à savoir si aucune d’elle ne l’a tué.

Billions (2016-2023)

Pouvoir, richesse et corruption… le cocktail de la série Billions n’est pas si éloigné de The White Lotus, avec des comportements manipulateurs et égoïstes de personnes issues de classes sociales très privilégiées. Si ce n’est qu’il se passe dans un milieu plus professionnel, le monde de la finance, où un procureur et de riches gestionnaires de fonds d’investissement se mènent une guerre sans merci. Une vision glaçante de l’élite new-yorkaise.

Succession (2018-2023)

Dans la très riche et puissante (et très dysfonctionnelle) famille Roy, composée du patriarche Logan, propriétaire d’un empire médiatique, et de ses quatre enfants, le retrait progressif du père sème la zizanie entre ses successeurs. Avec un ton acerbe, des situations ultra-tendues et des dialogues incisifs, Succession expose les dérives d’une classe sociale privilégiée et la folie à laquelle peut mener la soif de pouvoir. Les conflits familiaux et le ton, à la fois tragique et très drôle, avec ses dialogues au scalpel, évoque clairement celui de The White Lotus.

The Undoing (2020)

Dans The Undoing, Nicole Kidman et Hugh Grant jouent un couple newyorkais parfait, dont la vie bascule après la mort violente d’une femme. Même façon d’explorer les secrets et les mensonges des personnages principaux, même critique des apparences d’une classe sociale privilégiée qui cache une sombre réalité sous la surface, mêmes personnages moralement ambigus que The White Lotus… les deux séries ont plusieurs points en commun. 

The Affair (2014-2019)

Noah Solloway, homme marié et père dévoué de quatre enfants, et Alison Lockhart, épouse qui pleure la mort de son enfant, entretiennent une relation extra-conjugale après leur rencontre à Montauk dans les Hamptons. The Affair explore les conséquences émotionnelles et sociales de cette infidélité. Comme The White Lotus, elle dissèque les mariages en crise et l’abîme d’individus qui fuient leur réalité, souvent dans des lieux de villégiatures luxueux.

The Morning Show (2019)

Les coulisses d’une émission matinale à succès de la télé américaine avec ses relations de pouvoir, ses scandales et des dilemmes moraux. The Morning Show de l’élite, ici médiatique, montre des personnages puissants qui manipulent les événements pour conserver leur statut et leur influence. Mêmes questions de pouvoir et d’influence dans The White Lotus et même critique des privilèges sociaux avec, à chaque fois, des personnages féminins très forts.

Palm Royale (2024-)

Pour retrouver la même ambiance hôtel de luxe que The White Lotus, le cadre de la série Palm Royale semble tout indiqué. Dans l’hôtel 5 étoiles situé à Palm Beach, Maxine Simmons essaie de se faire une place dans les hautes sphères de la société, prête à quasiment tout sacrifier pour appartenir à cette classe sociale privilégiée. Même ton de comédie noire et de satire sociale que dans The White Lotus, la série pointe aussi avec talent les failles et les frustrations des personnages.

Entre humour geek, amitiés improbables et répliques cultes, The Big Bang Theory (2007-2019) a redéfini la sitcom moderne et laissé un vide bien particulier dans le cœur des fans.

Durant douze saisons, la série a su trouver l’équilibre parfait entre comédie et émotion, entre discussions sur la physique quantique et maladresses sentimentales. Chaque saison nous permettait de voir les personnages évoluer et grandir alors que tous les geeks de la planète s'identifiaient farouchement à cette clique si attachante. Rares sont les séries qui ont réussi à multiplier les références à la pop culture avec autant d'humour et d'efficacité.

Si vous ressentez un petit manque depuis la fin des aventures de Sheldon, Leonard et Penny, rassurez-vous : il existe d’autres pépites qui perpétuent ce mélange unique d’humour intelligent, de tendresse et de folie douce. JustWatch vous offre une sélection des meilleures séries à découvrir si vous avez aimé TBBT, entre absurdité, gags brillants et personnages qu’on finit par considérer comme des amis.

Community (2009–2015)

Community (6 saisons) suit un groupe d'étudiants d'horizons très différents qui se rencontrent dans une université. Dirigée par Dan Harmon, la série joue avec les codes de la pop culture et de la narration, transformant chaque épisode en expérience unique. Entre parodie de films d’action, faux documentaire et comédie absurde, Community a un style reconnaissable entre mille. Joel McHale, Donald Glover et Alison Brie créent un équilibre parfait au croisement du sarcasme et de la tendresse.

Si The Big Bang Theory se concentre sur l’humour geek dans le quotidien, Community va plus loin dans la méta-fiction et l’autodérision. C’est une série pour celles et ceux qui aiment les références, les délires collectifs et les personnages à la fois dysfonctionnels et brillants. Personnellement, c'est l'une de mes séries préférées. Elle est particulièrement touchante grâce à son écriture et ses personnages variés. Une fois la série terminée, une évidence s’impose : Dan Harmon, également créateur de Rick et Morty, est un génie. Si vous aimez les situations absurdes et le côté loufoque de Sheldon, Community est un passage obligé.

Silicon Valley (2014–2019)

Créée par Mike Judge, Silicon Valley (6 saisons) dresse un portrait satirique du monde des start-ups technologiques. La série suit un groupe de programmeurs géniaux mais socialement maladroits tentant de révolutionner Internet. Avec son humour pince-sans-rire et sa critique acérée du capitalisme numérique, c’est un miroir moderne de The Big Bang Theory, mais plus cru et réaliste.

Là où Sheldon et Leonard explorent les théories scientifiques, Richard Hendricks et son équipe affrontent les absurdités du marché technologique. Silicon Valley plaira à qui apprécie les dialogues brillants, le jargon technique et les situations où la logique dérape. Je n'ai cessé de rigoler devant ce show, tellement l'absurdité y est intelligente. Quand on voit la direction que prennent toutes ces entreprises tech aujourd'hui, la série nous semble encore plus d'actualité. Si vous cherchez un Big Bang Theory version startup, c’est ici que ça se passe.

New Girl (2011–2018)

Quand une jeune femme excentrique emménage avec trois colocataires, cela donne New Girl (7 saisons), une comédie chaleureuse et désarmante. Zooey Deschanel est irrésistible dans le rôle de Jess, figure décalée mais terriblement humaine, entourée d’un casting hilarant où chaque personnage apporte une énergie unique. La série se démarque par son humour sincère et ses moments de douceur inattendus ponctués par un humour parfois clownesque drôlement efficace.

