Die 10 wichtigsten Filme von John Wayne – in der richtigen Reihenfolge
Ein Cowboy steigt vom Pferd, zieht den Hut etwas tiefer und muss kaum noch etwas sagen. John Wayne beherrschte diese Haltung so überzeugend, dass sie irgendwann größer wurde als der Schauspieler selbst. Dabei begann seine Karriere keineswegs als fertige Legende. Nach einem frühen Rückschlag arbeitete er sich jahrelang durch B-Western, bevor er den Stil fand, der ihn zum Inbegriff des amerikanischen Westernhelden machte.
Diese Watch-Order folgt 10 entscheidenden Filmen in chronologischer Reihenfolge und zeigt, wie aus einem jungen Hauptdarsteller erst ein Star, dann ein Mythos und schließlich ein Schauspieler wurde, der sein eigenes Leinwandimage zunehmend hinterfragte. So erzählt sie nicht nur die Geschichte einer außergewöhnlichen Karriere, sondern auch die Entwicklung eines der größten Filmstars Hollywoods.
Ein endloser Planwagentreck kämpft sich durch Flüsse, Schnee und Schlamm, während der junge Scout Breck Coleman (John Wayne) die Siedler nach Oregon führen soll. Unterwegs verliebt er sich in Ruth Cameron (Marguerite Churchill) und gerät zugleich an den skrupellosen Red Flack (Tyrone Power Sr.), der ein tödliches Geheimnis mit sich trägt.
Der große Treck (1930) wirkt heute noch beeindruckend, weil Regisseur Raoul Walsh die Reise mit gewaltigen Landschaftsbildern und einem frühen Breitwandverfahren inszenierte. Wayne war erst 23 Jahre alt und noch weit von jener lässigen Sicherheit entfernt, die später sein Markenzeichen wurde. Sein etwas steifer Auftritt gehört jedoch zum Reiz dieser ersten Station. Der Film zeigt keinen fertigen Mythos, sondern einen jungen Schauspieler, der sichtbar ausprobiert, wie ein Westernheld stehen, sprechen und schweigen könnte.
Neun Jahre später genügt eine einzige Einführung, um aus John Wayne einen Star zu machen. Als der flüchtige Ringo Kid (John Wayne) mit dem Gewehr in der Hand am Straßenrand auftaucht, fährt die Kamera auf ihn zu und hält den Moment wie eine Geburt fest. In Höllenfahrt nach Santa Fe (1939) reist er gemeinsam mit der ausgestoßenen Dallas (Claire Trevor), dem alkoholkranken Doc Boone (Thomas Mitchell) und weiteren Fremden durch gefährliches Apachengebiet.
John Ford macht aus der Kutschfahrt ein präzises Gesellschaftsbild, in dem vermeintlich angesehene Menschen oft schlechter handeln als jene, die sie verachten. Wayne verbindet Kraft, Verletzlichkeit und romantische Unschuld bereits erstaunlich sicher. Hier formt sich erstmals jenes Leinwandbild, das Hollywood über Jahrzehnte immer wieder aufgreifen sollte. Ohne diesen Durchbruch bliebe jede chronologische Auswahl seiner Karriere unvollständig.
Wer John Wayne nur als aufrechten Beschützer kennt, erlebt in diesem Western eine Überraschung. Rancher Tom Dunson (John Wayne) treibt eine riesige Rinderherde nach Missouri und verwandelt sich unter dem Druck der Reise in einen autoritären Anführer, der Widerspruch kaum duldet. Sein Ziehsohn Matthew Garth (Montgomery Clift) stellt sich ihm entgegen und übernimmt den Treck, worauf aus dem familiären Konflikt beinahe ein Krieg wird.
Panik am roten Fluss (1948) lebt von der Reibung zwischen Waynes körperlicher Präsenz und Clifts empfindsamer Modernität. Regisseur Howard Hawks zeigt, wie leicht Entschlossenheit in Besessenheit kippen kann. Wayne spielt keinen klassischen Bösewicht, aber einen Mann, dessen Stolz alle Menschen um ihn herum gefährdet. Damit öffnet der Film einen dunkleren Abschnitt seiner Karriere und beweist, dass sein vertrautes Heldenbild auch gegen ihn selbst eingesetzt werden konnte.
