10 LGBTQ-Filme und -Serien, die Kontroversen auslösten

Als Philadelphia im Jahr 1993 in die Kinos kam, war die AIDS-Krise bereits seit mehr als einem Jahrzehnt kontrovers diskutierter Gegenstand öffentlicher Debatten. Die meisten großen Hollywood-Produktionen aber meideten das Thema weiterhin – zu groß war die Sorge, im Angesicht einer aufgeheizten gesellschaftlichen Stimmung mit finanziellen Verlusten rechnen zu müssen. 

Erst mit Jonathan Demmes großem Melodram, das offen die Diskriminierung von HIV-Infizierten thematisierte, änderte sich das. Mit Andrew Beckett (Tom Hanks) steht ein Anwalt im Mittelpunkt der Erzählung, der nach Bekanntwerden seiner Ansteckung entlassen wurde und nun gegen seine ehemalige Kanzlei vor Gericht ziehen möchte. Vertreten soll ihn dabei ausgerechnet Joe Miller (Denzel Washington), der selbst enorme Vorurteile gegenüber homosexuellen Männern hegt.

Wohl auch, um ein möglichst breites Publikum zu erreichen und dessen Sympathie für sich zu gewinnen, setzte Jonathan Demme auf eine eher klassische und vor allem sehr emotionalisierte Erzählweise. Obwohl Philadelphia später aus der Community selbst dafür kritisiert wurde, die queere Erfahrung auf Krankheit und Leid zu reduzieren, ist doch unbestreitbar, dass dieser Film einen wahren Wendepunkt in der Repräsentation von schwulen Figuren darstellte – nicht zuletzt, weil mit Tom Hanks und Denzel Washington zwei der größten und populärsten Hollywood-Stars ihrer Zeit die Hauptrollen übernahmen.

Schon vor Ellen (1994–98) kannte das Fernsehen homosexuelle Figuren, doch nie zuvor bildeten sie den Mittelpunkt einer erfolgreichen Network-Serie. Das änderte sich schlagartig, als die Hauptfigur öffentlich erklärte: „Yep, I’m gay!“ Die Ausstrahlung der Szene fiel mit dem Coming-out von Hauptdarstellerin Ellen DeGeneres zusammen und wurde daraufhin zu einem der meistdiskutierten Fernsehereignisse der 1990er Jahre. Prompt löste die Episode aufgeregte Proteste konservativer und religiöser Gruppierungen aus – auch zogen sich einige Werbekunden aus Angst vor finanziellen Verlusten zurück. 

Das aber macht den Stellenwert von Ellen nur umso bedeutsamer: Zu einer Zeit, als es noch das Karriereende hätte bedeuten können, bekannte sich eine der damals beliebtesten TV-Figuren ihrer Zeit zu ihrer Sexualität und legte damit den Grundstein für eine selbstverständliche queere Repräsentation im Mainstreamfernsehen – auch wenn es mit der bis heute im Sitcom-Bereich nicht allzu weit her ist.

Mit Queer as Folk (1999–2005) brachte Russell T Davies zunächst im britischen Fernsehen und später auch durch die US-Adaption eine Form schwuler Sichtbarkeit, die es bis dato schlicht so nicht gab: Die Serie konzentrierte sich voll und ganz auf eine Gruppe schwuler Männer, ihr Liebesleben, ihre Freundschaften und mitunter ganz alltägliche Probleme. Sex und Clubkultur standen dabei ebenso selbstverständlich im Mittelpunkt wie gesellschaftliche Hürden. 

Im Gegensatz zu Sitcoms wie Will & Grace (1998–2006), die Homosexualität erfolgreich für ein breites Mainstream-Publikum zugänglich machten, wirkte Queer as Folk deutlich selbstbewusster – und für ein nicht-queeres Publikum damit vielfach deutlich „skandalöser“. Rückblickend markiert die Serie zudem den Beginn von Russell T Davies’ außergewöhnlichem Einfluss auf die queere Fernsehgeschichte: Mehr als zwei Jahrzehnte später knüpfte er mit It’s a Sin (2021) an seine Vorreiterschaft an und erzählte die Auswirkungen der AIDS-Krise für eine neue Generation, zwischen tiefer Tragik und großer Lebensfreude. 

