Es gibt Schauspielerinnen und Schauspieler, bei denen man fast automatisch davon ausgeht, dass irgendwo ein Oscar im Regal stehen muss. Nicht, weil sie auf Preise hingespielt hätten, sondern weil ihre Karrieren von Leistungen getragen werden, die genau das verkörpern, wofür diese Auszeichnung eigentlich gedacht ist.
Sie haben Figuren geschaffen, die Filmgeschichte geschrieben haben, sie haben Filme zusammengehalten, ihnen Richtung gegeben und oft mehr Tiefe verliehen, als das Drehbuch allein hergegeben hätte. Und doch sind sie bis heute leer ausgegangen. Das liegt selten an fehlender Qualität, sondern häufiger an falschem Timing, starker Konkurrenz im jeweiligen Jahr oder daran, dass ihre besten Rollen nicht in das klassische Oscar-Narrativ passten. Diese Liste versammelt Schauspielerinnen und Schauspieler, bei denen das Fehlen eines Oscars weniger wie eine offene Rechnung wirkt als wie ein systemischer blinder Fleck, und die dennoch längst bewiesen haben, dass ihre Arbeit weit über jede Trophäe hinausreicht.
1. Ralph Fiennes
Ein Mann wird zum Inbegriff des Bösen, ein anderer zum melancholischen Bewahrer vergangener Größe. Ralph Fiennes’ Karriere lebt von Gegensätzen, die er mit beängstigender Selbstverständlichkeit verkörpert. Als sadistischer Lagerkommandant in Schindlers Liste (1993) brennt sich seine Kälte ein, während Der englische Patient (1996) eine verletzliche, romantische Seite freilegt, die fast schmerzt. Später verfeinert er dieses Spiel zwischen Kontrolle und innerem Chaos, etwa als charismatischer Hotelier in Grand Budapest Hotel (2014), wo Eleganz und Traurigkeit ständig miteinander ringen. Fiennes spielt Autorität nie als Selbstzweck, sondern als Maske, hinter der Zweifel und Schuld lauern. Seine Figuren wirken oft, als hätten sie zu viel verstanden, um noch unschuldig zu sein. Gerade diese Zurückhaltung, dieses Verweigern großer Ausbrüche, macht seine Performances so nachhaltig. Dass eine solche Karriere nie mit einem Oscar gekrönt wurde, fühlt sich weniger wie ein Skandal an als wie ein Hinweis darauf, wie schwer leise Intensität zu belohnen ist.
2. Scarlett Johansson
Scarlett Johansson begann bereits sehr früh als Projektionsfläche, entwickelte sich aber über die Jahre zu einer Schauspielerin, die gezielt mit Distanz arbeitet. In Lost in Translation (2003) definiert sie eine Form von stiller Melancholie, die ihre Karriere lange prägt. Später zeigt sie in Marriage Story (2019), wie kraftvoll Zurückhaltung sein kann, wenn Emotionen nicht vollends ausgespielt, sondern wirklich zugelassen werden. Johansson versteht es, Präsenz zu erzeugen, ohne sich aufzudrängen. Ihre Figuren wirken oft wie Menschen, die mehr fühlen, als sie zeigen. Dass eine solche Subtilität nicht immer mit Preisen belohnt wird, schmälert ihre Bedeutung nicht, sondern erklärt, warum ihre besten Rollen so lange nachhallen.
3. Cary Grant
Cary Grant definierte eine Form von Schauspielkunst, die so mühelos wirkte, dass man sie leicht unterschätzt. In Komödien wie Leoparden küsst man nicht (1938) perfektionierte er Timing, Rhythmus und Selbstironie. Jede Bewegung schien exakt gesetzt, jeder Blick Teil eines größeren Plans. Gleichzeitig zeigte er in Thrillern wie Der unsichtbare Dritte (1959), wie fragil diese elegante Fassade sein kann. Grant spielte Männer, die ständig Gefahr liefen, die Kontrolle zu verlieren, und genau darin lag der Reiz. Er machte Leichtigkeit zu einer hochpräzisen Kunstform, die selten als preiswürdig galt. Seine Performances funktionieren bis heute, weil sie nie altmodisch wirken, sondern zeitlos. Dass ihm ein Oscar verwehrt blieb, passt fast ironisch zu einer Karriere, die sich konsequent jeder Form von Schwere entzog und gerade dadurch so modern blieb.
4. Johnny Depp
Johnny Depp baute seine Karriere auf Figuren, die eigentlich nicht für den Mainstream gedacht waren. Mit Edward mit den Scherenhänden (1990) etablierte er früh einen Typus des verletzlichen Außenseiters, der sich durch viele seiner Rollen zieht. Später wurde er als exzentrischer Pirat in Fluch der Karibik (2003) zum Popkultur-Phänomen, ohne die Melancholie hinter der Maske zu verlieren. In Filmen wie Donnie Brasco(1997) zeigt sich, wie sehr ihn gebrochene Identitäten interessieren. Depp spielt oft Menschen, die sich selbst erfunden haben, um zu überleben. Seine besten Performances leben von einer Zartheit, die unter Kostümen und Exzentrik verborgen liegt. Dass diese Art von Schauspiel selten den klassischen Oscar-Erwartungen entspricht, erklärt vielleicht, warum seine Karriere trotz ikonischer Rollen nie offiziell gekrönt wurde.