Regen, grüne Hügel und eine Frau mit sehr eigenem Kopf ersetzen in dieser Station die vertraute Westernlandschaft. Der ehemalige Boxer Sean Thornton (John Wayne) kehrt aus den USA in sein irisches Heimatdorf zurück, weil ihn ein tödlicher Unfall im Ring verfolgt. Dort verliebt er sich in Mary Kate Danaher (Maureen O’Hara), muss sich jedoch mit ihrem streitlustigen Bruder Will Danaher (Victor McLaglen) und lokalen Traditionen herumschlagen.
Der Sieger (1952) ist romantisch, komisch und gelegentlich bewusst überdreht. Zugleich bekommt Wayne ungewöhnlich viel Raum für Scham, Zärtlichkeit und Unsicherheit. Seine Chemie mit O’Hara trägt selbst die berühmte, aus heutiger Sicht sperrige Geschlechterkomik. Als bewusstes Atemholen zwischen den Western zeigt der Film, dass Waynes Wirkung nicht an Colt und Pferd gebunden war. John Ford konnte ihn als verletzten Liebenden einsetzen, ohne seine Leinwandautorität zu verlieren.
Kaum ein anderer Film zerlegt John Waynes Heldenimage so gründlich, obwohl er es auf den ersten Blick vollkommen bedient. Ethan Edwards (John Wayne) kehrt nach dem Bürgerkrieg zur Familie seines Bruders zurück und beginnt nach einem Überfall die jahrelange Suche nach seiner entführten Nichte Debbie (Natalie Wood). Begleitet wird er von Martin Pawley (Jeffrey Hunter), den Ethan wegen seiner Herkunft nie vollständig akzeptiert.
Der schwarze Falke (1956) bietet monumentale Landschaften und große Abenteuerszenen, doch im Zentrum steht ein von Hass, Verlust und Rassismus zerfressener Mann. Wayne macht Ethan zugleich faszinierend und beunruhigend, ohne seine Abgründe freundlich zu erklären. John Ford feiert den amerikanischen Pioniermythos hier nicht einfach, sondern stellt seine dunkle Seite offen aus. Wer Waynes filmgeschichtliche Bedeutung verstehen will, kommt an diesem unbequemen Klassiker kaum vorbei.
Hinter den Türen eines kleinen Gefängnisses wartet ein Gefangener, vor dem Fenster sammelt sich eine bewaffnete Übermacht. Sheriff John T. Chance (John Wayne) könnte Hilfe gebrauchen, lehnt jedoch jeden Menschen ab, dem er nicht vollständig vertraut. Am Ende stehen ihm der alkoholkranke Dude (Dean Martin), der junge Colorado Ryan (Ricky Nelson), der ältere Stumpy (Walter Brennan) und die selbstbewusste Feathers (Angie Dickinson) zur Seite.
Rio Bravo (1959) macht aus dieser einfachen Belagerung einen erstaunlich entspannten Western über Freundschaft, Würde und zweite Chancen. Howard Hawks lässt den Menschen Zeit zum Reden, Musizieren und gegenseitigen Prüfen. Wayne wirkt hier nicht mehr wie ein Schauspieler, der sein Image sucht. Er beherrscht es bis in kleinste Bewegungen. Seine Ruhe ist inzwischen keine bloße Eigenschaft mehr, sondern die wichtigste Attraktion des gesamten Films.
Für dieses Herzensprojekt übernahm John Wayne gleich mehrere Aufgaben und riskierte dabei einen erheblichen Teil seines eigenen Vermögens. In Alamo (1960) spielt er den ehemaligen Kongressabgeordneten Davy Crockett (John Wayne), der sich gemeinsam mit Colonel William Travis (Laurence Harvey) und Jim Bowie (Richard Widmark) in einer alten Missionsstation gegen die zahlenmäßig weit überlegene mexikanische Armee stellt.