The Big Bang Theory explore les difficultés sociales des geeks, là où New Girl s’attarde sur la maladresse des relations amoureuses et amicales. Les deux partagent cette capacité rare à rendre le quotidien extraordinaire et donnent envie de devenir amis avec les personnages et partager leur vie. C’est le genre de série à voir et revoir. Pour celles et ceux qui aiment les séries feel-good avec un groupe soudé et des dialogues aussi drôles que tendres, c’est une valeur sûre.

Brooklyn Nine-Nine (2013–2021)

Brooklyn Nine-Nine (8 saisons) déplace la formule de la sitcom dans un commissariat new-yorkais, où un groupe de policiers atypiques résout des enquêtes aussi absurdes qu’efficaces. Andy Samberg, Terry Crews et Andre Braugher forment un trio de choc, jonglant entre burlesque, émotion et ouverture d'esprit.

L’esprit d’ensemble et les dynamiques de groupe rappellent The Big Bang Theory, mais avec un rythme plus frénétique et un humour parfois plus absurde. Si vous voulez une série où le rire ne s’arrête jamais tout en développant des personnages profonds, Brooklyn Nine-Nine est un successeur idéal. Mais cette série peut se vanter d'une plus grande profondeur avec certains épisodes particulièrement marquants sur le racisme, l'homophobie et le sexisme. Jake devient le frère qu'on aurait toujours voulu avoir alors que Captain Holt est notre papa à tous et toutes. Et pour les fans de méta-humour, elle partage avec Community cette même volonté de détourner les codes du genre.

The IT Crowd (2006–2013)

Série britannique culte, The IT Crowd (5 saisons) suit le quotidien d’une équipe informatique enfermée dans le sous-sol d’une grande entreprise. Entre bugs, sarcasmes et patrons déconnectés, c’est une avalanche de gags absurdes et de dialogues ciselés. Richard Ayoade et Chris O’Dowd excellent dans leur duo d’inadaptés sociaux, tandis que la série explore les mêmes maladresses et obsessions que celles des héros de The Big Bang Theory.

Plus grinçante et excentrique, The IT Crowd délivre un humour typiquement britannique qui fera mouche chez les fans de Black Books (2000) ou Peep Show (2003). Cet esprit outre-manche, que j’adore, n’est peut-être pas fait pour tout le monde, ce qui rend la série légèrement moins accessible que les autres. Mais si vous avez rigolé devant Shaun of the Dead (2004) ou The Thick of It (2005), vous allez adorer adorer. Car si Sheldon vivait à Londres, il serait probablement coincé dans cette cave avec Moss et Roy à suggérer à tout le monde de brancher et rebrancher leur ordinateur !

Ghosts : fantômes à la maison (2019–)

Dans Ghosts (5 saisons), un jeune couple hérite d’un manoir hanté où chaque fantôme a son propre caractère. Mélangeant comédie absurde et tendresse, la série joue sur les décalages entre vivants et morts avec un humour très britannique. Chacun des spectres a son passé, ses manies et ses obsessions, un peu comme les personnages excentriques de The Big Bang Theory.

Là où la bande de Sheldon se chamaille autour de théories, les revenants de Ghosts se disputent pour savoir qui a le droit de hanter le salon. Si vous aimez les huis clos comiques et les personnages déjantés, cette série est une vraie perle. Et pour une version américaine, Ghosts: fantômes à la maison (2021) conserve le même charme, des gags tout aussi drôles et une histoire toujours si bien écrite. La série a été un tel succès qu’elle a même eu droit à sa version française, même si celle-ci peine à trouver son public faute de réussir à s’adapter à la France et son humour. 

The Good Place (2016–2020)

The Good Place (4 saisons) imagine un au-delà où l’on doit mériter sa place au paradis. Portée par Kristen Bell et Ted Danson, la série combine philosophie et humour dans une aventure morale aussi hilarante que touchante. Son concept original et son écriture millimétrée en font une des comédies les plus intelligentes de ces dernières années.

Si The Big Bang Theory abordait la science, The Good Place s’amuse avec la morale et la métaphysique. Les deux partagent un amour des débats absurdes et une réflexion sur ce que signifie qu’être humain. Je ne peux que vous conseiller de vous laisser porter par la série tellement elle est surprenante. Loin d’être centrée sur la religion - malgré les apparences - elle décortique l’humain avec un humour déconcertant. Pour ceux qui veulent rire tout en philosophant, c’est un bijou incontournable.

Modern Family (2009–2020)

Modern Family (11 saisons) dresse le portrait d’une grande famille recomposée, pleine d’amour et de chaos. Sous ses airs de mockumentaire, la série parle de tolérance, d’évolution et de liens intergénérationnels avec une très grande tendresse. Ses dialogues brillants et sa galerie de personnages font d’elle une série intemporelle.

Là où The Big Bang Theory se concentre sur un cercle d’amis, Modern Family explore le cocon familial sous toutes ses formes. C’est drôle, c’est rafraîchissant, on se sent bien après chaque épisode. Alors si vous voulez retrouver un humour bienveillant et une écriture pleine de cœur, foncez ! De plus, le genre mockumentaire ne pourra que plaire aux fans de The Office (2005-2013) et Parks and Recreation (2009-2015).

Friends (1994–2004)

Difficile de ne pas citer Friends (10 saisons), la mère de toutes les sitcoms modernes. Avec ses six personnages iconiques et ses dialogues parfaits, la série a posé les bases de ce que The Big Bang Theory a raffiné vingt ans plus tard. Chaque épisode est un concentré de timing comique, d’affection sincère et de nostalgie new-yorkaise. 

Plus de 30 ans plus tard, je ne sais toujours pas comment ce groupe d'amis faisait pour payer des loyers new-yorkais en étant serveuse dans un café ou paléontologue, mais je rigole toujours autant devant chaque épisode. Si vous voulez comprendre d’où vient tout l’héritage de la sitcom moderne, c’est ici qu’il faut revenir.

How I Met Your Mother (2005–2014)

Ted Mosby raconte à ses enfants comment il a rencontré leur mère, mais le chemin est long, rempli de détours, de romances et de fous rires. How I Met Your Mother (9 saisons) reprend la formule du groupe d’amis urbains, mais y ajoute une narration en puzzle et un ton plus nostalgique. Neil Patrick Harris en Barney Stinson est à lui seul une raison de regarder la série.