Boys Don’t Cry (1999) basiert auf dem Leben von Brandon Teena – und damit eines Transmannes, der wenige Jahre vor Erscheinen des Filmes zum Opfer eines brutalen Hassverbrechens wurde. Die Regisseurin und Drehbuchautorin Kimberly Peirces machte mit ihrem Drama nicht nur seine Geschichte einem internationalen Publikum bekannt, sondern führte damit gleichsam auch Fragen zu Geschlechteridentitäten und gesellschaftlicher Ausgrenzung in die kulturelle Öffentlichkeit. Schließlich wurde Hilary Swank für ihre schauspielerische Leistung mit einem Oscar gewürdigt, was dem Film eine zusätzliche Aufmerksamkeit im Mainstream einbrachte. 

Später allerdings kam es zu Debatten darüber, warum trans Figuren häufig – siehe etwa auch The Danish Girl (2015) – von cisgeschlechtlichen Schauspielern verkörpert werden. Nichtsdestotrotz gilt Boys Don't Cry bis heute als einer der wichtigsten Meilensteine zu trans Erfahrungen im Kino – und gleichwohl, wie man heute zu diesem Werk steht: Es zwang ein breites Publikum, sich mit einer Lebensrealität auseinanderzusetzen, die bis dahin weitgehend unsichtbar geblieben war.

Was Queer as Folk für schwule Zuschauer bedeutete, das wurde wenige Jahre später The L Word (2004–2009) für die lesbische Community. Die Serie von Ilene Chaiken rückte erstmals ein ganzes Ensemble an lesbischen und bisexuellen Frauen ins Zentrum und erzählte über mehrere Staffeln hinweg von komplizierten Beziehungen und Freundschaften, von Karrierewegen, Elternschaft und persönlichen Krisen. Dreh- und Angelpunkt: Das Café „The Planet“ mitten in Westhollywood.

Heute stehen der starke Fokus auf ein privilegiertes Milieu sowie die begrenzte Vielfalt der dargestellten Lebensentwürfe bisweilen in der Kritik. Dennoch bleibt die kulturelle Bedeutung von Shane (Katherine Moennig), Alice (Leisha Hailey) und Bette (Jennifer Beals) enorm: Für viele Zuschauerinnen bot die Serie immerhin erstmals die Möglichkeit, lesbische Figuren als selbstverständlichen Bestandteil einer lang angelegten Erzählung zu erleben.

Schon die Prämisse stellte eine Herausforderung für traditionelle Vorstellungen von Männlichkeit dar: Brokeback Mountain (2005) erzählt die jahrzehntelange Liebesgeschichte zwischen den Cowboys Ennis (Heath Ledger) und Jack (Jake Gyllenhaal). Ausgerechnet der Western, und damit eines der hypermaskulinsten Genres der Filmgeschichte, wurde so zum Hintergrund einer tragischen Liebesgeschichte zwischen zwei Männern.

Ang Lees zartes Drama bewies dennoch, dass eine queere Liebesgeschichte auch ein großes Mainstream-Publikum erreichen konnte. Die Grenzen der Akzeptanz zeigten sich ausgerechnet bei den Academy-Awards: Brokeback Mountain galt zwar lange als Favorit für die Auszeichnung als „Bester Film“, verlor jedoch überraschend gegen L.A. Crash (2005). Viele Beobachterinnen und Beobachter der Branche sahen darin einen Ausdruck der (damaligen) Vorbehalte gegenüber einer offen schwulen Liebesgeschichte. Unabhängig vom Oscar-Ausgang jedoch veränderte Brokeback Mountain nachhaltig die Wahrnehmung queerer Figuren im Mainstream-Kino – und gilt bis heute als einer der wichtigsten LGBTQ-Filme des 21. Jahrhunderts. 

Für viele Zuschauerinnen war – und ist – Blau ist eine warme Farbe (2013) eine der nahbarsten Darstellungen einer lesbischen Beziehung, die je ein großes Publikum erreicht hat. Im Zentrum der Aufmerksamkeit steht die Schülerin Adèle (Adèle Exarchopoulos), deren Leben sich schlagartig verändert, als sie die selbstbewusste Kunststudentin Emma (Léa Seydoux) kennenlernt. Das Drama begleitet die beiden über mehrere Jahre hinweg und zeichnet dabei mit beeindruckender Unmittelbarkeit die Intensität der ersten Liebe nach, erzählt von Leidenschaft, von Selbstfindung – aber auch von Klassenunterschieden und letztlicher Entfremdung.

