C’est quoi le meilleur film de David Fincher ? Voici notre classement, de Alien 3 à The Killer !

Sorti six ans après Aliens, le retour (1986), l’apport très singulier de James Cameron à la franchise Alien, Alien 3 (1992) est l’un des films hollywoodiens les plus notoires à avoir souffert d’un processus de production infernal. Après plusieurs réécritures du scénario, le studio confie la réalisation au jeune David Fincher, alors principalement connu pour ses publicités et ses clips musicaux. De la même manière que pour les interventions sur le script, la 20th Century Fox exerce une forte influence sur le tournage et le montage, ce qui entraîne une grande frustration chez Fincher, désireux de faire ses preuves avec son premier long métrage. Le résultat est perçu comme une déception : manque de continuité esthétique et narrative avec Aliens, le retour, choix scénaristiques controversés concernant certains personnages, et tonalité sombre jugée en rupture avec l’esprit de la franchise. Jusqu’à une revalorisation plus récente, le film est considéré comme un échec, David Fincher lui-même refusant de le reconnaître comme son œuvre et allant jusqu’à dire que personne ne le déteste plus que lui-même.

Alien 3 facilite certes la tâche lorsqu’il s’agit de désigner le film le plus faible de la filmographie de Fincher, mais pour le reste de son œuvre, le cinéaste atteint un tel niveau de qualité qu’il devient difficile de classer un film devant un autre. Si je place donc The Killer (2023) à l’avant-dernière place, il faut le considérer à l’aune des standards que Fincher a lui-même établis au fil de sa carrière. Avec Michael Fassbender dans le rôle d’un tueur à gages perfectionniste et méthodique qui, après avoir raté sa cible lors d’une mission, devient lui-même la proie de son employeur, bien décidé à l’éliminer. Adaptation d’une bande dessinée française, ce thriller illustre toutes les obsessions formelles de David Fincher, mais avec une certaine retenue et d’une manière encore plus glaciale qu’à son habitude. Parce qu’il s’agit d’une production Netflix, on peut avoir l’impression que Fincher a perdu une partie de sa rigueur ou qu’il recycle son propre style sans véritablement y apporter de nouveauté. Mais cela reste du Fincher, et Michael Fassbender est phénoménal.

La précision technique a toujours été l’une des caractéristiques du cinéma de David Fincher, et le fait qu’il ait fallu attendre près de vingt-cinq ans pour que ce film voie le jour -le réalisateur n’étant pas convaincu que les effets visuels de l’époque puissent reproduire fidèlement l’esthétique des années 1930- en est la preuve. En effet, le scénario de Mank (2020) a été écrit par son père, Jack Fincher, et le projet n’a finalement pu voir le jour que grâce aux efforts de Netflix, qui s’est montré prêt à financer une œuvre aussi coûteuse. Le film se concentre sur Herman J. Mankiewicz, chargé par Orson Welles d’écrire le scénario de Citizen Kane (1941). Bien que l’exactitude historique du script ait été contestée par de nombreux experts, Fincher parvient néanmoins à dresser une vision panoramique particulièrement riche et fascinante d’Hollywood et de ses studios emblématiques. Conceptuellement, on pourrait certainement le comparer à des films comme The Artist (2011), Dalton Trumbo (2015) ou Babylon (2022), qui cherchent tous, chacun à leur manière, à témoigner de la mémoire cinématographique d’une époque. Même si le film a connu une certaine déception aux Oscars, ne remportant que deux récompenses sur les dix catégories dans lesquelles il était nommé, il demeure un véritable triomphe stylistique. Il ne faut pas non plus oublier les magnifiques prestations de Gary Oldman  -dont la performance est, à mes yeux, supérieure à celle pour laquelle il a reçu l’Oscar dans Les Heures sombres (2017)- ainsi que celle de la très sous-estimée Amanda Seyfried.