Comme The Big Bang Theory, elle repose sur un équilibre entre humour et émotion. Les deux séries explorent l’amitié comme refuge et terrain de jeu, tout en gardant une dimension sentimentale forte. Dans ces séries, le groupe d'amis est une famille, et les liens partagés y sont très forts, un peu comme dans Friends (1994-2004).

Superstore (2015–2021)

Dans un supermarché américain, une équipe de vendeurs gère des clients odieux, des managers incompétents et des situations absurdes. Superstore (6 saisons) mêle critique sociale et humour de bureau dans une ambiance à la fois tendre et anarchique. America Ferrera y campe une employée dévouée face à un Ben Feldman aussi maladroit qu’attachant.

Pour les fans de The Big Bang Theory, on retrouve ce sens du collectif et des dialogues percutants. L’humour s’y fait plus politique, mais toujours bienveillant. Un parfait équilibre entre satire et comédie de personnages, à la manière de Brooklyn Nine-Nine.

Rick et Morty (2013–)

Rick et Morty (8 saisons) est une tornade d’humour noir, de science-fiction et de délires métaphysiques. Créée par Dan Harmon (encore lui) et Justin Roiland, la série d’animation suit les aventures d’un scientifique alcoolique et de son petit-fils à travers les multivers. Brillante, dérangée et très réfléchie, c’est une vision plus extrême et philosophique de la folie scientifique.

Là où The Big Bang Theory flirte avec la science et la pop culture, Rick et Morty en fait son carburant principal. Si vous voulez une version plus nihiliste et déjantée du génie de Sheldon, vous la trouverez ici. Et pour un humour plus doux, Futurama (1999-) est une excellente alternative.

Young Sheldon (2017–2024)

Prequel direct de The Big Bang Theory, Young Sheldon (7 saisons) raconte l’enfance de Sheldon Cooper dans le Texas des années 90. Iain Armitage incarne un jeune prodige aussi agaçant qu’attendrissant, dans une ambiance plus familiale et introspective. On y découvre les racines de sa rigueur scientifique et de ses bizarreries.

Moins centrée sur le rire, plus sur la tendresse et la compréhension, Young Sheldon prolonge l’univers de la série mère avec justesse. Étant tout de même très différente, la série peut décevoir les fans de la première heure de The Big Bang Theory. Si j’ai apprécié regarder cette série pour mieux comprendre Sheldon, je ne trouve pas un grand intérêt à regarder cette série si l’on n'a pas vu la série mère au préalable.

Aux États-Unis, on la surnomme “The Queen of Television”. Shonda Rhimes mérite bien son qualificatif. Depuis 2005 et son coup de maître avec Grey’s Anatomy, les succès s’enchaînent pour la productrice qui a également parfois la double casquette de scénariste. Derniers succès en date : La Résidence, une mini-série mettant en scène Cordelia Cupp (Uzo Aduba), une détective excentrique se rendant à la Maison Blanche pour y résoudre un meurtre survenu lors d’un dîner d’État. 

Ce guide JustWatch vous propose de lister dans l’ordre de leurs sorties toutes les productions de Shonda Rhimes, tout en vous rappelant sur quelles plateformes vous pouvez regarder les différentes séries en streaming.

Grey’s Anatomy (depuis 2005)

La série médicale est devenue l’une des séries les plus longues de la télévision américaine avec pas moins de 21 saisons et 440 épisodes au compteur. Entre l’adrénaline et les intrigues personnelles des chirurgiens et infirmiers du Grey Sloan Memorial, Shonda Rhimes a fait de son show un véritable phénomène culturel mondial, capable d’évoquer des sujets sociétaux d’actualité : handicap, violence faite aux femmes, suicide médicalement assisté…

Private Practice (2007-2013)

Première série dérivée de Grey’s Anatomy (la deuxième est Station 19), Private Practice suit Addison Montgomery, ex-femme du Dr Mamour. Agacée de ne pas avoir obtenu le poste de cheffe de service de chirurgie, ce médecin décide de claquer la porte du Grace Hospital pour mettre les voiles direction la Californie pour l’Oceanside, un centre de soins privé.

Scandal (2012-2018)

La vie professionnelle et personnelle d’une experte en relations publiques et gestion de crises, Olivia Pope (Kerry Washington). La série mélange à la fois du drame et de la romance comme seule Shonda Rhimes sait le faire.

Murder (2014-2020)

Tout le charme de ce soap judiciaire repose sur Viola Davis, aka Annalise Keating, une prof de droit et avocate de renom à la tête de son propre cabinet à Philadelphie, tout autant brilante que complexe, redoutable que vulnérable. Mais capable de résoudre des meurtres impossibles !

The Catch (2016-2017)

Une détective privée, Alice Vaughan, est victime de fraude. Le coupable ? Son fiancé, un riche homme d’affaires subitement disparu et qu’elle compte bien retrouver avant qu’il ne ruine sa carrière. Pas créatrice mais productrice du show, Shonda Rhimes met de nouveau en avant une femme au caractère bien trempée, entourée d’une équipe de choc. Moins convaincante que les précédentes, la série s’arrête au bout de deux saisons.

Station 19 (depuis 2018)

Un autre spin-off de Grey’s Anatomy, cette fois avec des caméras posées au beau milieu d’une équipe de pompiers et de secouristes de la caserne 19 à Seattle. Même recette que pour les séries précédentes : vie pro et vie perso sont exposées à parts égales pour mêler à la fois le suspense et des sujets plus sociétaux.

For the People (2018-2019)

Six jeunes diplômés de l’école de droit font leur entrée dans la vie active, dans la prestigieuse Cour Fédérale de New York qui juge les affaires les plus importantes du pays. Shonda Rhimes est une des productrices de cette série judiciaire qui mêle suspense et personnages complexes qui font leurs premiers pas dans un univers (une de ses marques de fabrique !). 

La Chronique des Bridgerton (depuis 2020)

Adaptée des romans à succès de Julia Quinn, cette série costumée qui nous emmène dans un univers à la Jane Austen sauce XXIe siècle, propose à chaque saison de se pencher sur le cas d’un des huit enfants d’une vicomtesse qui souhaite les marier dans de bonnes conditions. Les décors pastels et froufrouteux sont magnifiques, les intrigues se dégustent comme des bonbons.

Inventing Anna (2021)

L’excellente Julia Garner (Ozark) revêt les habits d’une jeune russe qui a réussi à escroquer plusieurs milliers de dollars à des jeunes new-yorkais de la haute société. L’histoire est vraie, réécrite pour Netflix par Shonda Rhimes également à la production avec sa société Shondalan.

