Vor dem Start von „The Invite“: Die 10 besten Kammerspiel-Filme
Seth Rogen, Penélope Cruz und Edward Norton spielen Nachbarn, die sich zu einem scheinbar harmlosen Abendessen treffen, bis der Abend Stück für Stück in etwas entgleist, das niemand mehr unter Kontrolle hat. Olivia Wildes neue Tragikomödie The Invite, die im August in die deutschen Kinos kommt, findet in einem geschlossenen Raum statt.
Eine Handvoll Menschen und zu viel gemeinsame Zeit reichen oft schon für die komplette Eskalation. Der Ausweg fehlt, die Spannungen bleiben im Raum, und irgendwann landen Wahrheiten auf dem Tisch, die niemand hören wollte. Was als höflicher Abend beginnt, endet in vielen dieser Filme mit Gesprächen, die längst hätten vermieden werden sollen. Das perfekte Kammerspiel!
Diese Liste versammelt 10 Werke, die das Prinzip auf die Spitze treiben und zeigen, wie viel Spannung, Drama und Intensität entstehen können, wenn sich alles hinter einer geschlossenen Tür abspielt.
Alfred Hitchcock hatte eine fixe Idee: einen Film zu drehen, der wirkt, als bestünde er aus einer einzigen Einstellung. Cocktail für eine Leiche spielt fast vollständig in einem New Yorker Apartment, in dem zwei junge Männer ihren Kommilitonen ermordet haben und seine Leiche in einer Truhe verstecken, bevor sie ihre Gäste zur Abendgesellschaft empfangen. Darunter sind die Eltern des Opfers und ein scharfsinniger Professor, gespielt von James Stewart, der den Abend immer aufmerksamer beobachtet.
Das eigentliche Wagnis liegt in der Form: Hitchcock kaschiert die Schnitte so geschickt hinter Rücken und Schränken, dass die Plansequenz wie ein einziger Atemzug wirkt. Was als technische Spielerei begann, wurde zu einem der nervenaufreibendsten Salonabende der Filmgeschichte und zur Geburtsstunde eines Kinos, das aus einem einzigen Raum lebt.
Wer Ralph Fiennes als eisigen Sternekoch noch nicht gesehen hat, sollte sich diesen Eintrag dringend merken. Mark Mylods Satire schickt eine handverlesene Gästegruppe auf eine abgelegene Insel, wo sie für viel Geld das Erlebnis ihres Lebens erwarten. Sobald der erste Gang gereicht wird, wird langsam klar, dass dieses Menü kein Genuss werden soll.
The Menu ist eine elegant servierte Abrechnung mit der Erlebnisindustrie der Wohlhabenden, mit Foodies, Kritikerinnen und Tech-Bros, die das Essen seit Jahren zur Religion erhoben haben. Fiennes spielt seinen Koch mit höhnischer Höflichkeit als einen Mann, der den Spaß an seinem Handwerk verloren hat und nun den Spaß an dessen Demontage entdeckt. Der Film ist der modernste Eintrag dieser Liste, ein Drama im Speisesaal, in dem die Wahrheit so kalt serviert wird wie der Amuse-Bouche.
Ein gemeinsamer Abend unter Freunden wird zum Pulverfass, sobald jemand auf die Idee kommt, alle Smartphones offen auf den Tisch zu legen. Genau diese Spielregel macht Bora Dağtekins Komödienhit aus: Jede eingehende Nachricht wird mit allen geteilt, alle Anrufe werden laut gestellt. Selbstverständlich geht von der ersten Minute an nichts mehr glatt.
Das perfekte Geheimnis basiert auf dem italienischen Original Perfect Strangers und wurde zu einem der erfolgreichsten deutschen Kinofilme der jüngeren Vergangenheit. Was die Adaption so unterhaltsam macht, ist das Tempo, mit dem die Lügen auffliegen, und die Tatsache, dass jeder am Tisch irgendwann selbst dran ist. Der Film zeigt, wie viel Drama in einem einzigen Wohnzimmer Platz findet und warum manche Geheimnisse besser im Handy bleiben.
Selten lässt ein Film das Publikum so wenig Luft holen wie dieser hier. Rodrigo Cortés sperrt seinen Hauptdarsteller in einen Holzsarg unter der Erde, im Irak entführt, ausgestattet mit nichts als einem Feuerzeug und einem Handy mit fast leerem Akku.
Buried – Lebend begraben ist die radikalste Reduktion, die das Genre je ausprobiert hat. Ryan Reynolds, sonst eher für Small Talk und Schwertkampf bekannt, trägt den gesamten Film auf den Schultern und spielt sich durch jede Phase von Hoffnung, Panik und Resignation, ohne dass die Klaustrophobie je nachlässt.
Was die Geschichte über Spannung hinaus interessant macht, ist ihre politische Bissigkeit. Das Telefon wird zur Bühne für ein System aus Hotlines, Versicherungsklauseln und politischen Floskeln, das den Mann im Sarg fast schneller umbringt als der Sauerstoffmangel.
Auf den ersten Blick wirkt dieser Abend wie eine beneidenswerte Einladung. Ein Universitätsprofessor und seine Frau empfangen ein junges Kollegenpaar, der Whiskey fließt, das Licht ist warm, die Konversation klingt geistreich.
Was Mike Nichols in seinem Regiedebüt daraus macht, ist eine der erbarmungslosesten Demontagen einer Ehe, die das amerikanische Kino je gezeigt hat. Wer hat Angst vor Virginia Woolf? lebt von Elizabeth Taylor und Richard Burton, die einander die Haut abziehen, ohne dass die jüngeren Gäste den Tisch verlassen können oder wollen.
