San Valentín es la excusa perfecta para volver a ver los grandes clásicos del romance cinematográfico, esos títulos que funcionan tanto para una primera cita como para una noche de nostalgia en pareja. Pero no todas las películas románticas envejecen igual: algunas se vuelven más profundas con el tiempo, otras revelan sus costuras y unas pocas siguen siendo tan efectivas como el día de su estreno.
En esta guía reunimos diez títulos imprescindibles que definen distintas formas de entender el amor en el cine, desde la comedia romántica clásica hasta el drama desgarrador, pasando por adaptaciones literarias y propuestas más contemporáneas.
Cuando Harry encontró a Sally (1989)
Rob Reiner firma una de las comedias románticas más inteligentes y mencionadas de la historia del cine. La película plantea una pregunta simple: ¿pueden hombres y mujeres ser solo amigos? Y la explora durante más de una década de encuentros, desencuentros y conversaciones brillantemente escritas por Nora Ephron.
Billy Crystal y Meg Ryan construyen una química tan natural que resulta imposible no creer en su relación, incluso cuando el guión los mantiene separados durante largos tramos.
Lo que distingue a Cuando Harry encontró a Sally de otras rom-coms de su época, como la olvidable Armas de mujer o incluso la más ambiciosa Algo para recordar, es su capacidad para ser cínica y romántica al mismo tiempo. No hay grandes gestos vacíos ni reconciliaciones forzadas: todo fluye de forma orgánica a través del diálogo. La famosa escena del restaurante sigue siendo un ejemplo perfecto de comedia física integrada en una narrativa realista.
Reiner logra algo que pocas comedias románticas consiguen: envejecer bien. Mientras que propuestas más recientes como A dos metros de ti se sienten datadas apenas cinco años después de su estreno, esta película mantiene su frescura gracias a su honestidad emocional y a un guión que respeta la inteligencia del espectador. Es el tipo de película que te hace reír y pensar a partes iguales, algo cada vez más raro en el género.
Romeo + Julieta de William Shakespeare (1996)
Baz Luhrmann toma la obra más famosa de Shakespeare y la traslada a un Miami Beach ficticio lleno de violencia, neón y MTV. El resultado es una de las adaptaciones más audaces y divisivas de la historia del cine. Leonardo DiCaprio y Claire Danes encarnan a los amantes más célebres de la literatura con una intensidad adolescente que funciona precisamente porque Luhrmann no intenta sofisticar su romance, sino presentarlo como lo que es: pasión irracional y arrebatadora.
La película es puro estilo, para bien y para mal. Donde la adaptación de Kenneth Branagh de Hamlet (1996) optaba por el clasicismo, Luhrmann prefiere la saturación visual y el montaje frenético. Algunos planos son de una belleza apabullante —la primera vez que Romeo y Julieta se ven a través del acuario— mientras que otros caen en el exceso gratuito. Lo interesante es que ese maximalismo es coherente con la naturaleza trágica y extrema de la historia original.
Comparada con adaptaciones más recientes como Cyrano de Joe Wright, que intenta modernizar el romance clásico con musicales, Romeo + Julieta sigue siendo mucho más arriesgada y memorable.
No busca la aprobación fácil del público ni suaviza los bordes afilados de la tragedia. Es una película que entiende que el amor adolescente es tan legítimo como doloroso, y que no necesita condescendencia para funcionar. Luhrmann crea un universo propio donde Shakespeare y el hip-hop conviven sin ironía, y eso sigue siendo impresionante tres décadas después.
Titanic (1997)
James Cameron no necesitaba demostrar nada después de Terminator 2, pero decidió jugársela con una superproducción romántica ambientada en el hundimiento del transatlántico más famoso de la historia.
El resultado fue un fenómeno cultural que arrasó en taquilla y se llevó once Oscars, incluyendo Mejor Película. Titanic funciona porque Cameron entiende que el espectáculo y la emoción no son incompatibles: la historia de amor entre Jack y Rose tiene el peso dramático suficiente para sostener tres horas de metraje.
Leonardo DiCaprio y Kate Winslet crean una pareja imposible que funciona precisamente por sus diferencias de clase. La película no romantiza la pobreza ni la riqueza, sino que usa el contraste social para explorar la libertad, el deseo y las limitaciones impuestas por la sociedad. La química entre ambos actores es innegable, y Cameron sabe cuándo dejarlos brillar y cuándo recurrir al espectáculo visual para mantener el ritmo.
Comparada con otros desastres románticos como Pearl Harbor de Michael Bay, que convierte la tragedia en un videoclip patriótico, Titanic respeta la magnitud del evento histórico sin perder de vista la historia humana.
No es tan íntima como La forma del agua de Guillermo del Toro, pero tampoco lo pretende: es cine de gran formato que busca emocionar a través de la escala y la tragedia inevitable. Cameron logra que nos importe el destino de dos personajes ficticios en medio de una catástrofe real, y eso no es poca cosa.