La Reine Charlotte : Un chapitre Bridgerton (2023)

Après le succès de La Chronique de Bridgerton, Shonda Rhimes fait un focus sur un des personnages les plus forts de la série, la reine, en se concentrant sur sa jeunesse et son arrivée au pouvoir dans une mini-série de six épisodes qui s’attache surtout à parler de racisme dans la société britannique.

La Résidence (2025)

132 pièces et 157 suspects : l’enquête sur un mystérieux meurtre survenu en plein dîner d’Etat à la Maison Blanche s’annonce compliqué, d’autant que des conflits interpersonnels finissent par éclater. Dans une ambiance très Agatha Christie, Shonda Rhimes avance sa partie de Cluedo de manière très maline et avec un humour.

Où voir en streaming les séries de Shonda Rhimes ?

Prêtresse de la télévision américaine, visionnaire dans ces sujets qui mettent souvent en avant des femmes fortes mais complexes, Shonda Rhimes proposent des séries depuis plus de 20 ans, souvent des succès. Voici la liste de ses productions dans l’ordre de leurs sorties. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir les séries disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les séries tous services confondus.

Le monde de l'animation japonaise n'a cessé de gagner en popularité au cours de la dernière décennie, s'imposant comme un pilier incontournable de la culture populaire mondiale. Grâce à des plateformes comme Netflix ou Crunchyroll, les anime sont devenues plus accessibles que jamais, conquérant un public toujours plus large. Cette liste recense les dix séries les plus marquantes de ces dix dernières années, en tenant compte de leur impact culturel, de leur succès critique et populaire, mais aussi de leur innovation narrative ou esthétique.

Si vous êtes à la recherche d'un nouvel animé à dévorer, voici les 10 incontournables à ne pas manquer, ainsi que les plateformes sur lesquelles vous pouvez les regarder.

Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba)

Demon Slayer est sans conteste l’un des plus grands phénomènes de l’animation japonaise de la dernière décennie. Adapté du manga de Koyoharu Gotouge, l’animé suit le jeune Tanjiro dans sa quête pour sauver sa sœur Nezuko, transformée en démon, et venger sa famille massacrée. Grâce à une animation exceptionnelle signée Ufotable, notamment lors des combats chorégraphiés à couper le souffle, la série a conquis le public international. Son mélange d’émotion, d’action intense et de personnages marquants a rapidement élevé "Demon Slayer" au rang de série culte. Elle est aujourd'hui disponible sur Crunchyroll, Netflix ou encore Prime Video.

L'Attaque des Titans 

Depuis sa première diffusion en 2013, L’Attaque des Titans s’est imposée comme l’un des animés les plus marquants de la dernière décennie. Racontant la lutte désespérée de l’humanité face à des titans géants dévoreurs d’hommes, la série impressionne par son intensité, son univers dystopique dense et ses multiples retournements de situation. Avec ses personnages psychologiquement fouillés, ses dilemmes moraux et sa critique des systèmes autoritaires, elle dépasse largement les codes du shōnen classique. L’œuvre de Hajime Isayama explore brillamment les thèmes de la guerre, de la liberté, du fanatisme et de l’identité. L’animation, d’abord assurée par Wit Studio puis reprise avec brio par MAPPA, a contribué à donner vie à cet univers oppressant avec une puissance visuelle inédite. L’Attaque des Titans est une fresque épique et philosophique, qui interroge constamment notre rapport à l’humanité et à la violence institutionnalisée.

Jujutsu Kaisen

Jujutsu Kaisen est rapidement devenu un incontournable du shōnen moderne, marquant de son empreinte la scène animée contemporaine. L’histoire suit Yuji Itadori, un lycéen au grand cœur qui, après avoir avalé un objet maudit pour sauver ses amis, se retrouve lié à Ryomen Sukuna, un démon ancestral terriblement puissant. Dès lors, il est intégré à l’école des exorcistes de Tokyo pour apprendre à combattre les fléaux qui menacent le monde. L’animation spectaculaire, signée MAPPA, donne vie à des combats d’une intensité visuelle remarquable, soutenue par une mise en scène dynamique. Mais au-delà de son action impressionnante, la série séduit par la complexité de ses personnages, ses dilemmes moraux et sa réflexion sur la douleur, la perte et le sens du sacrifice. Jujutsu Kaisen réussit à allier noirceur, émotion et humour avec une aisance rare, rendant chaque épisode aussi divertissant que poignant. Une œuvre qui mérite amplement sa popularité et continue de séduire un public toujours plus large.

One Piece

Bien que débutée bien avant la dernière décennie, One Piece continue de régner sur l’univers de l’animation, et mérite pleinement sa place dans cette sélection. Avec la saga du Pays de Wano, une animation modernisée et une intensité dramatique renouvelée, la série a franchi un nouveau cap en matière de narration et de popularité. L’explosion de sa reconnaissance mondiale, accentuée par son adaptation live-action sur Netflix, a permis à une nouvelle génération de découvrir l’œuvre d’Eiichiro Oda. Suivant les aventures de Luffy et son équipage dans leur quête du trésor ultime, One Piece mêle humour, drame, aventure, valeurs humaines fortes et critique sociale. Son monde foisonnant, ses arcs narratifs bien construits et ses personnages profonds en font une référence incontournable. La série est disponible sur ADN, Crunchyroll et Netflix.

Frieren

Frieren est un anime contemplatif et émouvant qui se distingue par sa vision originale de l'après-aventure. Loin des récits classiques de fantasy, il s'intéresse au vide laissé par la disparition des compagnons et à la quête intérieure de l'immortalité face à l’éphémère. Frieren, elfe magicienne, repart sur les traces de son passé, hantée par ses souvenirs et les regrets silencieux d'une vie trop longue. Chaque épisode explore les souvenirs et la mélancolie d’une héroïne qui n’a plus rien à prouver mais encore beaucoup à ressentir. L’écriture douce, parfois poétique, invite à réfléchir sur la valeur du présent, la place des relations humaines dans une vie éternelle, et le poids du silence. À travers des épisodes d’une grande délicatesse, la série interroge le rapport au temps, à la mémoire et à la perte. Est-ce que le précieux ne se retrouverait pas dans l’éphémère ? L’animation de qualité, signée Madhouse, et la mise en scène épurée renforcent cette atmosphère introspective, en faisant de Frieren l’un des récits les plus touchants et originaux de la décennie.

