Zwischen Arthouse und Abgrund: Die 10 besten NEON-Horrorfilme
Seit seiner Gründung im Jahr 2017 hat sich NEON als einem der spannendsten Independent-Verleiher im US-Kino etabliert – nicht zuletzt im Horrorgenre. Während andere Studios allzu oft auf kalkulierbare Jumpscares setzen, kultiviert NEON ein Kino der Verstörung. Viele der hier versammelten Filme stammen von Regisseurinnen und Regisseuren, die Genregrenzen bewusst sprengen und Horror als Ausdruck existenzieller, gesellschaftlicher oder identitärer Krisen begreifen.
Das Ergebnis ist ein Portfolio, das weniger auf Massentauglichkeit als auf künstlerische Eigenständigkeit setzt – und genau dadurch das zeitgenössische Horrorkino nachhaltig geprägt hat. Ein Überblick über die zehn besten Horrorfilme aus dem Hause NEON.
In Immaculate betritt Sydney Sweeney als junge Nonne ein abgelegenes italienisches Kloster, das zunächst wie ein Ort spiritueller Einkehr erscheint. Doch was als Suche nach Sinn beginnt, entwickelt sich zu einem Albtraum. Cecilia bemerkt, dass sie schwanger ist – ein Zustand, der von der Ordensgemeinschaft als göttliches Zeichen interpretiert und vereinnahmt wird.
Regisseur Michael Mohan verbindet katholische Ikonografie mit zunehmend expliziten Body-Horror-Momenten. Die klaustrophobische Architektur des Klosters wird dabei zur Metapher eines Systems, das weibliche Autonomie unterdrückt. Immaculate ist weniger Schocker als religiös aufgeladene, wenn auch nicht immer ganz stimmige Parabel über Macht, Manipulation und die Instrumentalisierung weiblicher Körper.
Mit Longlegs inszeniert Oz Perkins einen okkult grundierten Serienkiller-Horror, der weniger durch explizite Gewalt als durch Atmosphäre seine beunruhigende Wirkung entfaltet. Im Zentrum steht eine junge FBI-Agentin (Maika Monroe), die einen rätselhaften Fall untersucht, der sie zunehmend in ein verhängnisvolles Netz aus satanischer Mythologie und persönlicher Vergangenheit zieht. Nicolas Cage tritt als titelgebender “Longlegs” nur punktuell in Erscheinung – und diese wohldosierte Präsenz macht ihn umso verstörender.
Oz Perkins inszeniert all das mit kontrollierter Langsamkeit, arbeitet mit Schatten, Leerstellen und einem Gefühl permanenter Vorahnung. Longlegs ist kein Film der Schocks, sondern der schleichenden Bedrohung. Auch wenn die Auflösung selbst nicht überzeugt, ist der Weg dorthin doch sehenswert.
Mit Little Monsters wiederum demonstriert NEON, dass Horror nicht zwangsläufig in existenziellem Schwarz enden muss. Abe Forsythes Horrorkomödie folgt dem abgehalfterten Musiker Dave (Alexander England), der widerwillig einen Kindergartenausflug begleitet – und sich unvermittelt mit einem Zombieausbruch konfrontiert sieht. Während draußen Untote wüten, versucht die Lehrerin Miss Caroline (Lupita Nyong’o), die Situation vor den Kindern als harmloses Spiel erscheinen zu lassen.
Abe Forsythe balanciert Splatter und Slapstick mit erstaunlicher Eleganz, zwischen Blutfontänen, Kinderliedern und improvisierten Notlügen. Little Monsters ironisiert dabei Genreklischees, bewahrt jedoch emotionale Glaubwürdigkeit – und wirkt so wie ein bewusst heiteres, doch keineswegs belangloses Gegenstück zu NEONs sonst oft düsteren Horrorvisionen.
Bei Cuckoo ist man sich hingegen nicht immer sicher, was unfreiwillig komisch und was bewusste Überzeichnung ist. Die 17-jährige Gretchen (Hunter Schafer) zieht widerwillig mit ihrem Vater (Marton Csokas) und dessen neuer Familie in ein abgelegenes Alpenresort. Dort geht Eigenartiges vor sich: Fremde Geräusche hallen durch die Gänge, Gäste verhalten sich merkwürdig, und der exzentrische Resortleiter Herr König (Dan Stevens) begegnet Gretchen mit einer Mischung aus jovialer Höflichkeit und kaum verhüllter Dominanz.
Tilman Singer interessiert weniger das plötzliche Erschrecken als das allmähliche Verrutschen der Realität. Dialoge wirken deplatziert, Motivationen bleiben unklar, Zeit scheint sich zu dehnen. Cuckoo ist kein klassischer Mystery-Horror, sondern wechselt immer wieder in den Camp-Modus – ohne sich je ganz der Ironie zu überlassen. Sehenswert ist vor allem Hunter Schafers Spiel mit Trotz und zurückhaltender Coolness, das die wechselhafte Tonalität des Films zusammenhält.
Coralie Fargeats Revenge setzt beim vertrauten Muster des Rape-Revenge-Subgenres an – und unterzieht es einer stilistischen Neujustierung. Jen (Matilda Lutz) wird nach einer Vergewaltigung von den wohlhabenden Freunden ihres Geliebten in der Wüste zum Sterben zurückgelassen. Was zunächst wie die Reproduktion eines exploitativ geprägten Erzählmusters wirkt, kippt jedoch rasch in eine radikale Umcodierung der Perspektive: Jen überlebt – und mit ihrem Überleben verschiebt sich das Machtgefüge des Films.