Certains seront surpris de voir ce récit romantique et épique, qui a tant marqué le cinéma des années 2000, placé dans les derniers rangs de cette liste. Pourtant, je trouve que l’attrait de L’Étrange Histoire de Benjamin Button (2008) découle davantage de sa prouesse technique et plastique, notamment en lien avec les effets spéciaux et le maquillage que le réalisateur a perfectionnés afin de capturer les différentes étapes de la vie de ses personnages, et non d’une audace formelle que l’on retrouve davantage dans ses thrillers. À part Alien 3, c’est le seul film où Fincher s’empare du genre fantastique, avec une adaptation libre de la nouvelle éponyme de F. Scott Fitzgerald, scénarisée par Eric Roth. Le récit est centré sur le personnage principal, dont la vie suit une trajectoire inversée : au lieu de vieillir au fil des années, il rajeunit progressivement. De la fin de la Première Guerre mondiale jusqu’au tournant du millénaire, le film traverse plusieurs décennies et retrace la vie de Benjamin ainsi que sa relation avec Daisy Fuller. Peut-être est-ce dû au fait qu’ils aient été écrits par le même scénariste, mais le film me fait beaucoup penser à Forrest Gump (1994). De même, ce côté romanesque en fait sans doute l’œuvre la plus accessible de la filmographie du cinéaste. N’oublions pas le duo Brad Pitt et Cate Blanchett, qui instaure une excellente alchimie à l’écran -malheureusement peu reconnue par les académies hollywoodiennes, le film ne recevant des récompenses que dans les catégories techniques aux Oscars.

Je n'ai pas vu Panic Room (2002) lors de sa sortie en salles, car j'étais encore trop petite. Et même lorsqu'il passait à la télévision, les images m'ont tellement terrifiée que je n'ai pu le voir que bien des années après. En fait, il ne s'agit pas du tout d'un film d'horreur, mais l'atmosphère de huis clos que le réalisateur crée à l'intérieur d'une grande maison new-yorkaise fait que la tension se transforme parfois en terreur. Le récit suit une mère et sa fille qui viennent de déménager dans cette grande maison, laquelle contient également une chambre secrète, conçue pour protéger les habitants contre les cambrioleurs ou d'autres menaces. Lorsqu'elles découvrent, une nuit, que trois hommes s'infiltrent dans leur maison, la mère et la fille se retrouvent donc piégées dans ce panic room. Caractérisé par une remarquable mise en scène qui renforce l'effet claustrophobique, Panic Room est un thriller épuré qui vous rive à votre siège. Les mouvements de caméra sont à couper le souffle, surtout lorsqu'on apprend que Fincher les aurait perfectionnés à l'aide d'effets numériques, car ils étaient impossibles à créer mécaniquement. Jodie Foster et Kristen Stewart (très, très jeune !) forment sans doute l'un des meilleurs duos mère-fille à l'écran, et en regardant leurs efforts pour échapper aux cambrioleurs, vous allez sûrement vous ronger les ongles de stress et de tension.

La saga Millénium de l’écrivain suédois Stieg Larsson a connu une immense popularité au milieu des années 2000. Alors que le succès mondial des romans ne cessait de croître, les studios hollywoodiens n’ont pas tardé à s’emparer des enquêtes haletantes et sombres de Mikael Blomkvist et de Lisbeth Salander, hackeuse hyper intelligente. Sauf qu’il y avait déjà Niels Arden Oplev, qui avait adapté les romans à l’écran avec Michael Nyqvist et Noomi Rapace en tête d’affiche. Même si la trilogie suédoise n’avait pas rencontré un succès aussi retentissant auprès des audiences internationales, elle constituait tout de même un point de référence que David Fincher, engagé par Sony pour réaliser cette nouvelle adaptation, ne pouvait ignorer. Porté par les performances captivantes de Daniel Craig et Rooney Mara -tous deux incarnant des personnages très éloignés de l’image qu’on leur associe habituellement-, Millénium : Les Hommes qui n’aimaient pas les femmes (2011) a obtenu un bel accueil critique. D’une tonalité sombre et glaciale, avec un rythme que l’on pourrait qualifier de slow burn, le film s’inscrit certainement dans la même lignée que Se7en et Zodiac. Cependant, en comparaison avec ces deux œuvres, son principal point faible réside dans le fait que Fincher n’apporte pas grand-chose en matière d’originalité.

Je pense que chacun a des films découverts très jeune, sans même savoir qui les avait réalisés, mais qui ont malgré tout laissé une impression durable. Ce fut le cas pour moi avec The Game (1997) : je l'avais vu au lycée et, avec mes camarades de classe, nous avions tous été surpris et choqués par son twist final. Le récit est centré sur Nicholas Van Orton, un riche homme d'affaires qui reçoit un étrange cadeau d'anniversaire de la part de son frère Conrad : un coupon lui permettant de participer à un jeu organisé par une mystérieuse société nommée CRS. Après s'être soumis à une série d'évaluations psychologiques, Nicholas se retrouve très vite confronté à une succession d'incidents qui le dépassent complètement. Dès lors, le véritable enjeu du jeu devient précisément d'en comprendre l'objectif. Si vous vous attendez à un film sur des jeux mortels façon Squid Game (2021-2025), vous risquez d'être déçus, car ce que conçoit ici Fincher relève davantage d'un dédale urbain oppressant, où tout repose sur des faux-semblants et où chacun est susceptible de provoquer la déception. Le résultat est un thriller psychologique sans égal, malgré quelques retournements narratifs un peu incongrus, que seuls les vrais fans de David Fincher savent apprécier !

