8 films d’extraterrestres qui défient les codes de la science-fiction

Le centre focal de la culture populaire américaine change selon les époques, en fonction de tendances sociales et culturelles, mais, de même que certaines théories du complot, les récits autour des OVNI ont toujours trouvé leur place dans l’imaginaire collectif. À l’égard de la représentation de cette fascination pour les phénomènes extraordinaires, Rencontres du troisième type (1977) serait certainement un ur-texte, une référence indispensable pour comprendre l’obsession que plusieurs générations ont continué d’entretenir. Œuvre aux thématiques approfondies, le film de Steven Spielberg se penche sur des notions spirituelles et philosophiques comme la croyance -notamment à travers le motif de la révélation-.

Le récit suit Roy Neary (Richard Dreyfuss), qui aperçoit un OVNI et devient obsédé par l’image d’une structure montagneuse, ce qui le mène à faire une découverte clé sur l’existence des extraterrestres. Rencontres du troisième type est surtout inoubliable pour ses aspects techniques, notamment en matière de son et de musique, qui jouent un rôle essentiel dans le dernier acte. Comme le film met fortement l’accent sur les réactions humaines face à l’existence de formes extraterrestres, il n’est pas surprenant que le scénariste de Disclosure Day (2026) le considère comme un successeur spirituel de Rencontres -même si les deux films s’inscrivent dans des contextes relativement différents, celui de Disclosure Day étant contemporain et beaucoup plus marqué par le cynisme et la paranoïa caractéristiques de l’ère post-vérité.

Une autre entrée indispensable du canon spielbergien, E.T. l’extra-terrestre (1982) est également un film qui a profondément marqué l’imaginaire cinématographique entourant les figures extraterrestres. Même pour moi, née bien des années après sa sortie, cette scène de bicyclette volante reste ancrée dans mon esprit. La figure de l’enfant, placée au cœur du récit, confère au film une portée beaucoup plus universelle, permettant aussi bien aux petits qu’aux grands de s’identifier, à travers leurs propres expériences, aux sentiments d’empathie et d’amitié qui le traversent. Marqué par le regard singulier du cinéaste sur l’altérité, dont l’expérience commune relie d’ailleurs Elliott et E.T. l’un à l’autre, le film déplace le thème classique du contact avec l’extraterrestre vers la sphère de l’intime et du familial.

Comme de nombreux films de science-fiction, E.T. possède évidemment une dimension métaphorique qui lui permet d’aborder des sentiments profondément humains tels que le désir d’appartenance, la solitude ou la séparation, mais il ne perd jamais de vue la sincérité de ces émotions — ce qui fait du personnage d’E.T. une figure emblématique qui continue de toucher de nouvelles générations. Très peu de films possèdent une telle puissance intemporelle, capable de transcender les générations : peut-être Mon voisin Totoro (1988) de Hayao Miyazaki parvient-il à égaler cette force, mais je ne trouve franchement pas d’autres exemples !

Après les mondes merveilleux de Spielberg, l’adaptation du roman de Carl Sagan pouvait paraître trop clinique pour certains, mais chacun ses goûts ! Réalisé par Robert Zemeckis, Contact (1997) est un film qui relève du genre de la « hard science fiction », notamment en raison du degré de plausibilité de certains détails. De même que Rencontres du troisième type, la croyance face au scepticisme généralisé y constitue un thème central et contribue directement à la construction du personnage principal, l’astronome Ellie Arroway (Jodie Foster). Le récit la suit dans ses efforts pour établir un contact avec des formes de vie extraterrestres, malgré l’indifférence de la communauté scientifique.

Ce qui est très singulier dans Contact et qui, à travers différentes stratégies narratives, sera en partie repris par Interstellar et Arrival, est la finesse avec laquelle le film tisse des liens entre les vécus personnels du personnage et le contact qu’elle établit avec l’extraterrestre -et, dans le cas d’Ellie, avec son père qu’elle a perdu à un très jeune âge. Même si ces aspects narratifs pourraient paraître un peu datés, le travail formel et technique du film continue encore de résister à l’épreuve du temps, dont la fameuse scène du miroir de la salle de bain constitue la preuve principale.

Sorti la même année que le classique de Zemeckis, le film de Barry Sonnenfeld ajoute une touche d’action et de comédie à son récit de science-fiction, adapté de la série publiée par Marvel Comics. Men in Black (1997) repose sur une idée assez répandue, partagée d’ailleurs par de nombreuses personnes, selon laquelle les extraterrestres seraient parmi nous mais que leur existence aurait été cachée par les autorités officielles. L’objectif des agents secrets des Men in Black dans le film est donc de s’assurer que les êtres humains ignorent que des êtres venus d’ailleurs vivent parmi eux, mais aussi d’éliminer les individus malveillants.

C’est dans cette optique que James Edwards (Will Smith) est recruté par l’Agent K (Tommy Lee Jones) pour neutraliser un extraterrestre insectoïde particulièrement dangereux qui met en péril la survie de l’humanité. Mélange bien dosé de comédie, d’action et de science-fiction, Men in Black est sans doute un classique emblématique des années 1990. À la fois divertissant et intelligent dans son humour autoréférentiel, le film se distingue également par les magnifiques designs créés par le maître des effets spéciaux et du maquillage Rick Baker. Je vous conseille également de regarder Men in Black 2 (2002) et Men in Black 3 (2012), qui, même si certains aspects y sont inférieurs à ceux du premier film, restent néanmoins de bonnes suites.