Notting Hill (1999)
Richard Curtis firma el guión de una de las comedias románticas más encantadoras y autoconscientes de los noventa. Hugh Grant interpreta a un librero londinense que se enamora de la actriz más famosa del mundo, interpretada por Julia Roberts con un carisma apabullante. La premisa es puro cuento de hadas moderno, pero Curtis la aterriza con suficiente humor británico y situaciones incómodas como para que funcione sin resultar empalagosa.
Lo mejor de Notting Hill es su capacidad para jugar con las convenciones del género sin destruirlas. Grant es el típico protagonista torpe y adorable, pero el guión le da suficientes capas como para no convertirlo en un arquetipo vacío.
Roberts, por su parte, aporta vulnerabilidad a un personaje que podría haber sido solo una fantasía masculina. La escena en la que ella le pide que la ame "tal como es" podría haber sonado cursi en otras manos, pero aquí funciona porque Curtis ha construido la relación con paciencia y detalle.
Comparada con Cuatro bodas y un funeral, también escrita por Curtis, Notting Hill es más ligera y menos interesada en explorar las complejidades del compromiso. Frente a propuestas más ácidas como El diario de Bridget Jones, esta película elige el optimismo sin ironía.
No es tan inteligente como Cuando Harry encontró a Sally ni tan memorable a nivel visual como Amélie, pero tiene un encanto propio que la ha convertido en un clásico del género. Curtis entiende que a veces el cine romántico no necesita reinventar la rueda, solo girarla con gracia.
El otro lado de la cama (2002)
Emilio Martínez-Lázaro entrega una comedia musical española que funciona tanto como farsa romántica como retrato generacional. La película sigue las infidelidades cruzadas de dos parejas de treintañeros madrileños con un tono ligero que nunca cae en el cinismo. Los números musicales están integrados de forma natural en la narrativa, y el reparto —Ernesto Alterio, Paz Vega, Guillermo Toledo y Natalia Verbeke— tiene una química grupal que sostiene incluso las situaciones más absurdas.
Lo interesante de El otro lado de la cama es cómo logra ser una comedia de enredos sin perder de vista las emociones reales de sus personajes. No es tan sofisticada como Los amantes del círculo polar de Julio Medem ni tan gamberra como Airbag, pero encuentra un equilibrio perfecto entre ambos extremos.
Los números musicales podrían haber resultado forzados, pero Martínez-Lázaro los utiliza como expresión de los pensamientos internos de los personajes, siguiendo la tradición de musicales clásicos como Cantando bajo la lluvia.
Comparada con otras comedias románticas españolas de la época como A mi madre le gustan las mujeres, esta película tiene más energía y mejores canciones. No alcanza la profundidad emocional de Te doy mis ojos, pero tampoco lo pretende: es entretenimiento puro con suficiente corazón como para no resultar vacío.
Martínez-Lázaro demuestra que el cine español puede hacer comedias románticas con personalidad propia sin copiar fórmulas de Hollywood. La película envejeció mejor que muchas de sus contemporáneas precisamente porque nunca intentó ser más de lo que era.
El diario de Noa (2004)
Nick Cassavetes adapta la novela de Nicholas Sparks con una honestidad emocional que eleva el material por encima de otras adaptaciones del mismo autor. Ryan Gosling y Rachel McAdams interpretan a dos jóvenes de clases sociales opuestas que se enamoran en la Carolina del Norte de los años cuarenta.
La estructura narrativa, que alterna entre pasado y presente, añade una capa de melancolía que convierte lo que podría haber sido otro romance adolescente en algo más profundo.
La película funciona porque Cassavetes no tiene miedo de la sentimentalidad. Donde otros directores podrían haber optado por la ironía o el distanciamiento, él abraza las emociones sin complejos.
La química entre Gosling y McAdams es tan palpable que su romance fuera de la pantalla durante el rodaje solo confirmó lo que ya era evidente. La versión actual de los personajes, interpretada por James Garner y Gena Rowlands, aporta peso dramático y convierte la historia en una meditación sobre la memoria y el amor duradero.
Comparada con Un paseo para recordar, otra adaptación de Sparks, El diario de Noa tiene más ambición narrativa y mejor dirección. No alcanza la complejidad de Revolutionary Road, que también explora las tensiones de clase y las expectativas sociales, pero es mucho más accesible y emotiva.
Frente a propuestas más cínicas como Blue Valentine, que desmonta el romance, esta película elige creer en él sin reservas. Cassavetes logra que una historia previsible resulte genuinamente conmovedora, y eso requiere tanto oficio como convicción.
10 razones para odiarte (1999)
Gil Junger adapta La fierecilla domada de Shakespeare al contexto de un instituto americano de los noventa con resultados sorprendentemente efectivos. Julia Stiles interpreta a Kat Stratford, una feminista antisocial que se convierte en el objetivo romántico de Patrick, interpretado por Heath Ledger en uno de sus papeles más carismáticos. La película funciona porque respeta tanto la fuente original como las convenciones del teen movie sin traicionar ninguna de las dos.
Lo mejor de 10 razones para odiarte es su guión, que está lleno de diálogos afilados y referencias culturales que no se sienten forzadas. Stiles y Ledger tienen una química explosiva que convierte lo que podría haber sido otro romance adolescente genérico en algo memorable.
