Non possiamo parlare di Federico Fellini semplicemente come un regista; Federico Fellini è stato un poeta del cinema, un visionario che ha trasformato la settima arte in un linguaggio onirico, surreale e profondamente umano. Attraversando oltre quattro decenni di storia del cinema italiano, ha lasciato un'eredità artistica che continua a influenzare cineasti di tutto il mondo.
Il suo stile inconfondibile – quella capacità di mescolare realismo e fantasia, sacro e profano, autobiografia e invenzione – ha ridefinito i confini della narrazione cinematografica, rendendo ogni suo film un'esperienza visiva ed emotiva unica.
Vincitore di quattro Oscar come miglior film straniero (record ancora imbattuto per un singolo regista), Fellini ha creato un universo cinematografico popolato da personaggi indimenticabili: vitelloni pigri e sognatori, prostitute dal cuore d'oro, aristocratici decadenti, artisti tormentati e clown malinconici. La sua Rimini dell'infanzia, la Roma della dolce vita, i circhi, i grand hotel, le spiagge nebbiose; ogni ambientazione felliniana – termine entrato nel vocabolario comune per descrivere tutto ciò che è grottesco, eccessivo, surreale e onirico – è diventata iconografica, impressa nell'immaginario collettivo mondiale.
Ma il cinema di Federico Fellini non è circoscritto unicamente alla sua persona, ma si è da sempre avvalso di fedeli collaboratori e grandi artisti come gli sceneggiatori Tullio Pinelli e Ennio Flaiano, il compositore Nino Rota e la musa ispiratrice, nonché compagna di vita, Giulietta Masina. Ed è anche grazie a loro che Fellini ha costruito un cinema profondamente personale che esplora temi universali che vanno dalla memoria al desiderio, dalla solitudine alla ricerca di un senso all'interno di un mondo sempre più vuoto.
Vi proponiamo un viaggio attraverso dieci film essenziali, dove ripercorrere l'evoluzione artistica di un maestro che ha trasformato il cinema italiano in arte pura, dalla fase neorealista degli esordi fino alle fantasmagorie barocche della maturità, passando per capolavori assoluti che hanno ridefinito il linguaggio cinematografico.
Lo sceicco bianco (1952)
Lo sceicco bianco segna il debutto ufficiale di Fellini, definendo già i tratti caratteristici del suo genio visionario. La storia segue una coppia di provinciali in viaggio di nozze a Roma: mentre il marito è ossessionato dall'agenda ufficiale degli appuntamenti, la moglie fugge alla ricerca del suo idolo, lo “Sceicco Bianco”, il fittizio protagonista di una serie di fotoromanzi. Come anticipato, questo film anticipa molti dei temi felliniani: l'illusione contro la realtà, il provincialismo italiano, la fuga dalla mediocrità quotidiana attraverso la fantasia.
Alberto Sordi interpreta memorabilmente il vanitoso attore del fotoromanzo, mentre Brunella Bovo incarna la perfetta sposa ingenua. Fellini mostra la sua abilità nel mescolare commedia e malinconia, creando personaggi grotteschi ma profondamente umani. La sequenza sulla spiaggia dove vengono girati i fotoromanzi è surreale e poetica, anticipando l'estetica del maestro. Coprodotto da Roberto Rossellini, il film fu un fallimento commerciale all'epoca – prassi per molti film del passato – ma oggi è riconosciuto come l'inizio di una carriera straordinaria.
I vitelloni (1953)
Con questo secondo film, Fellini conquista finalmente pubblico e critica internazionale, vincendo il Leone d'Argento alla Mostra D'Arte Internazionale del Cinema di Venezia. I vitelloni ritrae cinque giovani uomini di provincia che vivono in un eterno presente senza prospettive, dividendosi tra il bar, il biliardo e sogni mai realizzati.