5. Amy Adams
Amy Adams besitzt die seltene Fähigkeit, Figuren emotional greifbar zu machen, ohne sie jemals auszustellen. In Junikäfer (2005) fällt sie erstmals durch eine Mischung aus Offenheit und stiller Traurigkeit auf, die sofort hängen bleibt. Später zeigt sie in Arrival (2016), wie man existenzielle Fragen über Verlust und Zeit fast beiläufig transportieren kann. Adams spielt Gefühle nicht groß, sondern präzise, oft über kleine Gesten und Blicke. Auch in lauteren Filmen bleibt sie verankert im Inneren ihrer Figuren. Ihre Rollen wirken nie konstruiert, sondern gelebt. Sechs Nominierungen ohne Gewinn lesen sich wie eine statistische Absurdität, ändern aber nichts daran, dass sie längst zu den verlässlichsten emotionalen Ankern des modernen Kinos gehört.
6. Edward Norton
Edward Norton bringt Unruhe auf die Leinwand, selbst wenn er eigentlich kaum spricht. Sein Durchbruch in Zwielicht (2008) zeigte früh, wie wirkungsvoll er mit Erwartungshaltungen spielen kann. In American History X (1998) kanalisiert er Wut und Schuld zu einer Performance, die noch lange nachhallt. Ebenfalls für immer ikonisch: Norton im Kult-Klassiker Fight Club (1999). Er interessiert sich für Figuren, die sich selbst sabotieren, die klüger sind als gut für sie ist. Er spielt innere Konflikte als permanente Spannung, nie als Auflösung. Auch in zurückhaltenderen Rollen bleibt dieses Gefühl, dass etwas unter der Oberfläche arbeitet. Dass eine so kompromisslose Schauspielhaltung nicht immer preisfreundlich ist, überrascht kaum, macht seine Karriere aber umso konsequenter.
7. Saoirse Ronan
Saoirse Ronan wirkt, als hätte sie früh verstanden, dass Schauspiel weniger mit Technik als mit Wahrhaftigkeit zu tun hat. In Abbitte (2007) überzeugt sie bereits als Kind mit einer emotionalen Präzision, die verstört. Später zeigt sie in Lady Bird (2017)wie beiläufig man Coming-of-Age erzählen kann, ohne in Klischees zu kippen. Ronans Spiel lebt von einer Klarheit, die nie kalt wirkt. Sie lässt Gefühle entstehen, statt sie zu demonstrieren. Mit The Outrun (2024) unter der Regie von Nora Fingscheidt zeigt Ronan noch einmal besonders klar, wie mühelos sie innere Zerrissenheit, körperliche Präsenz und emotionale Offenheit zu einer Figur verbindet, die nicht wie Schauspiel rüberkommt, sondern erlebt. Ihre Figuren tragen oft eine leise Entschlossenheit in sich, die lange nachwirkt. Mehrfach nominiert und doch ohne Sieg, scheint sie eher am Anfang einer langen Geschichte zu stehen als am Ende einer offenen Rechnung.
8. Ethan Hawke
Ethan Hawkes Karriere ist ein Plädoyer für Beständigkeit und Wandlungsfähigkeit. Früh zeigt sich diese Qualität in Voll das Leben - Reality Bites (1994) wo er als orientierungsloser Idealist eine ganze Generation zwischen Anspruch und Anpassung einfängt, ohne je zur Pose zu werden. In der Before (1995-2013)-Trilogie zeigt er, wie sich Schauspiel über Zeit entfalten kann, wie kleine Veränderungen ganze Lebensentwürfe erzählen. Hawke spielt Denken, Zweifel, Unsicherheit, ohne sie je zu erklären. Auch in Filmen wie Training Day(2001) bleibt er bei Figuren, die sich moralisch verheddern. Seine Performances wirken oft unspektakulär, entfalten aber eine nachhaltige Tiefe. Hawke sucht nicht den großen Moment, sondern den ehrlichen. Dass dafür selten Preise vergeben werden, passt fast zu einer Karriere, die sich konsequent dem Leisen verschrieben hat.
9. Glenn Close
Glenn Close ist eine der Schauspielerinnen, bei denen das Fehlen eines Oscars fast irritiert, weil ihre Karriere so konsequent und prägend ist. Sie interessiert sich nie für Sympathie, sondern für Macht, Kontrolle und emotionale Grenzbereiche. In Eine verhängnisvolle Affäre (1987) prägt sie eine Figur, die weit über den Film hinauswirkt, gerade weil sie nicht erklärt oder relativiert wird. Auch in Gefährliche Liebschaften (1988) zeigt sich ihre Präzision im Spiel mit gesellschaftlichen Masken und innerer Härte. Close wählt Rollen, die unbequem sind und sich nicht leicht feiern lassen, was ein möglicher Grund dafür ist, dass sie trotz zahlreicher Nominierungen nie gewonnen hat. Ihre Karriere wirkt wie ein Beleg dafür, dass Kompromisslosigkeit nicht immer preisfreundlich ist.
10. Willem Dafoe
Willem Dafoe gehört zu den Schauspielern, deren Präsenz sofort spürbar ist, ohne sich je eindeutig festlegen zu lassen. Seine Rollen bewegen sich häufig am Rand, körperlich wie emotional, und verweigern klare Zuschreibungen. In Platoon (1986)wird seine Verletzlichkeit zum moralischen Zentrum des Films, während Florida Project (2017) zeigt, wie leise und unspektakulär Fürsorge gespielt werden kann. Dafoe interessiert sich für Extreme, für brüchige Figuren und spirituelle Unruhe, nicht für glatte Identifikationsangebote. Genau diese Unberechenbarkeit macht ihn so unverzichtbar, aber auch schwer auszuzeichnen. Dass er nie einen Oscar gewonnen hat, passt zu einer Karriere, die sich konsequent außerhalb klassischer Preislogiken bewegt.
