Nic Cage tenía razón: ‘Motorista Fantasma: Espíritu de venganza' ha envejecido mejor de lo que crees

Ahora que los rumores sobre la llegada de Ryan Gosling al Universo Cinematográfico de Marvel se han hecho ciertos, muchos fans de los cómics en el cine están echando la vista atrás para recordar la etapa en la que Nicolas Cage llevó la calavera llameante con más dignidad de lo que aparenta.

Estas adaptaciones originales del personaje sufrieron duras críticas en su momento, sin embargo, Ghost Rider: el motorista fantasma (2007) y Ghost Rider: Espíritu de venganza (2011) hacen un combo no tan desdeñable, es más, la segunda entrega resulta hoy una anomalía visual fascinante dentro del subgénero de superhéroes siniestros, y con tres lustros desde 2011 merece una revisión urgente antes de que el nuevo reinicio cambie todo lo que podemos esperar del piloto del infierno.

La locura hiperestilizada de Neveldine y Taylor

En 2011, la secuela de la franquicia cayó en manos de Mark Neveldine y Brian Taylor, el dúo de directores detrás de la salvaje Crank: Veneno en la sangre (2006) Aquella decisión chocó bastante con el público mayoritario de la época, a quienes no les cuadraba una pareja que pusieron a Jason Statham a follar en medio de una multitud para salvar su vida. En lugar de una película de superhéroes convencional, la pareja entregó un viaje frenético, desquiciado, y cargado de violencia estilizada que, de forma similar a lo que ocurrió con la incomprendida Speed Racer (2008) el cambio drástico de tono dentro de la franquicia convirtió la propuesta en un espectáculo visual hiperactivo que descolocó a muchos.

Quizá no estábamos preparados para secuencias como la de la excavadora en llamas o la escena de la transformación a toda velocidad, que, pese al CGI regular, realmente lograban transmitir la sensación de ver convertirse a un hombre en un maníaco sobre ruedas, recogiendo el espíritu de las viñetas, ya que la metamorfosis es una posesión en toda regla. Ya no era solo una cuestión de cinética sino de estética; la calavera ardiendo mostraba un acabado mucho más sucio, oscuro carbonizado, y “realista” que en el primer largometraje.

Lo que se nos pasaba en 2011 es que la propuesta encajaba demasiado bien con la personalidad en pantalla de Nicolas Cage que se estaba cocinando. Su inclinación natural por el histrionismo comenzaba a alimentar el fenómeno cultural del "meme de Cage" que explotaría durante toda esa década. Ver al actor canalizar esa demencia combina perfectamente con otros proyectos de culto de la época como el neowestern satánico Furia ciega (2011), que bien podría transcurrir en el mismo universo de serie B,o con la posterior Hellboy: El hombre retorcido (2024) dirigida ya en solitario por el propio Brian Taylor. Es un placer culpable—si es que ese oxímoron tiene sentido— indispensable dentro de la carrera de Cage.

El tijeretazo de la calificación por edades, y las palabras del propio Nicolas Cage

No todo es perfecto en ella, ni mucho menos. Se nota a leguas que el proyecto nació pensado para una estricta calificación para mayores de 18 años, pero el estudio terminó tijereteando el montaje para obtener una clasificación PG-13 (para mayores de 13 años en Estados Unidos) en un intento desesperado por atraer al público adolescente. Esa censura empaña algunos momentos. Aun así, nos quedan secuencias brutales como la pelea en la cantera, donde los villanos combaten con Cage, en lo que parece un antecedente directo de Mandy (2018), la película que resucitó al actor en su bis exploitation, que en 2011 todavía se percibía con reticencias, o el ya célebre momento de la orina de fuego. Curiosamente, la cinta guarda incluso similitudes estructurales en su guion con Star Wars: El ascenso de Skywalker (2019)  con un viaje a la desesperada para proteger a un niño contenedor de un mal antiguo.

Pero no os vamos a vender la moto—jé—mejor que el propio Nicolas Cage, el cual siempre ha defendido con uñas y dientes su trabajo en Espíritu de venganza. En una retrospectiva concedida a Yahoo! en 2018, el oscarizado actor analizó los obstáculos comerciales del film con total honestidad: "El problema es que resulta muy difícil llevar a una familia con niños al cine—y la convirtieron en una película para mayores de 13 años—a ver una película sobre un superhéroe que, por cierto, también ha vendido su alma a Satanás. Así que no va a ser el concepto o el vehículo más comercial. Pero sin duda es el más interesante y el que más invita a la reflexión. Creo que, si hoy en día echas la vista atrás a esas películas, han envejecido bien."

Cage fue más allá al valorar el impacto financiero y el alcance real de la producción a largo plazo: "Si se hubiera rodado con clasificación R, tal y como tuvieron el valor de hacer con Deadpool (2016)—y lo han vuelto a hacer hoy—, estoy bastante seguro de que habría tenido un éxito enorme. Dicho esto, sigo pensando que las películas fueron un éxito. La gente no tiene en cuenta los canales secundarios, como el DVD, el streaming, y demás. Cuando ves lo que hicieron Mark Neveldine y Brian Taylor con 50 millones de dólares, y que obtuvieron unos ingresos de 250 millones, empiezas a darte cuenta de la genialidad de la secuela."

Por qué la secuela de 2011 enseña cómo adaptar un cómic sin filtros

Durante la última década, Hollywood se ha dedicado a pulir las producciones de superhéroes hasta convertirlas en un producto demasiado homogéneo, donde apenas existen marcas de autor o arriesgadas decisiones visuales más allá de cúpulas y pantallas verdes eternas. En contraste con esa tendencia tan neutra, Espíritu de venganza destaca como un testimonio de lo que pudieron haber sido los cómics en pantalla durante la década de 2010. Para bien o para mal, la absoluta libertad creativa y la naturaleza desinhibida de su metraje enseñan cómo capturar la verdadera esencia de leer una historieta juvenil. Porque la película realmente recrea la experiencia de hojear un tebeo gótico impreso en papel de colores primarios y grandes “splash-pages”.

Por otra parte, el cine de superhéroes gamberro y sin censura que hoy triunfa en taquilla le debe mucho a estos experimentos olvidados. No se equivoca Cage al señalar fenómenos modernos como Deadpool  o la reciente Deadpool y Lobezno (2024) que difícilmente habrían encontrado su espacio sin la valentía de directores que abrieron brecha previamente. Redescubrir el trabajo de Neveldine, Taylor, y Cage es un ejercicio nostálgico pero gratificante, donde incluso encontramos a futuras mega-estrellas como Idris Elba. Antes de que el ecosistema Marvel vuelva a empaquetar al Vengador en una fórmula corregida y limpia, vale la pena regresar a esta locura que nos recuerda que hubo una época que las películas de superhéroes podían tener solo 95 minutos de duración.