Chainsaw Man

Chainsaw Man a bouleversé les codes du shōnen avec son univers gore, déjanté et profondément nihiliste. Denji, jeune chasseur de démons fusionné avec son chien-tronçonneuse, tente de survivre dans un monde brutal en rêvant de plaisirs simples comme manger du pain grillé ou avoir un rendez-vous galant. La série, portée par une animation fluide et une mise en scène inventive signée MAPPA, se distingue par son ton subversif et ses personnages ambigus. Le style de Tatsuki Fujimoto mélange absurdité, désespoir et humanité avec un humour grinçant, rendant chaque épisode imprévisible. Chainsaw Man aborde sans détour la solitude, le désir, la peur de l’échec et la quête de sens dans un monde absurde. C’est un ovni incontournable de l’animation japonaise récente, qui séduit autant par sa violence stylisée que par la sincérité tragique de ses personnages.

Your Lie in April (Shigatsu wa Kimi no Uso)

Your Lie in April est une série musicale poignante centrée sur Kosei Arima, un jeune pianiste prodige traumatisé par la perte brutale de sa mère. Incapable de rejouer du piano, il mène une vie terne jusqu’à sa rencontre avec Kaori Miyazono, une violoniste excentrique et pleine de vie, qui bouleversera sa vision de la musique, mais aussi de l'existence. La série, magnifiquement animée, déploie une bande-son classique saisissante qui accompagne avec justesse les émotions des personnages. Your Lie in April est un drame sur le deuil, la reconstruction, l’amour et la passion artistique. Chaque épisode apporte son lot d’émotions, entre espoir et mélancolie, et pousse à réfléchir sur le pouvoir de la musique et les souvenirs qu’elle véhicule. Avec une narration sensible, des personnages inoubliables et une intensité émotionnelle rare, c’est une œuvre profondément humaine et touchante, à ne pas manquer pour les amateurs de récits sincères et bouleversants.

Haikyu!!

Haikyu!! a su rendre le volley-ball passionnant grâce à une mise en scène dynamique, des personnages attachants et une progression narrative captivante. On y suit Hinata, un lycéen énergique et déterminé à briller dans le monde du volley-ball malgré sa petite taille, ce qui le pousse à travailler plus dur que n'importe qui. Avec son équipe du lycée Karasuno, il affronte des adversaires toujours plus redoutables dans des matchs haletants. Plus qu’un simple animé de sport, Haikyu!! célèbre le travail d’équipe, la persévérance, l’amitié et la résilience face aux obstacles. Il explore aussi les rivalités sportives, les doutes personnels, la pression de la performance et l’esprit de compétition dans une ambiance toujours positive et inspirante. L’animation de Production I.G, fluide et percutante, amplifie l’intensité des rencontres. Chaque épisode est une leçon de dépassement de soi. C’est une série qui donne envie de croire en ses rêves, de se relever après chaque échec et de toujours viser plus haut.

Erased (Boku dake ga Inai Machi)

Erased mêle thriller et voyage temporel dans une ambiance sombre et tendue. Satoru, un mangaka raté approchant la trentaine, est soudainement projeté dans son corps d’enfant, peu avant un événement tragique ayant bouleversé sa vie. Il tente alors de changer le passé pour empêcher l’assassinat de sa mère et la disparition de plusieurs enfants. L’animé brille par sa tension dramatique constante, son atmosphère mélancolique et sa narration fluide. Erased aborde avec finesse les traumatismes de l’enfance, la solitude, la résilience et la force des liens humains. L’animation sobre et la mise en scène intimiste renforcent le réalisme émotionnel du récit. Grâce à une écriture maîtrisée, des personnages attachants et une intrigue émotive, la série captive jusqu’à son final bouleversant. C’est un thriller profondément humain, à la fois touchant et haletant, qui reste longtemps en mémoire.

Parasyte: The Maxim

Dans Parasyte: The Maxim, des parasites extraterrestres prennent possession de corps humains, s’emparant de leur cerveau pour les contrôler. Shinichi Izumi, un lycéen ordinaire, voit sa main droite infectée par un parasite qui échoue à atteindre son cerveau. Ce parasite, baptisé Migi, développe une conscience propre et forme avec Shinichi un tandem forcé. Ensemble, ils affrontent d’autres parasites plus agressifs, menaçant l’humanité. Au-delà de l’action et de l’horreur corporelle, la série soulève des questions profondes sur l'identité, l'empathie et ce qui définit réellement l'humain. L’évolution psychologique de Shinichi est centrale, oscillant entre sa nature humaine et l’influence grandissante de Migi. L’animation fluide, la tension omniprésente et les scènes de combat saisissantes font de Parasyte un incontournable du genre. Il mêle brillamment science-fiction, horreur et drame existentiel, tout en explorant les limites de la coexistence entre espèces opposées.

Mentions spéciales

Parmi les animés qui ont marqué cette dernière décennie, plusieurs méritent d’être mentionnés bien qu’ils ne figurent pas dans le classement principal. Mob Psycho 100 impressionne par sa créativité visuelle et son mélange d’action et d’émotion. My Hero Academia continue de séduire un large public avec son univers de super-héros inspiré des comics américains. Re:Zero explore brillamment la mécanique du retour dans le temps dans un monde fantastique plein de dangers. Cyberpunk: Edgerunners offre un coup de poing visuel et narratif avec son ambiance dystopique saisissante. Enfin, Vinland Saga se démarque par sa narration historique et sa profondeur thématique. Tous ces titres confirment la vitalité et la richesse de l’animation japonaise contemporaine.

Où regarder ces animés en streaming ?

Ces séries sont disponibles sur vos plateformes de streaming favorites comme Crunchyroll, Netflix, Prime Video. Sur JustWatch, vous pouvez vérifier en un clin d’œil où elles sont disponibles, en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour filtrer selon vos services ou utilisez "réinitialiser" pour afficher la liste complète. Et n'oubliez pas de créer votre liste personnalisée pour ne rien manquer des sorties anime à venir !

Mention spéciale : Mob Psycho 100, My Hero Academia, re:Zero, Cyberpunk: Edgerunners, Vinland Saga

La série culte Friends s’est souvent payée le luxe d’accueillir sur ses plateaux d’immenses stars, venues donner la réplique et jouer un petit rôle dans la vie des six amis cathodiques. Au cours des dix saisons et 236 épisodes diffusés entre 1994 et 2004, Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, Matthew Perry et David Schwimmer ont accueilli plusieurs dizaines d’invités pour des passages plus ou moins éclairs.

Cet article JustWatch vous propose de vous en remémorer dix d’entre eux et les interactions qu’ils ont pu avoir avec le casting original. Tout en vous rappelant dans quel épisode vous pouvez retrouver ces stars et où regarder la série en streaming.