Edward Albees Theatervorlage wurde hier eins zu eins ins Kino übertragen, und genau das ist die Stärke. Es gibt keinen Ausweg, keine Außenwelt, nur diese vier Menschen, die einander immer tiefer in Lebenslügen treiben, bis am Morgen niemand mehr derselbe ist.
Zwei Pariser Elternpaare treffen sich in einer Wohnung, um eine Schulhof-Prügelei ihrer Söhne zivilisiert zu klären. Die Klärung dauert keine fünf Minuten, dann beginnt das eigentliche Gemetzel. Roman Polanski adaptiert Yasmina Rezas Theaterstück mit einer Präzision, die fast unheimlich ist. Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz und John C. Reilly demontieren einander über die Dauer von achtzig Minuten, ohne die Wohnung jemals zu verlassen.
Der Gott des Gemetzels ist im Kontext dieser Liste nahezu unverzichtbar, weil das Setup so direkt an The Invite erinnert. Zwei Paare sitzen in einem Wohnzimmer, ihre anfängliche Höflichkeit fällt Schicht für Schicht ab. Was den Film auszeichnet, ist sein gnadenloses Tempo und die Erkenntnis, dass jeder bürgerliche Anstand unter ausreichend Druck in dieselben Bestandteile zerfällt, die wir den Kindern eigentlich aberziehen wollten.
Was passiert, wenn ein Programmierer zu einer Woche bei seinem milliardenschweren Chef in dessen abgelegenes Forschungsdomizil eingeladen wird und dort einer Maschine gegenübersitzt, die wie eine Frau aussieht und denkt?
Alex Garlands Regiedebüt verlegt das Genre in eine gläserne Bunkeranlage mitten in Norwegen und liefert eines der intellektuell aufgeladensten Science-Fiction-Werke der letzten zwei Jahrzehnte. Ex Machina lebt von einer Dreieckskonstellation: dem nervösen Programmierer Caleb, dem charismatisch unangenehmen Tech-Tycoon Nathan und der Androidin Ava, deren Motive so undurchsichtig sind wie ihre halb durchsichtigen Bauteile. Oscar Isaac, Domhnall Gleeson und Alicia Vikander spielen eine Schachpartie aus Manipulation, in der mit jeder Sitzung weniger klar wird, wer hier eigentlich getestet wird. Der Film beweist, wie unheimlich klaustrophobische Räume und Hochtechnologie zusammenpassen können.
An einem heißen Sommertag in New York versammeln sich zwölf Männer in einem Hinterzimmer, um über das Leben eines Jungen aus den Slums zu entscheiden, der seinen Vater erstochen haben soll. So einfach lässt sich Sidney Lumets Debüt zusammenfassen, und so wenig fängt diese Zusammenfassung von dem ein, was darin tatsächlich passiert.
Henry Fonda spielt den einen Geschworenen, der als Einziger nicht sofort auf schuldig stimmen will, und allein aus dieser Weigerung baut sich anderthalb Stunden Drama auf, das mehr Spannung erzeugt als die meisten Actionfilme schaffen. Die zwölf Geschworenen wirkt bis heute wie eine Vorlesung darüber, wie Vorurteile entstehen, wie Wahrheit verhandelt wird und wie ein einziger Zweifel ein ganzes Urteil ins Wanken bringt. Wer den Film kennt, vergisst nicht, wie viel allein aus einem Tisch und zwölf Stühlen geholt werden kann.
„Ich bin etwa 4000 Jahre alt.“ Mit diesem Satz beginnt eine der ungewöhnlichsten Abendrunden, die das Independent-Kino je gewagt hat. The Man from Earth versammelt eine Gruppe befreundeter Akademiker im Holzhaus eines Kollegen, der das Land verlassen will, und konfrontiert sie mit der Behauptung, er sei ein prähistorischer Mensch, der seit Zehntausenden von Jahren auf der Erde wandert.
Das Drehbuch stammt vom Star-Trek-Autor Jerome Bixby, der es kurz vor seinem Tod fertigstellte, und kommt mit einem absurd kleinen Budget, einer einzigen Holzhütte und einer Handvoll Schauspielern aus. Die Wirkung des Films entsteht ausschließlich durch Sprache. Jede Frage, jede Skepsis, jede mögliche Falle wird im Gespräch ausgeleuchtet, bis am Ende offenbleibt, ob hier ein Lügner sitzt oder etwas Unfassbares. Selten hat ein Film so eindrucksvoll bewiesen, dass für großes Kino kein einziger Spezialeffekt nötig ist.
Steven Knights Experiment dauert genauso lange, wie Tom Hardy braucht, um von Birmingham nach London zu fahren. Ivan Locke ist Bauleiter, einer der besten in seinem Fach, und an dem Abend, an dem er einen wichtigen Betonguss überwachen sollte, steigt er stattdessen ins Auto und nimmt die Autobahn in die andere Richtung.
Was den Film besonders macht, ist seine konsequente Beschränkung. Es gibt nur Hardy hinter dem Lenkrad, sein Spiegelbild in der Windschutzscheibe und die Stimmen der Anrufer, die sich aus seinem Leben langsam ablösen. No Turning Back ist ein Wagnis, das funktioniert, weil Hardy seinen Mann mit ruhigem walisischem Singsang als jemanden zeichnet, der sein Leben mit einer einzigen Entscheidung umbaut. Selten wurde ein Ein-Raum-Film so reduziert und gleichzeitig so erwachsen verhandelt.
