Pixar: todas las películas del estudio en orden cronológico

Al ser el primer largometraje animado totalmente por computadora, Toy Story marcó un antes y un después en la historia del cine, que además definió el estilo de tramas que distinguen al estudio a la fecha: aventuras vistosas para toda la familia, pero con un subtexto atractivo para el público adulto, en este caso, sobre búsqueda de identidad y propósito. Incluso si la animación luce algo cruda para los estándares actuales, no podrás negar que es un clásico indispensable.

Su éxito garantizó la secuela, Toy Story 2 (1999), el tercer largometraje del estudio, que se mantiene como uno de sus mejores. Esta se convertiría en la saga más popular, longeva y rentable de Pixar, que la retomó con una historia más adulta en 2010 con Toy Story 3, lo que en su momento cerraba una trilogía perfecta. La tendencia de Mickey Mouse por ir a la segura y correr menos riesgos creativos resultó en una cuarta entrega que funge casi como un reboot suave. Una quinta parte está en desarrollo.

Dada su extensión, la saga de Toy Story es la que mejor ilustra la evolución de Pixar como estudio, tanto en su visión creativa como en su virtuosismo técnico. Y dejando eso a un lado, son películas entrañables, ni más ni menos, y probablemente estarás de acuerdo independientemente de su creciste con ellas o si las viste años después.

El segundo largometraje en la historia de Pixar es uno que, a menudo, pasa desapercibido en la extensa filmografía del estudio. Sin embargo, Bichos, una aventura en miniatura (1998) goza de un lugar peculiar en la historia, pues su origen está entrelazado con el de otra película, Hormiguitaz (1998), de DreamWorks Animation, fundada por Jeffrey Katzenberg luego de su salida de Disney por un pleito con el entonces presidente de la compañía, Michael Eisner.

Hay que decirlo también, algo que vuelve encantadora a esta película es que es, básicamente, un remake familiar de Los siete samuráis (1954) de Akira Kurosawa. La versión de Pixar es un inspirador pero colorido relato sobre colaborar e innovar para oponerse a nuestros opresores, un mensaje tan relevante para niños como para adultos. Del mismo modo que la primera Toy Story, el nivel de detalle en su animación ya luce su edad con el paso de los años, pero también es un clásico que merece la pena ser revisado por su temática.

Hasta el estreno de Monsters, Inc. en 2001, nunca se había visto pelaje animado por computadora en este nivel. La producción requirió idear nuevas formas de simular el movimiento del pelo por computadora, lo que ya habla del nivel de complejidad e innovación necesarios para dar vida de manera creíble a un fascinante mundo como éste. Tampoco hace daño que el estudio tomó la clásica creencia de que hay monstruos en los armarios y creó todo una sociedad de ellos alrededor del concepto.

A pesar de ser notablemente más avanzada en el apartado visual y de expandir los pasados de Mike Wazowski (voz de Billy Crystal) y James Sullivan “Sulley” (voz de John Goodman), Monsters University (2013) es una precuela que no recupera el encanto de su predecesora, en parte gracias a que no enriquece tanto el pasado de sus protagonistas, cuya rivalidad tiene un desenlace obvio. Sin embargo, si te enamoraste de este mundo de monstruos, es un viaje cargado de nostalgia con divertidos gags visuales y una inspiradora historia sobre perseverar. Ambas merecen ser vistas por sus narrativas sobre la amistad.

Pixar definió un nuevo estándar de animación con su siguiente película, que requirió desarrollar mecanismos no sólo para la simulación del agua en las profundidades marinas, sino también para el movimiento de la luz en este entorno. Se trata de Buscando a Nemo (2003), la historia de un pez payaso traumatizado por la muerte de casi toda su familia, que emprende una búsqueda desesperada para encontrar a su único hijo, capturado por buzos. Su emotiva temática sobre la paternidad que lo desafía todo la ha vuelto en una de las mejores y más queridas películas del estudio.

La película tuvo una secuela más de una década más tarde, Buscando a Dory (2016), centrada en uno de los personajes más graciosos de la original. En realidad, la continuación retoma varios de los mismos temas sobre familia y pérdida, y los expande desde la perspectiva de Dory (voz en inglés de Ellen DeGeneres), quien por su icónica amnesia creía que no pertenecía a ningún sitio. Es una de las sagas más redondas de Pixar por la belleza de su animación, consistencia temática, y balance de drama y humor, que podrás disfrutar tanto como adulto como con niños de cualquier edad.

Hablar de Los Increíbles (2004) como la mejor película de Pixar sería limitante y reduccionista. No porque no lo sea, sino porque desvía la atención de su singular diseño y su riqueza temática, más madura que otras propuestas del estudio (gracias al atinado fichaje de Brad Bird, director de El gigante de hierro). Inspirada en tiras cómicas de superhéroes de los años 60, la película sigue a una familia con superpoderes, los Parr. Pero el énfasis es considerablemente mayor en el factor “familia”. Esta es una historia que, fuera del obvio componente de acción para todo público, te hará reflexionar sobre las dinámicas del matrimonio, la maternidad y la paternidad. Da bastante que pensar para los adultos.