George Clooney et Noah Wyle

Héros d’Urgences, série lancée la même année que Friends en 1994, et connaissant la même popularité, les deux “médecins” superstars viennent faire un coucou aux comédiens de la série. Dans l’épisode 17 de la saison 1, les Drs Ross et Carter découvrent Rachel et Monica d’abord à l’hôpital, avant d’être invités à l’appartement.

Ben Stiller

Le comédien et réalisateur a joué un petit ami de Rachel très colérique dans l’épisode 22 de la saison 3 de la série. Ross tente de mettre en garde son ex-petite amie contre son caractère volcanique mais Rachel ne s’aperçoit de rien, jusqu’à ce que le personnage de Ben Stiller s’en prenne directement au canard de Chandler !

Winona Ryder

Dans l’épisode 20 de la saison 7, la comédienne Winona Ryder fait une apparition dans le rôle d’une copine de fac de Rachel, avec qui elle a partagé un baiser pendant une soirée très arrosée. Les deux vieilles amies vont de nouveau s’embrasser et Winona Ryder va lui dire qu’elle est amoureuse d’elle depuis tout ce temps.

Julia Roberts

Pas sûr que vous ayez oublié que la méga-star Julia Roberts a participé à la grande aventure Friends. Dans l’épisode 13 de la saison 2, l’actrice campe une maquilleuse de cinéma, ancienne camarade d’école primaire de Chandler qui se venge de ce que le personnage lui a fait subir plus jeune… en le laissant nu en porte-jarretelles dans les toilettes d’un restaurant.

Brad Pitt

Son apparition était inévitable : Brad Pitt était marié à Jennifer Aniston quand il est apparu dans Friends. C’était dans l’épisode 9 de la saison 8, pour l’épisode de Thanksgiving, où le comédien jouait un certain Will, ancien camarade de lycée de Monica pas très fan de Rachel, au point d’avoir fondé à l’époque avec Ross le club “Je déteste Rachel Green”.

Jennifer Grey

L’inimitable “Bébé” dans Dirty Dancing a fait partie du casting de Friends pour incarner Mindy, la meilleure amie et demoiselle d’honneur de Rachel dans la saison 1 de la sitcom, avant de renoncer à revenir interpréter ce personnage, pour cause d’anxiété trop prononcée.

Dakota Fanning

Personne ne la connaissait à l’époque car elle était toute jeune, mais Dakota Fanning, aujourd’hui actrice reconnue, a bien participé au show ! Dans l’épisode 14 de la dixième et dernière saison, elle est Mackenzie, une fillette très intelligente qui déménage de la maison que Monica et Chandler achètent.

Jennifer Coolidge

Dans l’épisode 3 de la saison 10, Jennifer Coolidge était Amanda, l’ancienne colocataire de Phoebe et Monica. Dans la série dérivée Joey, elle a aussi décroché un petit rôle puisqu’elle joue l’agent du comédien en herbe.

Cole Sprouse

De 2000 à 2001, Cole Sprouse - aujourd’hui très connu pour son rôle dans la série Riverdale - interprétait Ben, le fils de Ross et Carol, dans plusieurs épisodes de Friends.

Où voir en streaming les principaux films et séries des stars venues faire un caméo dans 'Friends' ?

L’incontournable série Friends est présente sur plusieurs plateformes de streaming dont Canal+ et Max. Nous vous avons listé aussi les principaux films et séries dans lesquels retrouver les stars venues faire un “coucou” dans Friends, par ordre de leur mention dans le texte ci-dessus.

Sorti en 1937, Blanche-Neige et les sept nains est le premier long métrage d’animation de Walt Disney ! Un classique des studios donc, adapté d’un conte éponyme des frères Grimm paru en 1812. Ce premier dessin animé, loin de prendre la poussière, a connu d’autres versions, notamment en prises de vue réelles, qui ont ravi le public. De quoi voir de pleins de manières différentes cette figure de l’innocente jeune fille malmenée par une marâtre jalouse.

Nous vous proposons un classement JustWatch des cinq meilleures adaptations mettant en scène cette première princesse de la marque aux grandes oreilles, pour vous y retrouver dans la jungle des offres. 

Blanche-Neige et les sept nains (1937)

Cette première princesse Disney, avec ses manches bouffantes et son noeud rouge dans ses cheveux de jais, a marqué des générations d’enfants. La chanson des sept nains travaillant à la mine aussi ! Toujours un grand plaisir à revenir à la source.

Blanche Neige (2012)

Cette année-là, deux Blanche Neige se sont fait concurrence : ce film est la version la plus lumineuse, plus colorée, maniant parfois l’humour grâce notamment à la présence de Julia Roberts dans le rôle de la reine, malicieuse à souhait et douée dans ce genre de registre. Un spectacle très plaisant.

Blanche Neige et le chasseur (2012)

Plus sombre, plus épique, plus envoûtante que le conte classique de Blanche-Neige, cette version s’adresse à un public plus large que les enfants en bas-âge. La Reine (Charlize Theron) est du genre vraiment cruelle mais Blanche Neige, loin d’être une oie blanche, trouve un allié de taille - le chasseur joué par Chris Hemsworth - pour s’opposer à son courroux.

Once Upon a Time (2011-2018)

La série fantastique américaine a déroulé pendant sept saisons l’histoire d’une Blanche-Neige (Ginnifer Goodwin) vivant de nos jours dans la ville fictive de Storybrooke dans le Maine. Sous le nouveau nom de Mary Margaret Blanchard, l’héroïne est dans cette fiction une institutrice victime d’une malédiction.

Blanche Neige (2025)

Même si le film est l’objet de nombreuses polémiques, le dernier remake Disney en live-action se concentre sur une Blanche-Neige la plus fidèle à celle des débuts presque un siècle plus tôt. Rachel Zegler prend la robe de la princesse et Gal Gadot celle de la méchante reine. Le film est divertissant malgré quelques défauts - les effets spéciaux et les chansons.

Où voir en streaming les cinq meilleures adaptations de Blanche-Neige ?

Le conte de fées le plus écouté, lu et vu par les enfants est très certainement Blanche-Neige. Voici la liste des cinq films sur cette princesse chère au cœur du public à voir dans l’ordre de nos préférences. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir les films disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films ou séries tous services confondus.