Fargeat inszeniert mit grellen Neonfarben und einer fast opernhaften Überhöhung der Gewalt. Die Wüste wird zur surrealen Arena, in der Schmerz und Wiedergeburt ineinander übergehen. Revenge ist physisch fordernd, formal präzise und in seiner kompromisslosen Ästhetik bemerkenswert selbstbewusst – ein Film, der Genregrenzen nutzt, um sie zugleich sichtbar zu machen und zu überschreiten.
In Infinity Pool führt Brandon Cronenberg seine Obsession für Identität und Exzess konsequent fort. Alexander Skarsgård spielt einen erfolglosen Schriftsteller, der mit seiner Frau (Cleopatra Coleman) in einem abgeschotteten Luxusresort Urlaub macht – bis er bei einer nächtlichen Autofahrt einen Einheimischen überfährt und tötet. Durch das Verbrechen wird er auf eine bizarre Praxis aufmerksam: Wohlhabende Ausländer dürfen sich klonen lassen, um ihren Doppelgänger an ihrer Stelle hinrichten zu lassen.
Cronenberg nutzt diese radikale Prämisse für eine ebenso provokante wie bitterböse Satire auf Privileg, moralische Verantwortung und die Enthemmung durch Reichtum. Infinity Pool ist verstörend, exzessiv und von kalter Konsequenz.
The Lodge entfaltet seinen Schrecken nicht in eruptiven Schockmomenten, sondern in der langsamen, beinahe methodischen Erosion von Gewissheit. Riley Keough spielt Grace, die neue Partnerin eines Witwers (Richard Armitage), der sie gemeinsam mit seinen Kindern (Jaeden Martell, Lia McHugh) in eine abgelegene Winterhütte begleitet – und sie dort kurz darauf allein zurücklässt. Eingeschneit und von der Außenwelt isoliert, verwandelt sich das ohnehin fragile Verhältnis zwischen Stiefmutter und Kindern schleichend in ein Klima aus Misstrauen, Manipulation und wachsender Bedrohung.
Veronika Franz und Severin Fiala inszenieren mit kühler Präzision: lange Einstellungen, eine entsättigte Farbpalette und eine Stille, die schwerer wiegt als jeder Knall. Religiöse Traumata aus Graces Vergangenheit mischen sich mit subtilen Grausamkeiten und lassen Realität und Wahn ineinanderfließen. The Lodge ist ein verstörendes Kammerspiel über Schuld, Isolation und den brüchigen Charakter familiären Vertrauens.
Mit Possessor tritt Brandon Cronenberg sichtbar in Dialog mit dem Werk seines Vaters. Im Zentrum steht Andrea Riseborough als Elite-Agentin, die mithilfe neuronaler Implantate das Bewusstsein anderer Menschen übernimmt, um durch sie gezielte Attentate zu verüben. Was zunächst wie ein kühl konstruierter Sci-Fi-Thriller erscheint, entfaltet sich zunehmend als Horrorstück über Identitätsverlust und psychischen Verfall. Denn je länger Tasya in fremden Existenzen verweilt, desto poröser wird ihr eigenes Selbst.
Brandon Cronenberg inszeniert das mit klinischer Präzision: Klare Linien, harte Schnitte, verstörende Körperbilder durchziehen sein Werk. Possessor ist ein kühler, kompromissloser Body-Horror, der technologische Entgrenzung als existentielle Bedrohung begreift – und das Ich zum gefährdeten Terrain erklärt.
Mit Crimes of the Future kehrt David Cronenberg programmatisch zu seinem ureigenen Terrain zurück: dem Körper als wandelbares Experimentierfeld. Viggo Mortensen verkörpert Saul Tenser, einen Performance-Künstler, dessen Organismus neue Organe hervorbringt – Wucherungen, die nicht medizinisch entfernt, sondern als Kunstereignisse zelebriert werden. Léa Seydoux spielt seine Partnerin Caprice, die diese Eingriffe mit chirurgischer Präzision vor Publikum inszeniert; Kristen Stewart ergänzt das Trio als irritiert-fasziniert beobachtende Bürokratin.
Der Film verweigert klassische Spannungsdramaturgie zugunsten einer gedankenschweren Atmosphäre: Cronenberg verhandelt Fragen nach Evolution, Schmerz und Selbstoptimierung in einer Welt, in der sich der menschliche Körper an Umweltzerstörung und technologische Überformung anpasst. Horror entsteht hier nicht aus äußerer Bedrohung, sondern aus den Konsequenzen menschlicher Hybris.
Mit Titane erreicht NEONs Horrorkatalog seine vielleicht radikalste, sicherlich aber seine interessanteste Form. Julia Ducournau erzählt in provokant-eindrucksvollen Bildern von Alexia (Agathe Rousselle), die nach einem Autounfall eine Titanplatte im Kopf trägt – und später eine bizarre Beziehung zu Maschinen entwickelt. Auf der Flucht nimmt sie die Identität eines vermissten Jungen an und findet in dessen vermeintlichem Vater (Vincent Lindon) eine fragile Zuflucht.
Titane verbindet Body-Horror, Melodram und Fragen der Selbsterschaffung zu einem ekstatischen Hybrid. Ducournau interessiert sich weniger für Schock als für Transformation – auf körperlicher wie emotionaler Ebene. Titane gewann die Goldene Palme in Cannes und demonstriert, wofür NEON mit seinem Erfolg meist steht: kompromisslose Visionen, formale Kühnheit und Horror als Kunstform.