Los Increíbles 2 (2018) es otra acertada secuela de Pixar, pues continúa la historia inmediatamente después de donde concluye su predecesora, lo que convierte al bebé de la familia, Jack Jack, en una mina de oro para la comedia. Por otro lado, la narrativa de la continuación también expande las reflexiones de la primera sobre los desafíos y frustraciones de la vida familiar, invirtiendo los papeles entre Bob (Craig T. Nelson) y Helen (Holly Hunter). Otra serie fílmica redonda de Pixar, que esperamos no tropiece con la tercera entrega, que ya está en desarrollo.

Llegamos a la que quizá sea una de las sagas menos queridas de Pixar, dada cierta inconsistencia en la narrativa entre las diferentes entregas, además de una lógica interna que, para muchos fans de Pixar, despertaba preguntas extrañas. Seguramente tú también te habras preguntado: ¿cómo es posible un mundo de automóviles vivientes?

Dejando eso a un lado, hay quienes consideran a la primera Cars (2006) como la mejor de las tres por su sencillez para contar una historia sobre el auto de carreras Rayo McQueen (voz en inglés de Owen Wilson), quien aprende sobre el valor de la amistad por encima de la gloria, en una historia emotiva pero con trepidantes carreras.

Cars 2 (2011) fue una de las primeras secuelas de Pixar fuera de Toy Story, y dividió al público por cambiar totalmente de giro y llevar a los autos hacia una historia de espionaje poco emocionante, que quitó el enfoque de las carreras y del propio Rayo para priorizar a su compañero, Mate (voz en inglés de Larry the Cable Guy). Cars 3 (2017) fue un emotivo regreso a las raíces con una historia sobre Rayo luchando por mantenerse relevante, en la que algunos otros consideran una entrega superior a la primera por su emotividad. En todo caso, nadie discute que la trilogía brilla por su deslumbrante animación, entre las mejores obras del estudio en ese rubro.

En mi opinión, los cinco años entre 2007 y 2012 bien podrían ser coronados como la época dorada de Pixar, pues en ese periodo el estudio entregó puros clásicos, películas aclamadas de manera casi unánime y que todavía representan el estándar dorado con el todas las producciones posteriores han sido comparadas. Y esta racha comenzó con Ratatouille.

Una vez más bajo la dirección de Brad Bird, el estudio de animación entrega una de sus películas más humanas y adultas, centrada en la alianza entre una rata que quiere ser chef y un torpe ayudante de cocina, una historia sobre trascender los prejuicios y encontrar puntos en común. La dirección precisa y emotivo guión de Bird, junto a la deslumbrante animación que provoca apetito por cada uno de los platillos en pantalla, traen a la mesa suficientes argumentos para defender una verdad con la que probablemente estarás de acuerdo: que ésta es una de las mejores películas de Pixar.

Otro de los grandes clásicos del estudio es una belleza post-apocalíptica (términos que deberían ser incompatibles) que, por la mayor parte de su metraje, ni siquiera tiene diálogos. WALL•E es bella porque, en su núcleo, es una historia de amor entre un robot chatarrero en una Tierra saturada de basura, y una robot exploradora que busca vida en el planeta para llevar a la colonia espacial humana.

El panorama que muestra la película es, en inicio, desolador, al mostrar una humanidad totalmente consumida por el consumismo (valga la redundancia). Pero más allá de su espectacular apartado visual—que ya es decir bastante—, esta película es bella porque brinda una visión esperanzadora incluso ante un futuro terrible para nuestra especie. El epítome indudable en la filmografía de Andrew Stanton, uno de los directores más frecuentes en la filmografía de Pixar.

El hecho de que los cinco minutos de su secuencia inicial se encuentren entre lo más lacrimógeno que existe en la historia del cine, es un testamento del enorme poder narrativo de Up, una aventura de altura (2009), quizá la mejor película de su director, Pete Docter. Para muchos, incluso es la mejor producción de Pixar, y punto, por encapsular todo lo que el estudio representaba por entonces: animación deslumbrante y un ingenio impresionante al servicio de una historia humana, con una superficie espectacular para niños y un núcleo emotivo para adultos de cualquier edad.

Up es una película que lidia con el luto y la pérdida, pero también con la fuerza para perseguir los sueños y la esperanza para comenzar de nuevo a pesar de lo perdido. Todo ello empaquetado en una nostálgica y vibrante historia de aventuras que evoca la inocencia de un sueño que seguramente muchos tuvimos de niños: volar con un puñado de globos.

En el canon de Pixar, Valiente ostenta múltiples distinciones. La película, que trata sobre una princesa rebelde, requirió un sistema de animación original, que llevó a otro nivel la simulación de cabello vista hasta este punto en las producciones del estudio. También es su contribución a la línea de Princesas Disney, la primera del estudio en contar con una protagonista femenina, y la primera en ser codirigida por una mujer.

Más allá de todo eso, sin embargo, encontrarás aquí una historia sobre una adolescente lidiando con las responsabilidades y expectativas de sus padres pero, especialmente, sobre la compleja relación entre una madre y su hija. Es una película que, si bien se acerca más a los territorios propios de Disney que a los de Pixar, es más enriquecedora y propositiva que tantas otras de las princesas, con un mensaje más inclinado hacia el feminismo que la mantiene relevante a más de una década de su estreno.