Als Vorbereitung für „Scary Movie 6“: 10 der besten Parodie-Filme aller Zeiten

Scary Movie ist der direkte Vorfahre von „Scary Movie 6" und das Dokument einer Zeit, in der Parodiefilm noch nicht in seiner eigenen Mittelmäßigkeit ertrunken war. Keenen Ivory Wayans nimmt Scream (1996), I Know What You Did Last Summer (1997) und The Blair Witch Project (1999) aufs Korn, mit einer Energie, die den späteren Fortsetzungen komplett fehlt. Die Gags sitzen, weil das Team sein Quellmaterial versteht und nicht nur zitiert. Anna Faris macht aus der Slasher-Opfer-Schablone eine eigenständige komödiantische Figur, die den Film trägt, auch wenn die Witze für einen Moment ausbleiben. Das Einspielergebnis von 278 Millionen Dollar bei einem Budget von nur 19 Millionen war kein Zufall, sondern das Ergebnis eines Films, der ganz genau wusste, was er war, was sein Publikum wollte und wie weit man Tabus brechen kann, ohne dabei seine eigene Pointe zu verlieren.

Tropic Thunder parodiert nicht einen bestimmten Film, sondern das gesamte Hollywood-Kriegsfilm-Genre und die Eitelkeiten der Schauspielindustrie, die es produziert. Ben Stiller, Jack Black und Robert Downey Jr. spielen Schauspieler, die für einen Kriegsfilm in den Dschungel geschickt werden und versehentlich in einen echten Konflikt geraten. Downey Jr. als Method-Actor, der sich für die Rolle vollständig in eine andere Identität verwandelt, ist eine der riskantesten Komödienperformances des Jahrzehnts, eine, die funktioniert, weil der Film konsequent die Selbstverliebtheit seiner Figur bloßstellt statt sie zu feiern. Tom Cruise in einer Nebenrolle als kahlköpfiger, tanzender Film Executive ist einer der überraschendsten Gastauftritte der Kinogeschichte und hat seine Karriere für eine Weile in eine völlig neue Richtung verschoben. Selten hat eine Parodie ihren Gegenstand so präzise getroffen wie dieser Film.

Austin Powers – Das Schärfste, was Ihre Majestät zu bieten hat (1997) hat das Kunststück vollbracht, einen vollständig neuen Parodie-Charakter zu erschaffen, der auch dann funktioniert, wenn man die Quellmaterialien nicht kennt. Mike Myers spielt den tiefgefrorenen Swinging-Sixties-Agenten, der in den '90ern aufwacht, mit einer Liebe zum Detail, die weit über Kostüm-Cosplay hinausgeht. Die britischen Spionagefilme der '60er werden nicht nur zitiert, sondern in ihrer Grundstruktur seziert: der unverwundbare Held, der charmlose Charme, die lächerliche Technik. Doktor Evil ist als Bösewicht-Parodie so präzise, dass die Figur selbst zur Popkultur-Referenz wurde und seither in zahlreichen Memes weiterlebt. Die beiden Sequels wurden schwächer und immer mehr zu Karikaturen ihrer eigenen Vorlage, was den ersten Teil im Rückblick nur besser macht und seinen Status als eigentlich beste Parodie der '90er festigt.

Hot Shots! – Die Mutter aller Filme stammt aus demselben Kreativteam wie Airplane! und Die nackte Kanone: Regisseur Jim Abrahams war Teil des legendären Zucker-Abrahams-Zucker-Gespanns. Das Ergebnis ist dasselbe Deadpan-Prinzip, diesmal auf Top Gun (1986) und seine Militärfetisch-Ästhetik angewandt. Charlie Sheen als Pilot Topper Harley spielt vollständig ernst in einer Welt, die um ihn herum kollabiert, während Lloyd Bridges als inkompetenter Admiral Benson eine der unterschätztesten Nebenrollen der Parodiegeschichte liefert. Die Gags stapeln sich so schnell, dass man beim ersten Sehen unweigerlich welche verpasst, was einen guten Grund für einen zweiten Durchgang liefert. Weltweit spielte der Film 181 Millionen Dollar ein, fast das Siebenfache seines Budgets, und wurde zum Beweis, dass das Genre auch in den '90ern noch funktionieren konnte, wenn die richtigen Leute am Werk waren.

Monty Python: Die Ritter der Kokosnuss ist das einzige Mitglied dieser Liste, das nicht nur ein Genre parodiert, sondern eine ganze Weltsicht zerlegt. König Artus und seine Ritter reiten durch das mittelalterliche England, und weil kein Budget für Pferde da war, schlagen ihre Diener Kokosnüsse zusammen. Das ist kein Produktionsproblem, das zur Pointe wurde, sondern das Grundprinzip des ganzen Films: konsequente Weigerung, die eigene Fiktion ernst zu nehmen. Monty Python parodiert Artussagen, britische Klassengesellschaft, philosophische Debatten über politische Legitimität und das Filmgenre selbst, alles gleichzeitig und ohne Rücksicht auf narrative Kohärenz. Der Film endet damit, dass die Polizei die Produktion abbricht und die Hauptdarsteller verhaftet, ein Ende, das logisch erscheint, sobald man die anderthalb Stunden davor gesehen hat. Kein anderer Film auf dieser Liste hat eine solche Freiheit gegenüber sich selbst.

