5 films à ne manquer si vous avez aimé Marty Supreme avec Timothée Chalamet

Marty Mauser, 23 ans, aspire à devenir le meilleur athlète sur la scène mondiale du tennis de table. Le sport est sous-représenté aux États-Unis, ce qui rend difficile le financement de ses compétitions à l'étranger. Il est toutefois prêt à tout pour arriver à ses fins, y compris nouer des liens avec une ancienne actrice et son riche mari entrepreneur. Son entêtement pose un problème pour les personnes de son entourage, qui font souvent les frais de ses choix cavaliers.

Réalisateur new-yorkais par excellence, Martin Scorsese constitue sans doute l’une des références les plus essentielles du cinéma des frères Safdie. Notamment dans leur manière de représenter l’espace urbain, avec toute sa vibrance et ses tensions -sans pour autant renoncer à une approche réaliste. Les frères Safdie doivent beaucoup à la mise en scène dynamique de Scorsese.

Même si le film de Scorsese se déroule sur une durée relativement limitée -le temps d’une seule nuit- les situations auxquelles Marty et Paul Hackett, le personnage principal d’After Hours (1985), se retrouvent confrontés sont assez similaires, à commencer par le manque d’argent ! L’objectif de Marty est certes plus vaste et plus ambitieux, mais, d’un point de vue structurel, les deux films suivent à peu près le même schéma narratif : un problème survenu par hasard entraîne le personnage dans une succession de rencontres inattendues avec des figures excentriques.

Notons néanmoins que Marty Supreme se distingue par sa fin relativement cathartique, qui marque, au moins symboliquement, le passage à l’âge adulte de Marty. Là où Scorsese préfère maintenir son personnage prisonnier de sa réalité quotidienne, le film se concluant par un « retour à l’ordre ».

L’autre veine de l’influence scorsesienne découle sans doute de La Couleur de l’argent (1986), film relativement sous-estimé en comparaison avec d’autres œuvres majeures du cinéaste  -notamment Raging Bull (1980), son opus emblématique lorsqu’il est question de film sportif. Porté par l’immense Paul Newman, toujours aussi charismatique et rusé à 61 ans, et par un jeune Tom Cruise alors au sommet de sa popularité après le succès phénoménal de Top Gun (1986), le récit de La Couleur de l’argent repose sur la relation mentor–mentoré entre deux joueurs de billard.

Newman y incarne Eddie Felson, ancien prodige devenu stratège, qui entreprend d’initier le jeune Vincent, interprété par Cruise, aux rouages du hustle afin d’en faire un arnaqueur professionnel. Le talent naturel, encore indiscipliné, de Vincent apparaît comme un atout, tandis que chez Marty, la jeunesse et le manque d’expérience sont plutôt traités comme une source de frustration. Le hustle occupe également une place centrale : le film met en scène le conflit intérieur des personnages, contraints de choisir entre leur appétit de gain et le désir de prouver leur valeur en remportant la partie.

Sur le plan esthétique, le dynamisme de la caméra lors des scènes de match est particulièrement saisissant ; les mouvements se révèlent plus fluides et plus stylisés que dans Marty Supreme. On comprend, dès lors, pourquoi certains disent que Josh Safdie ne peut qu’aspirer à atteindre la maîtrise de Scorsese ! 

Appartenant à un univers très différent de Marty Supreme, Whiplash (2014) explore lui aussi une obsession démesurée pour la réussite, bien plus qu’il ne dresse le portrait classique d’un batteur de jazz. Réalisé par Damien Chazelle, le film met en scène -un peu dans la veine de La Couleur de l’argent- la relation entre deux professionnels d’un même milieu. Mais les rapports entre le jeune Andrew et le chef d’orchestre Fletcher se révèlent d’une toxicité et d’une violence extrêmes.