Le réalisateur Neill Blomkamp représente un cas rare dans le paysage cinématographique : son tout premier film, extrêmement réussi, annonçait une carrière prometteuse tout en demeurant son meilleur opus, ses œuvres ultérieures n’ayant jamais retrouvé le même niveau d’excellence. Voilà un peu à quoi vous pouvez vous attendre si vous décidez de regarder District 9 (2009). Adaptation de son court métrage Alive in Joburg (2005), produite par Peter Jackson, cette œuvre se distingue avant tout par son style narratif, marqué par l’usage du faux documentaire.

L’action se déroule à Johannesburg, où un vaisseau spatial apparaît au-dessus de la ville. Après ce premier contact, les extraterrestres à l’apparence insectoïde sont regroupés dans un camp qui, au fil des années, se transforme en vaste bidonville. Bien sûr, District 9 n’est pas le premier film à utiliser les extraterrestres comme métaphore pour aborder des enjeux sociaux et politiques. Ce qui singularise toutefois le travail de Blomkamp, c’est sa capacité à concevoir des créatures et des univers visuellement convaincants tout en traitant de problématiques profondément ancrées dans le contexte sud-africain, notamment le racisme et le régime de l’apartheid, dont les effets continuent de marquer la société aujourd’hui.

Certains films sont d’une telle complexité et richesse qu’il devient presque injuste de les assigner à un seul genre cinématographique. Under the Skin (2013) fait certainement partie de ces « ovnis ». Petite parenthèse anecdotique personnelle : j’avais découvert ce chef-d’œuvre de Jonathan Glazer alors que j’étais encore au lycée, et sa simplicité conceptuelle, qui parvient pourtant à instaurer une atmosphère de tension et de mystère particulièrement oppressante, m’avait fascinée. Et même aujourd’hui, je le considère comme une contribution importante à ma passion pour les films de genre. Celles et ceux qui s’attendent à découvrir des designs d’extraterrestres exubérants et sophistiqués pourraient être déçus, car il ne s’agit VRAIMENT pas d’un récit d’extraterrestres classique.

Au cœur du film se trouve une créature qui revêt la chair humaine comme un costume, en l’occurrence celle d’une très belle femme, dont la mission semble être de séduire des hommes afin de les capturer et de les faire se désintégrer dans une substance noire. On n’en apprend pas davantage sur cette mission, mais la créature devient peu à peu fascinée par les humains. Ce qui ressort du film, c’est surtout l’inversion du regard. Là où la SF traditionnelle met en avant la fascination des humains pour les extraterrestres, ici c’est l’extraterrestre qui nous observe comme des formes de vie étranges à analyser -sans même parler de la dimension genrée (une femme qui observe des hommes) qui s’y ajoute. Bref, le résultat est une SF indépendante très réussie, dans laquelle Scarlett Johansson livre l’une des performances les plus magnétiques de sa carrière.

Ces derniers temps, on ne parle de Denis Villeneuve qu’à travers la saga Dune, mais en réalité le cinéaste canadien a signé l’une des films SF les plus uniques et intelligents de la dernière décennie. Premier Contact (2016) -comme le titre français l’indique- se concentre sur la rencontre entre l’espèce humaine et une race d’extraterrestres qui arrivent avec leurs vaisseaux et se positionnent dans l’atmosphère. Le regard classique sur les aliens, auquel on est habitué dans les récits de science-fiction, cède ici sa place à une réflexion beaucoup plus profonde et philosophique sur le temps et le langage, culminant dans l’hypothèse selon laquelle la langue que nous utilisons aurait une influence sur la manière dont nous percevons le temps.

Avec un fort aspect émotionnel exploré à travers le personnage de Louise Banks (Amy Adams), Premier Contact coche toutes les cases d’un film de science-fiction techniquement raffiné, conceptuellement riche et ambitieux. Même si son intrigue ne se concentre pas uniquement sur les extraterrestres, le style et la tonalité du film se rapprochent beaucoup d’Interstellar (2014) de Christopher Nolan. Un bon point de référence pour celles et ceux qui n’ont pas vu le film.

En dehors de sa contribution à 28 jours plus tard (2002), je n’aime pas particulièrement le cinéma d’Alex Garland, mais Annihilation (2018) est une exception, car c’est un film exceptionnel ! La raison principale pour laquelle je considère ce film comme une proposition de science-fiction essentielle de notre époque, c’est que, à l’instar de Solaris (1972), où une planète agissait comme un organisme vivant entrant en contact avec les souvenirs des êtres humains, la forme extraterrestre explorée dans Annihilation est caractérisée moins comme une entité corporelle que par les effets qu’elle produit sur les organismes vivants. Il ne s’agit donc pas tant de contact que de contamination.

Le récit du film suit un groupe de scientifiques qui participent à une expédition dans la « Zone X », où se produisent des phénomènes étranges, notamment des disparitions survenues après la chute d’une météorite. Ces scientifiques eux-mêmes, évidemment, n’échappent pas aux effets de cette contamination -appelée « Shimmer »- et la transmutation organique qu’elle provoque entre les plantes, les animaux et les êtres humains est rendue à l’image à travers des propositions visuelles très inventives et presque hallucinatoires. Des jeux de lumière et de subtiles variations de couleurs traduisent également l’altération de l’état mental des personnages ainsi que celle de leur environnement. Avec une distribution solide composée de Natalie Portman, Oscar Isaac, Jennifer Jason Leigh, Gina Rodriguez, Tessa Thompson et Tuva Novotny, Annihilation est une éco sci-fi à la fois déroutante et captivante.