Zusätzliche Aufmerksamkeit erlangte Blau ist eine warme Farbe durch seine Auszeichnung mit der Goldenen Palme bei den Filmfestspielen in Cannes. Doch der Erfolg wurde schnell von Kontroversen begleitet. Vor allem die langen und expliziten Sexszenen lösten Debatten darüber aus, ob Regisseur Abdellatif Kechiche lesbisches Begehren authentisch oder vielmehr aus einer männlich-voyeuristischen Perspektive inszeniert. Auch die Hauptdarstellerinnen äußerten später Kritik an den Arbeitsbedingungen während der Dreharbeiten. 

Als bei der Oscar-Verleihung im Jahr 2017 zunächst fälschlicherweise La La Land (2016) als Gewinner in der Kategorie „Bester Film“ ausgerufen wurde, ehe dann doch Moonlight (2016) wenige Minuten später den wichtigsten Preis des Abends erhielt, schien das Academy-Chaos perfekt. Fast schien es so, als erlebten die Oscars ihren zweiten „Brokeback Mountain“-Moment – doch als leises Drama über einen Schwarzen, schwulen Jungen dürften Moonlight damals deutlich weniger als Favoriten im Sinn gehabt haben, als rund zwanzig Jahre zuvor Ang Lees Film. 

Barry Jenkins’ beeindruckendes Filmtriptychon begleitet Chiron (Alex Hibbert, Ashton Sanders und Trevante Rhodes) in drei Lebensphasen: Aufgewachsen in einem armen Viertel von Miami, ringt er mit seiner Sexualität und Identität, die im Gegensatz zu den allgemeinen Erwartungen an schwarze Männlichkeit steht. Auch darin liegt die kulturelle Sprengkraft dieses Filmes: Er rückt eine Perspektive ins Zentrum, die in Hollywood jahrzehntelang kaum sichtbar war, und bewies zugleich, dass queere Geschichten nicht nach den bekannten Mustern des Mainstream-Kinos erzählt werden müssen, um ein weltweites Publikum zu berühren.

Lange bevor Begriffe wie „Voguing“ durch Madonna im Mainstream ankamen, entstanden sie in der mehrheitlich durch queere Schwarze und Latinos geprägten Ballroom-Kultur in New York. Doch die Menschen, die diese Kultur geschaffen hatten, blieben in Film und Fernsehen meist unsichtbar. Pose (2018–2021) änderte das. Die Serie von Steven Canals, Ryan Murphy und Brad Falchuk führt in die besagte Szene der 1980er und frühen 1990er Jahre und folgt Figuren, die zwischen Glamour, Armut und gesellschaftlicher Ausgrenzung nach Zugehörigkeit suchen.

Fernsehgeschichte schrieb Pose vor allem durch seine Besetzung: Nie zuvor waren so viele trans Schauspielerinnen in zentralen Rollen einer großen US-Serie zu sehen gewesen. Die Produktion wurde so nicht nur zu einem Meilenstein der Repräsentation, sondern auch zu einer Erinnerung daran, wie viele prägende Kapitel queerer Kultur selbst innerhalb der Community jahrzehntelang übersehen wurden.

Die HBO-Serie The Last of Us (seit 2023) zeigt zugleich, wie sehr queere Figuren inzwischen im Mainstream angekommen sind – und wie umstritten sie dort noch sind. Bereits die Videospielvorlage sorgte für Diskussionen, als Hauptfigur Ellie im zweiten Teil der Reihe eindeutig als lesbisch gezeigt wurde. Wenngleich viele Fans die Entwicklung begrüßten, stieß sie bei großen Teilen der Gaming-Community auf heftige Ablehnung und machte die Reihe zu einem Symbol für Debatten über LGBTQ-Repräsentation in großen Franchises.

In der Serienadaption gehört Ellies (Bella Ramsey) sexuelle Orientierung zwar von Anfang an selbstverständlich zur Handlung – und trotzdem löste die dritte Folge der ersten Staffel eine hitzige Diskussion aus. Darin wird das Schicksal des Preppers Bill (Nick Offerman) und Frank (Murray Bartlett) erzählt, die sich im Laufe der Spielzeit nach und nach als Paar entpuppen, das über Jahrzehnte zusammenlebte. 

Während sich im Netz ein regelrechter Mob formierte, der gezielt schlechte Bewertungen für die Episode auf Bewertungsportalen hinterließ, wird die Folge von Kritikerinnen und Kritikern als ein Paradebeispiel für episodisches Erzählen zelebriert. Obendrein unterstrich The Last of Us mit diesem Kapitel, dass Liebe letztlich vor allem immer eines bleibt: eine universelle menschliche Erfahrung ist.