Je me demande parfois combien de bars, de magasins de DVD, de salles de jeux vidéo, voire même de salons de coiffure sont décorés par le visage de Tyler Durden. Fight Club (1999), adapté du roman éponyme de Chuck Palahniuk -devenu un phénomène aussi important que le film lui-même-, est un grand classique dont la popularité dépasse même la renommée de son cinéaste. En effet, nombreux sont ceux qui sont fans de Fight Club sans rien connaître de David Fincher, un constat ironique qui explique pourtant l’impact culturel du film. Ce qui est d’autant plus surprenant, c’est qu’au moment de sa sortie, la 20th Century Fox n’était pas du tout satisfaite de l’adaptation de Fincher et que le film n’a pas réussi à atteindre les résultats au box-office que le studio espérait. Or, les avis critiques très mitigés n’ont fait que contribuer à la notoriété du film, qui est par la suite devenu culte grâce à ses sorties en DVD. Portrait psychologique d’une complexité sans égale, le film explore la crise d’identité masculine et porte une critique particulièrement acerbe à l’égard de la société de consommation. Mais, à long terme, un peu à la manière d’Orange mécanique (1971), Fight Club a été davantage défendu par les groupes qu’il est pourtant censé critiquer. En même temps, il est difficile de qualifier Fight Club de film intemporel. Vu à travers les sensibilités contemporaines, certains aspects paraissent aujourd’hui quelque peu datés -ce qui en fait un film qui témoigne de son époque plutôt qu’une œuvre cherchant à la dépasser. Et tant mieux pour lui !

J’ai des souvenirs très vifs de Gone Girl (2014), car le film est sorti à une époque où ma curiosité cinéphilique adolescente était en plein essor et où je dévorais n’importe quel film qui croisait mon chemin. Mais Gone Girl était loin d’être « n’importe quel film » : thriller énigmatique et haletant qui met en perspective les notions de male gaze et de female gaze avec une grande prouesse, il constitue en soi une véritable leçon de cinéma en matière de narration et de rythme. Il s’agit également d’une adaptation, mais, à la différence de Fight Club, la réalisation de Fincher a permis au film de largement dépasser en popularité le roman signé Gillian Flynn. La particularité du film réside dans son twist, qui nous fait passer d’un thriller ostensiblement conventionnel, construit autour de la disparition d’une femme, à un récit de manipulation et de désillusion qui remet en question toutes les apparences. Interprétée par Rosamund Pike, Amy Dunne s’est sans doute imposée comme l’un des personnages féminins les plus salués de la filmographie de Fincher, dont les protagonistes sont majoritairement masculins. Ben Affleck, dans le rôle de Nick, n’en est pas moins impressionnant. Il s’agit de l’un des personnages les plus complexes de sa carrière tardive : ni véritablement méchant ni héros, il incarne avec une grande justesse la manière dont l’indifférence ordinaire d’un homme peut transformer un mariage en une expérience d’horreur totale.

Seven (1995) est sans doute l’urtext du crime thriller dans sa forme moderne. Son influence sur le cinéma et la télévision est hors norme : on pourrait même dire qu’il est désormais ancré dans l’ADN des récits criminels à l’écran. Difficile de croire qu’il s’agit seulement du deuxième long métrage de David Fincher, tant la maîtrise de l’image dont il fait preuve ici mérite tous les éloges. Le cadre conceptuel et moral que le film construit autour des sept péchés capitaux est certes très sombre, et la dimension inéluctable du récit, que le cinéaste relie à la nature humaine, plonge le film dans un sentiment d’oppression et de pessimisme dont le spectateur a du mal à se remettre. Seven est également un film essentiel dans la construction du statut d’auteur de Fincher, qui s’est investi corps et âme pour ne faire aucune concession face aux exigences du studio. Il a notamment insisté pour conserver le twist final ainsi que cette conclusion choquante et profondément pessimiste. Et heureusement qu’il l’a fait, car même plus de trente ans après sa sortie, le film n’a rien perdu de sa noirceur déprimante.