Ambientato in una città di mare chiaramente ispirata alla Rimini natale di Fellini, il film è profondamente autobiografico: il regista confessò di aver messo molto di sé in questi personaggi intrappolati tra adolescenza e maturità. Franco Interlenghi, Franco Fabrizi, Alberto Sordi e Leopoldo Trieste compongono un ensemble perfetto, ognuno incarnando un diverso tipo di immaturità maschile. Il finale, con Moraldo che lascia la città all'alba mentre i suoi amici dormono, è di una malinconia straziante. Una pellicola che segna la transizione di Fellini dal neorealismo verso uno stile più personale, pur mantenendo l'attenzione alle dinamiche sociali dell'Italia del dopoguerra. Fun fact: per chi se lo stesse chiedendo, il termine “vitellone” indica un giovane ozioso e mammone, e grazie al film divenne di uso comune.
La strada (1954)
Considerato da molti il primo capolavoro assoluto di Fellini, La strada vinse l'Oscar come miglior film straniero e consacrò internazionalmente il regista. Il fiore all'occhiello di questo film è indubbiamente Giulietta Masina, regalandoci una delle più indimenticabili performance cinematografiche con la sua dolce Gelsomina; giovane donna sempliciotta venduta dalla madre a Zampanò, brutale artista di strada interpretato da Anthony Quinn.
La strada è un viaggio picaresco attraverso l'Italia povera del dopoguerra, ma soprattutto un'opera sulla solitudine, la brutalità e la redenzione impossibile. La relazione tra i due protagonisti – lui violento e chiuso, lei infantile e poetica – è raccontata con una delicatezza straordinaria, facendo piangere con quel suo finale generazioni di spettatori. L'incontro con il Matto (Richard Basehart), acrobata che offre a Gelsomina una visione alternativa della vita, è il fulcro emotivo del film.
La colonna sonora di Nino Rota, con il tema malinconico suonato da Gelsomina con la tromba, è diventata iconica al punto tale che, la stessa Masina, per il suo funerale ha voluto essere accompagnata proprio da quella melodia.
Le notti di Cabiria (1957)
Le notti di Cabiria – lo straziante ritratto di una prostituta romana – segnano il secondo Oscar (consecutivo) per Federico Fellini. Giulietta Masina è nuovamente sublime protagonista, questa volta con un personaggio molto differente rispetto a Gelsomina. Cabiria è una donna che nonostante tradimenti, umiliazioni e delusioni continua a credere nell'amore e nella possibilità di redenzione. Fin dall'apertura della pellicola, Fellini mette in chiaro quello che sarà un tragico percorso di false speranze e crudeltà, mostrando Cabiria gettata in un fiume dal suo amante dopo essere stata derubata. Questo è solo l'inizio di una vera e propria via crucis costellata da episodi uno più feroce e toccante dell'altro.
Il finale, con Cabiria tradita ancora una volta ma che trova la forza di sorridere attraverso le lacrime grazie all'incontro con dei giovani musicisti, è una delle conclusioni più belle e ambigue della storia del cinema, nonché chiave di lettura del film stesso dove Fellini, nel mostrarci una Roma notturna in bilico tra spietato realismo e poesia, ha trasformato una tragedia personale nel trionfo dello spirito umano. Per il musical Sweet Charity (1969), Bob Fosse si ispirò proprio a questo film.
La dolce vita (1960)
“Marcello, come here!” invitava la bellissima ed eterea Anita Ekberg nella celeberrima scena della Fontana di Trevi, segnando per sempre l'immaginario collettivo mondiale. E quindi, senza ulteriori cerimonie, arriviamo al film che oltre a definire un'epoca, creò un'icona culturale eterna, oltre a segnare definitivamente il passaggio per Federico Fellini ad un cinema totalmente personale e visionario: La dolce vita.
Affresco monumentale della Roma degli anni del boom economico, vista attraverso gli occhi di Marcello Rubini (Marcello Mastroianni), giornalista di gossip che naviga tra feste decadenti, aristocratici annoiati, intellettuali cinici e dive hollywoodiane.