La famosa escena musical en las gradas del estadio es uno de esos momentos de cine romántico que funcionan porque son ridículos y sinceros al mismo tiempo.
Comparada con otras teen movies de la época como Crueles intenciones, que optaba por el drama y la manipulación, esta película elige el humor y la ligereza. No tiene la profundidad de Election ni la transgresión de American Pie, pero es mucho más romántica y menos cínica que ambas.
Frente a adaptaciones shakespearianas más literales como Ella es el chico, 10 razones para odiarte entiende que actualizar un clásico no significa reproducirlo palabra por palabra, sino capturar su espíritu. Junger logra una comedia romántica juvenil que entretiene sin subestimar a su audiencia.
Pretty Woman (1990)
Garry Marshall convierte lo que podría haber sido un drama social sobre prostitución en un cuento de hadas capitalista que funciona gracias al carisma desbordante de Julia Roberts. Richard Gere interpreta al millonario que la contrata por una semana y, como era de esperar, termina enamorándose de ella. La premisa es muy problemática desde cualquier perspectiva feminista, pero la película la ejecuta con tanta convicción que resulta difícil resistirse a su encanto superficial.
Roberts está espectacular, y su química con Gere sostiene incluso las escenas más inverosímiles. El guión, escrito en un primer momento como un drama mucho más oscuro, fue reescrito para convertirse en esta fantasía romántica donde el dinero soluciona todo y las diferencias de clase desaparecen con un cambio de vestuario. La famosa escena de la ópera, donde Vivian llora al ver La Traviata, es un ejemplo perfecto de cómo Marshall manipula las emociones del espectador con efectividad calculada.
Comparada con Armas de mujer, que al menos intentaba decir algo sobre las mujeres en el mundo corporativo, Pretty Woman es puro escapismo sin pretensiones. No tiene la complejidad de Bella de día de Buñuel ni la crudeza de Adiós a Las Vegas, pero tampoco busca eso.
Frente a comedias románticas más recientes como Crazy Rich Asians, que también celebran la riqueza pero con más diversidad, Pretty Woman se siente problemática. Sin embargo, Roberts logra que Vivian sea algo más que un objeto de rescate, y eso salva a la película de ser descartable.
(500) días juntos (2009)
Marc Webb deconstruye la comedia romántica tradicional con una narrativa fragmentada que salta en el tiempo para mostrar el ascenso y caída de una relación. Joseph Gordon-Levitt interpreta a Tom, un escritor de tarjetas de felicitación que se enamora perdidamente de Summer, interpretada por Zooey Deschanel. La película es honesta sobre las dinámicas de poder, las expectativas irreales y cómo el amor no correspondido puede convertirse en obsesión.
Lo más interesante de (500) días juntos es que no toma partido por ninguno de sus protagonistas. Tom es presentado de manera inicial como el héroe romántico incomprendido, pero a medida que avanza la película queda claro que su visión del romance es tan problemática como la supuesta frialdad de Summer.
Webb utiliza trucos visuales —la secuencia de expectativa vs. realidad es memorable— para mostrar cómo nuestra percepción del amor está mediada por fantasías culturales imposibles de cumplir.
Comparada con Annie Hall de Woody Allen, que también juega con la narrativa no lineal para explorar una relación fallida, (500) días juntos es menos cínica pero igual de lúcida. No tiene la profundidad de ¡Olvídate de mí!, que usa la ciencia ficción para explorar la memoria romántica, pero es más accesible. Frente a comedias románticas convencionales como Crazy, Stupid, Love, esta película se atreve a cuestionar los principios del género sin abandonarlo completamente. Webb logra algo difícil: hacer una película romántica anti-romántica que sigue siendo muy emotiva.
Antes de ti (2016)
Thea Sharrock adapta la novela de Jojo Moyes con más sensibilidad de la esperada para un material tan manipulador. Emilia Clarke interpreta a Louisa, una joven de pueblo sin grandes aspiraciones que se convierte en cuidadora de Will, un banquero tetrapléjico interpretado por Sam Claflin. La premisa podría haber derivado en puro melodrama lacrimógeno, pero Sharrock encuentra momentos de humor y ternura genuina que elevan el material final.
La película es profundamente problemática en su tratamiento de la discapacidad, presentando el suicidio asistido como la única salida digna para alguien en la condición de Will. Esto la aleja de propuestas más honestas como La teoría del todo, que al menos intenta mostrar la vida con discapacidad sin reducirla a una tragedia romántica. Sin embargo, la química entre Clarke y Claflin es innegable, y algunos momentos —como la escena del concierto— funcionan a pesar de las limitaciones del guión.
Comparada con A todos los chicos de los que me enamoré, otra adaptación contemporánea, Antes de ti tiene más ambición dramática pero menos honestidad emocional. No alcanza la complejidad de Manchester frente al mar, que también trata sobre el duelo y la culpa, pero al menos intenta ser algo más que un romance adolescente genérico.
Sharrock logra que una historia manipuladora resulte mínimamente creíble gracias a sus protagonistas, aunque no puede ocultar los problemas éticos de su planteamiento central.