Interprété par un Miles Teller alors encore peu connu, Andrew n’est pas moins antipathique que Marty Mauser, parfois davantage encore. Tous deux se ressemblent par leur négligence des relations sentimentales et affectives, ainsi que par les sacrifices qu’ils sont prêts à faire pour réussir.

La mise en scène de Chazelle doit beaucoup à la dimension musicale du film : les conflits entre Andrew et Fletcher s’inscrivent littéralement dans le déroulement même des performances. L’univers de Whiplash demeure relativement circonscrit, l’action se déployant principalement sur scène et dans les salles de répétition.

À la différence des Safdie, qui créent la sensation d’étouffement et de pression par le mouvement et l’agitation extérieure, Chazelle choisit de les traduire par la musique et par l’intensité des corps, réduisant au minimum la construction spatiale. À cet égard, Whiplash pourra paraître moins flamboyant et moins ludique que Marty Supreme, mais il demeure l’un des films les plus marquants consacrés à l’obsession, qu’il traite avec une rigueur visuelle et sonore remarquable.

Il serait presque impossible de parler de Marty Supreme sans revenir au film qui a consacré le cinéma sous haute tension des Safdie : Uncut Gems (2019). Bien avant que Josh Safdie ne livre le portrait d’un prodige du tennis de table dévoré par l’ambition, les deux frères avaient déjà imposé une esthétique de l’urgence, où chaque plan semble courir après le précédent.

Howard Ratner, bijoutier new-yorkais incarné par Adam Sandler, constamment à la recherche d’un moyen d’échapper à son endettement, partage avec Marty Mauser une confiance presque démesurée en son propre génie. Tous deux évoluent dans des milieux compétitifs où la performance devient spectacle et où la reconnaissance sociale apparaît comme l’unique horizon. Les dialogues se chevauchent, la musique accélère la cadence, le montage ne laisse aucun répit.

Mais dans Uncut Gems, le vertige se concentre dans un temps beaucoup plus resserré -ce qui rapproche le film d’After Hours. Là où Marty semble encore porté par la promesse d’un destin exceptionnel, Howard paraît déjà prisonnier de sa fuite en avant. Après Marty Supreme, si vous cherchez une nouvelle dose de cette montée d’adrénaline -cette sensation que tout peut exploser à chaque instant-, Uncut Gems en propose le versant le plus sombre.

Lorsque le public a appris que les frères Safdie allaient réaliser séparément deux films, dont les sorties étaient prévues la même année, la curiosité était grande quant à la manière dont la « touche Safdie » se refléterait dans chacun d’eux. Coïncidence intéressante également : les deux frères mettent en scène des protagonistes évoluant dans le milieu sportif. Alors que Marty Supreme s’inscrit dans le lignage direct des films que les frères ont réalisés ensemble, Smashing Machine (2025) de Benny Safdie, opte, en apparence, pour une narration plus posée, voire plus conventionnelle.

Ces éléments, très conformes aux codes du biopic, peuvent susciter une certaine déception chez les fans les plus fervents des œuvres précédentes du duo. En réalité, Benny Safdie détourne subtilement les conventions du genre par des choix structurels discrets -notamment l’absence de victoire ou d’échec absolus- qui pourraient passer inaperçus auprès de certains spectateurs.

Smashing Machine retrace l’histoire réelle de Mark Kerr, champion de MMA dont la carrière a connu un déclin en raison de ses problèmes d’addiction. Si l’on compare les deux personnages, Mark se situe déjà à l’endroit que Marty cherche désespérément à atteindre. Son objectif, tout aussi autodestructeur, consiste désormais à préserver sa position. Le film offre cependant une résolution relativement positive, en suggérant la possibilité de sortir du cycle d’ambition dans lequel Marty, lui, semble s’enfermer.

Les visions des deux cinéastes ne sont pas diamétralement opposées ; des différences de sensibilité subsistent, certes, mais les spectateurs ne manqueront pas de percevoir combien ces deux films se répondent.