Il film, diviso in episodi, segue Marcello attraverso sette giorni e notti nella capitale, mostrando il vuoto esistenziale nascosto dietro il glamour apparente. Ogni sequenza è costruita per imprimersi nella memoria, facendosi lezioni di cinema frame dopo frame, dall'arrivo in elicottero della statua di Cristo al falso miracolo, fino ad arrivare all'orgia finale nella villa al mare. Fellini critica ferocemente la superficialità della società consumistica emergente, ma lo fa con tale bellezza visiva che il film divenne paradossalmente sinonimo del fascino di quel mondo. La Palma d'Oro a Cannes e tre Oscar confermarono il trionfo, segnando anche una certa visione del cinema italiano all'estero, soprattutto per gli americani. Non sorprende sapere che oltre cinquant'anni dopo Paolo Sorrentino con La Grande Bellezza (2013) vinse l'Oscar come miglior film straniero, riportando i medesimi temi ed estetica felliniani.
8½ (1963)
Da un capolavoro ad un altro capolavoro, forse quello che viene considerato con più assolutismo nella filmografia di Fellini, nonché uno dei più grandi film della storia del cinema. Con 8½ Federico Fellini parla di arte, tormento esistenziale e processo creativo, attraverso il personaggio di Guido Anselmi (sempre interpretato dal divino Mastroianni), regista in crisi che dovrebbe girare un film di fantascienza ma è bloccato artisticamente e personalmente. Qui Fellini mescola presente, passato, sogno e fantasia in un flusso narrativo che rispecchia il caos mentale del protagonista. Il titolo si riferisce al numero di film diretti da Fellini fino a quel momento e, neanche a dirlo, parliamo di un'opera estremamente autobiografica. Guido è Fellini stesso, tormentato dalle aspettative, dai ricordi d'infanzia, dalle relazioni con le donne, dalla ricerca di senso.
Il finale, con tutti i personaggi della vita di Guido che danzano in cerchio guidati da un bambino clown, è magnifico e misterioso. Claudia Cardinale appare come musa ideale, contrapposta alla moglie reale (Anouk Aimée) e all'amante (Sandra Milo).
8½ ha portato a Fellini altri due Oscar ma, soprattutto, ha fatto ciò che ogni artista sogna, nel suo piccolo, di poter fare: influenzare. E Fellini ci riesce, influenzando generazioni di cineasti attraverso un film che è un vero e proprio manifesto su come il cinema possa esplorare la soggettività con assoluta libertà.
Giulietta degli spiriti (1965)
Giulietta degli spiriti è il primo film a colori di Fellini è uno spettacolo visivo abbagliante che applica l'approccio onirico di 8½ a un'esplorazione della psiche femminile. Torna ancora Giulietta Masina, questa volta nel ruolo di una casalinga borghese che, sospettando il tradimento del marito, intraprende un viaggio interiore tra ricordi, fantasie e sedute spiritiche. A volte, riflettendo anche se stessa sugli altri; ad esempio, il personaggio della vicina Suzy (Sandra Milo), edonista sfrenata circondata da lusso orientaleggiante, rappresenta tutto ciò che Giulietta non è ma forse desidera essere. Le sue visioni mescolano educazione cattolica repressiva, fantasie erotiche e ricordi d'infanzia traumatici. Con questo film, Fellini affronta la liberazione femminile in un'epoca di grandi cambiamenti sociali, mostrando una donna che deve scegliere tra conformità e autodeterminazione. Anche l'uso del colore è funzionale alla narrazione; rossi accesi, viola elettrici, bianchi abbacinanti creano un universo da fiaba adulta.
Sebbene meno celebrato di altri capolavori felliniani, Giulietta degli spiriti è essenziale per comprendere l'evoluzione stilistica del regista verso il barocco visionario.