Michael Fassbender s’est imposé au fil des années comme l’un des acteurs les plus intenses et polyvalents de sa génération. Né en Allemagne et élevé en Irlande, il débute sa carrière dans les années 2000, avant de devenir un visage incontournable du cinéma indépendant comme des superproductions hollywoodiennes. Sa filmographie est marquée par des rôles complexes, souvent physiques, toujours profondément humains. Collaborateur régulier de Steve McQueen et apprécié pour sa capacité à incarner aussi bien des héros tourmentés que des figures historiques, Fassbender allie justesse d’interprétation et charisme magnétique.

Voici 10 de ses meilleurs films, à voir ou revoir. On vous indique aussi où trouver chaque titre facilement en streaming grâce à JustWatch, le guide qui vous permet de savoir où vos films et séries préférés sont disponibles en ligne.

Inglourious Basterds (2009)

Inglorious Basterds est probablement l’un des films les plus connus et appréciés de Quentin Tarantino. Michael Fassbender campe le lieutenant Archie Hicox, un agent britannique infiltré derrière les lignes ennemies en pleine Seconde Guerre mondiale. Bien qu’il n’apparaisse qu’à mi-parcours, son rôle est crucial et donne lieu à l’une des scènes les plus tendues du film : le face-à-face dans la taverne allemande. Son jeu tout en retenue, son accent impeccable et son sens du timing dramatique y sont mémorables. Tarantino lui confie un personnage élégant, lettré et courageux, dans une séquence où chaque regard compte. Inglourious Basterds révèle Fassbender au grand public international et prouve sa capacité à briller même dans un rôle secondaire.

12 Years a Slave (2013)

12 Years a Slave est un drame historique bouleversant de Steve McQueen, où Michael Fassbender incarne Edwin Epps, un propriétaire de plantation violent et sadique. Sa performance, glaçante de justesse, lui vaut une nomination à l’Oscar du Meilleur acteur dans un second rôle. Face à Chiwetel Ejiofor et Lupita Nyong’o, Fassbender livre un personnage terrifiant, incarnant la brutalité crue du système esclavagiste sans jamais tomber dans la caricature. Ce rôle éprouvant et magistral confirme sa capacité à s’investir pleinement dans des personnages moralement ambigus et complexes. Le film, salué par la critique et multiprimé, est un moment de cinéma fort et nécessaire.

X-Men: Days of Future Past (2014)

Dans ce volet épique de la saga X-Men, X-Men : Days of Future Past, Fassbender reprend son rôle de Magneto, le mutant aux pouvoirs magnétiques, dans une version plus sombre et plus radicalisée. Entre flashbacks et sauts temporels, le film mêle action spectaculaire, enjeux politiques et dilemmes moraux. Fassbender y incarne un Magneto à la fois charismatique et dangereux, dont la colère contenue explose à plusieurs reprises. Sa présence renforce la gravité des enjeux et donne une profondeur supplémentaire au récit. Dans ce film choral, il parvient à s’imposer grâce à une interprétation nuancée, faisant de son personnage l’un des piliers émotionnels de l’intrigue.

X-Men: Le Commencement (2011)

Premier chapitre du reboot de la saga, X-Men: Le Commencement retrace les origines de Magneto et du Professeur X. Michael Fassbender y trouve l’un de ses rôles les plus emblématiques, dans une prestation où il mêle rage, douleur et séduction. Son parcours de survivant de la Shoah devenu justicier vengeur donne au film une profondeur dramatique inattendue. La relation complexe qu’il entretient avec le personnage de James McAvoy (Charles Xavier) constitue le cœur émotionnel du récit. Sa performance en Magneto, entre fureur contenue et humanité blessée, est l’un des grands atouts de cette origin story réussie.

Hunger (2008)

Premier film marquant de Steve McQueen, Hunger suit les derniers jours de Bobby Sands, prisonnier de l’IRA mort après une grève de la faim dans les années 1980. Pour incarner ce rôle, Fassbender s’est soumis à une transformation physique impressionnante, perdant plus de 18 kilos. Son interprétation est d’une intensité rare, faite de silences, de souffrance et de tension intérieure. Le film, minimaliste et frontal, est porté par un long plan-séquence en huis clos entre Sands et un prêtre, moment de grâce cinématographique où Fassbender démontre toute l’étendue de son talent. Hunger est une œuvre radicale et puissante, à ne pas manquer.

Shame (2011)

Deuxième collaboration avec Steve McQueen, Shame offre à Fassbender l’un de ses rôles les plus intimes et dérangeants. Il y incarne Brandon, un trentenaire new-yorkais en proie à une addiction sexuelle qui le coupe de toute relation sincère. Le film explore avec une grande pudeur les thèmes du vide existentiel, de la honte et du désir. La performance de Fassbender, à la fois physique et émotionnelle, lui vaut une nomination au Golden Globe. Sa capacité à exprimer l’isolement et la fragilité derrière une façade de contrôle est bouleversante. Shame est un drame cru et sensible, porté par une mise en scène épurée et élégante.

Fish Tank (2009)

Réalisé par Andrea Arnold, Fish Tank est un drame social britannique centré sur une adolescente en colère, Mia, vivant dans une cité anglaise. Michael Fassbender y joue Connor, le nouveau petit ami de sa mère, qui va bouleverser l’équilibre précaire de la famille. Son personnage, charismatique et séduisant, entretient une relation ambiguë avec Mia, rendant le récit encore plus tendu. Le jeu tout en nuances de Fassbender renforce l’ambivalence de son rôle, à la fois protecteur et dérangeant. Le film, récompensé du Prix du Jury à Cannes, est un bijou de réalisme social, porté par une réalisation sensible et des interprètes remarquables.

Une vie entre deux océans (2016)

Une vie entre deux océans est un drame romantique adapté du roman éponyme, où Fassbender incarne un gardien de phare tourmenté qui, avec sa femme (interprétée par Alicia Vikander), recueille un bébé trouvé dans une barque. Le couple décide de l’élever comme le leur, mais le secret finit par les rattraper. Le film, tourné dans des décors naturels sublimes, s’appuie sur la complicité entre les deux acteurs principaux, qui sont également en couple à la ville. Fassbender livre ici une performance sobre et touchante, dans un rôle où les dilemmes moraux prennent le pas sur les effets dramatiques. Une œuvre mélodramatique émotive, sur fond de culpabilité et de pardon.