Spaceballs erschien vier Jahre nach Return of the Jedi (1983) und ist weniger eine Parodie auf Star Wars als auf den Merchandise-Wahnsinn, den die Reihe ausgelöst hatte. Lord Helmchen verkauft Spaceballs-Flammenwerfer für Kinder, was selbst heute noch wie eine erstaunlich präzise Vorhersage der Disney-Star-Wars-Ära klingt. Mel Brooks spielt sowohl den Präsidenten als auch die weise Yoda-Parodie Yogurt, der den Film buchstäblich unterbricht, um auf Spaceballs-Merchandise hinzuweisen, und damit den Meta-Witz vollständig schließt. Rick Moranis als Lord Helmchen bringt eine physische Komödienenergie mit, die man in dieser Form danach kaum mehr gesehen hat, und seine Helmlosen-Momente gehören zu den meistzitierten Gags der gesamten '80er-Komödie. Das Bewusstsein des Films für seine eigene Kommerzialisierung unterscheidet ihn von einer simplen Genreparodie.

Der wilde wilde Westen ist die schärfste Parodie auf dieser Liste und die einzige, von der man ernsthaft bezweifeln kann, dass sie heute in dieser Form produziert werden würde. Mel Brooks und Co-Autor Richard Pryor schicken einen schwarzen Sheriff in eine rassistische Frontier-Stadt und machen den Rassismus der Bewohner zur eigentlichen Pointe, statt ihn als Hintergrunddetail zu behandeln. Die vierte Wand wird konsequent durchbrochen, und der Film bricht am Ende buchstäblich aus seiner eigenen Geschichte aus, was sich nicht wie ein Gag anfühlt, sondern wie die einzig logische Konsequenz eines Films, der das Genre, das er parodiert, zu gut versteht, um es respektvoll zu behandeln. Drei Oscar-Nominierungen, außerdem Gene Wilder als legendärer Waco Kid, Madeline Kahn als Marlene-Dietrich-Parodie. Der Standard, an dem das Genre seither gemessen wird.

Meilenstein gefällig? Die nackte Kanone hat das Parodiegenre so grundlegend geprägt, dass es heute schwer ist, seinen Einfluss präzise zu beschreiben. Zucker, Abrahams und Zucker brachten ihr Airplane!-Prinzip in eine Krimiserie: Leslie Nielsen als Lieutenant Frank Drebin spielt jeden Gag mit der Miene eines Mannes, der gerade einen Mord aufgeklärt hat, während um ihn herum Slapstick explodiert. Der Witz entsteht aus dem Kontrast, nicht aus Nielsen selbst, der nie auch nur einmal zwinkert oder dem Publikum signalisiert, dass er weiß, wie komisch die Situation ist. Die Baseballstadion-Sequenz am Ende, in der Drebin als verkleideter Schiedsrichter durch ein laufendes Spiel taumelt, ist einer der präzisesten komödiantischen Set-Pieces der Filmgeschichte und hält nach fast vier Jahrzehnten vollständig stand. Liam Neeson hat es 2025 mit dem Reboot versucht, aber das Original bleibt unerreicht.

Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug ist der Maßstab, an dem alle anderen Einträge auf dieser Liste gemessen werden, und fast alle schneiden schlechter ab. Zucker, Abrahams und Zucker parodieren die Katastrophenfilme der '70er mit einem Gagrhythmus, der so dicht ist, dass man den Film mehrfach sehen muss, um alle Ebenen zu erfassen. Leslie Nielsen, damals als ernsthafter Charakterdarsteller bekannt, spielt Doktor Rumack mit vollständiger Überzeugung, was jeden seiner Sätze automatisch komischer macht und seine spätere Karriere als Komödienikone überhaupt erst eingeleitet hat. Der Witz entsteht nicht durch Augenzwinkern, sondern durch vollständige Ernsthaftigkeit in einer absurden Situation, konsequent durchgehalten über 88 Minuten. Visuelle Gags, Wortspiele, doppeldeutige Dialoge und absurde Zoominterviews stapeln sich pausenlos. Es ist noch immer das Beste, was das Genre hervorgebracht hat.

Galaxy Quest – Planlos durchs Weltall ist die einzige Parodie, die von ihrem eigenen Quellmaterial schließlich als kanonisch akzeptiert wurde, Star Trek-Fans haben den Film bei Conventions in Umfragen wiederholt unter die besten Trek-Filme aller Zeiten gewählt. Tim Allen, Sigourney Weaver und Alan Rickman spielen abgehalfterte Schauspieler einer abgesetzten Sci-Fi-Serie, die von echten Außerirdischen entführt werden, weil diese die Sendung für historische Dokumentationen halten. Der Film funktioniert auf zwei Ebenen gleichzeitig: als präzise Star Trek-Parodie mit liebevoller Detailkenntnis und als ernstgemeinte Reflexion darüber, was Fankultur eigentlich ist und was sie aus den Menschen macht, die ihr Leben dieser Sendung gewidmet haben. Alan Rickman als britischer Shakespeare-Schauspieler, der in einer Sci-Fi-Serie gestrandet ist, spielt seine Frustration mit einer solchen Würde, dass jeder seiner Auftritte ein eigener Höhepunkt ist.