Wayne produzierte das aufwendige Historienepos und führte erstmals selbst Regie, nachdem er jahrelang für seine Umsetzung gekämpft hatte. Das Ergebnis ist patriotisch, monumental und aus heutiger Sicht politisch durchaus problematisch, bleibt aber für seine Karriere unverzichtbar. Keine andere Produktion zeigt deutlicher, wie sehr Wayne inzwischen nicht nur Schauspieler, sondern auch Gestalter seines eigenen amerikanischen Mythos geworden war. Sieben Oscar-Nominierungen bestätigten zumindest den gewaltigen Anspruch dieses persönlichen Prestigeprojekts.
Am Anfang steht eine Beerdigung, doch die eigentliche Geschichte handelt von der Geburt einer Legende. Senator Ransom Stoddard (James Stewart) kehrt in die kleine Stadt Shinbone zurück und erzählt, wie er einst mit Gesetzbüchern gegen den brutalen Liberty Valance (Lee Marvin) kämpfen wollte. Der wortkarge Rancher Tom Doniphon (John Wayne) weiß dagegen, dass Valance sich nicht durch gute Argumente beeindrucken lässt. Zwischen beiden Männern steht Hallie (Vera Miles), die für eine Zukunft steht, die Tom niemals erreichen wird.
Der Mann, der Liberty Valance erschoß (1962) ist Western, Liebesdrama und bittere Medienkritik zugleich. John Ford zeigt, dass gesellschaftlicher Fortschritt oft auf verdrängter Gewalt und bequem erzählten Heldengeschichten beruht. Wayne spielt einen Mann, der den Sieg ermöglicht und trotzdem alles verliert. Der Film wirkt deshalb wie eine ernüchternde Antwort auf viele frühere Stationen seiner Karriere.
Rooster Cogburn (John Wayne) schläft seinen Rausch aus, trägt eine Augenklappe und hält sich selbst für erheblich beeindruckender, als sein Umfeld es tut. Der abgehalfterte Marshal wird von der entschlossenen Mattie Ross (Kim Darby) angeheuert, den Mörder ihres Vaters zu finden. Gemeinsam mit dem Texas Ranger La Boeuf (Glen Campbell) verfolgt das ungleiche Paar den flüchtigen Tom Chaney (Jeff Corey) durch das Indianerterritorium.
Der Marshal (1969) erlaubt Wayne, sein vertrautes Image zugleich auszuspielen und liebevoll zu verspotten. Rooster ist mutig, laut, schmutzig, eitel und überraschend rührend. Für diese Leistung gewann Wayne seinen einzigen Oscar als bester Hauptdarsteller. Er versucht hier nicht, jünger oder eleganter zu wirken. Stattdessen macht er sein Alter, seine Schwerfälligkeit und seine gewaltige Leinwandvergangenheit zum Material einer ausgesprochen unterhaltsamen Altersrolle.
Dass John Waynes Karriere mit einem sterbenden Revolverhelden endet, verleiht diesem Film eine beinahe schmerzhafte zusätzliche Ebene. J. B. Books (John Wayne) erfährt von Dr. Hostetler (James Stewart), dass er Krebs hat und nur noch kurze Zeit leben wird. In einem gemieteten Zimmer versucht er, seine letzten Tage würdevoll zu verbringen. Seine Vermieterin Bond Rogers (Lauren Bacall) begegnet ihm zunächst mit Misstrauen, während ihr Sohn Gillom (Ron Howard) den berühmten Schützen bewundert.
Der letzte Scharfschütze (1976) ist kein lauter Abschied, sondern ein ruhiger Film über Schmerz, Ruhm und die Frage, wie ein gewalttätiger Mann sterben möchte. Regisseur Don Siegel nutzt Waynes Filmgeschichte, ohne daraus sentimentalen Kitsch zu machen. Als letzter Punkt dieser Reihenfolge wirkt das Werk beinahe unvermeidlich, denn hier blickt der Mythos John Wayne seinem eigenen Ende direkt ins Gesicht.