Steve Jobs (2015)

Steve Jobs est un biopic signé Danny Boyle et écrit par Aaron Sorkin, où Michael Fassbender prête ses traits à Steve Jobs, la figure iconique d’Apple, à travers trois moments-clés de sa carrière. Le film se distingue par son écriture nerveuse et ses dialogues brillants, que Fassbender maîtrise avec une précision redoutable. Sans chercher à imiter physiquement Jobs, il en capte l’énergie, la complexité et les contradictions. La performance est remarquable de justesse, permettant de découvrir un homme aussi visionnaire que difficile à côtoyer. Grâce à ce rôle, Fassbender obtient une nomination à l’Oscar du Meilleur acteur. Steve Jobs est une leçon de jeu et de mise en scène, dense et captivante.

Jane Eyre (2011)

Jane Eyre est une adaptation sobre et élégante du roman de Charlotte Brontë, où Michael Fassbender interprète Edward Rochester, le ténébreux maître de Thornfield Hall. Face à Mia Wasikowska dans le rôle de Jane, il incarne un homme tourmenté, fier et vulnérable, en quête de rédemption. Le film, réalisé par Cary Fukunaga, se distingue par son atmosphère gothique, sa photographie soignée et sa fidélité à l’esprit du roman. Fassbender y apporte intensité et profondeur, rendant palpable la tension romantique entre les deux protagonistes. C’est une romance littéraire et mélancolique, où l’acteur révèle une facette plus classique et romantique de son talent.

Où regarder ces films avec Michael Fassbender ?

Tous ces films témoignent de l’étendue du registre de Michael Fassbender, entre performances intimes, fresques historiques et superproductions. Pour les (re)découvrir, rendez-vous sur le guide de streaming JustWatch. Vous pourrez y filtrer les plateformes disponibles (Netflix, Prime Video, Apple TV+...) et créer votre propre liste pour ne rien manquer de vos films préférés. Cliquez sur les logos ci-dessous pour accéder directement aux titres disponibles avec vos abonnements, ou cliquez sur "réinitialiser" pour afficher l’ensemble des films.

Du dessin à la réalité, le pas (fait avec un pied délicat chaussé  d’une pantoufle de vair) a souvent été sauté ! Les studios Disney ne se sont en effet pas privés de donner des traits humains à leurs héroïnes animées, avec une nette accélération de la production de ce genre de films ces dernières années. Belle, Ariel, Jasmine ont vu leurs traits devenir bien réels… et dernière en date : Blanche-Neige. Après le film de 2012 avec Lily Collins et Julia Roberts, puis une version un peu plus sombre avec Kristen Stewart et Charlize Theron, place à une version plus enfantine et une adaptation plus fidèle au dessin animé de 1937.

Nous vous proposons un classement JustWatch des meilleurs films en prises de vues réelles mettant en scène une princesse de la marque aux grandes oreilles, pour vous y retrouver dans la jungle des offres. 

1. Alice au pays des merveilles (2010)

L’héroïne et ses rencontres loufoques, passée à la moulinette de l’imagination débridée de Tim Burton : c’est le match parfait ! Les décors de ce film sont aussi fous que le chapelier, les personnages sont revisités avec tout l’onirisme requis et l’action est à la hauteur de cette aventure. Plus qu’un simple remake.

2. Maléfique (2014)

Cette relecture très moderne du conte originel La Belle au bois dormant (1959) fait la part belle à la sorcière de l’histoire plus que de la naïve Aurore. Angelina Jolie y est terrifique dans ce rôle loin d’être stéréotypé car il explore l’évolution, les douleurs et les choix du personnage. Le monde imaginé autour est époustouflant d’effets visuels.

3. La Belle et la Bête (2017)

Rien ne remplace dans notre cœur la version de Jean Cocteau de 1946 avec Jean Marais mais cette réinterprétation américaine avec Emma Watson respecte l’esprit du conte avec cette dose de magie en plus, rendue possible grâce aux effets spéciaux à la pointe à l’époque.

4. Aladdin (2019)

Pour son premier essai dans l’univers Disney, Guy Ritchie fait presque un sans-faute. Le tapis volant, l'intranquillité des héros et le choix de Will Smith dans la peau bleu du génie donnent une grande énergie à l’ensemble du film. Le décor d’Agrabah est superbe et la magie opère.

5. Blanche Neige (2025)

Le dernier remake Disney en live-action se concentre sur Blanche-Neige, venue au secours des 7 nains pour leur rendre la vie plus douce avant d’être victime d’un empoisonnement fatal. Rachel Zegler prend la robe de la princesse et Gal Gadot celle de la méchante reine. Le film est divertissant malgré quelques défauts - les effets spéciaux et les chansons.

6. Cendrillon (2015)

Signée Kenneth Branagh, cette romance revisitée a su garder la féérie du conte de Charles Perrault tout en composant un conte de fées dont les robes feront rêver les petites filles. Classique avec le petit brin de folie venant d’Helena Bonham-Carter, la Bonne Fée.

7. Blanche Neige (2012)

Cette année-là, il y a eu deux Blanche Neige : ce film est la version lumineuse, maniant parfois l’humour et la malice grâce notamment à la présence de Julia Roberts quand Blanche Neige et le chasseur prend une teinte plus sombre.

8. La Petite sirène (2023)

Bon point pour cette version : une comédienne métisse, Halle Bailey, a été recrutée pour prendre les traits d’Ariel ! Quand à cette relecture en prises de vue réelles, outre les impressionnants effets spéciaux pour faire croire à l’océan, l’intrigue aurait pu s’autoriser à s’éloigner un peu de la version classique.

9. Mulan (2020)

Approche plus réaliste et curseur de l’action poussé au maximum, Mulan garde ce souffle épique et guerrier du film d’animation. Les petites inexactitudes historiques qui ont suscité la controverse n’empêchent en rien l’avancée de l’intrigue.

10. Blanche Neige et le chasseur (2012)

Réinterprétation sombre et épique du conte classique de Blanche-Neige, cette version semble s’adresser davantage à des adultes. Blanche Neige, loin d’être passive, prend son destin en main face à la méchante reine interprétée ici par Charlize Theron.

11. Alice de l’autre côté du miroir (2016)

Même s’il s’inscrit dans la droite lignée du premier opus, sans Tim Burton à la réalisation, la vision insufflée dans cette suite manque d’un soupçon d’originalité de son maître, qui reste quand même le producteur. Pour le reste : la magie opère toujours ! 

Où voir en streaming les films de princesses Disney en prises de vue réelles ?

Elles sont belles, elles sont courageuses et vivent des destins extraordinaires depuis toujours en images animées… mais aussi en prises de vue réelles. Voici la liste des films de princesses Disney en live action à voir dans l’ordre de nos préférences. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films ou séries sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films ou séries tous services confondus.