Satyricon (1969)
Fellini porta l'antica Roma di Petronio sullo schermo con un'opera visionaria, straniante e completamente anti-hollywoodiana. Non è un kolossal storico tradizionale ma un'epopea allucinatoria attraverso un mondo alieno che risulta più fantascienza che ricostruzione storica. E, in fondo, già il titolo, Satyricon, è una dichiarazione d'intenti.
Il film segue le avventure picaresque di Encolpio e Ascilto in una Roma decadente popolata da ermafroditi, mostri, imperatori pazzi e rituali incomprensibili. Fellini rifiuta la psicologia realistica: i personaggi parlano in modo innaturale, le scenografie sono teatrali ed espressioniste, i colori acidi, gli episodi messi in scena tanto memorabili quanto disturbanti. Il risultato è un affresco dell'umanità in preda all'eccesso, alla violenza e alla ricerca del piacere. Secondo Federico Fellini l'antica Roma è irrecuperabile alla comprensione moderna, pertanto sceglie di rappresentarla come un mondo completamente estraneo.
Una pellicola che divise molto all'epoca, e in parte continua a farlo, ma che fu fondamentale per registi come Pasolini a Jodorowsky, influenzando il cinema degli anni successivi.
Amarcord (1973)
Il quarto e ultimo Oscar al miglior film straniero di Fellini arrivò con questo affettuoso e malinconico ritratto della Rimini fascista degli anni Trenta, vista attraverso gli occhi di un adolescente. Il titolo, Amarcord, in dialetto romagnolo significa “mi ricordo” – per poi diventare un termine di uso comune proprio per fare riferimento a un momento nostalgico – e il film è un mosaico di ricordi filtrati attraverso nostalgia e ironia. Non c'è una trama lineare ma una serie di episodi che ricostruiscono la vita di provincia durante il ventennio: la prima neve, l'arrivo del transatlantico Rex, le serenate, i rituali fascisti ridicolizzati con affetto. I personaggi sono archetipi magnificamente delineati: la madre stressata, il padre anarchico, lo zio pazzo sull'albero, la prosperosa tabaccaia oggetto di fantasie adolescenziali. Fellini bilancia perfettamente commedia e dramma, nostalgia e critica politica. Le sequenze collettive catturano lo spirito di comunità della provincia italiana. La fotografia dorata di Giuseppe Rotunno trasforma Rimini in paradiso perduto dell'infanzia.
Amarcord è forse il film più accessibile e amato di Fellini, capace di commuovere e far ridere senza perdere profondità. Vero e proprio cinema della memoria più pura, dove l'autobiografia diventa universale.
E la nave va (1983)
Con E la nave va Fellini orchestra una metafora politica sul crollo della Belle Époque attraverso la storia di una nave che nel 1914 trasporta le ceneri di una celebre cantante lirica per essere disperse nel suo luogo natale. A bordo, un'umanità variopinta di cantanti d'opera, aristocratici, giornalisti e intellettuali rappresenta la società pre-bellica nei suoi ultimi giorni di incosciente splendore.
La particolarità risiede nella sua struttura stilistica con un inizio in bianco e nero come film muto, per poi gradualmente acquisire colore e suono, riflettendo sulla natura artificiale del cinema stesso. Le scenografie sono dichiaratamente finte, il mare è creato in studio, portando Fellini ad abbracciare totalmente la teatralità. L'arrivo dei profughi serbi che fuggono dalla guerra introduce la realtà brutale in questo mondo di estetismo decadente. La sequenza dell'affondamento della nave è metafora potente della fine di un'epoca. Il narratore (il giornalista interpretato da Freddie Jones) rompe continuamente la quarta parete, ricordandoci che stiamo assistendo a una rappresentazione.
A chiusura di questo percorso, E la nave va rappresenta quella necessaria riflessione malinconica sulla Storia, sull'arte e sulla mortalità, girata da un maestro consapevole della propria eredità artistica.
